C'est le retour le plus fréquent en revue de design, et le moins actionnable. Une interface « fait chargé », sans que personne ne sache dire précisément quel élément retirer, ni pourquoi. Le jugement reste intuitif, donc impossible à trancher entre deux avis opposés.
La recherche en charge cognitive propose une sortie à ce blocage : des critères mesurables, pas seulement une impression. De quoi transformer un débat de goût en revue de design objectivable.
Le repère le plus cité reste la loi de Miller : la mémoire de travail humaine retient en moyenne 7±2 éléments à la fois. Au-delà, chaque élément supplémentaire affiché à l'écran entre en concurrence directe avec les autres pour cette capacité limitée.
Nielsen Norman Group pose une distinction utile pour trancher les débats de revue. La charge intrinsèque est l'effort nécessaire pour comprendre une information nouvelle et légitime — elle est souhaitable, on ne cherche pas à la supprimer. La charge extrinsèque est l'effort parasite ajouté par une mauvaise organisation de l'écran — elle, doit être éliminée.
Cette distinction change la question posée en revue. Ce n'est plus « cet élément est-il utile ? », presque toujours répondu par oui. C'est « cet élément ajoute-t-il de la compréhension, ou seulement du bruit à traiter avant d'atteindre l'information utile ? ».
Des travaux en perception visuelle s'y attaquent directement, notamment ceux de Rosenholtz et ses co-auteurs. Ils identifient cinq facteurs mesurables plutôt qu'une impression globale de fouillis.
Aucun de ces cinq facteurs ne se mesure au jugé de manière fiable. Mais chacun peut se transformer en question de revue simple, applicable sans outillage lourd.
L'objectif n'est pas de calculer un score scientifique exact — MeasuringU le reconnaît elle-même, aucune métrique de clutter standardisée n'existe encore pour le web. L'objectif est de remplacer une intuition par une grille de questions partagée par toute l'équipe.
Combien d'éléments interactifs ou informatifs sont visibles simultanément sur cet écran, sans défilement ? Existe-t-il une zone où cette densité dépasse nettement le reste de l'écran ? Les éléments qui appartiennent à une même tâche sont-ils regroupés visuellement, ou séparés par d'autres blocs ? Le texte et les icônes se détachent-ils nettement de leur fond, à distance normale de lecture ? Combien de couleurs différentes portent une signification sur cet écran, au-delà de la charte graphique neutre ?
Une réponse imprécise ou débattue à l'une de ces cinq questions signale un point de friction réel — pas une préférence esthétique entre deux designers.
Prenons un tableau de bord SaaS classique, celui qu'on croise dans la plupart des back-offices. Une vingtaine de métriques affichées d'un bloc, sans hiérarchie visuelle entre elles. La première question de la grille suffit déjà à isoler le problème. Vingt éléments visibles simultanément dépasse largement les 7±2 que la mémoire de travail peut traiter sans effort.
La réponse n'est pas de tout retirer. C'est de regrouper les métriques par tâche réelle de l'utilisateur — surveillance quotidienne d'un côté, analyse ponctuelle de l'autre. Puis de ne garder en haut d'écran que ce que la charge intrinsèque de la tâche du jour exige vraiment. Le reste peut rester accessible, mais un niveau plus bas, sans polluer la première lecture.
La grille ne dit jamais quoi retirer à l'aveugle. Elle indique où porte l'attention en premier, avant même d'ouvrir un débat esthétique sur les couleurs ou les espacements.
Une fois un point de friction identifié, NN/g propose trois leviers concrets, dans un ordre de priorité utile. Éliminer d'abord : retirer les liens redondants, les images décoratives sans fonction, les effets typographiques qui n'apportent aucune information. Le calcul est simple, tout élément qui ne porte pas de sens direct consomme quand même de l'attention.
Le deuxième levier consiste à réutiliser des modèles mentaux déjà installés chez l'utilisateur. Les mêmes libellés, les mêmes emplacements que ceux déjà rencontrés ailleurs sur le web. Un utilisateur qui reconnaît un pattern n'a plus à l'apprendre, seulement à l'exécuter.
Le troisième levier décharge directement l'utilisateur d'une tâche mentale. Préremplir un champ déjà renseigné ailleurs, proposer une valeur par défaut sensée, afficher une image plutôt qu'un paragraphe à lire. Chacun de ces trois leviers a un coût d'implémentation différent — mais tous les trois réduisent la charge sans retirer d'information réelle.
Une grille de densité objective un diagnostic, elle ne prédit pas le ressenti réel d'un utilisateur donné. Un utilisateur neuro-atypique peut ressentir comme écrasante une densité qu'un autre traverse sans effort conscient. La grille aide à repérer les écrans à risque, pas à remplacer l'observation d'un usage réel.
C'est la même limite que celle qu'on documente pour la conception pour l'accessibilité. Un score qui rassure sur le papier ne dispense jamais de vérification réelle. Il faut toujours regarder comment un écran se comporte face à un utilisateur concret, en session.
La densité d'une interface reste largement affaire de contexte. Un tableau de bord destiné à un expert peut assumer une densité qu'une page d'accueil grand public ne peut pas se permettre. La grille ne dicte pas de seuil universel, tout comme la loi de Hick ne dicte pas de nombre magique d'options dans un menu.
Ce que la grille change, c'est la nature du débat. Elle remplace « je trouve que ça fait chargé » par cinq questions vérifiables. Applicables par n'importe qui dans l'équipe — designer, développeur ou product manager. Personne n'a besoin d'attendre un test utilisateur complet pour trancher un premier arbitrage.
--- # Astro Empires : 20 ans d'interface figée, et une rustine IA en 2026 URL: https://www.beryldesign.fr/post/astro-empires-20-ans-interface-figee Date: 2026-09-11 Astro Empires tourne depuis 20 ans sans refonte d'interface — et vient d'ajouter un assistant IA. Ce que ce choix révèle sur la dette technique assumée.Astro Empires a ouvert en mai 2006. Le jeu tourne toujours, avec plus de 2 millions de joueurs enregistrés selon son site officiel. Sur ces vingt ans, une seule vraie évolution structurelle : un skin mobile ajouté en 2012.
En 2026, l'éditeur vient d'introduire Spark, un assistant IA propulsé par GPT. Un jeu qui a résisté à deux décennies de refontes UI ailleurs sur le web vient d'accueillir la fonctionnalité la plus tendance du moment. Ce contraste est le vrai sujet de cet article.
Astro Empires reste, dans les mots de MMOs.com, un jeu « au gameplay largement textuel ». Comparé à OGame, son concurrent direct depuis toujours, la revue le crédite même de graphismes et d'animations « plus actualisés ».
La gestion de planète, la construction de flotte, la carte des systèmes solaires : chaque écran reste pensé comme un tableau de données à parcourir. Jamais comme une scène à contempler. C'est un choix de conception cohérent avec un jeu de gestion — l'information prime sur la mise en scène, session après session.
Un choix qui a une vraie justification technique. Ce texte-first rend le jeu accessible depuis n'importe quel appareil avec une connexion, sans téléchargement ni carte graphique dédiée. Pour un genre pensé pour des sessions courtes et répétées, la légèreté de la page prime souvent sur la mise en scène visuelle.
C'est le même calcul qu'on retrouve dans notre guide UX des jeux par navigateur. La promesse du genre, depuis le modèle OGame-like, tient justement à cette légèreté d'accès.
Un fil de discussion sur les forums MMORPG.com documente précisément ce qui a occupé l'équipe de développement ces dernières années. Le détail le plus révélateur ? Des modèles 3D. Les développeurs eux-mêmes ont confirmé n'avoir « aucune utilité dans le jeu, en dehors de leur valeur artistique ».
Plusieurs joueurs du fil le disent sans détour : l'art 3D « n'impressionne que ça — il ne fait rien pour le jeu ». Le reproche ne porte pas sur l'absence de nouveauté. Il porte sur sa nature : de la décoration cosmétique, jamais une refonte des écrans ou des parcours.
Le système de guildes illustre le même schéma. Il permet l'identification et la communication privée, mais sans « support sérieux » pour les traités ou la coordination. Une lacune structurelle, jamais traitée, pendant que l'équipe investit ailleurs.
Le contraste est encore plus net face à Neptune's Pride, un autre jeu spatial par navigateur. Là où Astro Empires empile des couches décoratives sur une base inchangée, Neptune's Pride a fait l'inverse dès sa conception. Supprimer l'interface plutôt que la maquiller, jusqu'à ne garder qu'une carte, des flottes et un minuteur.
Deux stratégies opposées face au même problème — une interface dense hérite toujours d'un genre né dans les années 2000. L'une retire, l'autre décore. Aucune des deux ne refond.
C'est le paradoxe le plus étrange du cas Astro Empires. Le jeu affiche toujours plus de 2 millions de comptes créés, et continue d'ouvrir de nouveaux serveurs régulièrement. Il communique par exemple sur un nouveau serveur Borealis lancé début 2026. Une interface jamais refondue n'a donc pas empêché le jeu de durer.
Les critiques relevées plus haut ne portent jamais sur l'accès ou la prise en main du jeu. Elles portent sur le rythme des mises à jour de contenu, pas sur l'interface elle-même. Pour ce public précis, la stabilité visuelle n'est pas un défaut à corriger — c'est une des raisons pour lesquelles il reste.
Trois logiques se superposent, et aucune ne relève du hasard. La première est économique. Refondre une interface texte-first qui fonctionne représente un coût difficile à justifier. La base de joueurs est déjà acquise, et parfois fidèle depuis quinze ans.
La seconde est comportementale. Une interface dense mais stable devient illisible pour un nouveau venu, mais totalement transparente pour un habitué. Il ne la « voit » plus, il agit directement. Casser cette familiarité a un coût de rétention que l'éditeur n'a visiblement jamais voulu payer.
La dernière logique est la plus honnête à nommer : la dette technique n'a jamais été traitée, seulement contournée par des ajouts en surface. Le mobile en 2012. Les modèles 3D en décoration. Spark en 2026. Trois strates ajoutées au-dessus d'une fondation jamais retouchée.
Chaque strate résout un problème visible sans jamais toucher à la structure qui le cause. C'est une stratégie parfaitement rationnelle à court terme — et de plus en plus coûteuse à mesure que les strates s'accumulent.
Le cas Astro Empires n'est pas une leçon à sens unique. Il montre qu'un texte-first bien exécuté peut porter un jeu pendant vingt ans sans quasiment aucune refonte. Mais il montre aussi le risque associé. Chaque ajout cosmétique creuse un peu plus l'écart. Ce que le jeu paraît (moderne, avec de l'IA) s'éloigne de ce qu'il est réellement (une structure d'écran de 2006).
C'est l'inverse du pari fait sur Dynasty Nova, où la refonte de l'arbre technologique a justement été traitée comme un chantier structurel. Pas comme une couche à ajouter par-dessus l'existant. Les deux approches ont un public. Mais elles ne vieillissent pas de la même façon face à un joueur qui compare.
Le cas Astro Empires suggère une grille simple, transposable à n'importe quel produit qui a de l'ancienneté. Le problème signalé par les utilisateurs porte-t-il sur le contenu affiché, ou sur la façon dont il est organisé à l'écran ? Un assistant IA peut-il vraiment résoudre ce problème, ou seulement aider à contourner une structure restée compliquée ? Et surtout : la dernière refonte structurelle date-t-elle d'avant ou d'après le dernier ajout de fonctionnalité tendance ?
Si la réponse à cette dernière question remonte à plus de dix ans, c'est un signal d'alerte. L'ajout en cours risque fort d'être une nouvelle strate — pas une solution.
Astro Empires prouve qu'une interface texte-first peut être un choix de conception durable, pas un renoncement. Mais l'arrivée de Spark en 2026 pose une question que le jeu ne pourra pas éviter longtemps. Un assistant IA peut aider à naviguer une interface dense — il ne la rend jamais plus simple pour autant.
Pour n'importe quel studio qui conçoit un jeu de gestion aujourd'hui, la leçon tient en une phrase. Ajouter de l'IA à une structure jamais retouchée traite un symptôme, jamais la cause.
--- # La loi de Hick : les menus des jeux de gestion sont ingérables URL: https://www.beryldesign.fr/post/loi-de-hick-menus-jeux-de-gestion Date: 2026-09-03 Une liste de 30 recherches sans hiérarchie ralentit toute décision, dit la loi de Hick (1952) : le cas des jeux de gestion, et comment structurer un menu long.Ouvrir l'arbre de recherche d'un jeu de gestion, tomber sur une trentaine de lignes sans hiérarchie, et hésiter avant de cliquer. Cette expérience revient sans cesse dans le genre. Ce n'est pas un hasard de conception, c'est un phénomène documenté depuis 1952.
En 1952, les psychologues William Edmund Hick et Ray Hyman ont mesuré une relation précise. Celle entre le nombre de stimuli présentés à une personne et son temps de réaction. Leur conclusion est connue depuis sous le nom de loi de Hick. Le temps nécessaire pour prendre une décision augmente avec le nombre et la complexité des choix proposés.
Le détail qui compte pour un designer : cette relation n'est pas linéaire, elle est logarithmique. Passer de 2 à 4 options ralentit sensiblement la décision. Passer de 30 à 32 options ne change presque rien — le mal est déjà fait bien avant.
Concrètement, ça veut dire qu'un menu de 8 items bien organisés bat souvent un menu de 30 items en vrac. Le nombre total d'options réelles peut pourtant être comparable, une fois les sous-menus dépliés.
Les jeux de gestion inspirés d'OGame illustrent bien le problème. Dans notre article sur la refonte de l'arbre technologique de Dynasty Nova, on documentait un arbre de recherche typique du genre. Une trentaine de technologies s'y suivent sans hiérarchie visuelle, et le joueur doit tout parcourir pour trouver ce qui l'intéresse.
Face à une telle liste, un nouveau joueur ne sait pas par où commencer. Il finit par suivre un guide externe plutôt que d'explorer l'écran lui-même. C'est le signal le plus clair qu'une interface ne remplit pas son rôle de guidage. L'utilisateur préfère un wiki tiers à ton propre menu.
L'arbre technologique n'est pas le seul endroit concerné. Les écrans de bâtiments et de flotte, dans ce type de jeu, accumulent souvent la même liste plate d'options sans hiérarchie visible.
Un joueur qui doit choisir entre quinze bâtiments à construire, sans regroupement par fonction, subit le même ralentissement. Seul l'écran change, pas le mécanisme décrit par la loi de Hick.
NN/g ne préconise pas de supprimer des options pour respecter la loi de Hick à la lettre. La bonne réponse combine catégorisation et divulgation progressive. Montrer peu de choix à la fois, organisés par intention plutôt que par ordre alphabétique ou technique.
Dans l'exemple Dynasty Nova, chaque recherche appartient à un domaine qui répond à une question concrète du joueur. « Comment je me défends » ou « comment j'avance plus vite », plutôt qu'une taxonomie abstraite. Le nom de la catégorie filtre déjà l'information avant même de l'ouvrir.
Créer une catégorie par technologie ne résout rien : c'est la même liste plate, avec un clic supplémentaire pour y accéder. La limite raisonnable observée dans la pratique se situe entre quatre et six catégories par écran. Au-delà, l'utilisateur doit à nouveau mémoriser une liste — exactement le problème qu'on cherchait à éviter.
Notre teardown UX de Forge of Empires montre l'autre versant. Ce jeu a laissé sa complexité s'accumuler, au point de générer sa propre industrie de tutoriels externes. Le joueur compense ce que l'interface ne structure plus elle-même.
Le problème n'est pas la richesse du contenu — un jeu de gestion a légitimement besoin de dizaines de mécaniques. Le problème survient quand cette richesse est exposée d'un bloc, sans étape intermédiaire pour la digérer.
Un jeu de gestion peut légitimement contenir des dizaines de technologies, de bâtiments et de ressources. La loi de Hick ne dit pas de réduire ce contenu — elle dit de ne jamais l'exposer en une seule liste plate.
La différence entre un menu qui se joue et un menu qu'on fuit vers un wiki externe tient souvent à un seul détail. Combien de choix le joueur voit-il à l'écran, au moment précis où il doit décider ?
--- # Iconify pour Figma : l'agrégateur de 200 000 icônes en un plugin URL: https://www.beryldesign.fr/post/iconify-figma-agregateur-icones Date: 2026-09-03 Iconify agrège plus de 200 000 icônes open source dans un seul plugin Figma : fonctionnement, licences mixtes, et quand le préférer à une bibliothèque unique.Un projet Figma qui grandit finit toujours par accumuler les plugins d'icônes. Un pour Lucide, un pour Tabler, un troisième pour Streamline quand un client impose son propre set. Chacun avec sa propre interface de recherche.
Iconify attaque ce problème différemment. Au lieu d'ajouter une énième bibliothèque, il agrège plus de 200 000 icônes réparties dans plus de 150 bibliothèques open source. Le tout accessible depuis un seul plugin, selon la documentation officielle du projet.
Le plugin ne dessine aucune icône lui-même. Il expose un moteur de recherche unique sur des sets existants : Material Design Icons, Font Awesome, EmojiOne, Fluent, et bien d'autres. Chaque résultat s'importe en SVG natif, jamais en bitmap.
Contrairement à certains plugins qui verrouillent le rendu final, un import Iconify reste un vecteur Figma standard. Il est recolorable, redimensionnable, et compatible avec les color styles depuis la version 4 du plugin. Rien à reconstruire à la main après coup.
Le flux tient en trois gestes. Taper un mot-clé dans la barre de recherche, filtrer les résultats par bibliothèque, puis glisser le résultat choisi sur le canvas. Aucune étape d'export-import manuel entre Iconify et le fichier Figma.
La recherche fonctionne aussi par nom technique d'icône, utile quand un développeur communique un identifiant précis (par exemple mdi:home) plutôt qu'une description visuelle. Ça évite les allers-retours de reformulation entre design et code.
C'est le piège le plus concret pour qui cherche le plugin dans Figma Community. À côté du plugin officiel, on trouve des variantes comme Iconify 2 Million Icons Library ou Iconify Icons Replace, publiées séparément.
Ce ne sont pas forcément de mauvais outils. Mais ce sont des projets distincts, maintenus différemment, avec des chiffres de couverture qui varient d'une fiche à l'autre. Avant d'installer, vérifier l'auteur et la date de dernière mise à jour évite une mauvaise surprise sur un fichier client.
Le code du plugin est publié sous licence MIT. Mais chaque bibliothèque d'icônes agrégée conserve sa propre licence — MIT, Apache 2.0, SIL OFL ou CC-BY selon les sets. Iconify affiche cette information au survol de chaque set, ce qui évite de partir à l'aveugle.
Une licence CC-BY impose une attribution visible quelque part dans le produit final. Ce détail passe souvent inaperçu quand une icône a été piochée au milieu d'une longue session de design. Sur un projet client, mieux vaut noter la licence de chaque set au moment de l'import, pas a posteriori.
Nos guides sur Lucide Icons et Tabler Icons couvrent des bibliothèques uniques, cohérentes visuellement de bout en bout. C'est le bon choix quand un produit a besoin d'un style d'icône unique et stable dans la durée.
Iconify devient pertinent dans des cas différents. Un client qui impose un set précis et méconnu en est un bon exemple. Un besoin ponctuel, qui ne justifie pas d'installer une bibliothèque dédiée, en est un autre. Une phase d'exploration, où l'on compare plusieurs styles avant de trancher, s'y prête aussi bien. Voir aussi notre comparatif sur Streamline, entre offre premium et gratuite pour un autre angle sur ce choix.
Une agence qui jongle entre plusieurs comptes clients ne peut pas standardiser sur une seule bibliothèque d'icônes. Chaque brief impose souvent son propre univers visuel, hérité d'un design system existant chez le client.
Installer une bibliothèque dédiée par client alourdit le fichier plugin de chaque designer. Un seul agrégateur, interrogé au cas par cas, évite cette accumulation tout en gardant une trace de la licence de chaque set utilisé.
Iconify ne remplace pas une bibliothèque d'icônes choisie pour un design system. Il comble un vide différent : celui du set méconnu qu'un client réclame, ou de l'icône introuvable ailleurs un vendredi soir avant une livraison.
Le vrai travail reste le même qu'avec n'importe quelle ressource externe. Vérifier la licence du set utilisé, noter l'attribution si elle est requise. Garder aussi un œil sur la cohérence visuelle si plusieurs sets finissent dans le même fichier.
--- # Marché UX/UI 2026 : ce que change le ralentissement du recrutement URL: https://www.beryldesign.fr/post/marche-ux-ui-2026-ralentissement-recrutement Date: 2026-09-03 Les intentions de recrutement de cadres sont au plus bas depuis 2020 (Apec). Ce qui compte vraiment aujourd'hui pour un profil UX/UI, chiffres à l'appui.Depuis plusieurs mois, les designers UX/UI parlent d'un marché plus dur. Les chiffres confirment ce ressenti, avec une précision qui aide à distinguer ce qui a vraiment changé de ce qui n'a pas bougé.
Selon le baromètre Apec, seules 8% des entreprises prévoyaient de recruter des cadres au dernier trimestre 2025. C'est un niveau qu'on n'avait plus vu depuis 2020. La baisse touche presque tous les secteurs, grandes entreprises comme PME.
Pour le design en particulier, l'écart se creuse depuis 2023. Le nombre d'offres UX/UI a reculé de 10 à 20% selon les régions, d'après une synthèse récente du marché publiée par ux-ui.fr. Ce n'est donc pas une impression isolée : c'est un mouvement de fond, documenté par plusieurs sources indépendantes.
À l'échelle nationale, la tendance est la même : 2,4 millions d'embauches sont attendues en 2026, soit 12,5% de moins qu'en 2024, tous secteurs confondus. Le design suit donc une normalisation générale du marché de l'emploi, pas une crise propre au secteur.
Un marché qui recrute moins n'est pas un marché qui recrute n'importe comment. Les entreprises qui publient une offre aujourd'hui prennent plus de temps pour choisir, et affinent leurs critères plutôt que de les relâcher.
La durée moyenne de recrutement s'étale désormais sur 4 à 12 semaines selon le poste visé. Une fourchette large, qui traduit surtout des process plus longs et plus sélectifs qu'auparavant.
Un chiffre tranche avec le reste du tableau. La demande pour une maîtrise pratique de l'IA générative a progressé de 245% en un an, selon une analyse publiée par IT Social. L'IA ne supprime pas les postes de design — elle relève simplement la barre d'entrée.
Autre signal notable : 62% des recruteurs disent privilégier les profils qui combinent compétences, expérience terrain et capacité à progresser rapidement. Le diplôme ou le portfolio seul ne suffit plus à emporter la décision.
Les offres continuent de citer en premier la recherche utilisateur et la capacité à défendre ses choix avec des données. Mesurer l'impact réel d'une décision de design vient juste après. Ce socle n'a pas bougé — il s'est même renforcé face à des budgets plus serrés.
Savoir construire et maintenir un design system reste un critère fréquent. C'est un signal facile à vérifier en entretien, et qui rassure sur la capacité à s'intégrer dans une équipe produit déjà structurée.
L'accessibilité apparaît désormais dans des offres qui ne la mentionnaient jamais il y a deux ans. Un mouvement cohérent avec le calendrier réglementaire, détaillé dans notre article sur RGAA, EAA, WCAG.
Les grilles salariales médianes observées en France en 2026 restent structurées par l'ancienneté. Un profil junior se situe entre 32 et 38 k€, un intermédiaire entre 38 et 48 k€. Un senior se situe entre 48 et 65 k€. Même les postes intermédiaires demandent désormais 2 à 5 ans d'expérience minimum.
Les secteurs qui recrutent le plus restent le SaaS B2B, la fintech, la santé et les services publics. Ce sont des domaines où un mauvais design coûte cher, ce qui protège relativement le budget design même en période de ralentissement.
Ce ralentissement recoupe une autre tendance qu'on avait déjà documentée : le retour des profils hybrides et techniques. Un marché qui recrute moins recrute plus large par poste — la polyvalence devient un argument, pas un aveu de faiblesse.
Ça vaut aussi pour l'IA : ne pas s'y mettre n'est plus tenable, mais s'y mettre sans le montrer concrètement ne rapporte rien non plus. Notre guide sur les compétences IA du designer en 2026 détaille ce qui compte vraiment pour durer, au-delà de l'effet de mode.
Un process étalé sur 4 à 12 semaines n'est pas neutre pour qui postule. Il implique souvent plusieurs entretiens successifs, parfois un test pratique noté, là où un process court se contentait autrefois d'un échange et d'un portfolio.
Ça change la préparation attendue. Un candidat qui arrive avec une seule étude de cas générique perd du terrain. Celui qui adapte son discours à chaque étape du process, en anticipant les questions propres au produit visé, tire son épingle du jeu.
Le ralentissement du recrutement en 2026 est réel et mesuré. 8% d'intentions d'embauche, un plus bas depuis 2020, des offres UX/UI en recul de 10 à 20%. Mais ce chiffre cache une reconfiguration plus intéressante que la simple pénurie.
Les compétences qui comptaient déjà — recherche utilisateur, mesure d'impact, accessibilité — comptent encore plus. Et une nouvelle exigence s'ajoute clairement : montrer, preuves à l'appui, qu'on sait utiliser l'IA générative sans s'y dissoudre.
--- # Contraste APCA : au-delà du ratio WCAG 4.5:1 URL: https://www.beryldesign.fr/post/contraste-apca-wcag-au-dela-du-ratio Date: 2026-08-30 Le ratio WCAG 2.x surestime le contraste des couleurs sombres. L'APCA, candidat pour WCAG 3, corrige ce défaut — ce qu'il change, et son statut aujourd'hui.Un texte gris foncé sur fond noir peut afficher un ratio WCAG de 4.5:1 parfaitement conforme, et rester difficile à lire. Ce n'est pas un bug d'outil de mesure. C'est une limite connue du calcul de contraste WCAG 2.x lui-même.
L'APCA (Advanced Perceptual Contrast Algorithm) a été conçu pour corriger ce défaut précis. Voici ce qu'il change, et pourquoi ce n'est pas encore la norme officielle à suivre les yeux fermés.
Le sujet dépasse la seule conformité réglementaire. Un mauvais calcul de contraste se traduit concrètement par des utilisateurs qui plissent les yeux ou zooment inutilement. D'autres abandonnent carrément leur lecture, bien avant qu'un audit officiel ne détecte le problème.
Le calcul actuel compare la luminance relative de deux couleurs. Il produit un ratio simple : 4.5:1 pour le texte courant, 3:1 pour le grand texte. C'est ce calcul qu'utilise le RGAA, détaillé dans notre article sur RGAA, EAA, WCAG.
Ce calcul surestime systématiquement le contraste quand l'une des deux couleurs est proche du noir. Un texte gris anthracite sur fond noir peut afficher 4.5:1 sur le papier, tout en étant fonctionnellement illisible à l'écran. Le chiffre est juste au sens mathématique — il ne reflète simplement pas la perception humaine réelle dans cette zone.
La plupart des interfaces testent leurs contrastes sur des fonds clairs, où le calcul WCAG 2.x se comporte raisonnablement bien. Le problème surgit surtout avec la généralisation des modes sombres depuis quelques années. C'est un terrain que WCAG 2.x n'avait pas vraiment anticipé au moment de sa conception.
Développé par Myndex Research, l'APCA remplace le ratio par un score sur une échelle d'environ 100, appelé Lc (Lightness Contrast). Plus la valeur est élevée, plus le contraste perçu est fort.
La différence clé : une valeur Lc de 60 représente le même contraste perçu, que la palette soit pastel ou quasi noire. Doubler le Lc double approximativement le contraste ressenti. Le ratio WCAG 2.x n'a jamais eu cette propriété. Un même ratio peut paraître très différent selon la zone de luminosité où il se situe.
On trouve souvent des tables de correspondance : Lc 60 ≈ 4.5:1, Lc 45 ≈ 3:1, Lc 75 ≈ 7:1. Ces équivalences sont réelles, mais seulement autour d'une zone de luminosité précise, proche du gris moyen #9e9e9e.
En dehors de cette bande étroite, les deux échelles divergent nettement. Convertir un ratio WCAG existant en Lc APCA avec une simple règle de trois donne un résultat faux la plupart du temps.
Autre différence structurelle : APCA intègre la taille et le poids de la police dans son calcul. WCAG 2.x, lui, applique le même seuil de ratio quel que soit le corps du texte. Seule exception : la distinction binaire entre texte normal et grand texte.
Un texte en 32px gras et un texte en 14px fin n'ont pas la même lisibilité à contraste égal. APCA le prend en compte nativement, ce qui rapproche la mesure de ce qu'un œil humain perçoit réellement.
Concrètement, l'algorithme calcule un seuil minimal de Lc différent selon la taille et la graisse combinées du texte. Un gros titre en gras tolère un Lc plus bas qu'un texte de légende fin. C'est l'inverse de ce que suggère l'intuition, mais cohérent avec ce qu'un œil perçoit vraiment sur un écran.
C'est le point le plus mal compris de l'APCA : ce n'est pas encore une norme obligatoire. L'algorithme est la méthode candidate retenue par le groupe de travail Silver du W3C pour la future version WCAG 3. Cette future norme reste en développement, sans date de publication ferme.
Le RGAA 4.1.2, applicable aujourd'hui, reste aligné sur WCAG 2.1 et son calcul de ratio classique. Voir aussi notre guide sur l'accessibilité des formulaires pour d'autres critères déjà opposables. Utiliser l'APCA seul, sans vérifier le ratio WCAG 2.x, ne suffit pas à être conforme à la réglementation actuelle.
Dans la zone de gris moyen, autour de #9e9e9e, les deux méthodes se comportent de façon comparable. C'est cette zone précise qui a servi à établir les équivalences approximatives citées plus haut (Lc 60 ≈ 4.5:1).
L'écart se creuse dans les tons sombres, exactement le terrain le plus exposé depuis la généralisation des interfaces en mode sombre. Un texte gris foncé sur fond quasi noir peut afficher un ratio WCAG 2.x confortablement conforme. Passé à la moulinette APCA, ce même texte obtient un score Lc nettement plus bas — le signal exact d'une surestimation.
Pas besoin d'implémenter la formule à la main pour se faire une idée. Le site officiel du projet propose une calculatrice en ligne. On y entre deux couleurs, et on obtient directement le score Lc, comparé au ratio WCAG le plus proche.
Tester ses propres palettes de mode sombre avec cet outil permet de repérer les faux positifs avant qu'un utilisateur réel ne les rencontre. C'est particulièrement utile sur les combinaisons texte-sur-fond les plus foncées, bien plus tôt qu'un audit d'accessibilité classique ne le ferait.
Trois usages raisonnables de l'APCA aujourd'hui, sans attendre WCAG 3 :
L'APCA résout un vrai défaut de mesure, documenté et connu depuis des années dans la communauté accessibilité. Ce n'est pas pour autant une excuse pour ignorer le ratio WCAG 2.x aujourd'hui — c'est lui qui reste opposable, via le RGAA.
La bonne pratique actuelle consiste à viser les deux. Conforme au ratio WCAG 2.x pour la réglementation, vérifié à l'APCA pour la fiabilité perceptuelle réelle — en particulier sur les tons sombres.
--- # Streamline : 448 000 icônes premium, le prix en vaut-il la peine ? URL: https://www.beryldesign.fr/post/streamline-icones-premium-vs-gratuites Date: 2026-08-30 448 647 icônes en 5 familles stylistiques, dès 19 $/mois : ce que Streamline apporte face à Lucide ou Tabler, et quand l'abonnement se justifie vraiment.Lucide, Tabler, Hugeicons Pro : le corpus de bibliothèques gratuites ou semi-gratuites est déjà riche. Mais chacune a un style figé, une couverture limitée à quelques milliers d'icônes, et un vide dès qu'un concept un peu spécifique manque.
Streamline vise exactement ce point de friction. Reste à savoir si sa couverture encyclopédique justifie un abonnement face à l'assemblage gratuit de plusieurs libs.
La promesse tient en une phrase : ne plus jamais avoir à mélanger cinq bibliothèques différentes dans un même projet pour trouver l'icône manquante. Reste à vérifier si le prix suit cette promesse.
Le chiffre affiché est concret : 448 647 icônes, construites sur douze ans par une équipe de 8 designers internes. La bibliothèque est organisée en plusieurs familles stylistiques distinctes plutôt qu'un seul set uniforme.
Core couvre le style épuré classique, Plump vise un rendu plus amical et arrondi, Sharp assume un style brutaliste anguleux. Deux familles complètent l'ensemble pour des usages plus spécifiques : Micro pour les interfaces compactes, Freehand pour un rendu dessiné à la main.
Cette segmentation change la manière de choisir. On ne cherche plus une icône isolée, mais une famille entière cohérente avec la direction artistique du produit. C'est un peu comme choisir une police plutôt qu'un caractère.
La différence se voit surtout sur les icônes de niche. Une bibliothèque gratuite couvre bien les 200 icônes d'interface courantes — menu, recherche, panier, notification. Elle s'arrête net dès qu'il faut illustrer un concept métier précis : une machine industrielle, un instrument médical, un objet culturel spécifique. C'est exactement ce vide que la couverture de 448 647 icônes cherche à combler.
Streamline fonctionne en freemium par abonnement, avec des paliers séparés selon le type de contenu.
Chaque palier Pro inclut des projets et clients illimités, les mises à jour continues, et l'accès via plugins Figma, Framer et une extension VS Code. Une offre gratuite existe aussi, mais limitée au contenu open source publié à part sur le site.
Les plans Pro plafonnent l'usage à 100 icônes ou 50 illustrations par projet. Un design system complet peut dépasser ce volume sur un seul projet. Mieux vaut vérifier les conditions exactes avant de souscrire plutôt que de le découvrir en cours de route. Une alternative existe aussi : des achats ponctuels d'ensembles individuels, sans abonnement, pour un besoin ciblé et non récurrent.
Nos guides sur Lucide Icons et Tabler Icons couvrent des bibliothèques gratuites, open source, à la couverture volontairement resserrée sur les besoins d'interface courants.
Streamline joue un jeu différent : la couverture prime sur la sobriété. Là où Lucide ou Tabler comptent quelques milliers d'icônes dans un style unique, Streamline en propose plusieurs centaines de milliers réparties sur cinq directions stylistiques. Le compromis est le prix — et le risque de payer pour une couverture qu'on n'exploitera jamais entièrement.
Il y a aussi une différence de gouvernance. Une bibliothèque open source évolue au rythme de contributions communautaires, parfois lentement, parfois de façon incohérente d'un contributeur à l'autre. Une bibliothèque commerciale comme Streamline, produite par une équipe interne fixe, garantit une cohérence stylistique plus stricte d'une icône à l'autre. C'est un critère qui compte davantage à mesure qu'un design system grandit.
Trois situations rendent l'abonnement rentable. Un produit qui a besoin d'icônes très spécifiques et récurrentes (secteurs métier, objets rares) que les libs gratuites ne couvrent pas. Une équipe qui veut une cohérence stylistique garantie sur des centaines d'écrans, sans piocher dans cinq sources différentes. Ou une agence qui facture plusieurs clients et amortit l'abonnement sur plusieurs projets. La mention « projets et clients illimités » prend alors tout son sens.
Ce raisonnement rejoint celui qu'on développe à propos d'Hugeicons Pro. Le prix d'une bibliothèque premium se justifie par le temps de recherche évité, pas par le nombre brut d'icônes.
Pour un site vitrine, un MVP ou un projet personnel, Lucide ou Tabler couvrent largement les besoins courants — boutons, navigation, statuts. Payer pour 300 000 icônes quand on en utilise quinze n'a aucun sens économique.
Le même raisonnement s'applique à une startup en phase de validation. Tant que le produit peut encore pivoter fortement, investir dans une bibliothèque exhaustive est prématuré. Mieux vaut garder cette dépense pour la phase où le design system se stabilise vraiment.
Les achats ponctuels d'ensembles individuels permettent de tester une famille stylistique précise sans passer par l'abonnement mensuel. C'est le moyen le plus sûr de vérifier qu'une famille comme Plump ou Sharp s'intègre bien à une direction artistique existante. On le fait avant d'engager un budget récurrent.
Comparer ensuite le temps réellement gagné sur un sprint de design donne une mesure concrète, plus fiable qu'une simple impression après quelques recherches d'icônes isolées.
Streamline ne remplace pas Lucide ou Tabler — les trois répondent à des besoins différents. La question à se poser n'est pas « laquelle est la meilleure ». C'est plutôt : combien d'icônes différentes ce projet va-t-il réellement consommer sur sa durée de vie ?
En dessous de quelques centaines, une bibliothèque gratuite suffit. Au-delà, avec un vrai besoin de cohérence multi-style, l'abonnement Streamline devient un calcul de temps gagné plutôt qu'une dépense superflue.
--- # Card sorting et tree testing : les mener sans budget ni panel URL: https://www.beryldesign.fr/post/card-sorting-tree-testing-sans-budget Date: 2026-08-30 Card sorting ouvert/fermé, tree testing : combien de participants, combien de cartes, et comment les mener avec du papier ou un tableur plutôt qu'un outil payant.Le card sorting et le tree testing ont une réputation d'outils lourds. Panel payant, plateforme dédiée, semaines d'attente pour les résultats. Cette réputation est fausse.
Ces deux méthodes ont été conçues bien avant l'existence des outils en ligne, avec du papier et une poignée de collègues. Voici comment les mener sans budget, en gardant la rigueur qui fait leur valeur.
Les deux servent le même objectif final. Vérifier que l'architecture de l'information d'un produit correspond à la façon dont les utilisateurs pensent leur domaine. Pas à l'organigramme interne de l'entreprise qui l'a construite.
Le card sorting sert à comprendre comment les utilisateurs regroupent naturellement des contenus. On leur donne des cartes — chacune un contenu ou une fonctionnalité — et on observe comment ils les organisent.
En card sorting ouvert, les participants créent eux-mêmes leurs catégories et les nomment. C'est la version à utiliser tôt dans un projet, avant même d'avoir esquissé une architecture de l'information. Elle répond à une question précise : comment les utilisateurs pensent-ils ce domaine, avec leurs propres mots ?
En card sorting fermé, les catégories existent déjà et les participants y rangent les cartes. Utile plus tard, quand une arborescence provisoire existe et qu'il faut vérifier qu'elle tient debout face à de vrais utilisateurs.
Nielsen Norman Group recommande 15 participants pour un card sorting ouvert, 20 pour un fermé. Au-delà de 20-30, les catégories qui émergent se stabilisent — chaque participant supplémentaire ajoute peu d'information nouvelle.
Sur le nombre de cartes, NN/g conseille de rester entre 30 et 50. Au-delà, la fatigue du participant dégrade la qualité des regroupements : il trie vite, sans réfléchir, juste pour finir.
Un jeu de fiches cartonnées suffit. On écrit un contenu par carte. On demande ensuite à chaque participant de les regrouper puis de nommer ses groupes à voix haute, pendant qu'on prend des notes.
Trois choses comptent plus que le résultat final lui-même. L'ordre dans lequel un participant traite les cartes révèle souvent une hiérarchie implicite. Les hésitations devant certaines cartes signalent un contenu ambigu, mal nommé ou à cheval sur deux catégories. Les commentaires dits à voix haute pendant le tri expliquent le pourquoi derrière chaque regroupement — une information qu'aucun tableur ne capture seul.
Pour l'analyse, un tableur fait le travail d'un outil dédié sur un petit échantillon. Chaque ligne est un participant, chaque colonne une carte, et la valeur est le nom du groupe attribué. Un simple coup d'œil aux colonnes qui se ressemblent révèle les regroupements dominants — pas besoin de dendrogramme automatisé pour 15 à 20 participants.
Les collègues d'autres équipes, les amis qui utilisent des produits comparables, ou les clients existants contactés directement par email suffisent largement. Le card sorting cherche des modèles mentaux généraux, pas un profil démographique précis. Un panel professionnel payant n'apporte pas grand-chose de plus sur ce point.
Le tree testing est le complément naturel du card sorting fermé. On présente aux participants une arborescence en texte simple, sans design ni navigation visuelle. On leur demande de trouver où ils chercheraient un contenu donné.
L'absence de design est le point clé. Elle isole la structure de l'information de tout ce qui pourrait biaiser le résultat, comme un bouton bien visible ou une couleur qui attire l'œil.
Trois indicateurs suffisent pour juger une arborescence, même sans tableau de bord automatisé. Le taux de réussite direct — le participant a-t-il trouvé la bonne branche du premier coup ? Le taux de réussite avec détour — a-t-il fini par la trouver après un ou plusieurs faux départs ? Et le temps passé, un simple chronomètre suffit, révélateur d'une arborescence qui demande trop de réflexion pour une tâche censée être évidente.
Une branche où plus de 30% des participants échouent, même après plusieurs tentatives, signale presque toujours un problème de nommage plutôt qu'un problème de structure. Renommer une catégorie coûte quelques minutes ; refaire un tree test complet en coûte beaucoup moins qu'une refonte d'arborescence lancée sur une intuition seule.
NN/g recommande entre 50 et 150 participants pour un tree test — nettement plus que pour un card sorting. La raison : on veut mesurer un taux de réussite par tâche, une donnée quantitative qui a besoin d'un échantillon plus large pour être fiable.
Un lien partagé sur les canaux internes de l'entreprise suffit souvent. Une story sur les réseaux sociaux du produit, ou un post dans une communauté d'utilisateurs existante, fonctionne tout aussi bien. En quelques jours, on atteint les 50 réponses visées. La qualité du recrutement compte moins ici que pour un test qualitatif : on cherche un signal statistique, pas une compréhension fine de chaque parcours.
Card sorting et tree testing révèlent des structures — jamais des intentions profondes ou des émotions face à une interface. Pour ça, l'observation directe reste irremplaçable. C'est un principe qu'on retrouve dans notre article sur le fake-door testing. Une méthode légère répond à une question précise ; elle ne remplace pas une recherche complète.
Les catégories qui émergent d'un card sorting reflètent aussi des modèles mentaux collectifs, pas universels. C'est un rappel utile de ce qu'on développe dans notre présentation de la théorie de Gestalt en UX design. La perception d'un groupe dépend fortement du contexte et du vocabulaire du domaine.
Un card sorting mené auprès d'utilisateurs experts d'un domaine donnera des regroupements différents d'un card sorting mené auprès de novices. Aucun des deux résultats n'est faux. Ils répondent simplement à des populations différentes, et le choix du panel doit refléter le public réel du produit.
Un card sorting avec 15 collègues et des fiches cartonnées produit un signal tout aussi exploitable qu'un card sorting à 5 000 euros. La condition : être mené avec la même discipline. C'est le protocole qui compte, pas le prix de l'outil. Le nombre de participants, l'absence de biais dans les cartes, les notes prises au fil de l'observation.
La vraie question n'est jamais « ai-je le budget pour ces méthodes ? ». C'est plutôt : « ai-je pris le temps de les mener correctement ? ».
--- # Accessibilité des formulaires : les erreurs les plus courantes URL: https://www.beryldesign.fr/post/accessibilite-formulaires-erreurs-courantes Date: 2026-08-27 Label remplacé par un placeholder, erreur signalée en couleur seule, validation à chaque frappe : les erreurs WCAG les plus fréquentes sur les formulaires.Un bouton mal contrasté se voit à l'œil. Un formulaire inaccessible, lui, ne se voit pas. Il se traduit juste par des abandons silencieux, des tickets support répétitifs. Ou des utilisateurs qui renoncent avant même de comprendre pourquoi ça ne marche pas.
Le W3C consacre un tutoriel entier aux formulaires dans ses ressources d'accessibilité — signe que c'est l'un des composants les plus piégeux à réussir. Voici les erreurs qui reviennent le plus souvent, avec le critère WCAG qu'elles cassent et la correction concrète.
Aucune de ces erreurs n'est spécifique à un framework ou à un outil de design en particulier. On les retrouve sur un formulaire codé à la main comme sur un composant généré par une librairie UI réputée. La bibliothèque ne protège jamais automatiquement contre un mauvais usage.
C'est l'erreur la plus répandue. Un champ sans label visible, avec juste un texte d'exemple en gris clair à l'intérieur. Le problème : ce texte disparaît dès que l'utilisateur commence à taper, et les lecteurs d'écran le traitent de façon incohérente selon les navigateurs.
Le correctif est simple : chaque champ garde un <label> visible, associé par for/id. Le placeholder reste utile en complément — jamais en remplacement. C'est le critère WCAG 3.3.2 (Labels ou instructions).
Une bordure qui passe au rouge, sans rien d'autre : ça échoue le critère 3.3.1 (Identification des erreurs). Une personne daltonienne, ou qui navigue avec un contraste réduit, ne perçoit tout simplement pas le changement.
Le champ en erreur doit porter un texte explicite à côté de lui, pas seulement une couleur. Techniquement, aria-invalid="true" plus aria-describedby pointant vers ce texte.
« Champ invalide » ne sert à rien. « L'adresse email doit contenir un @ » se corrige en cinq secondes. Un bon message d'erreur nomme le champ concerné et propose la correction attendue — pas juste le constat de l'échec.
Afficher une erreur dès la première lettre tapée dans un champ email crée une friction inutile, avant même que l'utilisateur ait fini d'écrire. C'est aussi anxiogène pour certains profils, notamment neuro-atypiques (voir notre article sur la neuro-inclusion en UX). La bonne pratique : valider à la perte de focus (blur) ou à la soumission, jamais à chaque caractère.
Un champ email, téléphone ou adresse sans attribut autocomplete approprié échoue le critère 1.3.5 (Identifier la finalité de la saisie). Cet attribut permet aux navigateurs et aux technologies d'assistance de préremplir intelligemment le champ. Le gain de temps dépasse largement le public en situation de handicap.
Un astérisque seul, sans légende expliquant ce qu'il signifie, ou pire, un champ obligatoire qui ne l'indique qu'au moment de l'erreur de soumission. L'indicateur doit être visible avant que l'utilisateur remplisse le champ, avec l'attribut required qui l'accompagne techniquement.
Une adresse postale éclatée en quatre champs (numéro, rue, code postal, ville). Ou un groupe de cases à cocher pour un même choix. Dans les deux cas, sans <fieldset> ni <legend> qui les rassemble. Un lecteur d'écran annonce alors chaque champ isolément, sans jamais faire comprendre qu'ils forment un seul ensemble logique. Le correctif est un simple wrapper sémantique — aucun changement visuel requis.
Un datepicker ou un menu déroulant custom, construit à partir de <div> plutôt que d'éléments natifs, échoue souvent le critère 2.1.1 (Clavier). Impossible à ouvrir, naviguer ou fermer sans souris. C'est l'un des points qu'on retrouve régulièrement dans nos principes fondamentaux de l'UI design : un composant visuellement abouti n'est pas automatiquement un composant utilisable.
Le réflexe le plus fiable reste de partir d'un élément natif (<input type="date">, <select>). On le personnalise visuellement en CSS, plutôt que de reconstruire le comportement clavier à la main.
Un contour de focus supprimé en CSS (outline: none) sans remplacement visible casse le critère 2.4.7. Pour un utilisateur qui navigue au clavier, c'est l'équivalent d'un curseur de souris qui disparaîtrait de l'écran. Impossible de savoir où on se trouve dans le formulaire. Un style de focus personnalisé est acceptable — son absence totale ne l'est jamais.
Un formulaire de paiement ou d'inscription abandonné à cause d'une erreur mal signalée ne remonte dans aucune métrique produit habituelle. L'utilisateur ne clique pas sur un bouton « signaler un bug » — il ferme l'onglet.
C'est ce qui rend ces erreurs particulièrement coûteuses à long terme. Elles n'apparaissent dans aucun tableau de bord. Jusqu'à ce qu'un audit RGAA ou une plainte les révèle d'un coup, sur l'ensemble du site à la fois.
Pas besoin d'outillage lourd pour un premier passage :
<label> dans l'inspecteur → un for qui ne correspond à aucun id est un label cassé, même s'il s'affiche correctement à l'écranAucune des erreurs listées ici ne demande de repenser l'interface visuelle. Un label qui reste affiché, un message d'erreur qui nomme le problème, un attribut autocomplete bien renseigné. Ce sont des corrections de quelques minutes par champ, pas un chantier de refonte.
Le vrai coût est ailleurs — dans les formulaires jamais audités, où ces erreurs s'accumulent silencieusement jusqu'à devenir la norme plutôt que l'exception.
--- # RGAA, EAA, WCAG : quelle norme s'applique en 2026 ? URL: https://www.beryldesign.fr/post/rgaa-eaa-wcag-quelle-norme-accessibilite-2026 Date: 2026-08-27 Depuis juin 2025, l'EAA étend l'obligation d'accessibilité web aux entreprises privées de 10 salariés ou 2M€ de CA. Ce qui change vraiment en 2026.Votre site doit-il être accessible, et selon quelle règle exactement ? La confusion entre RGAA, EAA et WCAG vient d'un fait simple. Ce sont trois choses différentes qui se recoupent partiellement, pas trois synonymes.
WCAG est une norme technique internationale. RGAA est sa déclinaison française, historiquement réservée au secteur public. EAA est une directive européenne qui, depuis 2025, étend une obligation d'accessibilité à une grande partie du secteur privé. On démêle les trois, et surtout ce qui a changé récemment.
Les Web Content Accessibility Guidelines sont le référentiel technique produit par le W3C. Ils définissent les critères concrets : contraste, navigation clavier, labels de formulaire. Une interface doit les respecter pour être utilisable par une personne en situation de handicap.
WCAG n'a en soi aucune force légale. C'est un vocabulaire commun que les réglementations nationales et européennes viennent ensuite rendre obligatoire, chacune à leur façon. La version internationale la plus récente est WCAG 2.2. Ce n'est pas forcément celle que la loi française exige — c'est tout l'enjeu de la section suivante.
Le Référentiel Général d'Amélioration de l'Accessibilité est la transposition française de WCAG. Sa version actuelle, la 4.1.2, regroupe 106 critères répartis en 13 thématiques. Elle reste alignée sur le niveau WCAG 2.1 AA — pas encore sur la version 2.2, plus récente au niveau international.
Historiquement, le RGAA s'appliquait presque exclusivement aux services publics et aux grandes entreprises de plus de 250 millions d'euros de chiffre d'affaires. C'est ce périmètre restreint que l'EAA vient de bouleverser.
L'European Accessibility Act (directive 2019/882) est entré en vigueur le 28 juin 2025. Contrairement au RGAA d'origine, il vise directement une large partie du secteur privé — e-commerce, banque en ligne, transport de voyageurs, plateformes audiovisuelles, applications mobiles.
Le seuil est net : les entreprises d'au moins 10 salariés ou dépassant 2 millions d'euros de chiffre d'affaires annuel entrent dans le périmètre. Seules les micro-entreprises sous ces deux seuils en sont exemptées.
Concrètement, une boutique en ligne de dix personnes qui vendait jusqu'ici sans se soucier du sujet doit désormais s'y mettre. Au même titre qu'un site bancaire ou qu'une compagnie de transport. Une agence web de cinq personnes qui développe pour ses clients, elle, reste hors périmètre direct — mais ses clients, souvent, ne le sont plus.
La conformité passe par la norme européenne EN 301 549, elle-même construite sur les critères WCAG. Pour la partie web, le RGAA 4.1.2 reste la référence pratique en France. C'est le même socle technique, avec une base légale différente selon qu'on parle d'EAA ou de RGAA « historique ». Voir aussi notre article sur la conception pour l'accessibilité pour les fondamentaux qui restent identiques quelle que soit la réglementation.
Tout contenu publié après le 28 juin 2025 doit être conforme immédiatement. Les services déjà commercialisés avant cette date bénéficient d'un délai jusqu'au 28 juin 2030 pour se mettre en conformité complète.
Que l'obligation vienne du RGAA historique ou du nouveau périmètre EAA, un document revient systématiquement. La déclaration d'accessibilité, publiée sur le site lui-même, en général en pied de page.
Trois éléments sont attendus. Le taux de conformité mesuré, via un audit RGAA sur un échantillon de pages représentatif. La liste des contenus non conformes connus. Et un schéma pluriannuel de mise en accessibilité — un plan d'action daté, pas une simple promesse vague.
C'est le point le moins intuitif du dispositif. Une déclaration honnête qui reconnaît des manques concrets protège davantage qu'une absence totale de déclaration. Le régime de sanction RGAA vise justement le silence, pas l'imperfection technique. Un site à 60% de conformité avec un plan d'action daté est dans une position plus solide, légalement, qu'un site qui n'a jamais rien publié.
C'est le point le plus mal compris, et pourtant celui qui détermine concrètement le risque encouru.
Pour les obligations RGAA classiques (loi du 11 février 2005, article 47), l'ARCOM sanctionne le défaut de déclaration d'accessibilité ou de plan pluriannuel. Pas directement la non-conformité technique elle-même. Autrement dit : un site qui a publié une déclaration honnête, même imparfaite, est dans une situation très différente. Un site qui n'a rien publié du tout s'expose bien plus.
Pour le nouveau périmètre privé de l'EAA, c'est la DGCCRF qui contrôle. Les montants cités varient selon les sources. Ils convergent vers une première sanction de l'ordre de 7 500 €. Elle peut être suivie d'une astreinte journalière pouvant atteindre 3 000 € en cas de non-conformité persistante, plafonnée à 300 000 €.
Retenir la distinction est plus utile que retenir les chiffres exacts. Un manquement documentaire (pas de déclaration) et un manquement technique (site réellement inaccessible) ne relèvent ni de la même autorité, ni du même barème.
Trois questions suffisent à se situer :
Dans tous les cas, la cible technique reste la même : RGAA 4.1.2, donc WCAG 2.1 niveau AA. C'est aussi un socle qui recoupe largement les besoins d'inclusion cognitive qu'on détaille dans notre article sur la neuro-inclusion en UX. L'accessibilité réglementaire et l'accessibilité perçue par l'utilisateur ne sont pas deux sujets séparés.
Le contenu technique de l'accessibilité web n'a pas changé avec l'EAA. Ce qui a changé, c'est le nombre d'entreprises pour qui ce n'est plus une option. Une PME de e-commerce de 15 salariés qui ignorait le RGAA jusqu'ici est désormais dans le même périmètre légal qu'une administration.
La bonne nouvelle : la base technique reste unique. Se mettre en conformité RGAA 4.1.2, c'est se mettre en conformité EAA — pas deux chantiers séparés.
--- # C'est quoi un jeu « OGame-like » ? Anatomie d'un genre URL: https://www.beryldesign.fr/post/ogame-like-anatomie-genre-jeu-navigateur Date: 2026-08-27 Ressources, arbre technologique, flottes, alliances : les 4 mécaniques qui définissent un OGame-like, illustrées par OGame, Astro Empires et Neptune's Pride.Tapez « ogame like » dans un moteur de recherche. Vous tombez sur des dizaines de jeux, sans qu'aucun ne vous dise vraiment ce qui les regroupe. Le mot circule depuis vingt ans dans les forums de jeux par navigateur, mais personne n'a jamais posé sa définition noir sur blanc.
On le fait ici, à partir de ce qui a fait tenir OGame vingt ans. Et de plusieurs titres qui en reprennent — ou en cassent — le moule. Pas un classement, une anatomie : quelles mécaniques sont vraiment communes au genre, et lesquelles ne sont que des habitudes qu'on pourrait remettre en cause.
Un OGame-like se reconnaît à une combinaison précise, pas à un habillage spatial. Retirez l'une de ces quatre briques et vous changez de genre.
Le joueur gère plusieurs ressources qui se génèrent en continu, même hors connexion. OGame a été créé en 2002 par Alexander Rösner pour l'éditeur allemand Gameforge. Ses ressources sont le métal, le cristal et le deutérium — plus l'antimatière en fin de partie. Cette production passive est ce qui pousse à revenir plusieurs fois par jour. Le jeu continue sans vous, et vous ratez quelque chose si vous ne revenez pas.
Chaque recherche débloque la suivante et ferme d'autres branches, au moins temporairement. C'est le mécanisme qu'on décortique dans notre analyse de l'arbre technologique de Dynasty Nova. Un bon arbre transforme un choix de recherche en vrai dilemme stratégique, pas en simple coche à cliquer dans l'ordre.
Le combat spatial n'est presque jamais en temps réel. On envoie une flotte, on attend le résultat, on encaisse la perte ou le gain. Cette latence assumée est une signature du genre — à l'opposé des jeux d'action où chaque clic a un effet immédiat.
Les guildes ou alliances mutualisent la défense, coordonnent les attaques et se partagent des ressources. Astro Empires, le MMORTS spatial du studio Cybertopia, reprend cette brique presque à l'identique : bases, flottes, recherche et alliances dans un univers persistant. C'est la preuve que la formule tient sans réinvention — au prix d'un certain classicisme.
Les titres qui durent ne sont pas ceux qui copient OGame trait pour trait. Ce sont ceux qui retirent une brique du socle pour voir ce qu'il reste.
Dans notre décryptage de Neptune's Pride, le jeu supprime presque tout l'habillage UI classique du genre. Ne reste qu'une carte et des chiffres. Le pari : la diplomatie entre joueurs devient le vrai moteur du jeu, pas les menus.
Rail Nation retire la brique combat du moule OGame-like et la remplace par une compétition économique pure. Le jeu garde l'économie de ressources et la temporalité longue, mais retire toute confrontation militaire directe.
Sorti en 2015 par un studio resté discret, SpaceOrigin proposait un système de bases secondaires spécialisées : exploration, économie, militaire, politique. Chaque planète élisait aussi son empereur chaque mois. Une idée de gouvernance collective intéressante. Mais le jeu n'a jamais percé face à des poids lourds mieux financés. Un rappel : la mécanique seule ne suffit pas à faire vivre un genre de niche.
Garder les quatre briques du genre tout en corrigeant ce qui en a toujours été le point faible, c'est l'exercice le plus difficile. C'est la vraie question que pose notre guide UX des jeux par navigateur en 2026. Moderniser l'onboarding et la lisibilité, sans perdre la profondeur qui fait tenir un joueur vingt ans.
Le genre attire beaucoup de clones sans profondeur. Quelques signaux fiables avant d'investir du temps dans un titre :
« OGame-like » n'est pas un synonyme flou de « jeu spatial par navigateur ». C'est une combinaison précise de quatre mécaniques — ressources, technologie, flottes, alliances — que chaque titre du genre respecte ou détourne consciemment.
Comprendre cette anatomie change la façon de choisir un jeu. On ne cherche plus « un jeu comme OGame », mais celui qui a gardé les bonnes briques et corrigé les mauvaises habitudes du format.
--- # Displace pour Figma : textures glass-noise et glitch en un clic URL: https://www.beryldesign.fr/post/displace-figma-plugin-glass-noise-glitch Date: 2026-08-21 Plugin Figma gratuit pour appliquer verre dépoli, bruit et distorsion glitch en temps réel — trois usages concrets pour donner du grain à une maquette trop lisse.Une maquette Figma trop propre finit souvent par sonner faux. Des aplats parfaits, des dégradés lisses, des icônes vectorielles nettes. Et pourtant, quelque chose manque à l'œil pour la rendre crédible face à un rendu final.
Displace répond à ce problème précis. C'est un plugin Figma gratuit, disponible sur la Figma Community. Il applique trois familles d'effets — verre dépoli, bruit (noise), et distorsion glitch — directement sur une image ou un calque. L'aperçu réagit au fur et à mesure du réglage, sans étape séparée.
Displace fonctionne par superposition de texture. On duplique le calque à traiter, puis on ouvre le plugin et on choisit un préréglage. On ajuste ensuite le décalage (l'offset) pour intensifier ou adoucir l'effet. Le rendu se met à jour en direct pendant qu'on bouge le curseur, sans étape d'export intermédiaire.
Le plugin fonctionne aussi bien sur une photo que sur un bloc de texte ou une forme vectorielle. Ça le distingue d'un simple filtre d'image. Il peut déformer de la typographie sans la transformer en bitmap au préalable. Le texte reste donc modifiable après l'effet — utile quand une correction tombe après coup.
Le préréglage verre reproduit l'effet d'une vitre texturée posée devant l'image. Utile pour un fond de section hero, une carte premium, ou tout élément qu'on veut distinguer visuellement sans ajouter de contraste dur. C'est une alternative rapide à un flou gaussien classique, avec un rendu plus texturé et moins « artificiellement flou ».
Un fond de couleur unie ou un dégradé peuvent paraître numériques à l'excès sur un écran haute résolution. Un bruit fin, appliqué en overlay à faible intensité, réintroduit une texture presque imperceptible. Ce grain suffit à casser l'effet « rendu 3D générique » qu'on reproche souvent aux maquettes trop nettes. C'est la même logique qui inspire une partie des styles listés dans notre guide des styles d'interface nommés. Le grain sert d'habillage discret, jamais de motif principal.
Le préréglage glitch décale des tranches de l'image selon un motif aléatoire contrôlé. Il convient à une identité visuelle tech, gaming, ou cyberpunk, où la distorsion est une signature plutôt qu'un défaut. À utiliser avec retenue : l'effet marque fort. Un glitch discret sur un détail reste souvent plus efficace qu'un glitch appliqué à toute une interface.
Rien n'empêche de superposer plusieurs passages de Displace sur des calques dupliqués différents, chacun avec un préréglage et une intensité propres. Un fond en verre dépoli léger, puis un bruit fin par-dessus, donne une profondeur qu'aucun des deux effets seuls n'obtient. C'est une technique proche de celle qu'on utilise pour composer nos propres visuels de couverture d'article.
L'ordre des calques compte dans ce genre de combinaison. Appliquer le bruit avant le verre dépoli donne un résultat différent que l'inverse, puisque chaque passage part du rendu du calque juste en dessous. La meilleure méthode reste d'essayer les deux ordres sur un petit aperçu avant de valider sur la maquette complète. L'aperçu en temps réel rend ce test rapide. On n'a jamais besoin de recommencer depuis zéro. C'est un vrai gain de temps quand on hésite entre plusieurs compositions possibles pour une seule cover d'article ou une seule bannière.
Un point pratique à connaître avant de l'ajouter à sa maquette : Displace agit sur une copie du calque, jamais sur l'original. On garde donc toujours la version propre en dessous. Ça permet de comparer avant/après en un clic de visibilité de calque, ou de repartir de zéro si le réglage ne convient pas.
C'est le même réflexe de non-destructivité qu'on retrouve dans notre tutoriel sur le plugin Beautiful Shadows. Les meilleurs plugins de texture et de profondeur laissent toujours la possibilité de revenir en arrière sans perdre le travail initial.
Un plugin de texture n'a pas sa place partout. Sur une interface produit destinée à des captures d'écran de documentation, le grain ajouté par Displace complique plus qu'il n'aide. Même chose sur un design system où la cohérence pixel-perfect prime sur l'ambiance visuelle. Il trouve sa vraie utilité sur du contenu marketing. Des covers, des heros de landing page — des surfaces où l'ambiance visuelle compte davantage que la reproductibilité pixel par pixel.
Le grain, le bruit, la texture. C'est souvent la dernière couche qu'on ajoute à une maquette, et la première qu'on saute quand le temps presse en fin de projet. Displace rend cette étape rapide plutôt que fastidieuse. Son aperçu en temps réel évite les allers-retours entre Figma et un logiciel de retouche externe, un gain notable sur un planning déjà serré.
Ce n'est pas un plugin qui change la structure d'une maquette. C'est un plugin qui change son crédit visuel. Ça se joue souvent sur des détails qu'on ne remarque qu'une fois qu'ils manquent. C'est la différence entre une maquette qui a l'air d'un rendu, et une maquette qui a l'air d'un vrai produit fini. C'est celle qu'on présente à un client sans avoir besoin de s'excuser pour son côté trop propre.
--- # Rail Nation : le jeu par navigateur qui a supprimé le combat URL: https://www.beryldesign.fr/post/rail-nation-jeu-navigateur-sans-combat Date: 2026-08-21 Pas de raid, pas de guerre de guilde : comment Rail Nation reste compétitif en misant sur la logistique et le classement plutôt que sur la destruction.Le genre des jeux de gestion par navigateur s'est construit sur un réflexe de conception simple : mettre les joueurs en conflit direct. OGame et Forge of Empires, qu'on a déjà disséqués ici, en sont l'exemple direct. Raid, guerre de guilde, pillage de ressources : la compétition destructive comme moteur principal.
Rail Nation retire cette pièce du moteur. Pas de combat, pas de flotte à détruire, pas de ville à piller. Et pourtant, le jeu reste compétitif — c'est ce contre-exemple qui rend le cas intéressant pour la conception de jeu.
Le principe de Rail Nation tient en une phrase de sa page officielle de présentation du jeu. Plus les trajets et les horaires sont planifiés efficacement, plus vite un joueur grimpe au classement. Toute la tension compétitive vient de là — l'efficacité logistique, pas la capacité à nuire à l'adversaire.
Les prix des marchandises sont calculés en temps réel selon les livraisons de l'ensemble des joueurs. Un joueur ne vole jamais les ressources d'un autre — il peut seulement livrer plus vite, ou choisir une marchandise moins disputée. La rareté est un signal de marché, jamais une conséquence d'une attaque subie.
La progression se mesure en points de prestige, gagnés en approvisionnant des villes et industries. Le jeu traverse six époques historiques, chacune ouvrant de nouvelles locomotives et marchandises. Cette couche de renouvellement remplace la couche « guerre » d'un OGame ou d'un Forge of Empires.
Le community feedback est net sur ce point. Rail Nation est un jeu où « la diplomatie est la clé de la victoire ». Il est plus proche d'un jeu de logistique en ligne que d'un jeu de stratégie militaire. Les joueurs forment des associations pour approvisionner ensemble une ville plus vite qu'en solo.
On a documenté ailleurs les systèmes d'alliance d'OGame et Forge of Empires. Ces jeux traitent l'alliance comme un bouclier défensif contre une menace externe. On rejoint une guilde pour ne pas se faire piller, ou pour préparer une offensive commune. Chez Rail Nation, l'association n'a rien à défendre — elle existe uniquement pour additionner des capacités de livraison. La coopération y est une stratégie d'efficacité, pas une réponse à un danger.
La différence se voit aussi dans ce qui arrive à un joueur isolé. Sur OGame, jouer seul revient à s'exposer sans protection face à des flottes organisées en meute. Sur Rail Nation, jouer seul reste possible du début à la fin — on progresse simplement plus lentement qu'un groupe coordonné. L'absence de combat retire la notion même de vulnérabilité permanente.
Un test indépendant du jeu détaille trois formats de compétition en parallèle. Une course de suprématie Est contre Ouest sur la carte américaine. Une compétition de livraison sur 50 villes. Une course à la prospérité sur la carte européenne. Aucun des trois ne repose sur une action offensive contre un autre joueur. Seulement sur qui livre le plus, le plus vite, sur la bonne marchandise.
Le même test relève un détail moins flatteur. Chaque époque dure deux semaines de temps serveur, qui s'écoulent que le joueur soit actif ou non. Sans compétition destructive pour ralentir un adversaire, le seul levier qui reste pour prendre l'avantage est la régularité. Ce choix de conception peut favoriser les joueurs les plus disponibles plutôt que les plus stratèges.
Rail Nation reste free-to-play avec des achats optionnels, de 2,99 $ à plus de 260 $ selon les packs. Retirer le combat ne retire pas la tentation du raccourci payant. Les achats accélèrent la construction et l'attente, un ressort qu'on retrouve dans la quasi-totalité du genre, avec ou sans guerre.
Rail Nation prouve qu'un PBBG peut rester compétitif sans faire de la destruction son moteur. La tension vient de la course au classement et de la fenêtre de temps limitée par époque. Elle ne vient jamais de la capacité à nuire directement à un autre joueur.
Ça ne veut pas dire que le combat est un défaut de conception en soi. Notre guide du genre montre que les deux approches ont leur public. Mais ça démontre qu'un modèle économique pur peut soutenir un jeu entier, sans jamais transiger sur la compétitivité perçue par le joueur.
C'est une donnée utile pour n'importe quel studio qui conçoit un jeu de gestion aujourd'hui, y compris pour Dynasty Nova. Le combat n'est jamais une obligation de genre. C'est seulement un choix de conception parmi d'autres pour créer de la tension entre joueurs.
Rail Nation retire la pièce la plus commune du genre — le combat — et reste un jeu qui donne envie de revenir. La leçon de conception dépasse le rail et la vapeur. La compétition n'a pas besoin d'un perdant qui perd quelque chose. Elle a seulement besoin d'un classement que tout le monde regarde.
--- # La loi de Fitts en interface : la leçon que Figma a réapprise en 2024 URL: https://www.beryldesign.fr/post/loi-de-fitts-interface-cas-figma-ui3 Date: 2026-08-21 Pourquoi Figma a fait marche arrière sur ses panneaux flottants dans UI3 — et ce que la loi de Fitts (1954) explique sur la vitesse d'interaction.La loi de Fitts date de 1954. Le psychologue Paul Fitts a montré que le temps nécessaire pour atteindre une cible dépend de deux facteurs : sa distance, et sa taille. Plus une cible est loin ou petite, plus elle prend de temps à atteindre — et plus elle génère d'erreurs.
Cette loi reste théorique jusqu'à ce qu'un éditeur aussi expérimenté que Figma la redécouvre à ses dépens. En 2024, l'équipe UI3 de Figma a testé des panneaux flottants dans son éditeur. Elle a dû faire marche arrière quelques mois plus tard.
Nielsen Norman Group résume la mécanique en deux relations simples. Une distance plus grande allonge le temps de trajet du curseur. Une cible plus grande réduit ce temps — et les erreurs qui vont avec.
Le point le plus utile de la loi, pour du design d'interface, tient en une phrase de NN/g. Les bords d'écran agissent comme des murs infinis pour le curseur. Dès que le pointeur atteint un bord, il ne peut pas aller plus loin — ce qui élimine tout risque de dépassement de cible.
C'est exactement pour ça que macOS place sa barre de menus en haut d'écran, et que Windows place sa barre des tâches en bas. Un bord d'écran est une cible qu'on ne peut techniquement pas rater, quelle que soit la vitesse du geste. C'est un principe voisin de ce qu'on développe dans notre présentation des principes fondamentaux de l'UI design. La position d'un élément compte autant que son apparence.
Sur un écran tactile, ce mur infini n'existe plus. Un doigt peut dépasser le bord de l'écran sans aucune butée physique, contrairement à un curseur de souris. C'est une des raisons pour lesquelles les interfaces mobiles ne peuvent pas simplement recopier les patterns desktop bord-à-bord.
Figma raconte lui-même l'épisode sur son blog. Pour la refonte UI3, l'équipe a testé des panneaux flottants, détachés des bords de l'écran façon fenêtres libres. Un changement radical face aux panneaux fixes de l'ancienne interface.
Le premier souci constaté a été l'espace perdu. Sur petit écran, les panneaux flottants « encombraient le canevas », et certains éléments de design semblaient disparaître derrière eux.
Mais le vrai signal d'alarme est venu ensuite. Dans les mots de l'équipe elle-même : « le clou du cercueil a été d'apprendre qu'ils ralentissaient les utilisateurs ». Sans bord d'écran pour arrêter le curseur, chaque interaction demandait une précision de visée plus fine. C'est exactement ce que prédit la loi de Fitts.
Figma est revenu à des panneaux fixes, tout en gardant leur redimensionnement. L'éditeur a conservé le flottant seulement là où il pose moins de problème. Quatre cas précis : Minimize UI, la vue grille de Figma Slides, FigJam par défaut, et la barre d'outils flottante en bas d'écran. Cette dernière reste proche du bord bas, donc encore partiellement protégée par l'effet de mur.
L'épisode montre qu'une intuition esthétique peut perdre face à une loi vieille de 70 ans. Le flottant paraît plus léger, plus moderne — mais rien de tout ça ne tient si personne ne le vérifie en usage réel. C'est un biais proche de celui qu'on décrit dans notre article sur la psychologie de l'UI design. Ce qui semble juste à l'œil n'est pas toujours ce qui mesure le mieux en usage.
La partie « distance » de la loi est utile en conception. La partie « taille » se traduit en chiffres précis dans les référentiels des plateformes.
NN/g souligne un détail contre-intuitif : ajouter du padding ne suffit pas toujours. Si l'utilisateur ne perçoit pas visuellement que la zone cliquable dépasse l'icône, il continue à viser prudemment le centre visible. La zone technique s'agrandit, mais le comportement réel ne suit pas forcément. C'est la même logique qui sous-tend nos recommandations de neuro-inclusion en UX. Une interface techniquement conforme n'est pas automatiquement une interface qui se comporte comme prévu pour l'utilisateur réel.
Le cas Figma donne une règle simple à appliquer avant de shipper un changement de layout. Toute interface qui détache un contrôle fréquent d'un bord d'écran ajoute mécaniquement du temps de trajet et des erreurs. Ce n'est pas une opinion de design, c'est une conséquence mesurable.
Trois vérifications concrètes avant de valider une maquette : les contrôles les plus utilisés sont-ils proches d'un bord ou d'un coin ? Les cibles font-elles au moins 44-48px de zone cliquable réelle ? Si la réponse est non aux deux, une question reste. A-t-on testé la vitesse réelle d'usage avant de livrer, comme Figma aurait pu le faire avant sa bêta publique ?
La loi de Fitts n'est pas un concept académique à citer en réunion. C'est une prédiction vérifiable, que même l'un des éditeurs les plus regardés du secteur a fini par retrouver à ses dépens en production.
La leçon qui en ressort dépasse le cas Figma. Une intuition visuelle ne remplace jamais un test de vitesse réelle, surtout sur les contrôles qu'un utilisateur touche des centaines de fois par jour.
--- # Ce que les jeux idle apprennent à l'UX produit URL: https://www.beryldesign.fr/post/jeux-idle-ux-produit-boucles-progression Date: 2026-08-14 Boucle de compulsion, jauges de progression, états vides jamais vides : ce que Cookie Clicker et les jeux idle enseignent à la conception produit.Un jeu idle — Cookie Clicker, Antimatter Dimensions, Firestone — se résume à un principe simple. Cliquer une fois, puis regarder un chiffre grimper tout seul. Pas de skill, pas de réflexe. Juste une boucle de progression, minutée avec une précision presque cynique.
Cette précision est exactement ce qui intéresse le design produit. Un jeu idle est un laboratoire à ciel ouvert sur la motivation. Chaque palier, chaque jauge, chaque écran vide est calibré pour une seule chose : donner envie de rester une minute de plus.
Le concept qui structure tout jeu idle porte un nom : la boucle de compulsion. Trois phases s'enchaînent en continu : l'anticipation d'une récompense, l'activité nécessaire pour l'obtenir, puis l'obtention elle-même — qui relance aussitôt une nouvelle anticipation.
Le chercheur en comportement Nir Eyal a formalisé une version produit de cette boucle dans son modèle Hooked : déclencheur, action, récompense variable, investissement. La récompense variable — pas fixe, pas prévisible — est le point commun avec le jeu idle. C'est l'incertitude sur l'ampleur du prochain palier qui entretient l'attention, pas la certitude d'obtenir quelque chose.
Le même mécanisme qui rend un jeu addictif peut rendre un produit malhonnête s'il est copié sans discernement. Cette frontière n'est pas technique — entre « motiver un utilisateur à revenir » et « exploiter un biais cognitif pour le retenir ». Elle est éthique, et elle se décide au moment de choisir quoi calibrer. C'est le même terrain que celui qu'on explore dans notre article sur la psychologie de l'UI design.
Un jeu idle ne débloque jamais toutes ses mécaniques au premier écran. Le joueur commence avec un bouton, puis une jauge, puis un deuxième système, puis un troisième. Chaque ajout arrive seulement quand le précédent est compris.
C'est exactement le principe de la divulgation progressive en onboarding produit. Une fonctionnalité à la fois, au moment où elle devient pertinente, plutôt qu'un tutoriel multi-écrans à digérer avant de pouvoir commencer. Chaque instruction supplémentaire imposée avant l'action réduit l'utilisabilité perçue, qu'il s'agisse d'un jeu ou d'un produit B2B.
Le jeu idle vit et meurt par ses barres de progression. Une jauge qui se remplit donne une information que le chiffre brut n'offre pas. Combien de temps il reste, et si l'effort en vaut la peine.
Nielsen Norman Group a mesuré cet effet précisément. Face à une barre de progression animée, les utilisateurs se disaient plus satisfaits. Ils acceptaient d'attendre trois fois plus longtemps que face à un écran sans aucun indicateur.
La règle pratique qui en découle tient en trois seuils. Sous 2 secondes, aucun indicateur n'est nécessaire. Entre 2 et 10 secondes, une animation en boucle suffit. Au-delà de 10 secondes, un pourcentage explicite devient nécessaire. Un texte contextuel comme « Mise à jour 3 sur 50 » aide plus qu'un simple chiffre.
Un autre point technique du jeu idle se retrouve dans les bonnes pratiques produit : démarrer une barre lentement puis l'accélérer vers la fin. Ce choix évite une attente que le système ne peut pas tenir. Mieux vaut surprendre en bien qu'annoncer un temps qu'on ne respecte pas.
Un jeu idle ne laisse jamais un joueur face à un écran totalement vide. Même à la seconde zéro, une ressource commence à s'accumuler, un bouton unique attend d'être pressé, une jauge affiche déjà un début de mouvement.
Côté produit, l'équivalent documenté est le pattern Starter Content. On évite de laisser un nouvel utilisateur face à un tableau de bord vide. On y insère plutôt des exemples préremplis à explorer. Pencil & Paper documente l'exemple de Whimsical, qui propose des projets exemples dès l'inscription. L'utilisateur voit immédiatement ce qui est possible, au lieu d'affronter une page blanche anxiogène.
Le principe qui ressort de cette pratique est simple. Un état vide n'est pas une absence de design — c'est une occasion de design ratée s'il reste vide. Une page blanche pousse à l'abandon avant même la première action ; un état de départ, même minimal, appelle une action précise.
Je développe Dynasty Nova, un jeu de gestion spatiale par navigateur. Ces principes n'y sont pas une théorie externe, mais des choix de conception quotidiens. Sur nos trois premières minutes de jeu, la première planète n'est jamais un écran vide. Une seule construction est déjà accessible au premier clic, plutôt que dix options qui se disputent l'attention.
Sur la progression long terme, notre refonte de l'arbre technologique applique la même logique de divulgation progressive. Chaque palier débloque une capacité avant de révéler la suivante, jamais l'inverse.
Boucle de compulsion, divulgation progressive, jauges calibrées, états de départ jamais vides. Quatre mécaniques nées dans le jeu idle, documentées indépendamment côté UX produit sous d'autres noms.
La vraie question n'est pas de savoir si on peut les emprunter — la réponse est oui, elles fonctionnent. La vraie question, c'est le sens dans lequel on les calibre. Vers un utilisateur qui progresse vraiment, ou vers un utilisateur qu'on retient contre son intérêt. Le mécanisme est identique ; l'intention ne l'est pas.
--- # Neuro-inclusion en UX : concevoir pour TDAH, dyslexie et autisme URL: https://www.beryldesign.fr/post/neuro-inclusion-ux-tdah-dyslexie-autisme Date: 2026-08-14 Au-delà du contraste et du clavier : ce que le W3C WAI et la British Dyslexia Association recommandent pour réduire la charge cognitive en interface.Contraste de couleurs, taille de police, navigation au clavier : la plupart des audits d'accessibilité couvrent bien le visuel et le moteur. Ils passent souvent à côté d'un pan entier des utilisateurs — TDAH, dyslexie, autisme. Leurs blocages ne viennent ni d'un écran mal vu ni d'une souris mal tenue, mais d'une charge cognitive mal gérée.
Le W3C WAI le reconnaît explicitement. Ses Cognitive Accessibility Design Patterns existent en complément du WCAG standard. Les critères habituels — contraste, alternatives textuelles, structure sémantique — ne couvrent pas la charge mentale d'une interface.
Le réflexe commun consiste à parler de « manque d'attention ». Le problème est plus précis. Une interface qui multiplie les distractions simultanées — notifications, animations, options non essentielles — épuise la capacité de régulation. Elle le fait avant même que la tâche principale ait commencé. C'est un mécanisme proche de ce qu'on a détaillé côté psychologie de l'UI design.
Le pattern Support Simplification du W3C WAI est concret sur ce point. Il recommande de masquer les fonctionnalités non essentielles et de proposer une version simplifiée du contenu. Un chemin facile doit rester ouvert vers la version complète, pour qui en a besoin. Le repère chiffré qu'il donne est utile en soi. Une application simple compte généralement 3 à 6 fonctions visibles, le reste vivant dans un menu « plus » ou un pied de page.
La designer UX Stéphanie Walter le formule directement. Pour le TDAH, il faut réduire la charge cognitive par un étiquetage clair et des patterns de design cohérents, en laissant le contrôle à l'utilisateur. Elle ajoute un point moins évident : gérer la longueur des sessions et la reflow pour épargner la régulation de l'attention.
Le réflexe « daltonisme et contraste » ne suffit pas non plus pour la dyslexie. Le Dyslexia Style Guide de la British Dyslexia Association, mis à jour chaque année depuis vingt ans, donne des règles précises et actionnables.
Le style guide ne se limite pas à la forme. Il recommande des phrases courtes, l'usage d'images pour appuyer le texte (schémas, pictogrammes), et des messages d'erreur écrits simplement. Stéphanie Walter retrouve le même besoin côté TDAH et autisme. La lisibilité (à quel point les lettres se distinguent) et la fluidité de lecture sont deux critères séparés, à traiter chacun pour lui-même.
UXPA International résume l'enjeu central pour les utilisateurs autistes. Une interface qui change de structure sans prévenir génère de l'anxiété, indépendamment de sa qualité visuelle par ailleurs.
La hiérarchie visuelle joue ici un rôle central. On l'a couvert plus largement dans notre présentation de la théorie de Gestalt en UX. Regroupement, proximité, continuité : ces principes aident à lire une interface sans effort de décodage supplémentaire.
Le retour d'expérience de DWP Digital (l'équipe design du ministère britannique du Travail) illustre bien l'écart entre conformité légale et vraie inclusion. Le WCAG 2.1 niveau AA reste la seule obligation légale pour un service public britannique. Mais l'équipe recommande d'aller chercher, dans les critères AAA et le référentiel COGA, des patterns plus précis.
Trois exemples cités : peu ou pas de son de fond pour les troubles d'attention auditive, et une gestion fine des interruptions. Autre exemple : une fonctionnalité de repérage (« Location ») pour les utilisateurs à mémoire ou attention limitées.
Le point le plus utile de ce retour d'expérience n'est pas une nouvelle checklist. C'est un changement d'angle. Plutôt que de viser une conformité AAA totale et rarement atteignable, on croise les patterns COGA avec les vrais parcours utilisateurs. L'objectif : choisir lesquels ont un impact réel.
On a déjà traité les fondamentaux de la conception pour l'accessibilité côté moteur et visuel — contraste, structure sémantique, navigation clavier. La neuro-inclusion s'ajoute à cette base, elle ne la remplace pas. Une interface accessible au sens WCAG classique peut rester épuisante pour un cerveau qui traite l'information différemment.
Le principe qui revient dans toutes les sources citées ici mérite d'être répété : la charge cognitive n'est pas un problème de niche. Une interface plus prévisible, plus simple à scanner, avec moins de bruit visuel et sonore, profite à n'importe quel utilisateur pressé ou fatigué. Pas seulement à ceux pour qui c'est un besoin permanent.
TDAH, dyslexie, autisme : trois façons différentes de traiter l'information, mais un seul fil conducteur dans les sources qui font référence sur le sujet. Réduire la charge cognitive, rendre l'interface prévisible, et laisser le contrôle à l'utilisateur plutôt que lui imposer un seul chemin.
Ce n'est pas un chapitre optionnel de l'accessibilité. C'est la partie qu'un audit centré sur le contraste et le clavier laisse justement de côté.
--- # Forge of Empires : les 3 premières minutes de jeu, décryptées URL: https://www.beryldesign.fr/post/forge-of-empires-premieres-minutes-onboarding Date: 2026-08-14 Serveur, monde, tutoriel, diamants : trois décisions prises dans les 15 premières minutes de Forge of Empires, et ce que l'interface n'explique jamais.On a déjà documenté la complexité accumulée de Forge of Empires — douze ans de systèmes empilés. Ici, on remonte plus tôt : le tout début, avant même la première hutte.
Trois guides complémentaires couvrent chacun une couche : le serveur, la ville, les diamants. Ensemble, ils dessinent un onboarding en trois décisions, chacune irréversible une fois prise.
Premier constat : Forge of Empires ne segmente pas ses joueurs par simple préférence de langue. Chaque serveur (DE, EN, US, Beta…) correspond à un fuseau horaire réel, qui détermine à quelle heure tombent les pics d'activité de la journée.
Le serveur international porte le code EN mais tourne à l'heure du Royaume-Uni. Le serveur Beta se cache derrière l'URL zz.forgeofempires.com, pas « beta ». Rien dans l'interface n'explique ces conventions au moment où le choix compte le plus.
Chaque serveur ouvre ses mondes dans l'ordre de l'alphabet : le premier commence par A, le second par B. Un monde ancien (lettre proche de A) offre des ressources abondantes et des joueurs installés prêts à aider. Un monde récent (fin d'alphabet), lui, garantit une compétition à égalité. Cette logique n'est écrite nulle part dans le jeu — elle vit uniquement dans les guides communautaires.
Le compte est cloisonné par serveur : impossible de transférer troupes ou bâtiments d'un monde à l'autre. Seuls les diamants (monnaie premium) suivent le joueur d'un monde à l'autre sur un même serveur. Changer de serveur, en revanche, veut dire tout recommencer de zéro — un point que l'interface ne signale jamais avant la validation du choix.
Une fois le monde choisi, le jeu impose un tutoriel linéaire. Les joueurs expérimentés le contournent presque aussitôt pour reconstruire leur ville selon une logique plus efficace.
Sitôt le tutoriel achevé, la pratique observée consiste à tout défaire. On supprime les routes posées par défaut et on repositionne l'Hôtel de Ville sur un bord de carte, pour libérer un espace central mieux exploitable. Un geste radical, qu'aucun écran du jeu ne suggère ni n'encourage.
Le tutoriel pousse vers les Stilt Houses. Les joueurs aguerris leur préfèrent des Huts et des Hunters, au rendement supérieur en session active. Le jeu ne hiérarchise jamais ces options entre elles — il propose une voie, sans jamais comparer son coût réel aux alternatives.
Dès les premières quêtes de combat, un détail technique change tout. Certaines unités dites « non-attachées » ne peuvent pas être remplacées si elles tombent au combat. Rien dans l'interface de bataille ne distingue visuellement ces unités des troupes de caserne classiques, qu'on peut sacrifier sans conséquence durable.
Le troisième guide documente un pattern classique du genre. Dès les toutes premières minutes, le jeu propose des raccourcis payants : bâtiments premium, slots d'entraînement supplémentaires. Le joueur n'a alors pas encore de quoi juger s'ils en valent le coût.
Le bâtiment premium Langhaus promet un gain de population immédiat contre des diamants. Rapporté aux habitations standards, le rendement ne justifie pas la dépense. Aucun écran d'achat n'affiche ce calcul — son intérêt commercial est justement de le taire.
Le conseil qui revient dans les trois guides : garder ses diamants pour les extensions de terrain. C'est le seul investissement qui reste pertinent sur la durée. Les slots et bâtiments premium, eux, voient leur effet s'estomper en quelques heures de jeu.
Je développe Dynasty Nova, un jeu de gestion spatiale par navigateur. Sur nos trois premières minutes de jeu, chaque écran de décision (univers, vitesse, durée de partie) affiche d'emblée l'information qui compte. Elle n'est jamais laissée à la charge d'un guide tiers.
Sur la monétisation, l'écart est direct : on a choisi une approche Pay-to-Fast plutôt que Pay-to-Win. C'est l'opposé d'un raccourci premium proposé au tutoriel, avant même que le joueur sache s'il en a besoin. Et pour l'ensemble du genre, on a documenté ailleurs ce qui distingue un bon onboarding de PBBG en 2026 d'un onboarding qui se contente d'exister.
Le serveur, la ville, les diamants : trois décisions structurantes, prises dans les quinze premières minutes de Forge of Empires. Trois fois, l'interface laisse la charge d'expliquer à des guides externes plutôt que de le faire sur le moment.
Ce n'est pas une fatalité du genre. C'est un choix de conception qu'on peut faire différemment — c'est précisément le pari qu'on continue de tenir sur Dynasty Nova, écran après écran.
Cet article de synthèse est basé sur les vidéos :
Articles générés via Vidiome, puis fusionnés et enrichis.
--- # Neptune's Pride : le jeu spatial qui a supprimé l'interface URL: https://www.beryldesign.fr/post/neptunes-pride-jeu-navigateur-sans-interface Date: 2026-08-11 Neptune's Pride a retiré tout menu d'alliance dès 2010 : une carte, des étoiles, des flottes. Une leçon face à OGame et Forge of Empires.OGame a vingt ans d'interface qui s'est épaissie couche après couche. On a documenté cette accumulation en détail : des dizaines d'écrans, de menus et de tableaux qu'il faut apprendre à lire avant de jouer vraiment.
Neptune's Pride a pris le chemin inverse dès sa sortie. Pas de tableau de bord, pas de menu latéral, pas d'écran de recherche séparé : une seule carte, et presque tout se joue dessus.
Neptune's Pride est sorti en 2010. Il a été développé par le studio australien Iron Helmet Games, et conçu par Jay Kyburz. Penny Sweetser, chercheuse en gameplay émergent, a contribué à sa conception.
C'est un 4X spatial jouable entièrement dans le navigateur, comme OGame — mais avec une philosophie de design opposée (source : Wikipedia). Une suite, Neptune's Pride II: Triton, a modernisé le moteur en HTML5 sans renoncer à ce parti pris minimaliste. C'est ce choix de design, plus que la technique, qui rend le jeu intéressant à étudier près de quinze ans après sa sortie.
Toute l'économie du jeu se joue directement sur les étoiles affichées à l'écran. Chaque étoile peut recevoir un investissement en économie (revenu), en industrie (production de vaisseaux) ou en science (vitesse de recherche).
Pas de sous-menu dédié à chaque système. L'information et l'action restent au même endroit, contrairement à un jeu comme OGame où chaque ressource a son propre écran.
Une analyse du jeu résume bien ce parti pris : « There is no alliance button. There is no non-aggression pact button, or trade window » (source : Game Developer).
Aucun de ces boutons n'existe. Forge of Empires empile au contraire des dizaines de systèmes jusqu'à devenir illisible sans guide externe. L'écart entre les deux jeux ne pourrait pas être plus net.
Neptune's Pride ne propose pas de tutoriel interactif. Un nouveau joueur arrive directement sur la carte, sans écran d'introduction ni séquence guidée pour ses premiers choix.
Ce vide a produit, en retour, une abondance de guides écrits par la communauté : fiches de conseils, introductions non officielles, résumés de règles. Ils sont publiés en dehors du site du jeu lui-même. Le jeu délègue son onboarding à sa communauté plutôt qu'à son interface.
La suite HTML5, Neptune's Pride II: Triton, a ajouté de nouvelles options de recherche et modernisé le moteur technique. Certains joueurs ont signalé des soucis de sélection de flotte, un signe que même une interface minimaliste peut cacher des détails d'interaction mal réglés.
Mais le principe de départ n'a pas changé : toujours pas de bouton d'alliance, toujours une carte comme seul écran. Triton modernise l'exécution, pas la philosophie.
Neptune's Pride avance par ticks, une heure par défaut. Les flottes progressent et les ressources s'accumulent, et la partie continue même quand personne n'est connecté.
Une flotte qui change de cap doit d'abord préparer ses moteurs avant le saut. Un ordre de saut ne peut plus être annulé une fois lancé — la décision engage vraiment le joueur, pas seulement un clic réversible.
Une partie complète dure plusieurs semaines, parfois plus d'un mois. Ce rythme asynchrone rapproche le jeu d'un échange par correspondance plutôt que d'une session de jeu classique.
C'est l'opposé exact de l'expérience mobile dense d'OGame. Celle-ci est pensée pour des vérifications fréquentes et rapides, pas pour une décision posée une fois par jour.
C'est le choix le plus radical du jeu : aucune mécanique d'alliance, de pacte ou d'échange n'est arbitrée par le moteur. Les joueurs négocient par la messagerie interne, par le chat, ou même par email et messagerie instantanée en dehors du jeu.
On a étudié ailleurs comment les jeux par navigateur gèrent habituellement les alliances : la plupart encadrent la diplomatie par des mécaniques dédiées. Neptune's Pride fait le pari inverse — ne rien encadrer du tout.
La trahison n'est jamais punie par une règle du jeu, seulement par la réputation entre joueurs. Un joueur qui trahit une fois se retrouve seul pour le reste de la partie, sans recours possible auprès du jeu lui-même.
Ce choix a créé, autour du jeu, une petite économie d'outils communautaires non officiels. Une extension de navigateur existe même pour en améliorer le suivi. Le besoin d'y voir plus clair reste réel, malgré l'épure de l'interface d'origine.
Cette absence de garde-fou a un coût. Sans bouton d'alliance ni fenêtre d'échange, un nouveau joueur ne devine rien des conventions sociales du jeu. Il doit les apprendre par les forums communautaires, ou en se faisant piéger une première fois.
C'est le symétrique inverse du problème de Forge of Empires. Un jeu trop complexe pousse ses joueurs vers des tableurs externes. Un jeu trop dépouillé les pousse, lui, vers des canaux de négociation externes.
Dans les deux cas, l'interface ne suffit plus à elle seule à faire fonctionner le jeu. Elle délègue une partie du travail à la communauté, dans un sens ou dans l'autre.
OGame et Forge of Empires montrent ce que devient une interface qui accumule sans jamais retirer. Neptune's Pride montre l'excès inverse : une interface si réduite qu'elle transfère sa complexité ailleurs, hors de l'écran.
Entre les deux se trouve la vraie question à se poser en concevant un jeu par navigateur. Quelles mécaniques méritent un bouton dans l'interface ? Et lesquelles peuvent vraiment rester informelles, sans perdre un joueur qui découvre le jeu pour la première fois ?
--- # Plugins Figma par tâche en 2026 : le guide pour choisir sans se perdre URL: https://www.beryldesign.fr/post/plugins-figma-par-tache-guide-2026 Date: 2026-08-11 Plus de 80 plugins Figma classés par tâche : couleurs, typographie, vecteurs, nettoyage de fichier, design system, mockups — avec un lien vers l'analyse de chacun.On a testé et documenté plus de quatre-vingts plugins Figma sur ce site. Pris un par un, c'est une liste qui ne dit rien. Organisés par tâche — ce qu'on cherche à faire, pas le nom marketing du plugin — ils forment une vraie boîte à outils.
Cette page classe les meilleurs par besoin concret : couleurs, typographie, vecteurs, nettoyage de fichier, design system, mockups, images, conversion web, mise en page, animation. Chaque entrée pointe vers l'analyse complète du plugin correspondant.
Le besoin le plus fréquent : obtenir une palette cohérente sans y passer une heure. Color Shades génère les teintes d'une couleur de base en un clic, et Alphredo fait la même chose pour des couleurs translucides cohérentes.
Trois usages différents : uiGradients pour une bibliothèque prête à l'emploi, Grainy Gradient pour une texture grainée plus organique. Mesh Gradient couvre, lui, les dégradés multipoints plus complexes. Easing Gradients corrige, lui, le problème inverse : un dégradé linéaire trop dur à l'œil.
Typescales reste le point de départ le plus fiable pour construire une échelle typographique cohérente en début de projet. Pour du texte factice réaliste plutôt que du lorem ipsum générique, on préfère le plugin Lorem Ipsum lui-même. Il reste plus rapide à insérer que ce qu'on écrirait à la main.
Pour des effets typographiques plus créatifs : ARC courbe le texte au glissement de curseur, et Type Tool produit des textes circulaires. Côté productivité pure, Change Text to Layer Name synchronise textes et noms de calque. Case Convert évite, lui, de retaper une chaîne pour changer sa casse.
Trois plugins couvrent l'essentiel du travail vectoriel. Close Path ferme un tracé ouvert, SkewDat déforme une forme avec précision. Fill Rule Editor corrige, de son côté, les problèmes de remplissage sur des tracés complexes.
Pour convertir une image bitmap en vecteur exploitable, deux options existent. Image Tracer et Vectorized font le même travail avec des réglages différents — le second va plus vite sur des formes simples de type logo.
Un fichier Figma qui vit plusieurs mois accumule des calques cachés, des styles orphelins et des instances qu'on ne retrouve plus. Delete Hidden Layers et Unused Styles Remover traitent les deux symptômes les plus courants.
Pour s'y retrouver dans un fichier volumineux : Similayers et Instance Finder retrouvent un élément précis. Sorter et Rename It remettent, eux, de l'ordre par lots plutôt qu'élément par élément. Downsize s'occupe enfin du poids du fichier lui-même, quand les images embarquées le font ralentir.
La conversion des styles legacy vers les variables Figma revient dans presque tous les audits de design system. Ce guide de conversion couvre la méthode, et Style Organizer repère en amont les styles orphelins ou dupliqués à nettoyer avant de migrer.
Pour appliquer un changement à l'échelle du design system plutôt que style par style, Batch Styler édite plusieurs styles d'un coup.
EightShapes Specs génère les specs de composants automatiquement. Figmayo reste, lui, l'alternative la plus simple à ZeroHeight pour publier un site de design system sans sortir de Figma.
Présenter une maquette dans son contexte réel vend mieux une idée qu'un rectangle plat. Angle et le plugin Mockup couvrent la présentation standard sur appareil, tandis que Perspective Toolkit ajoute une vraie perspective 3D à une capture plate.
Pour aller plus loin dans la 3D, Vectary 3D Elements importe des objets 3D directement dans Figma. Easometric automatise, lui, la conversion en style isométrique — une tendance qui revient régulièrement sur les dashboards.
Insérer une grande image sans casser la mise en page : Insert Big Image gère l'import. Image Filler gère, lui, l'échelle et le recadrage automatique une fois l'image en place.
Pour retrouver un visuel exploité dans un design, Export Original Images récupère le fichier source original, plutôt qu'un export Figma compressé. Et pour la matière première elle-même, Unsplash et Content Reel alimentent une maquette en contenu réaliste directement depuis Figma.
Dans un sens comme dans l'autre, ce sont les plugins qui font gagner le plus de temps sur un audit ou une refonte. Html.To.Design et Builder.io importent un site existant en maquette éditable — pratique pour auditer un concurrent sans tout reconstruire à la main.
Dans l'autre sens, Figma to Webflow pousse une maquette directement vers un site Webflow fonctionnel, en évitant l'étape d'intégration manuelle.
Masonry Grid gère une grille de blocs de tailles inégales sans calcul manuel. Round to 8 aligne tout sur un 8pt grid en un clic, le complément naturel de notre guide sur cette grille d'espacement.
Pour les ajustements fins : Scale redimensionne un ensemble d'éléments proportionnellement. Visual Center trouve, lui, le centre optique d'une forme irrégulière — utile pour un centrage qui a l'air juste, pas seulement mathématiquement exact.
LottieFiles exporte directement une animation Lottie depuis Figma, sans repasser par un outil externe. C'est le plugin le plus direct pour livrer une micro-interaction prête à intégrer en développement.
Face à quatre-vingts plugins, la bonne question n'est jamais « lequel est le meilleur » — c'est « quelle tâche je répète cette semaine ». Un plugin qu'on installe pour un usage ponctuel encombre plus qu'il n'aide.
Cette page continuera de s'enrichir à chaque nouveau plugin testé sur le site. Gardez-la en favori, plutôt que chaque article pris isolément.
--- # Styles d'interface nommés : bento, néo-brutalisme, neumorphisme URL: https://www.beryldesign.fr/post/styles-interface-nommes-guide-2026 Date: 2026-08-11 Bento, néo-brutalisme, neumorphisme, Liquid Glass : la chronologie des styles d'interface nommés, et comment choisir le bon selon votre marque.Bento, néo-brutalisme, neumorphisme, Liquid Glass : chaque style d'interface qui marque une époque finit par recevoir un nom. Ce nom n'est pas du jargon gratuit. Il permet à un designer et à un client de parler du même repère visuel sans se montrer dix captures d'écran.
On a publié treize analyses détaillées sur ces styles au fil du temps. Cette page les rassemble dans l'ordre où ils sont apparus, pour comprendre ce que chacun résout — et surtout, ce qu'il casse en échange.
Les débuts du smartphone imitaient le monde réel. Bloc-notes à lignes jaunes, calculatrice en faux cuir, boutons en relief qui simulaient une texture physique. Le skeuomorphisme rassurait un public qui découvrait le tactile — mais chaque texture ajoutait du poids visuel sans ajouter de fonction.
La rupture est venue de iOS 7 en 2013 : suppression des textures, des ombres, du faux relief. Le flat design et le minimalisme imposent une esthétique plate, typographique, sans artifice — au prix, parfois, de boutons qu'on ne reconnaît plus comme cliquables.
Une variante technique du flat design a connu son heure de gloire vers 2014 : le long shadow. Une ombre projetée à 45 degrés, en aplat de couleur. Un générateur qu'on avait construit pour cette tendance existe toujours, dix ans après. Il raconte bien à quelle vitesse un effet de mode né sur Dribbble peut disparaître.
Google répond au flat design en 2014 avec une proposition plus structurée : des surfaces en papier virtuel, une élévation cohérente exprimée en ombres calibrées. Une grille de mouvement unique organise toute l'interface. Material Design n'est pas qu'un habillage visuel — c'est un système de règles. Ça explique sa longévité, largement supérieure à celle d'une simple tendance esthétique.
Après des années de plat, l'interface a redemandé du relief — mais sans revenir au skeuomorphisme. Le neumorphisme simule une surface embossée avec deux ombres opposées, claire et sombre, sur un fond de la même couleur que l'élément. Le résultat est élégant en capture d'écran — et pose un vrai problème de contraste et d'accessibilité en usage réel.
L'ombrage et la profondeur restent utiles sous une forme plus mesurée que le neumorphisme. C'est un des rares outils visuels qui indique la hiérarchie d'une interface sans mot ni couleur supplémentaire.
Vers 2022, une autre famille de styles émerge : la disposition elle-même devient l'identité visuelle. Le bento design découpe l'écran en blocs de tailles inégales, à la manière d'un plateau-repas japonais. Chaque case a son propre poids visuel et sa propre fonction.
Le bento n'est qu'une variante d'une famille plus large. Metro UI, la grille classique et le masonry partagent le même principe fondateur : organiser du contenu hétérogène sans lui imposer une taille uniforme.
À l'inverse du raffinement progressif de Material Design, le néo-brutalisme revendique des couleurs franches, des bordures épaisses et une typographie sans concession. C'est un style qui choisit d'être reconnaissable avant d'être confortable. Utile pour une marque qui veut se démarquer, risqué pour un produit qui doit rassurer.
Les deux plateformes mobiles dominantes ont chacune renouvelé leur langage visuel cette année. Liquid Glass, chez Apple, et Material 3 Expressive, chez Google, partent de philosophies opposées. La stabilité translucide d'un côté, la physique du mouvement de l'autre. Les deux dessinent malgré tout la même direction — une interface qui réagit au contenu plutôt qu'un décor figé au-dessus.
Cette bascule s'inscrit dans un mouvement plus large. Les tendances UI de 2026 confirment ce cap : immersion, émotion et précision remplacent progressivement la simple lisibilité comme objectif principal d'une interface.
Deux sujets de ce cluster ne sont pas des styles au sens propre. Ils traversent tous les styles ci-dessus, et les rendent tenables en production.
L'espacement en multiples de 8 pixels est la grille invisible derrière tout le reste. Elle rend un bento design cohérent, un Material Design aligné, un néo-brutalisme lisible malgré ses contrastes bruts. Sans elle, n'importe quel style ci-dessus finit par paraître bâclé.
Le mode sombre n'est pas non plus un style figé : c'est une contrainte de contraste qui s'applique différemment selon le style choisi. Le neumorphisme y perd presque tout son relief, le néo-brutalisme y gagne souvent en impact.
Le bon style n'est pas celui qui est à la mode cette année. C'est celui qui correspond à ce que le produit doit faire ressentir.
Dans tous les cas, le style choisi doit survivre à l'épreuve du contraste, de l'accessibilité et du temps. C'est ce qui distingue une tendance qui dure d'un effet Dribbble qu'on regrettera dans deux ans, comme le long shadow avant lui.
Connaître le nom d'un style ne suffit pas à l'appliquer correctement. Chacun de ces styles répond à un problème précis, et en crée un autre en échange. Relief contre accessibilité, radicalité contre confort, personnalisation contre cohérence. Le vocabulaire ci-dessus sert surtout à choisir en connaissance de cause, pas à cocher la tendance du moment.
--- # IA appliquée au design en 2026 : le guide pour choisir URL: https://www.beryldesign.fr/post/ia-design-guide-2026 Date: 2026-08-10 Notre grille de choix pour adopter un générateur d'interface IA en 2026 : fidélité au design system, vrai code, public cible, confidentialité des données.91 % des designers utilisent l'IA au moins une fois par semaine en 2026, contre 54 % un an plus tôt. Le designer moyen jongle désormais avec sept outils IA différents, contre trois seulement l'an dernier.
On a testé et documenté une dizaine de ces générateurs sur ce site, chacun dans un article dédié. Cet article rassemble notre grille de lecture pour s'y retrouver, avant de plonger dans le détail de chaque outil.
78 % des professionnels disent que l'IA accélère nettement leur travail. Mais seulement 58 % estiment qu'elle en améliore la qualité. Un écart qui résume bien l'état du marché : la vitesse est acquise, la fiabilité reste discutée.
40 % des designers et développeurs ne font pas encore assez confiance aux sorties générées pour s'appuyer sur elles sans relecture complète. C'est le vrai enjeu derrière chaque choix d'outil : pas « est-ce que ça génère », mais « est-ce que je dois tout reprendre après ».
Le tableau se lit différemment selon la tâche. Pour l'idéation — explorer dix directions visuelles en une heure — la barre de qualité est basse et l'IA rend déjà un vrai service. Pour livrer un composant en production, la barre monte, et c'est là que l'écart entre vitesse et fiabilité se paye le plus cher.
Un générateur qui produit une interface jolie mais hors charte crée plus de travail qu'il n'en économise. Les outils qui acceptent d'importer une bibliothèque de composants existante partent avec un avantage net sur ceux qui repartent toujours de zéro. C'est le critère qui distingue le plus nettement un outil pensé pour une équipe déjà structurée d'un outil pensé pour démarrer un projet sans historique.
Certains outils (v0 de Vercel, Figma Make) génèrent du vrai code exploitable en production. D'autres restent des maquettes qu'il faut ensuite recoder entièrement. La différence change complètement le calcul de temps gagné.
Uizard, par exemple, cible explicitement les porteurs de projet qui n'ont jamais ouvert Figma. Un designer confirmé qui utilise un outil pensé pour les non-initiés perd souvent plus de temps qu'il n'en gagne, faute de contrôle fin.
45 % des designers citent la confidentialité des données comme premier frein à l'adoption. Envoyer une maquette client à un modèle tiers n'est pas neutre : chaque outil a sa propre politique, rarement mise en avant dans le marketing. Pour un projet sous NDA ou un client qui l'exige contractuellement, ce critère élimine certains outils avant même de regarder leurs fonctionnalités.
Ces quatre questions suffisent à éliminer la moitié des outils avant même de lancer un test.
Pour aller plus loin sur un outil précis, nos analyses détaillées :
Trois tendances à surveiller pour la suite de l'année.
Les usages qui progressent le plus vite ne sont plus l'idéation ou le prototypage, déjà largement adoptés. Ce sont la génération de code, la documentation et le contrôle qualité design. C'est là que se jouera la prochaine vague d'adoption. Un outil qui gagne un point de fiabilité sur la génération de code gagne, de fait, un usage à plus fort enjeu que l'idéation pure. Et donc une place plus durable dans le workflow.
Un designer qui fait confiance à un générateur pour l'idéation ne l'utilisera pas forcément pour livrer un composant en production. Cette confiance segmentée par usage devient plus importante que la confiance générale envers « l'IA ».
Tant que 78 % des utilisateurs constatent un gain de vitesse contre seulement 58 % un gain de qualité, l'adoption restera prudente sur les tâches à fort enjeu. Un design system entier, par exemple, plutôt qu'une simple exploration visuelle.
Aucun générateur ne coche toutes les cases à la fois — fidélité de marque, vrai code, confidentialité, accessibilité aux non-designers. Le bon réflexe reste de partir du besoin précis (explorer, produire du code, onboarder un non-designer) plutôt que de la nouveauté la plus visible du moment.
C'est exactement ce que nos comparatifs détaillés essaient de documenter, un outil à la fois. Et tant que l'écart entre vitesse perçue et qualité réelle ne se sera pas resserré, la meilleure protection reste la même qu'avant l'IA. Relire, tester, et ne jamais livrer une sortie générée sans être passé par elle soi-même.
--- # Adobe XD, Figma ou Penpot pour la collaboration en temps réel URL: https://www.beryldesign.fr/post/adobe-xd-figma-penpot-collaboration-temps-reel Date: 2026-08-10 Adobe XD est en mode maintenance depuis 2023 : voici pourquoi il ne compte plus, et comment Figma et Penpot se comparent en collaboration temps réel en 2026.La requête revient régulièrement : Adobe XD, Figma ou Penpot, lequel choisir pour travailler en équipe en temps réel ? La réponse honnête commence par une déception : un des trois outils ne devrait plus figurer dans ce match en 2026.
On explique pourquoi, puis on compare vraiment les deux outils qui restent en course sur le seul critère qui compte ici : la collaboration temps réel.
Adobe XD n'a reçu aucune nouvelle fonctionnalité depuis mi-2023. Depuis, l'outil reste accessible aux abonnés Creative Cloud existants, avec correctifs de sécurité, mais sans aucun investissement produit.
Adobe a confirmé ne plus investir dans XD après l'échec de son rachat de Figma, bloqué par les régulateurs en 2023. Aucune date de fin de vie officielle n'a été annoncée, mais l'outil est en mode maintenance pur : pas de roadmap, pas de nouvelle fonction de collaboration depuis plus de deux ans.
Choisir XD aujourd'hui pour la collaboration temps réel reviendrait à choisir un outil qu'on sait figé. On l'a déjà documenté sur la chute d'InVision, un outil de prototypage qui a cessé d'innover avant de disparaître du radar des équipes design.
La requête reste posée malgré tout, souvent par des équipes qui ont encore des fichiers XD actifs et cherchent où aller. Dans ce cas précis, la collaboration temps réel n'est pas le seul critère. Le confort d'import compte autant. Ni Figma ni Penpot n'ouvrent nativement un fichier .xd — les deux passent par un détour. Côté Figma, plusieurs plugins communautaires (Pixel Fine Converter, Convertify, Angel Converter) reconstruisent calques, styles et composants avec une fidélité correcte sur les fichiers simples. Côté Penpot, Penpot documente lui-même un chemin d'export XD puis d'import, mais sans plugin dédié équivalent à ce jour.
Le match se joue donc entre Figma et Penpot. Sur ce terrain précis, Figma reste la référence : curseurs multi-joueurs fluides, commentaires en temps réel, liens de partage qui fonctionnent dans n'importe quel navigateur, et des workflows de branching rodés par des années d'itération.
L'écosystème pèse aussi dans la balance : plus de 5 000 plugins communautaires viennent renforcer une base déjà solide, un avantage qu'on a détaillé plus largement dans notre comparatif Penpot vs Figma.
Pour une grande équipe qui édite le même fichier à dix personnes en même temps, c'est cette maturité qui se sent le plus. La latence des curseurs reste basse même quand le fichier grossit. Les conflits d'édition simultanée se résolvent sans que personne n'ait besoin d'y penser.
Penpot propose une collaboration multi-joueurs complète : édition simultanée du même fichier, commentaires, partage de prototypes avec des relecteurs externes. L'écart avec Figma existe encore, mais il est nettement plus étroit qu'il y a deux ans.
Sur le handoff développeur, Penpot égale ou dépasse Figma — et le fait gratuitement, sans palier payant pour l'inspection de code. L'export natif de design tokens au format W3C DTCG et le support de CSS Grid natif sont deux arguments que Figma ne propose pas de la même façon.
Les curseurs mettent légèrement plus de temps à se mettre à jour, et le fil de commentaires est moins intuitif. Le branching — travailler sur des versions parallèles d'un même fichier — n'existe pas encore chez Penpot.
Pour une équipe de 5 à 10 personnes qui travaillent souvent sur le même fichier en simultané, l'expérience Figma reste sensiblement plus fluide. Au-delà, ou pour une équipe qui privilégie l'auto-hébergement et le contrôle total des données, l'écart de collaboration ne suffit plus à justifier le coût de licence de Figma face à un Penpot devenu crédible.
Notre comparatif Figma, Sketch ou Penpot pour une agence digitale détaille ce calcul coût/fonctionnalités pour un contexte d'agence plutôt que d'équipe produit interne.
Une équipe qui travaille avec des clients externes ou des freelances ponctuels a aussi intérêt à regarder la fluidité des liens de partage. C'est là que Figma reste le plus simple : un lien qui s'ouvre dans n'importe quel navigateur, sans création de compte préalable pour un simple relecteur.
Adobe XD ne devrait plus entrer dans une décision de collaboration temps réel en 2026 — pas par mauvaise volonté, mais parce qu'un outil sans roadmap ne peut pas suivre un besoin qui évolue. Le vrai choix se joue entre Figma, toujours en tête sur la fluidité multi-joueurs, et Penpot, qui rattrape l'écart plus vite qu'on ne l'attendait il y a deux ans.
Le critère qui doit trancher n'est plus « lequel collabore le mieux » : les deux savent le faire. La vraie question devient « quel niveau de contrôle sur les données justifie l'écart de fluidité qui reste ».
--- # Comparatifs d'outils de design en 2026 : comment choisir URL: https://www.beryldesign.fr/post/comparatifs-outils-design-guide-2026 Date: 2026-08-10 Notre grille de choix pour comparer les outils de design en 2026 : coût réel, auto-hébergement, écosystème de plugins et handoff développeur.Pendant longtemps, choisir un outil de design ne se discutait plus : c'était Figma, par défaut. En 2026, ce n'est plus si simple. La tarification a changé, l'IA facturée au crédit s'est ajoutée à la note, et une génération d'alternatives — open source ou non — a mûri.
On a publié une dizaine de comparatifs sur ce site, chacun sur un duel précis. Cet article rassemble notre grille de lecture pour choisir, avant de plonger dans le détail de chaque outil.
Depuis mars 2026, Figma facture ses sièges par type — Full, Dev, Collab — avec des crédits d'IA limités par siège. Une fois le quota mensuel épuisé, les fonctions IA ralentissent jusqu'au cycle suivant, ou se rachètent au crédit.
Le tarif Organization grimpe à 75 $ par éditeur et par mois, ce qui en fait l'une des lignes de budget les plus lourdes d'une équipe design. Le prix reste la première raison citée pour évaluer une alternative, suivi par la confiance envers l'éditeur. La tentative de rachat par Adobe, abandonnée en 2023, a laissé une méfiance que certaines équipes n'ont jamais digérée.
Cette évaluation n'est plus marginale : 28 % des équipes design ont testé une alternative en 2024, contre 12 % deux ans plus tôt. Ce n'est pas encore une bascule massive. Mais c'est un doublement en deux ans, sur un marché où Figma garde malgré tout plus de 70 % de part d'usage chez les designers produit.
Comparer deux outils sur leur seule interface est le réflexe le plus courant — et le moins fiable. Voici les cinq critères qui reviennent, dans cet ordre d'importance, dans chacun de nos comparatifs détaillés.
Un prix par siège cache souvent des coûts additionnels : crédits IA, sièges Dev séparés, fonctionnalités enterprise verrouillées. Calculer le coût réel pour la taille exacte de son équipe change souvent la décision. Une équipe de 20 personnes qui consomme peu d'IA n'a pas le même calcul qu'une équipe de 5 qui en dépend au quotidien.
Pour les organisations sensibles aux données (santé, secteur public, agences avec clients exigeants), l'auto-hébergement n'est pas un détail. Penpot reste la seule option open source sérieuse du marché sur ce point précis. Un outil qui ne propose aucune option d'hébergement privé élimine d'office certains appels d'offres, avant même de comparer les fonctionnalités.
Changer d'outil signifie souvent perdre l'accès à des années de plugins et de bibliothèques construites sur l'écosystème Figma. C'est le critère le plus sous-estimé avant de migrer une équipe entière. Un plugin maison qui automatise une tâche répétitive depuis trois ans ne se retrouve pas forcément à l'identique sur un autre outil.
Un outil de design n'est jamais isolé : il doit s'intégrer au flux de travail des développeurs. La qualité du handoff (specs, tokens, export de code) pèse souvent plus que l'interface elle-même dans la décision finale.
Le meilleur outil sur le papier reste mauvais s'il ralentit une équipe pendant trois mois. On sous-estime systématiquement ce coût de transition dans les calculs de ROI.
Chacun des cinq critères ci-dessus revient, sous une forme ou une autre, dans les duels qu'on a documentés en détail sur ce site :
Trois évolutions à surveiller pour la suite de l'année.
Quand une fonctionnalité IA se facture au crédit plutôt qu'au forfait, comparer deux outils devient plus complexe qu'un simple tableau de prix par siège. Il faut désormais estimer sa propre consommation réelle.
Penpot en a fait un axe marketing à part entière. D'autres outils vont devoir répondre sur ce terrain, ou l'assumer clairement comme un non-objectif.
Quel que soit l'outil de design choisi, la qualité du pont vers le code reste le critère le plus cité par les équipes qui ont changé d'outil.
Aucun des outils comparés ci-dessus n'a disparu depuis un an. Le marché ne bascule pas d'un bloc vers une alternative unique. Il se fragmente plutôt par cas d'usage : Penpot pour l'auto-hébergement, Sketch pour les habitués de macOS, Figma pour l'écosystème et la vitesse d'exécution en équipe.
Changer d'outil de design se décide rarement sur un tableau comparatif seul. Voici la méthode qu'on recommande avant tout engagement définitif.
Si ce test d'un projet ne convainc pas l'équipe en deux semaines, la migration complète ne le fera pas non plus.
Aucun outil ne gagne sur tous les critères à la fois. Le bon réflexe n'est pas de chercher le meilleur outil de design. C'est de trouver celui qui correspond au budget, à la sensibilité des données et à l'écosystème déjà en place dans l'équipe.
C'est exactement ce que nos comparatifs détaillés essaient de documenter, un duel à la fois.
--- # Dynasty Nova : les 3 premières minutes de jeu, décryptées URL: https://www.beryldesign.fr/post/dynasty-nova-premieres-minutes-onboarding Date: 2026-08-10 Choix d'univers, fiche de vitesse, première planète : comment Dynasty Nova a conçu ses trois premières minutes de jeu pour éviter le syndrome du tutoriel générique.Je développe Dynasty Nova, un jeu de gestion spatiale par navigateur. Ce n'est pas un teardown à distance. C'est un retour d'expérience sur nos propres choix, avec les vraies captures de ce que voit un joueur avant même d'avoir posé un bâtiment.
On a écrit ailleurs sur notre refonte de l'arbre technologique et notre monétisation Pay-to-Fast. Ici, on remonte plus tôt encore : les trois premières minutes, avant que le joueur ait pris une seule vraie décision de jeu. Dans ce genre, l'onboarding reste le premier critère qui distingue un jeu soigné d'un jeu qui perd ses joueurs. C'est celui qu'on a voulu tenir en priorité.
Le premier écran ne demande pas un pseudo ou un mot de passe. Il demande de choisir un univers parmi une liste (Pegasus, Orion, Quantum, Vega…), chacun affichant son nombre de joueurs et sa durée de partie.
Sur Forge of Empires, ce choix de serveur existe aussi mais reste sous-expliqué : le joueur découvre après coup que l'ancienneté du serveur change tout. On a voulu l'inverse — chaque carte d'univers affiche d'emblée ce qui compte pour décider, pas seulement un nom flatteur.
Chaque univers a aussi sa propre identité visuelle — une nébuleuse ambrée pour Pegasus, un trou noir violet pour Orion, une galaxie glacée pour Quantum. Ce n'est pas de la décoration gratuite. Ça aide un nouveau joueur à distinguer d'un coup d'œil des options qui, sur d'autres jeux du genre, se résument à une liste de noms de serveurs interchangeables.
En touchant un univers, le joueur arrive sur une fiche détaillée avant de pouvoir cliquer sur « Commencer l'aventure ». Trois chiffres structurent l'écran : le nombre de joueurs, la durée de partie, et un multiplicateur de vitesse (économie, recherche).
Ce multiplicateur détermine tout le rythme d'une partie — un joueur qui a deux heures par jour ne veut pas le même univers qu'un joueur qui se connecte une fois par semaine. Beaucoup de PBBG traitent ce paramètre comme un détail technique dans un sous-menu. On en a fait, volontairement, l'information la plus visible de l'écran de décision.
La fiche affiche aussi un court texte de présentation (« Voir plus ») pour donner une identité à l'univers plutôt qu'un simple tableau de chiffres. L'équilibre qu'on cherche est précis : assez d'ambiance pour donner envie, assez de données pour décider sans se tromper. Deux univers avec la même vitesse mais des textes différents ne racontent pas la même expérience de jeu.
Une fois l'univers confirmé, le joueur arrive directement sur sa planète de départ — pas sur un écran de chargement, pas sur une cinématique. Les ressources (Overview, Bâtiments, Recherche, Défense, Flotte) sont déjà visibles dans la barre du bas, dès la première seconde.
Le pari est simple : plutôt que de débloquer les onglets un par un au fil d'un tutoriel, on montre d'emblée où se trouve chaque système (bâtiments, recherche, défense, flotte). Un joueur qui explore par curiosité — plutôt que de suivre une flèche clignotante — comprend plus vite la structure entière du jeu.
Sur cette première planète, une seule construction est réellement accessible au tout premier clic. Le joueur ne choisit pas entre dix bâtiments à débloquer : il en voit un qui a du sens à cet instant précis. C'est une décision de conception délibérée : retarder l'affichage des options avancées plutôt que les entasser toutes sur le premier écran. Quitte à donner une impression de jeu « pauvre » aux joueurs qui comparent au premier coup d'œil avec un jeu plus ancien et plus chargé.
La plupart des PBBG imposent une série d'étapes guidées avant de lâcher le joueur. On a documenté ce problème sur Forge of Empires : le tutoriel enseigne les bases, puis abandonne le joueur au moment où la vraie stratégie commence. Un vide que des chaînes YouTube entières se sont mises à combler.
On a préféré l'inverse : moins de texte explicatif, plus d'information affichée directement sur les écrans de décision (vitesse, durée, population, identité visuelle de l'univers). Le pari n'est pas encore parfait : certains joueurs très débutants demandent encore plus de repères, et on ajuste ce curseur à chaque vague de retours. Mais il évite le principal piège du genre — un tutoriel qui rassure sur le moment sans vraiment préparer à la suite.
On n'a pas encore assez de recul statistique pour affirmer que ce choix améliore la rétention à un mois. C'est une hypothèse de conception, pas un résultat validé par des mois de données. Ce qu'on peut dire, en revanche, c'est que le nombre de questions posées en support sur « comment commencer » a nettement baissé depuis qu'on a mis ces trois écrans en place.
Les trois premières minutes de Dynasty Nova ne servent pas à impressionner, elles servent à informer : quel univers, à quel rythme, sur quelle carte. Trois écrans, trois chiffres à comprendre, et aucune surprise cachée derrière un menu qu'on découvre trois semaines plus tard.
C'est un pari qu'on continue d'ajuster à chaque retour de joueur. Mais c'est exactement le genre de décision qu'on préfère prendre en amont, plutôt que de la corriger après coup comme beaucoup de jeux du genre l'ont fait.
La prochaine étape qu'on veut documenter ici, c'est la minute 10 : le moment où le premier bâtiment finit de se construire et où le joueur revient — ou pas.
--- # Alliances et diplomatie dans les jeux par navigateur URL: https://www.beryldesign.fr/post/alliances-diplomatie-jeux-navigateur-ux Date: 2026-08-10 OGame, Forge of Empires, Politics & War : trois façons de traiter la diplomatie entre joueurs — comparatif UX des systèmes d'alliance en 2026.On parle beaucoup d'onboarding et de monétisation quand on analyse un jeu par navigateur. On parle beaucoup moins d'un système pourtant central dans la plupart des PBBG : la diplomatie entre joueurs — alliances, pactes, guerres, guildes.
C'est aussi le système le plus mal exposé par l'interface. La plupart des jeux du genre traitent la diplomatie comme une couche sociale annexe, gérée à moitié en jeu et à moitié sur un forum ou un Discord externe. On a comparé trois approches très différentes pour comprendre où ça coince, et une quatrième qui choisit d'y échapper.
Le principal outil diplomatique d'OGame est le Pacte de Non-Agression (PAN) : deux alliances s'engagent par écrit à ne pas s'attaquer pendant une période donnée. Rien d'automatisé — le wiki du jeu le précise explicitement : les PANs ne sont appliqués par aucune mécanique, ils reposent entièrement sur la confiance mutuelle.
Rompre un PAN ne déclenche aucune sanction en jeu. La seule conséquence est réputationnelle : une alliance connue pour rompre ses engagements devient difficile à intégrer dans le réseau diplomatique, et s'expose à des représailles coordonnées. C'est une mécanique sociale entière qui vit en dehors de l'interface. Exactement le même symptôme que l'on retrouve sur l'arbre technologique de Forge of Empires : ce que le jeu ne formalise pas, la communauté le documente elle-même.
Une guerre se déclare contre une alliance entière, quel que soit son nombre de membres. Son suivi officiel se fait sur le forum du jeu, pas dans le client lui-même. Le rôle qui autorise à déclarer une guerre ou à signer un PAN est un droit attribué en interne par le chef d'alliance. Mais aucune interface ne rend visible, pour un joueur extérieur, l'état réel des alliances en conflit à un instant donné.
Chaque alliance gère aussi ses propres rangs internes, distribués par le chef d'alliance : qui peut inviter, qui peut déclarer une guerre, qui peut signer ou rompre un PAN. C'est un système de permissions à part entière — mais lui aussi vit dans les paramètres d'alliance, séparé de toute vue d'ensemble accessible depuis l'écran de jeu principal.
Forge of Empires prend l'inverse : les guildes existent, mais servent uniquement à la coopération, jamais au conflit direct entre joueurs. L'expédition de guilde, lancée chaque semaine, en est le meilleur exemple.
Chaque membre explore sa propre instance de la carte d'expédition. Tous partagent la même barre d'objectif : les points collectés par chacun alimentent une progression commune qui débloque de la puissance de guilde. C'est une mécanique lisible — documentée directement dans le centre d'aide du jeu, contrairement au reste du méta social de Forge of Empires qu'on a déjà analysé en détail. Cette différence de traitement, dans le même jeu, montre qu'une bonne UX de coopération est possible dès que le studio décide de l'expliquer.
À l'opposé de Forge of Empires, Politics & War fait de la diplomatie le cœur du gameplay, pas une fonctionnalité annexe. Les alliances y signent des traités formels, imposent des sanctions économiques et politiques, et forment des blocs à trois signataires ou plus.
La déclaration de guerre entre alliances y est un acte de gouvernance interne, réservé aux membres du gouvernement de l'alliance. C'est presque un jeu politique dans le jeu, où forums et serveurs Discord font partie intégrante de l'expérience plutôt que d'un pis-aller. C'est cohérent avec l'identité du jeu, mais ça suppose aussi d'accepter que jouer seul, sans structure externe, revient à jouer avec une main dans le dos.
Mis côte à côte, ces trois jeux couvrent presque tout le spectre possible pour traiter la diplomatie entre joueurs.
Aucun des trois ne documente ses accords diplomatiques dans l'interface de jeu elle-même. C'est le point commun le plus révélateur des trois analyses, quel que soit le degré d'importance donné à la diplomatie. Notre top 10 des meilleurs jeux par navigateur couvre d'autres titres du genre, avec des approches sociales tout aussi variées.
Les trois approches précédentes partagent un point commun : elles supposent qu'un joueur veut, ou doit, composer avec les autres pour progresser. Ce n'est pas un passage obligé du genre.
Aucune des trois approches n'est mauvaise en soi — OGame et Politics & War en ont même fait leur identité. Le vrai problème, c'est quand un système social pèse autant sur la progression sans qu'aucune interface en jeu ne le rende lisible. C'est là que le forum et le Discord deviennent obligatoires, pas optionnels.
Un jeu par navigateur qui veut durer en 2026 a intérêt à trancher clairement : soit il documente sa diplomatie aussi bien que ses bâtiments, soit il en réduit franchement la place. Le pire choix reste celui, encore trop fréquent, de laisser un système central à la charge exclusive de guides communautaires.
--- # Jeu par navigateur en 2026 : le guide UX complet pour bien choisir URL: https://www.beryldesign.fr/post/jeu-par-navigateur-guide-ux-2026 Date: 2026-08-10 Notre grille de lecture UX pour choisir un jeu par navigateur (PBBG) en 2026 : onboarding, monétisation, arbre technologique et UX mobile.OGame a vingt ans. Ikariam, Forge of Empires et une dizaine d'autres jeux de gestion par navigateur tournent encore, avec des centaines de milliers de joueurs actifs. Et pourtant, chaque année, un article annonce la mort du genre.
Il n'est pas mort. Il a changé de forme : moins de Flash, plus de HTML5. Et une génération de joueurs qui cherche des sessions plus lentes et plus réfléchies qu'un jeu mobile classique. On a publié plusieurs analyses sur ce retour — cet article les rassemble en une seule grille de lecture.
Un PBBG (Persistent Browser-Based Game) se joue depuis un simple lien, sans installation, et continue de tourner même hors connexion — construction, recherche, production. Le navigateur remplace le client lourd, et la persistance remplace la session.
Trois familles dominent le genre : le 4X spatial (OGame et ses dérivés), le city-builder historique (Forge of Empires, Ikariam), et le jeu diplomatique textuel (Politics & War). Chacune a ses propres pièges d'interface.
Le genre remonte au début des années 2000, quand l'éditeur allemand Gameforge a lancé les premiers jeux de gestion en pur HTML, sans client à télécharger. OGame (2002) et Ikariam (2008) en sont les deux survivants les plus connus. Vingt ans plus tard, leur interface a peu changé. Les attentes des joueurs, elles, ont beaucoup évolué — c'est exactement l'écart que cette grille de lecture cherche à mesurer.
On a analysé une dizaine de jeux du genre pour ce site. Quatre critères reviennent systématiquement quand un jeu réussit — ou rate — sa lisibilité.
Un PBBG a un problème structurel : il doit enseigner en dix minutes des systèmes pensés pour durer des mois. La plupart des jeux s'arrêtent au tutoriel de base et laissent la vraie stratégie aux guides communautaires — on l'a documenté en détail sur Forge of Empires.
Un bon onboarding ne cherche pas à tout expliquer d'un coup. Il explique ce qui est irréversible au moment où le joueur s'apprête à le faire, pas dans un tutoriel générique en amont.
La monétisation est le point le plus sensible du genre. Elle peut rester transparente — accélérer une attente — ou devenir un avantage compétitif cachée : débloquer une puissance que les joueurs gratuits ne peuvent jamais atteindre. La différence se voit dès qu'on compare deux jeux côte à côte. Dans un système Pay-to-Fast, l'argent réel raccourcit un temps d'attente déjà atteignable gratuitement. Dans un système Pay-to-Win, il débloque une puissance qu'aucun joueur gratuit ne pourra jamais égaler, même après des mois de jeu.
Douze ans de mises à jour empilées finissent presque toujours par produire un arbre technologique illisible sans tableur externe. C'est le symptôme numéro un d'un jeu qui a grandi sans jamais retravailler sa lisibilité de fond.
Le signal à surveiller est simple : la communauté a-t-elle dû produire ses propres tableurs et wikis pour compenser ce que l'interface ne montre pas ? Si oui, c'est l'interface qui a un problème — pas les joueurs qui sont exigeants.
Beaucoup de PBBG sont nés sur desktop et portés au mobile après coup. Résultat : des menus qui ne tiennent pas sur un petit écran, et une densité d'information pensée pour une souris. On a détaillé ce problème sur le portage mobile d'OGame.
Le 4X spatial reste la famille la plus fournie : OGame continue de fasciner vingt ans après son lancement. Plusieurs projets récents en proposent des relectures — on a recensé cinq alternatives à OGame qui gardent l'esprit du genre en modernisant l'interface.
Le city-builder historique (Forge of Empires, Ikariam) mise sur une progression visuelle immédiate, au prix d'une complexité qui grandit sans jamais se simplifier. Le jeu diplomatique textuel (Politics & War) fait l'inverse : presque aucune image, tout en texte et en négociation entre joueurs.
Pour une sélection plus large, avec captures et liens directs, notre top 10 des meilleurs jeux par navigateur reste la référence à jour.
Trois évolutions se dessinent nettement sur les jeux par navigateur les plus actifs cette année.
Les nouveaux entrants testent des tutoriels contextuels — une info-bulle qui n'apparaît qu'au moment précis où elle sert, plutôt qu'un didacticiel figé en début de partie. C'est exactement le principe qui manque aux jeux les plus anciens du genre.
Un joueur qui commence sur ordinateur et continue dans le métro attend désormais la même densité d'information sur les deux supports. Les jeux qui traitent encore le mobile comme une version « allégée » perdent une partie de leur audience la plus active, celle qui joue plusieurs fois par jour.
Discord a remplacé le forum comme canal principal de retour des joueurs. Les studios qui écoutent vite — et ajustent une mécanique cassée en quelques semaines plutôt qu'en quelques mois — gardent leurs joueurs les plus engagés. Ce sont eux qui font vivre le jeu par le bouche-à-oreille, plus que par la publicité.
Ces cinq questions suffisent à distinguer un projet soigné d'un jeu qui vous fera perdre du temps avant de vous perdre pour de bon.
Le jeu par navigateur n'a jamais eu besoin de graphismes impressionnants pour durer. Il a besoin d'une interface qui respecte le temps du joueur, du premier clic à la centième heure de jeu. C'est le seul critère qui distingue vraiment les classiques encore vivants des projets abandonnés.
Si un de ces jeux vous tente, commencez par les dix premières minutes : c'est là, presque toujours, que se joue votre envie de rester.
--- # Uizard : le générateur IA pensé pour ceux qui n'ont jamais ouvert Figma URL: https://www.beryldesign.fr/post/uizard-figma-make-non-designers Date: 2026-08-06 Uizard transforme un prompt ou un croquis en prototype multi-écrans, sans compétence design. Notre test : forces, limites et pour qui c'est vraiment fait.Uizard ne joue pas dans la même catégorie que les générateurs déjà couverts sur ce blog. Là où Google Stitch face à Figma Make ou Figma Make, Framer et Lovable s'adressent à des designers qui accélèrent leur pipeline habituel, Uizard vise en priorité les chefs de produit, les fondateurs et toute personne qui n'a jamais ouvert un logiciel de design.
La promesse est simple : décrire une idée en langage naturel et obtenir un prototype cliquable, multi-écrans, sans passer par la case apprentissage d'un outil professionnel.
Uizard ne génère pas un seul écran statique : le moteur Autodesigner construit directement un parcours de plusieurs écrans connectés entre eux. Pour un fondateur qui veut tester une ergonomie avant d'écrire la moindre ligne de code, c'est un vrai gain de temps face à un aller-retour classique entre conception et validation.
Deux fonctionnalités comblent le fossé entre l'inspiration physique et l'édition numérique. Le Wireframe Scanner transforme une esquisse dessinée à la main en écran éditable ; le Screenshot Scanner fait la même chose à partir d'une capture d'une application existante qui nous inspire.
Dans les deux cas, on ne repart jamais d'une page blanche — on numérise une intention déjà posée sur le papier ou observée ailleurs, puis on personnalise.
L'espace de travail intègre un chat IA directement dans l'éditeur : modifier un style ou ajuster une mise en page devient une phrase à taper plutôt qu'une recherche dans des menus. C'est ce qui rapproche le plus Uizard d'un outil comme Canva dans son accessibilité, tout en restant orienté prototype d'interface.
Changer l'ambiance colorimétrique ou typographique complète d'un projet ne demande qu'une commande. C'est utile pour présenter plusieurs directions visuelles à un client sans reconstruire chaque écran à la main — au prix, on le verra, d'un rendu parfois trop générique.
À force d'utilisation intensive, les designs générés tournent en rond visuellement. Plusieurs retours pointent des résultats jugés génériques ou répétitifs, surtout sur des flux utilisateurs qui sortent des cas d'usage standards (onboarding, tableau de bord, formulaire).
Uizard exporte du code React ou CSS pour des composants isolés, mais pas pour un écran entier assemblé. C'est le point de friction le plus cité : le passage à la phase de développement reste largement manuel, contrairement à des outils comme v0 qui visent justement le code de production.
Le plan gratuit se limite à 3 projets et 10 modèles — suffisant pour découvrir l'outil, pas pour un usage régulier. Le palier Pro à 12$/mois débloque Autodesigner 2.0 et 500 générations mensuelles ; le plan Business ajoute des générations illimitées et des kits de marque pour les équipes. Il n'existe pas d'essai gratuit classique sur les paliers payants, ce qui peut surprendre à l'inscription.
Face à des outils comme Figma ou Adobe XD, Uizard ne cherche pas à rivaliser sur la profondeur fonctionnelle : pas de gestion de calques avancée, pas d'édition par lots, pas de prototypage complexe. C'est un choix délibéré qui privilégie l'immédiateté pour quelqu'un qui n'a jamais ouvert ce type de logiciel, en phase de pitch ou de validation de concept — pas pour livrer un design system en production.
Uizard ne remplace pas un designer, il démocratise la première étape de la conception pour tous les autres profils d'une équipe produit. Pour un MVP à présenter en une journée ou une idée à valider auprès d'investisseurs, c'est exactement le bon niveau d'outillage — à condition d'accepter qu'un vrai designer reprendra la main dès que le projet dépassera le stade du prototype.
Cet article de synthèse est basé sur les vidéos :
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--- # v0 de Vercel : le générateur d'interfaces IA qui produit du vrai code URL: https://www.beryldesign.fr/post/v0-vercel-generateur-interfaces-ia Date: 2026-08-06 v0 de Vercel transforme un prompt en composants React/Next.js prêts pour la production. Notre test face à Figma Make et Framer : ce qui change vraiment.Depuis quelques mois, v0 s'est imposé comme la référence chez les développeurs qui veulent transformer une intention textuelle en interface fonctionnelle. La différence avec les autres générateurs IA du moment ? v0 ne produit pas une maquette à retravailler : il génère du code React/Next.js prêt pour la production, bâti sur le système Shadcn UI.
C'est un positionnement distinct de ce qu'on a déjà couvert sur Google Stitch face à Figma Make ou Figma Make, Framer et Lovable : ces outils restent pensés pour le design (prototypes, fichiers Figma, wireframes). v0 vise directement l'étape suivante, celle où le composant doit tourner en vrai.
v0 a d'abord été conçu par Vercel pour ses propres besoins internes, avant de s'ouvrir à tous. Ce détail compte : plutôt qu'une IA généraliste qui « sait un peu tout faire », l'outil maîtrise en profondeur l'écosystème web — JavaScript, HTML, CSS, et les subtilités des frameworks modernes.
Le résultat est un code qui respecte les conventions du Shadcn UI, avec des composants réutilisables plutôt que des blocs jetables. On peut partir d'un sélecteur de date standard et demander à l'IA d'ajuster couleurs et espacements pour l'intégrer à son identité visuelle, sans casser la maintenabilité.
La fonctionnalité la plus puissante de v0 reste son sélecteur direct sur l'interface générée. Plutôt que de redécrire toute la page pour corriger un détail, on clique sur l'élément concerné et on demande une modification ciblée — transformer un bloc de texte en bouton interactif, par exemple, avec les effets de survol qui vont avec.
Ce geste change le flux de travail : on ne discute plus avec un chatbot qui régénère tout à chaque itération, on retouche un détail précis comme on le ferait dans un éditeur classique.
Le point de départ le plus efficace n'est pas toujours un long prompt textuel. Fournir une capture d'écran d'un site qui nous plaît — un lecteur de musique inspiré de Spotify, une landing page repérée sur Godly ou Mobbin — donne à l'IA une hiérarchie visuelle immédiate à reproduire, plutôt que de partir d'une page blanche.
Pour les utilisateurs qui ont des bases en développement, v0 comprend aussi le Tailwind CSS nativement : injecter des classes précises comme size-4 ou des propriétés avancées comme tabular-nums pour aligner des chiffres dans un tableau court-circuite les approximations de l'IA.
v0 reste en retrait sur la génération d'assets visuels purs. La parade observée dans nos sources : passer par Claude pour rédiger des prompts détaillés à destination de Midjourney, puis nettoyer les fonds et logos obtenus avant de les réinjecter dans le projet v0.
C'est une synergie qui rappelle ce qu'on décrivait dans Claude Design et la révolution du prototypage : aucune IA ne couvre tout le pipeline seule, mais orchestrer plusieurs outils spécialisés donne un résultat qu'aucun n'atteindrait seul.
Un test à l'aveugle mené par l'agence Blueshift a confronté les trois outils sur un même composant exigeant : une carte de tableau de bord avec graphique, tableau et annotations. Même prompt initial, deux itérations maximum pour corriger — les règles du jeu étaient strictement identiques.
Le vrai enseignement de ce comparatif n'est pas lequel des trois « gagne », mais qu'aucun ne produit un résultat stable d'un run à l'autre. Un même prompt peut donner un composant impeccable le matin et une erreur critique l'après-midi — un problème pour toute équipe qui a besoin de répétabilité, pas seulement de vitesse.
Pour un développeur, dépendre de l'interface web de v0 reste une friction. Une clé API permet d'injecter le modèle de v0 dans son éditeur habituel, en redirigeant l'URL de base de l'API OpenAI vers les serveurs de Vercel — un détour technique qui permet de coder à la vitesse de la pensée sans quitter son environnement.
La bibliothèque communautaire 21st.dev complète le tableau : des composants open-source (barres de navigation, animations) qu'on copie-colle, et que v0 se charge d'harmoniser avec le reste du projet. On ne part plus de zéro, on assemble.
v0 ne remplace pas Figma Make, il répond à un besoin différent : produire du code déployable, pas un fichier de design à transmettre à un développeur. Pour une équipe qui veut valider une idée et la faire tourner en production le même jour, c'est un vrai gain de temps — à condition de garder un œil de designer sur chaque itération, car l'IA reste un assistant zélé, pas un directeur artistique.
Cet article de synthèse est basé sur les vidéos :
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--- # IA générative pour icônes et illustrations : remplace-t-elle vraiment les packs payants en 2026 ? URL: https://www.beryldesign.fr/post/icones-illustrations-ia-generative-2026 Date: 2026-08-05 Recraft V4, sets d'icônes cohérents, stack IA d'agence : trois usages concrets pour savoir si l'IA générative remplace vraiment les banques d'icônes et d'illustrations payantes en 2026.Nous connaissons tous ce moment agaçant : chercher une icône sur une banque gratuite, puis une autre, puis une troisième, pour finir avec un patchwork de traits et de styles qui ne s'accordent jamais vraiment. En 2026, une nouvelle génération d'outils IA promet d'en finir avec ce bricolage.
Nous avons regardé trois vidéos qui abordent la question sous des angles très différents : le potentiel pur d'un générateur vectoriel, son usage concret pour produire un set d'icônes de marque, et la place que ces outils occupent dans le quotidien d'une agence. De quoi répondre sans naïveté à la question : est-ce qu'on peut vraiment se passer d'un pack payant ?
Le problème historique des générateurs d'images IA, c'est le raster. On obtient un joli logo ou une jolie icône, et on découvre à l'export qu'il s'agit d'une image plate, impossible à agrandir sans perte de netteté. Recraft V4 s'attaque directement à ce point de friction.
L'outil produit de véritables tracés vectoriels redimensionnables à l'infini, avec un rendu qui donne l'impression d'avoir été tracé à la main par un designer senior. Il embarque aussi un vectoriseur capable de transformer un croquis papier ou une vieille photo en vecteur propre en un clic.
C'est un vrai changement de nature, pas seulement de vitesse : on passe d'heures de traçage manuel à quelques secondes, sans sacrifier l'exploitabilité du fichier final dans Figma ou Illustrator.
Autre différence avec les générateurs génériques : on dépose une image de marque, l'outil en déduit un style réutilisable, puis génère les ressources qui en découlent. Amazon, Vidyard ou Salesforce s'appuient déjà sur ce type de flux pour leur production à grande échelle — un signal que la cohérence stylistique, pas seulement l'esthétique brute, devient l'enjeu central de ces outils. Sur le terrain purement créatif plutôt qu'utilitaire, Krea.ai suit une logique voisine, avec une approche plus orientée exploration visuelle que production d'assets d'interface.
Générer une jolie icône seule est facile. Générer vingt icônes qui se ressemblent pour une présentation ou une interface complète, c'est là que la plupart des outils d'IA générative échouent — et c'est exactement le terrain que couvre la deuxième vidéo, centrée sur un usage très concret : remplacer Canva et Midjourney pour un jeu de diapositives professionnelles.
Le mode projet de Recraft AI génère plusieurs images simultanément à partir d'un même cadre de travail, ce qui permet de conserver une épaisseur de trait et une esthétique identiques d'une icône à l'autre — qu'il s'agisse d'un bâtiment ou d'un véhicule.
On peut aussi importer ses codes couleurs RGB ou Hex, ou simplement extraire la palette d'un logo existant pour que l'IA s'y aligne automatiquement. → logo importé → palette extraite → set d'icônes cohérent avec l'identité de marque. C'est le même réflexe que pose un système de palette comme Radix Colors : la cohérence chromatique d'abord, la génération ensuite.
La fonction d'exclusion (retirer des personnages, du texte parasite sur une icône) s'avère aussi utile que le prompt initial : elle évite de relancer dix générations pour un détail qui aurait pu être filtré dès la première tentative.
Le premier jet n'est jamais parfait à tous les coups : une camionnette de livraison peut sortir trop massive, une icône peut rater l'intention du message. La vidéo insiste sur ce point — le rôle de direction artistique ne disparaît pas, il se déplace vers l'ajustement fin des prompts et le choix parmi les variantes.
La troisième vidéo change complètement de registre. Plutôt qu'un outil d'icônes, elle décrit comment une agence centralise sa production créative — brief, visuels, motion, présentations — autour d'une plateforme comme Abacus AI, en passant par Recraft pour les styles minimaux et par Flux pour des rendus plus cinématographiques.
Dans ce contexte, générer un set d'icônes ou d'illustrations n'est plus une tâche isolée : c'est une étape parmi la définition du brief de marque, la génération visuelle, puis l'animation et la mise en présentation. C'est un rappel utile — la question « quel outil pour mes icônes » se pose rarement seule dans un vrai flux de production.
Pour une dizaine de dollars par mois, l'agence accède à un ensemble qui coûterait des centaines de dollars si chaque brique (banque d'images, outil de palette, générateur d'icônes, logiciel de présentation) était payée séparément. C'est cet argument économique, plus que la seule qualité visuelle, qui pousse les équipes à basculer.
La vidéo est claire sur un point : l'automatisation reste supervisée, notamment avant toute diffusion publique. L'IA propose des variantes, l'équipe dispose. C'est cette discipline qui évite qu'un set d'icônes généré ressemble à un set générique de plus.
Les trois vidéos convergent vers une réponse nuancée. Pour un besoin ponctuel et bien cadré — un set d'icônes à l'identité de marque, une série d'illustrations pour une présentation — l'IA générative rivalise désormais avec un pack payant, avec l'avantage d'un vecteur exploitable et d'une palette calée sur la marque.
Elle ne remplace pas en revanche la curation manuelle nécessaire dès qu'on sort du cadre : icônes très spécifiques, respect strict d'un design system existant, ou volume de production qui dépasse largement le cadre d'une présentation. Le gain est réel sur la vitesse et la cohérence stylistique, pas sur la disparition du travail de direction artistique. Pour un besoin générique et volumineux — une bibliothèque d'icônes UI complète et normée — un pack comme Lucide Icons ou Tabler Icons reste plus rapide et plus prévisible qu'une génération sur-mesure.
Le vrai changement de 2026, ce n'est pas qu'une IA dessine des icônes — cela, on le savait déjà. C'est qu'elle les dessine désormais par sets cohérents, alignés sur une identité de marque, exportables en vecteur propre, et intégrés dans des flux de production complets plutôt que dans des outils isolés. Le pack d'icônes payant garde sa place pour les bibliothèques génériques et volumineuses ; l'IA générative prend celle, plus stratégique, du sur-mesure rapide.
Cet article de synthèse est basé sur les vidéos :
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--- # IA et design en 2026 : générer une interface sans perdre la main URL: https://www.beryldesign.fr/post/generateurs-interfaces-ia-2026 Date: 2026-07-24 Magic Patterns et la chaîne d'outils IA d'un designer en 2026 : deux vidéos qui montrent comment générer une interface sans perdre la main sur sa marque.En 2026, générer une interface avec l'IA n'est plus une prouesse. Le vrai sujet devient : comment garder la main sur son identité visuelle et son temps quand chaque outil promet de tout faire à votre place.
Nous avons croisé deux lectures complémentaires. La première teste Magic Patterns, un générateur d'interfaces qui refuse de toucher à la logique métier pour se concentrer sur le visuel. La seconde documente le workflow complet d'un designer produit, de la prise de notes en réunion jusqu'à l'exécution par IA.
Magic Patterns n'est qu'un nom parmi une vague d'outils similaires apparus en 2026 : Visily, UX Pilot, Banani ou Builder.io se disputent le même terrain, chacun avec un positionnement légèrement différent. Nous nous concentrons ici sur Magic Patterns parce qu'il illustre le mieux une approche précise : générer une interface sans jamais imposer sa propre logique métier.
Le point de départ de cette vidéo est une inquiétude partagée par le PDG de Figma : si tout le monde peut générer du code par IA, le design devient le seul vrai facteur de différenciation. Magic Patterns part de ce constat pour se positionner autrement que les générateurs d'applications full-stack comme Bolt ou Lovable.
Plutôt que de tout regénérer depuis zéro, l'outil propose une extension Chrome qui capture des éléments d'un site déjà en ligne : une section blog, une galerie vidéo. Le code HTML et le DOM se transforment alors en composants manipulables dans l'éditeur.
Cette approche hybride fonctionne aussi bien sur son propre site que sur celui d'un concurrent pour en extraire un motif de design qui plaît. Un gain de temps réel en phase de prototypage.
Contrairement à un IDE classique, Magic Patterns ouvre un canvas où plusieurs itérations d'un même composant coexistent côte à côte. Un en-tête peut ainsi être réimaginé en glassmorphism, puis en néo-brutalisme, puis en version inversée, sans jamais perdre la version de départ.
C'est dans cette phase de comparaison visuelle que l'outil pousse à tester des esthétiques qu'on n'aurait pas osé coder à la main.
Le vrai test d'une refonte, c'est la cohérence entre les pages. L'outil s'appuie sur les pages déjà validées comme référence : bordures, arrondis de boutons, palette de couleurs sont réappliqués automatiquement sur toute nouvelle section demandée.
Des bibliothèques de composants personnalisés, invoquées avec un simple « @ », permettent à designers et développeurs de partager les mêmes briques. Résultat : export vers Figma, fichier ZIP ou synchronisation GitHub, sans jamais sortir du flux de travail existant.
La seconde vidéo part d'un constat inverse : la multiplication des outils IA crée surtout de la friction quand ils ne communiquent pas entre eux. Le designer documente ici un écosystème volontairement réduit, mais entièrement connecté, du premier rendez-vous client à la livraison.
Le design ne commence pas dans un logiciel, mais pendant une discussion ou un entretien utilisateur. Granola tourne en arrière-plan sans bot visible et restitue, à la fin de l'appel, une structure exploitable : décisions, points d'action, questions en suspens.
Sa version iOS prend le relais pour les entretiens en personne, quand rester concentré sur l'humain compte plus que la prise de notes.
Notion devient le hub où tout converge : spécifications de design, notes de recherche, comptes-rendus enrichis. Son interface de chat permet d'interroger l'ensemble de la base de connaissances plutôt que de la relire manuellement.
Les connecteurs MCP relient désormais Notion à Linear, Slack ou Google Drive — une architecture que nous détaillions déjà dans notre guide Figma Agent et MCP. Des agents autonomes commencent même à exécuter des tâches répétitives sur cette base documentaire.
Pour la création graphique pure, Kittl transforme un prompt textuel en variantes visuelles remixables à l'infini, avec un choix de modèles selon le style recherché.
Le vrai goulot d'étranglement reste souvent la frappe au clavier. Spokenly remplace la saisie par la dictée, trois à quatre fois plus rapide — et le fait d'entendre ses propres mots aide à repérer les instructions bancales avant même de les envoyer à l'IA.
Au sommet de cette chaîne, Claude Code accède directement à Figma, Notion et GitHub grâce aux connecteurs MCP. Il construit une première version en s'appuyant sur les spécifications déjà stockées, plutôt que de partir d'un prompt isolé sans mémoire du projet.
Le même principe fonctionne avec Cursor ou Codex : ce n'est pas l'outil qui compte, mais le fil qui relie capture, organisation et exécution.
Magic Patterns et ce workflow complet abordent la même tension sous deux angles différents. L'un protège l'identité visuelle à l'intérieur d'un seul outil de génération d'interface. L'autre orchestre plusieurs IA spécialisées pour fluidifier tout un processus créatif.
Dans les deux cas, l'IA n'improvise pas dans le vide : elle s'appuie sur du contexte déjà posé par un humain — une page validée, une réunion capturée, une spécification stockée. C'est ce contexte qui évite la génération générique, et qui rejoint ce que nous observions dans notre analyse de l'impact du vibe coding sur le métier de designer.
Deux réflexes se dégagent de ces deux lectures, transposables à n'importe quel projet :
Un designer solo peut commencer petit : brancher un seul connecteur MCP entre deux outils déjà utilisés au quotidien, avant d'envisager une chaîne complète comme celle décrite plus haut.
Sur le fond, la compétence qui reste rare n'est pas de savoir prompter, mais de savoir quel contexte donner et quand arrêter de générer — un fil que nous creusons dans notre article sur les compétences IA du designer en 2026.
Aucune des deux vidéos ne décrit un design généré dans le vide. L'une protège une marque à l'intérieur d'un canvas, l'autre orchestre une chaîne d'outils pour ne plus jamais repartir de zéro.
Le point commun, c'est que l'IA devient d'autant plus utile qu'elle hérite d'un contexte déjà construit par un humain. En 2026, le vrai levier n'est plus l'accès à l'IA, mais la qualité du contexte qu'on lui donne.
Cet article de synthèse est basé sur les vidéos :
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--- # Liquid Glass vs Material 3 Expressive : les deux langages d'interface qui redéfinissent 2026 URL: https://www.beryldesign.fr/post/liquid-glass-vs-material-3-expressive Date: 2026-07-23 Liquid Glass vs Material 3 Expressive : la stabilité invisible d'Apple face à la physique du mouvement et la personnalisation de Google en 2026.La WWDC et les sorties Pixel de cette année dessinent une bascule claire dans le design d'interface. D'un côté, Apple ralentit sur le visuel : après le choc esthétique de Liquid Glass, 2026 se concentre sur la stabilité, la sécurité et l'IA locale.
De l'autre, Google accélère avec Material 3 Expressive, une refonte qui pousse la physique du mouvement et la personnalisation jusque dans le moindre widget du Pixel 10.
Nous avons croisé trois lectures — le décryptage système de la WWDC, un deep-dive technique sur le moteur d'animation, et un retour terrain sur le Pixel 10 — pour comprendre ce que ces deux paris changent vraiment pour nous, designers d'interface.
Contrairement aux années précédentes, marquées par une débauche d'effets visuels, cette WWDC a surpris par sa sobriété. Apple survole ses mises à jour esthétiques pour se concentrer sur l'essentiel : la sécurité et l'intelligence artificielle. Liquid Glass ne disparaît pas, mais il n'est plus la vedette — la marque préfère consolider l'existant plutôt qu'enchaîner une nouvelle refonte visuelle.
La nouvelle version de macOS, baptisée Golden Gate, ainsi qu'iOS 27, ne révolutionnent pas l'interface visuelle. Elles optimisent le moteur en profondeur : animations plus fluides, applications plus réactives, et retour de la couleur dans les icônes de la barre latérale — une petite victoire d'ergonomie après des années de reproches sur la lisibilité.
Les détails techniques suivent le même mouvement : un AirDrop annoncé 80 % plus rapide, une indexation Spotlight plus profonde, et un égaliseur personnalisé pour les AirPods. Trois signaux d'un même choix : peaufiner l'existant plutôt que d'ajouter du spectacle.
Le casque Vision Pro gagne en flexibilité : il autorise désormais ses propres panoramas comme environnements virtuels, là où l'informatique spatiale imposait jusqu'ici des décors fixes comme Mars ou Yosemite. Une photo de vacances peut devenir son bureau de travail.
C'est là que Liquid Glass continue de se déployer concrètement : des panneaux d'interface translucides qui flottent dans un vrai salon, avec des reflets et une profondeur qui répondent à la lumière ambiante. Ce langage de profondeur et d'ombrage reste la vraie signature visuelle d'Apple, même dans une année qui n'en fait pas une priorité affichée.
Le morceau attendu, c'est la refonte de Siri sous la bannière Apple Intelligence. Pas de révolution totale, mais une mise à niveau nécessaire face à ChatGPT, Claude ou Gemini. La force d'Apple : une intégration locale qui donne à Siri accès aux messages et au calendrier sans que rien ne quitte l'appareil.
L'activation passe par la Dynamic Island ou le bouton d'alimentation, avec une animation plus moderne et une voix plus expressive. L'historique des conversations se synchronise sur tout l'écosystème : on commence une requête sur l'iPhone, on la termine sur le Mac.
Sur l'autonomie, Apple joue la prudence face aux agents de Google : là où un concurrent tenterait d'acheter des billets à notre place, Siri s'arrête à l'ajout au calendrier. Une limite assumée pour éviter les hallucinations coûteuses — au prix, pour l'instant, d'un iPhone 17 Pro ou Air pour faire tourner ces modèles en local (12 Go de RAM minimum).
Pendant qu'Apple consolide, Google structure sa propre rupture : Material 3 Expressive ne se contente pas d'ajouter des composants à la bibliothèque Material Design classique. Il redéfinit la manière dont une application respire et réagit au toucher.
Techniquement, tout part d'un seul réglage : le paramètre motionScheme, ajouté au composable MaterialTheme (encore réservé à la version 1.5.0-alpha des dépendances). Cette ligne unique unifie le comportement de mouvement de toute l'application.
La bascule du schéma Standard vers Expressive change radicalement la perception : les animations ne s'arrêtent plus net à leur destination, elles la dépassent légèrement avant de se stabiliser. Cet effet d'overshoot, discret mais vital, imite les lois de la physique réelle et supprime l'aspect robotique des transitions linéaires.
Le système propose des catégories de vitesse — fastSpatial, slowSpatial, defaultSpatial — choisies selon l'impact visuel de l'élément animé : une icône utilise le mode rapide, un changement d'écran complet une transition plus lente.
Plus structurant encore, Google distingue deux natures de transformation : si l'on modifie une taille ou une position, on utilise le schéma Spatial ; si l'on change une couleur ou une opacité, on bascule sur le schéma Effect. Cette distinction permet au moteur de rendu d'appliquer la courbe d'accélération la plus naturelle à chaque type de mouvement.
Sur le terrain, une semaine avec le Pixel 10 Pro confirme que Material 3 Expressive n'est pas qu'un vernis décoratif. Google ne cherche pas seulement un nouveau look : il vise une interface qui procure une véritable connexion émotionnelle.
Balayer une notification pour l'effacer déclenche une résistance physique simulée : l'élément s'accroche brièvement à la notification suivante avant de s'en détacher avec un claquement haptique net. Le menu des applications récentes reproduit la même logique — une fenêtre relâchée rebondit avec une inertie naturelle.
Le curseur de volume illustre bien cette philosophie sensorielle : une vibration haptique évolue avec le niveau sonore, s'intensifiant à mesure qu'il monte. Certains effets de « squish » promis dans les premières démonstrations manquent encore à l'appel sur le volet de notifications, remplacés pour l'instant par un fondu plus classique.
Google pousse la personnalisation bien au-delà de Material You. Un fond d'écran personnel peut recevoir une ambiance brumeuse ou une pluie fine qui réagit en temps réel — et cette thématique colore ensuite le widget de recherche, le panneau de réglages rapides et jusqu'aux polices d'écriture.
La typographie d'Android 16 dirige activement le regard : graisses variées, espacements travaillés, boutons oblongs et texte en gras dans des applications comme l'Horloge ou la Calculatrice. Cette approche tactile et texturée rappelle certains réflexes du neumorphisme, en plus assumé et plus coloré.
La fonction Calling Card permet de configurer un écran d'appel entier par contact : photo, police, couleurs Material 3 Expressive assorties. Cette attention se prolonge jusqu'à l'écran de charge, où la météo s'affiche en bulles ludiques et en formes organiques.
Les squircles, les formes oblongues et les lignes ondulées — visibles jusque dans le widget Spotify — remplacent les carrés et cercles parfaits d'antan. Chaque application garde sa personnalité propre tout en respectant une grammaire commune, à l'inverse de l'uniformisation que recherchait l'ancien Material Design.
Les trois vidéos éclairent des facettes différentes d'un même basculement. Le décryptage de la WWDC montre une Apple qui choisit la retenue : elle consolide Liquid Glass et mise tout sur la sécurité et l'IA locale plutôt que sur un nouveau choc visuel.
Le deep-dive technique révèle, à l'inverse, une Google qui structure le mouvement comme une variable de design system à part entière, au même titre qu'une couleur ou une typographie.
Le retour terrain, lui, tempère l'enthousiasme : si les applications système du Pixel 10 sont exemplaires, le Play Store ou Google Maps restent à l'écart de cette nouvelle physique.
Ce dernier point est peut-être le plus instructif. Le succès de Material 3 Expressive dépendra entièrement de l'adoption par les développeurs tiers via l'API de mouvement — sans eux, l'interface reste une exclusivité Pixel plutôt qu'un standard Android.
Apple, de son côté, n'a jamais eu ce problème avec Liquid Glass : un langage visuel imposé par le système s'applique partout, au prix d'une année sans grande nouveauté pour le montrer.
Les deux approches convergent sur un point : le mouvement devient une variable de design system, pas un simple embellissement ajouté en fin de projet. Que ce soit via motionScheme ou les variables d'easing d'un outil comme Figma Motion, nous devons désormais penser la vitesse et le rebond d'une transition avec la même rigueur qu'une palette de couleurs.
Concrètement, trois réflexes à intégrer dès maintenant :
L'autre leçon tient à l'adoption. Une interface système ne vaut que si les applications tierces la reprennent réellement — le retard du Play Store ou de Google Maps sur leur propre langage maison le rappelle. Avant de promettre une nouvelle physique du mouvement, mieux vaut vérifier qu'elle survivra à l'application la moins prioritaire de la feuille de route.
2026 n'oppose pas un langage d'interface gagnant à un autre. Apple retient son souffle sur le visuel pour consolider un système et une IA en qui on peut avoir confiance ; Google mise sur l'émotion et le sensoriel pour rendre Android plus attachant, quitte à fragmenter l'expérience tant que les applications tierces ne suivent pas.
Ces deux paris rejoignent d'ailleurs une tendance de fond que nous documentions dans notre tour d'horizon des tendances UI 2026 : l'immersion et l'émotion priment de plus en plus sur la simple fonction. À nous, designers, de choisir consciemment lequel des deux réflexes — la retenue ou l'expressivité — sert le mieux notre propre produit.
Cet article de synthèse est basé sur les vidéos :
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--- # Design tokens : ce que change vraiment le nouveau standard W3C DTCG URL: https://www.beryldesign.fr/post/design-tokens-w3c-dtcg Date: 2026-07-23 La spec W3C Design Tokens Format Module (DTCG) est stable depuis fin 2025, soutenue par 24+ organisations. Ce qui change vraiment pour vos design systems.Un design token n'est plus une simple variable Figma ou un fichier JSON maison propre à chaque équipe. Depuis fin 2025, il obéit à une norme commune : le W3C Design Tokens Format Module, porté par le Design Tokens Community Group (DTCG).
Nous avons croisé trois vidéos très différentes pour comprendre ce que ce standard change vraiment. Une vue d'ensemble pédagogique sur la sémantique des tokens, un deep-dive avec le co-chair du groupe de travail W3C, et une démonstration pratique sur Penpot, premier éditeur à l'avoir adopté nativement.
Leur point commun : le token n'est plus prisonnier d'un seul outil. Il pilote enfin le design et le code, sans traduction manuelle entre les deux.
Après cinq ans de travail communautaire, la version 2025.10 du Design Tokens Format Module est devenue la première édition stable de la norme. Elle a traversé trois versions préliminaires avant d'être validée par le terrain.
Ce n'est pas un détail technique isolé : 24 organisations au moins la soutiennent, parmi lesquelles Adobe, Google, Meta, Microsoft, Amazon et Figma. Plus de dix outils, dont Penpot, Sketch, Framer ou zeroheight, la supportent déjà ou l'implémentent.
Avant ce standard, chaque outil exportait ses tokens dans son propre format. Migrer une bibliothèque de Figma vers Sketch, ou vers un pipeline de build, imposait des scripts de conversion maison, fragiles et à réécrire à chaque mise à jour.
Le nouveau format JSON, avec l'extension .tokens ou .tokens.json, devient une API stable pour les créateurs de plugins et les développeurs d'outils. Un token exporté depuis un éditeur peut être réimporté ailleurs sans perte de sens ni de structure.
La spec couvre la gestion de thèmes multiples, les espaces colorimétriques modernes comme Display P3 ou Oklch, et les relations entre tokens par héritage et alias. Elle prévoit aussi la génération de code cross-plateforme, vers iOS, Android, le web ou Flutter.
Un rapport sectoriel récent (zeroheight, 2026) situe l'adoption des design tokens à 84 % des équipes produit, contre 56 % un an plus tôt. Les tokens sont devenus la norme, pas l'exception, même si 40 % des équipes gèrent encore la synchronisation à la main faute de vrai pipeline.
C'est la vidéo officielle de Figma, tournée à la conférence Schema 2025 avec le co-chair du Design Tokens Community Group, qui donne la mesure du changement côté outil. Jusqu'ici, importer ou exporter des variables au format standard imposait un plugin open source tiers.
Figma a délibérément attendu la stabilisation de la norme avant de l'intégrer, pour ne pas influencer le marché avec une implémentation prématurée.
Le nouveau système d'import ne se contente pas de copier des valeurs : il interprète la collection cible. Sur une collection vierge, il crée les variables et mappe les valeurs sur plusieurs modes automatiquement.
Cette logique s'appuie sur les mêmes principes que la conversion des styles en variables dans Figma, mais avec un format d'échange qui survit désormais à la sortie de l'outil.
Le vrai saut concerne le multi-marque. Les Extended Collections permettent à une marque enfant d'hériter automatiquement de la structure et des modes d'une collection racine, tout en ne redéfinissant que ce qui change.
Une collection FigJam peut ainsi hériter des tokens Figma Colors et ne surcharger que ses teintes propres. Les équipes choisissent de loger l'extension dans le même fichier, pour une mise à jour instantanée, ou dans un fichier séparé, pour une autonomie d'expérimentation.
Figma propose une méthode en six étapes pour les structures centralisées, testée auprès de vingt entreprises : exporter les valeurs, supprimer les modes existants, créer l'extension, réimporter les overrides, publier, puis accepter les mises à jour.
Un point de vigilance subsiste après la migration : les réglages de mode appliqués aux calques repartent sur le mode par défaut. Il faut les réappliquer manuellement, au niveau de la page ou de l'équipe.
La vidéo la plus pédagogique des trois ne parle presque pas du standard W3C, et c'est révélateur. Elle documente une pratique de nommage déjà largement partagée, que la norme vient simplement figer dans un format commun.
Un bouton ne reçoit pas « un vert » : il reçoit une intention de succès. Chaque état, success, warning ou error, se décompose en quatre tokens identiques (icône, texte, bordure, surface) pour que le designer applique toujours la même structure.
La distinction Action / On-Action suit la même logique : un token pour l'élément cliquable, un autre pour ce qui repose dessus. Cette rigueur de nommage est justement ce que le format DTCG permet de documenter et d'échanger tel quel, plutôt que de le réinventer par équipe.
Pour organiser ces tokens, deux modèles dominent. Le modèle à trois niveaux, Brand → Alias → Mapped, sépare la couleur brute, son premier rôle, puis son usage final : utile pour le multi-marque ou un mode sombre complexe.
Le modèle à deux niveaux, Primitives → Semantic, adopté par des bibliothèques comme Untitled UI, va plus vite à mettre en place. Cette architecture recoupe la logique de la documentation des spécifications de composants dans Figma : sans nommage rigoureux, la spec la plus complète reste illisible pour l'équipe de dev.
Penpot n'attend pas une implémentation propriétaire à convertir plus tard. L'éditeur open source a adopté le brouillon du standard DTCG comme format natif de ses tokens, avant même la sortie de la version stable.
Le Design Tokens Starter Kit, disponible sur le Penpot Hub, importe des sets de tokens organisés par catégories : couleurs, dimensions, rayons de bordure. L'export génère un fichier JSON lisible, qu'on peut découper en plusieurs fichiers pour séparer les thèmes des fondations.
Cette continuité entre l'outil de design et les nouveautés collaboratives de Penpot 2.0 confirme une bascule de fond : les tokens deviennent agnostiques vis-à-vis de la plateforme de sortie.
Changer un token de densité de 1 à 1.2 recalcule automatiquement tous les espacements de l'interface. Basculer entre Light Mode et Dark Mode ne change que les valeurs de sortie des tokens sémantiques, jamais leur nom.
La démonstration va jusqu'à l'accessibilité : le plugin de contraste intégré signale un texte trop pâle, et corriger la variable à la source suffit à remettre toute l'interface en conformité.
Les trois sources n'éclairent pas le même problème. La vidéo généraliste documente une pratique de nommage déjà mature, indépendante de tout format. Le deep-dive Figma décrit le standard lui-même et son intégration native. La démonstration Penpot montre ce que ça donne une fois le format déjà adopté dans un outil.
Ce triple regard confirme que le changement n'est pas cosmétique. Un token nommé selon les mêmes principes peut désormais voyager d'un outil à l'autre sans réinterprétation, grâce à une seule spécification partagée.
Pour une bibliothèque déjà mature sous Tokens Studio ou un format maison, la question se pose surtout à un renouvellement d'outil ou sur un projet multi-marque. La méthode de migration en six étapes de Figma reste la plus documentée à ce jour.
Pour un nouveau projet, la réponse est plus simple : démarrer directement au format DTCG évite une migration future. C'est notamment l'argument qui pèse dans un comparatif entre Penpot et Figma en 2025, pour les équipes qui veulent limiter leur dépendance à un seul éditeur.
Le design token n'a jamais été qu'une valeur nommée. Ce qui change avec le DTCG, c'est que ce nom et sa structure survivent désormais au changement d'outil, de designer ou de plateforme de sortie.
Reste la partie qui ne s'automatise pas : décider quelle intention porte chaque token, et où tracer la frontière entre fondation et sémantique. Le standard structure l'échange ; la rigueur de nommage reste notre travail.
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--- # Framer vs Webflow en 2026 : quel no-code choisir face à la vague IA ? URL: https://www.beryldesign.fr/post/framer-vs-webflow-2026 Date: 2026-07-23 Framer ou Webflow en 2026 ? Design, IA (Wireframer, Workshop), CMS et tarifs : notre comparatif honnête pour choisir le bon outil no-code selon votre usage.Framer et Webflow se disputent depuis des années le même terrain : construire un site professionnel sans écrire de code. En 2026, la bascule ne se joue plus sur l'ergonomie de l'éditeur, mais sur l'intelligence artificielle que chaque outil embarque désormais.
Nous avons croisé trois lectures complémentaires : un comparatif direct entre les deux plateformes, un tutoriel qui pousse à fond les fonctionnalités IA de Framer, et le retour d'expérience d'un designer qui a migré son propre site professionnel. De quoi dépasser le match marketing et trancher selon votre usage réel.
Framer s'ouvre comme un logiciel de création graphique : une toile infinie et des « pages de conception ». Des outils vectoriels natifs permettent de tracer rectangles, étoiles ou tracés à la plume sans quitter l'éditeur.
Pour un kit d'icônes personnalisé, le processus est limpide : on modifie l'épaisseur du trait, le composant se met à jour, puis on exporte en SVG — sans repasser par Illustrator.
L'animation suit la même logique organique, portée par la bibliothèque Motion : effets de survol, flous et transformations au défilement se posent en quelques clics, sans plugin tiers type GSAP. Webflow, à l'inverse, reste fidèle à sa timeline traditionnelle — chaque effet au scroll exige une action configurée sur une classe précise, avec une rigueur de nommage que Framer ne demande pas.
C'est le vrai terrain de bascule de 2026. Framer ne se contente plus d'assister le design : il génère la structure et le code à la demande, via deux outils distincts et complémentaires.
Le processus démarre par une simple description — portfolio, page d'entreprise, changelog. Wireframer construit aussitôt une architecture complète, avec ses versions desktop, tablette et mobile déclinées automatiquement. Les sections de contact, les galeries et les en-têtes apparaissent sans manipuler un seul outil de tracé traditionnel.
Cette base reste un point de départ, pas un résultat figé : un élément mal positionné sur mobile se corrige à la main, aux touches fléchées, exactement comme sur un calque classique. Cette liberté totale sur le canevas distingue Framer d'outils plus rigides comme Linktree, où rien ne se personnalise en profondeur.
Quand le no-code touche ses limites, Workshop prend le relais pour générer un composant de code sur mesure à partir d'un prompt précis. Décrire une carte avec une image de fond, un dégradé sombre pour le contraste et un effet de retournement 3D au survol suffit à obtenir un composant fonctionnel, prêt à intégrer.
Le résultat dépasse souvent la demande initiale : contrôle de l'intensité du gradient, durée de l'animation ou propriétés de police ajoutables après coup, sans écrire une ligne de CSS. Nous retrouvons la même logique de génération par le prompt que nous avions testée sur Figma Make et Lovable — sauf que Framer publie directement le résultat en ligne, sans étape d'export séparée.
Au-delà des démonstrations, le test le plus parlant reste celui d'un praticien qui migre un vrai projet. Un designer freelance, ex-lead d'une agence digitale, a refondu son propre site professionnel avec Framer — l'occasion de sortir des scénarios préparés à l'avance.
Son ancien site, construit sept ans plus tôt sur Readymag, cumulait les handicaps : typographies obsolètes, lenteurs de chargement extrêmes, absence totale de responsive. Chaque mise à jour, même un simple changement de police ou l'ajout d'un témoignage client, tournait au combat contre l'interface.
En ouvrant Framer, les Design Pages reproduisent le comportement de Figma : calques, composants, liberté de mouvement totale. Les raccourcis clavier standards répondent tous présents (Control G pour la grille, Control R pour les règles), sans la phase de réapprentissage vécue lors du passage de Sketch à Figma.
Huit heures de prise en main, tutoriels compris, ont suffi pour maîtriser la logique des composants et penser en couches plutôt qu'en lignes de code.
Les Stacks réorganisent automatiquement des témoignages ou des listes sans déplacer chaque élément à la main. Transformés en composants avec des variables de texte, d'image et de vidéo, ces blocs se dupliquent sur n'importe quelle page en gardant une cohérence parfaite.
Le vrai test restait le responsive sur une mise en page éditoriale volontairement déconstruite. Le designer a conservé ses alignements complexes jusqu'à moins de 1000 pixels de large, sans écrire une seule ligne de code. Un carrousel infini généré par Workshop a remplacé, en moins de deux heures, une fonctionnalité jugée jusque-là irréalisable sur son ancienne plateforme.
Sur la gestion de contenu, les deux plateformes proposent des collections robustes, mais avec des philosophies opposées. Framer personnalise ses champs jusqu'à l'insertion de composants interactifs, et connecte des sources externes comme Notion ou Google Sheets via des plugins dédiés. Les filtres dynamiques et les références multiples facilitent la navigation dans de grandes bibliothèques de contenu.
Webflow conserve une avance sur la rigueur structurelle : modèles prédéfinis très efficaces pour les blogs ou les portfolios, back-end lisible sur les vignettes et les métadonnées. Sa barrière à l'entrée reste plus haute — aucun CMS disponible sur les forfaits d'entrée de gamme —, une contrainte qui prolonge ce que nous détaillions déjà dans notre prise en main de Webflow.
Côté Framer, l'IA automatise aussi le SEO technique : génération en un clic des textes alternatifs de toutes les images d'un projet, validés puis intégrés automatiquement. Une tâche autrefois fastidieuse devient une simple étape de vérification.
Elle ne remplace pas pour autant la profondeur structurelle d'un CMS pensé pour des centaines de références. Sur ce terrain, Webflow reste la référence pour du contenu complexe ou des expériences interactives poussées comme celles obtenues avec Spline.
Le travail en temps réel est devenu un attendu minimum : les deux outils permettent d'inviter clients et partenaires, avec curseurs visibles en direct et gestion fine des droits d'accès selon l'interlocuteur. Le design devient une activité presque « multijoueur », où chaque modification apparaît instantanément aux yeux de toute l'équipe.
La tarification, elle, diverge nettement dans sa lisibilité. Framer mise sur la simplicité, avec un domaine gratuit inclus et des forfaits faciles à comparer. Webflow complique l'équation avec des coûts additionnels pour les espaces de travail ou les sièges d'édition : choisir son forfait devient un calcul stratégique selon la taille de l'équipe et le nombre de contributeurs.
Les trois sources convergent, mais éclairent des facettes différentes — et c'est instructif. Le comparatif large (Jeremy Mura) balaie design, IA, CMS, collaboration et tarifs pour poser les bases du match.
Le tutoriel Framer University se concentre sur le geste : Wireframer pour la structure, Workshop pour le composant sur mesure, jusqu'à la publication. Le retour praticien (BONT) apporte ce que ne donne aucune démo marketing — un vrai projet migré, avec ses frustrations d'avant et ses gains mesurés après.
Aucun des deux outils ne l'emporte sur tous les tableaux. Le bon choix dépend d'abord de ce que vous cherchez à produire :
Le prompt engineering compte presque autant que l'outil choisi : un brief précis sur le contexte, la mise en page et les interactions attendues change radicalement la qualité du résultat, chez Framer comme sur n'importe quel générateur IA.
Framer et Webflow ne sont plus deux clones qui se disputent le même public. Framer accélère la production individuelle grâce à une IA générative profondément intégrée à l'éditeur ; Webflow reste la valeur sûre pour du contenu structuré à grande échelle et des équipes plus larges. Le vrai gagnant de ce duel, en 2026, c'est le designer qui sait lequel des deux appeler selon le projet.
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--- # Vibe coding : quel impact sur le métier de designer en 2026 ? URL: https://www.beryldesign.fr/post/vibe-coding-impact-metier-designer Date: 2026-07-23 Vibe coding : entre la fin des silos, un designer de logos qui capitule et un workflow Figma-Claude reconstruit, ce qui change vraiment pour les designers.Le vibe coding désigne une pratique simple à décrire, mais lourde de conséquences. Il consiste à générer une application ou une interface en discutant avec une IA, plutôt qu'en écrivant chaque ligne de code soi-même. Nous avons croisé trois vidéos qui abordent ce phénomène sous des angles très différents, sans céder au sensationnalisme d'un remplacement des designers.
La première vient du créateur d'un outil de codage IA, qui décrit une réorganisation des rôles en interne. La deuxième suit un designer de logos confronté directement à une IA sur son propre terrain créatif. La troisième documente, pas à pas, le workflow d'un designer qui a reconstruit tout son processus autour de l'IA, de Figma jusqu'à la mise en ligne. Trois lectures, un seul phénomène.
Dans cette interview, le créateur de l'outil de codage IA décrit une transformation radicale des équipes produit. Les barrières entre design, produit et développement s'effacent à mesure que coder devient accessible à tous. Au sein de l'équipe qu'il appelle Quad Code, chefs de produit et responsables techniques écrivent eux-mêmes du code.
La valeur ne vient plus de la ligne écrite, mais de la vision globale du produit.
Plutôt que de cloisonner par spécialité technique, l'organisation qu'il décrit se structure autour du cycle de vie du produit. Coder n'est plus un différenciateur : c'est un prérequis partagé. Cinq profils se dégagent :
Le point le plus concret reste le plus parlant : une designer peut désormais ajuster elle-même la position d'un bouton, sans passer par une messagerie instantanée ni un ticket. Cette suppression de la friction intermédiaire ne supprime pas le rôle du développeur.
Elle le redéfinit autour de la capacité à naviguer dans l'ensemble d'un projet, plutôt qu'à en garder seul la clé technique.
Le monde du design a été secoué par l'annonce d'un logo designer reconnu : il a déclaré poser les armes face à l'IA. En cause, un outil nommé Fable 5, capable de générer des concepts de logo en quelques secondes. Plutôt que de prendre cette capitulation pour argent comptant, un autre créateur a testé lui-même l'outil sur trois briefs réels.
Pour Meridian, une société de conseil, l'IA propose une idée sémantiquement forte : une ligne verticale qui traverse le « I », évoquant le méridien. Mais l'exécution technique échoue — le nom devient illisible, se lisant « Myrr » et « Deianne » au lieu de Meridian.
Une deuxième piste retombe sur un cliché éculé, une aiguille de boussole, révélant la tendance de l'IA à choisir le chemin de moindre résistance créative plutôt qu'une idée originale.
Pour Hartwell, un atelier de mobilier en bois, le résultat est plus contrasté. L'IA intègre une clé papillon dans la barre transversale du « H » — un clin d'œil pertinent au métier du client, sans doute la meilleure proposition testée. Mais le crénage des autres lettres reste déséquilibré, une erreur qu'un designer junior saurait éviter.
Pour Crux, une marque d'escalade, l'IA échoue à saisir les contraintes réelles d'un système de logo. Une fine ligne blanche censée symboliser une charnière disparaît totalement une fois le logo réduit sur une étiquette. Une autre proposition, un simple « pic et vallée », ressemble à un logo de station-service générique.
Le designer doit alors reprendre la main : ajuster les courbes, renforcer l'épaisseur des traits, injecter la personnalité qui manquait. Le verdict est nuancé.
Fable 5 se comporte comme un designer de niveau intermédiaire au mieux. Capable d'itérer vite, mais incapable seul de distinguer une bonne idée d'un cliché — ou de penser un système complet plutôt qu'une image isolée.
Autre image, radicalement différente : celle d'un designer qui a reconstruit tout son processus autour de l'IA. Il livre une vraie application déployée — une version interactive jouable du jeu The Mole, conçue pour une soirée entre amis. La stack : Figma, Claude, GitHub, Vercel et Supabase.
Avant la moindre ligne de code, il continue de passer par Figma pour penser le flux utilisateur, la hiérarchie et les interactions. Dix minutes de réflexion en design permettent d'économiser des milliers de tokens de génération plus tard.
Il garde la main sur la direction artistique — ici une esthétique d'espionnage, moniteurs CRT et lignes de scan vertes — plutôt que de laisser l'IA inventer l'âme du produit. C'est la même logique que nous observions dans le passage de la maquette au produit avec Figma Make.
Une fois la direction visuelle fixée, Claude devient le développeur. Nourri du contexte des fichiers Figma via des connecteurs, l'outil pose des questions que le designer n'avait pas anticipées : comment calculer les scores ? quel format de question utiliser ?
Cette collaboration force à clarifier la logique métier avant même d'écrire la base de données. C'est une dynamique proche de ce que nous décrivions à propos de Claude et la révolution du prototypage.
GitHub documente chaque changement ; chaque validation de code déclenche un déploiement automatique sur Vercel, avec une URL réelle testable en quelques secondes. Cette boucle rapide change tout : on voit immédiatement si un bouton est trop petit ou un texte illisible, en conditions réelles.
Supabase gère de son côté le modèle de données — joueurs, quiz, réponses. Un éditeur SQL sert de filet de sécurité quand la connexion automatique entre l'IA et la base de données bloque.
La compétence clé n'est plus d'éviter les problèmes techniques, mais d'apprendre à les résoudre plus vite. Une erreur qui aurait bloqué trois heures se corrige désormais en quelques minutes, grâce à une IA traitée comme un collaborateur qu'on questionne, pas comme un bouton magique.
Ces trois lectures se complètent plus qu'elles ne se répètent. Le créateur de l'outil décrit une réorganisation des rôles autour du cycle de vie produit, plutôt qu'autour de la spécialité technique.
Le designer de logos montre les limites concrètes de l'IA : lisibilité, originalité, contraintes d'échelle. Le designer-bâtisseur documente, lui, ce à quoi ressemble un workflow reconstruit au quotidien. Figma reste en amont, l'IA agit comme exécutante, et la boucle de déploiement se compresse de plusieurs semaines à quelques heures.
Ce que ces trois lectures ont en commun : le design ne disparaît pas, il se déplace vers l'intention et la direction artistique. C'est une tendance de fond que nous observions déjà dans le retour des profils hybrides et techniques sur le marché du design.
Aucune des trois sources ne conclut à la disparition du designer. Même le créateur de l'outil de codage décrit une réorganisation des rôles, pas leur suppression.
Le logo designer qui capitule semble d'ailleurs céder davantage à la lassitude personnelle qu'à une réalité technologique absolue, comme le souligne l'analyse de ses propres essais.
Le goût, le jugement critique et la maîtrise des contraintes réelles d'un support restent le filtre que l'IA ne sait pas encore reproduire seule. C'est précisément ce filtre qui distingue un résultat exploitable d'un résultat qui semble bon sur un écran 27 pouces et s'effondre une fois imprimé en petit.
Trois réflexes se dégagent de ces trois lectures, applicables à n'importe quel projet, jeu d'amis ou produit client :
Pour aller plus loin sur les compétences précises à prioriser, notre article sur les compétences IA du designer en 2026 détaille la suite logique de ce constat.
Le vibe coding ne supprime pas le design : il déplace son centre de gravité. Moins de temps passé à produire soi-même chaque pixel ou chaque ligne, plus de temps passé à décider ce qui mérite d'exister à l'écran.
La question n'est plus de savoir si l'IA va remplacer les designers, mais quels designers sauront diriger l'IA plutôt que la subir.
Cet article de synthèse est basé sur les vidéos :
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--- # Forge of Empires : quand la complexité du jeu devient un problème d'UX URL: https://www.beryldesign.fr/post/forge-of-empires-ux-teardown Date: 2026-07-22 Douze ans de systèmes empilés ont rendu Forge of Empires illisible sans guides externes. Analyse UX de l'onboarding, de la refonte des Grands Monuments et de ce que Dynasty Nova fait différemment.Forge of Empires tourne depuis 2012. Douze ans de mises à jour ont empilé des systèmes sur des systèmes — et aujourd'hui, deux chaînes YouTube dédiées existent uniquement pour expliquer comment jouer correctement.
C'est le symptôme qu'on veut disséquer ici : quand un jeu a besoin d'une industrie parallèle de guides pour rester lisible, c'est un problème d'UX, pas seulement de contenu. Nous avons croisé trois vidéos — une refonte de système, un guide de démarrage, un guide des erreurs à éviter — pour comprendre où l'interface abandonne le joueur.
Avant même de poser une hutte, le nouveau joueur doit choisir un code serveur (FR, US, EN, Beta) puis un monde au sein de ce serveur — un choix qui a de vraies conséquences (économie, ancienneté des joueurs) mais qu'aucune interface n'explique clairement sur le moment.
Le jeu enseigne les bases — huttes, caserne, premières unités — mais la vraie stratégie (ne pas surconstruire, économiser l'or, cibler les bonnes provinces) n'est jamais explicitée. Un guide externe de 22 minutes existe uniquement pour combler ce vide.
Le premier Grand Monument, l'Oracle de Delphes, illustre bien le problème : facile à obtenir, mais encombrant sur le long terme. Le supprimer casse la suite des quêtes principales — un piège que l'interface ne signale à aucun moment :
Les fonctionnalités sociales (liste d'amis, guildes) suivent le même schéma : elles débloquent une part énorme des revenus passifs, mais seul un guide tiers l'explique vraiment.
Aider 70 à 80 voisins chaque jour rapporte environ 1 500 pièces d'or — de quoi valider à lui seul une quête récurrente. Rien dans l'interface ne signale ce ratio : un joueur isolé peut jouer des semaines sans savoir que sa vraie source de revenus lui échappe.
La tactique du « guild hopping » — rejoindre une guilde ouverte, aider tout le monde, repartir tester ailleurs — n'est documentée nulle part en jeu. Elle vient exclusivement des guides communautaires, preuve supplémentaire que le méta social vit à côté de l'interface, pas dedans.
La mise à jour bêta des Grands Monuments ajoute trois paliers de bonus — cuivre, argent, or — mais seuls 19 des 48 monuments existants y ont droit. Aucun signal visuel simple ne distingue un monument « plafonné » d'un monument « évolutif ».
Le passage d'un système de coût exponentiel à un système linéaire par paliers fait disparaître ce que les joueurs vétérans appellent le « sweet spot » — la zone où investir restait rentable. Sur le Himeji Castle, le coût pour atteindre le niveau 100 passe de 400 000 à 1,9 million de points de forge. Des années d'intuition stratégique deviennent obsolètes du jour au lendemain, sans réel accompagnement du changement.
La nouvelle « raffinerie de plans » — échanger des plans de cuivre contre un plan d'argent aléatoire — vit dans un sous-menu du monument, avec une limite quotidienne et un coût croissant à chaque usage. Même le créateur de la vidéo source, un joueur expérimenté, admet que le système reste « encore en cours » et redoute des failles d'équilibrage exploitables par les joueurs les plus rapides.
Sur les 19 monuments concernés par la refonte, seuls quatre — la Statue de Zeus, la Cathédrale d'Aix-la-Chapelle, Alcatraz et le Kraken — offrent un bonus multiplicateur plutôt qu'une valeur fixe. Ils restent mathématiquement supérieurs sur la durée, mais rien dans leur fiche ne le distingue visuellement des 15 autres.
Un joueur doit donc, encore une fois, consulter un guide externe pour savoir où concentrer ses points de forge — la même mécanique de complexité cachée que pour l'onboarding, appliquée cette fois à l'investissement long terme.
La troisième vidéo source résume bien le fond du problème avec une phrase directe : les joueurs construisent leur ville « de manière émotionnelle », pas rationnelle — parce que rien dans l'interface ne les guide vers l'efficacité.
Le mode combat automatique est présenté comme une simplification, mais il travaille souvent contre le joueur qui ne connaît pas les contre-types d'unités. Résultat : des défaites perçues comme de la malchance, alors qu'elles sont presque toujours prévisibles pour qui comprend le système — invisible depuis l'interface de combat elle-même.
Trois systèmes entiers — Expédition de Guilde, Champs de Bataille de Guilde, Incursions Quantiques — accélèrent radicalement la progression. Aucun des trois n'est mis en avant pour un joueur qui ne cherche pas activement de contenu tiers pour les découvrir.
Douze ans de couches successives expliquent en partie cette complexité — mais ils ne l'excusent pas. C'est exactement le pari inverse que nous avons fait sur Dynasty Nova : construire la lisibilité dès la conception plutôt que la rattraper après coup.
Sur la monétisation, nous avons choisi une approche Pay-to-Fast plutôt que Pay-to-Win — l'inverse d'un système de paliers cachés où seuls les vétérans savent ce qui est rentable. Sur la progression, notre refonte de l'arbre technologique vise justement à éviter qu'un joueur ait besoin d'un guide externe pour comprendre où investir. Et sur l'accessibilité globale, nous avons documenté notre approche UI mobile-first pour qu'un nouveau joueur ne dépende jamais d'un tutoriel YouTube pour simplement démarrer.
Forge of Empires reste un jeu profond, et c'est en partie pour ça qu'il dure depuis douze ans. Mais la profondeur et la lisibilité ne devraient jamais s'opposer — et aujourd'hui, c'est une industrie de créateurs de contenu qui compense ce que l'interface ne dit pas.
Pour un genre entier de jeux de gestion par navigateur, la vraie question de design n'est plus « combien de systèmes peut-on empiler ? » mais « combien de ces systèmes le joueur peut-il découvrir sans quitter le jeu ? ». C'est la question qu'on garde en tête à chaque décision sur Dynasty Nova.
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--- # Compétences IA du designer en 2026 : ce qui compte vraiment pour durer URL: https://www.beryldesign.fr/post/competences-ia-designer-2026 Date: 2026-07-22 70% des postes de design menacés d'ici 2030 ? Ce que montrent 3 analyses du marché 2026 : ce qui devient une commodité, les niches qui explosent, et ce que l'IA ne remplace pas.En avril 2025, Duolingo annonçait sa bascule vers un modèle « AI-first », remplaçant une partie de ses prestataires créatifs par des outils d'IA. Depuis, une vague de vidéos alarmistes promet la fin du design UX/UI : jusqu'à 70 % des postes actuels pourraient disparaître d'ici 2030 selon certaines projections.
Le chiffre choque, mais il cache une réalité plus nuancée. Nous avons croisé trois lectures du marché 2026 — une alarmiste, une qui prend le contrepied, une centrée sur la productivité individuelle — pour comprendre où se déplace réellement la valeur d'un designer.
Premier constat partagé par tous : la couche d'exécution pure — landing pages, dashboards, écrans d'application standards — devient un produit de base. Des outils comme Midjourney, ChatGPT ou Framer AI génèrent déjà ces structures en quelques secondes.
Le redimensionnement d'assets, l'ajustement manuel des espacements, la reconstruction de composants à l'infini : ce travail répétitif ne constitue plus un avantage. Sur ces tâches mécaniques, l'IA produit déjà un résultat supérieur à celui de la majorité des designers.
En parcourant des centaines de portfolios, un même constat revient : tout se ressemble. Mêmes mises en page, mêmes composants standards. Pour sortir du lot, l'intentionnalité devient le seul levier qui reste vraiment humain.
La frontière entre design et développement s'efface concrètement. Chez Intercom, une équipe de 30 designers ne livre plus de maquettes statiques : elle pousse directement ses créations en production via des outils comme Cursor ou Claude Code.
Google a même institutionnalisé ce virage avec son propre guide d'UX Engineering. On y apprend à manipuler le front-end avec Framer ou Webflow sans casser le back-end — une montée en compétences qui rappelle les réflexes déjà détaillés dans notre décryptage de Figma Config 2026 autour des Code Layers.
Nous ne parlons plus de coder une application de zéro, mais d'ajuster des visuels par prompts successifs — le vibe coding. Des outils comme Google Stitch ou Figma Make incarnent cette fusion : le prototypage et le design y deviennent une seule et même étape.
Jenny Wen, ex-designer chez Figma, pointe un changement plus radical encore : les étapes traditionnelles du processus — idéation, wireframe, test, itération — deviennent optionnelles pour de plus en plus d'équipes. Des chefs de produit poussent désormais des designs directement aux développeurs, court-circuitant le passage par un designer.
Avec des outils comme Google Stitch ou Figma Make, on parle de « design sprints » boostés à l'IA : si les données disponibles suffisent à valider une direction, on saute l'étape de test pour passer directement à la mise en œuvre. Chaque entreprise tranche alors un dilemme stratégique — go full vibe coding, ou redonner le volant aux designers pour préserver un contrôle qualité humain.
Le marché se polarise et impose un choix de positionnement. D'un côté, exceller en environnement corporate ; de l'autre, utiliser l'IA comme un multiplicateur de force en solo. Les deux trajectoires partent du même constat : les postes juniors purement exécutants sont les premiers menacés.
Dans des structures comme Netflix, le designer qui survit maîtrise la complexité politique et commerciale autant que l'esthétique. Sa valeur ne tient plus à la technique pure, mais à sa capacité à transformer une vision en réalité au sein d'une organisation — communication, collaboration, compréhension des enjeux business.
À l'opposé, le Super Individu construit seul, sans armée d'ingénieurs. L'IA devient une équipe disponible 24h/24 pour tester un marché rapidement. Mais construire ne suffit pas : trop de designers s'enferment dans des projets qui ne trouvent jamais leur audience. Vendre — via le contenu, les réseaux sociaux — compte autant que produire.
Pour les designers qui resteront, le champ ne rétrécit pas : il explose vers des spécialisations pointues. Six trajectoires émergent nettement des analyses de marché 2026.
Un facteur reste immuable malgré la puissance des algorithmes : le goût. Dans une ère d'abondance visuelle, le designer devient davantage curateur qu'exécutant — c'est son œil qui filtre ce qui est réellement pertinent pour l'utilisateur.
La qualité de ce qui sort d'un modèle dépend strictement de ce qu'on y injecte. Sans recherche UX solide en amont, l'IA reste tout aussi médiocre dans ses propositions qu'un designer mal informé — elle imite le goût, elle ne possède pas l'intentionnalité qui crée une expérience mémorable.
L'IA accélère surtout l'élimination des mauvaises idées, un mode « recherche profonde » compilant en quelques secondes des analyses qui prenaient auparavant des heures de veille :
Savoir manier Figma ou un outil IA permet d'être embauché. Cela ne garantit pas de garder son poste une fois dans l'arène, où tout le monde utilise les mêmes outils.
Ce qui crée un fossé durable : la capacité à défendre une décision à l'oral, à comprendre pourquoi l'entreprise existe, à posséder un projet bien après l'export des fichiers. Un designer qui ne peut pas justifier son design, c'est un design mort — quelle que soit la qualité de l'outil utilisé pour le produire.
C'est le constat déjà posé dans notre article sur le retour des profils hybrides et techniques : la polyvalence n'est plus une option, elle devient la condition d'entrée.
Le design ne disparaît pas, il se redessine. Les compétences techniques ouvrent la porte ; le jugement, la communication et l'empathie permettent de rester dans la pièce.
Choisir sa spécialisation maintenant, investir dans ce qui ne peut pas être codé, et transformer l'IA en assistant plutôt qu'en menace : c'est ce triptyque qui distingue une carrière qui dure d'une carrière qui s'arrête au prochain cycle de licenciements.
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--- # Google Stitch face à Figma Make : le comparatif des générateurs d'interfaces IA en 2026 URL: https://www.beryldesign.fr/post/google-stitch-vs-figma-make Date: 2026-07-22 Google Stitch, le générateur d'interfaces IA gratuit de Google, comparé à Figma Make et Claude Design : design system, export Figma, code, limites. Le test complet.Google a lancé Stitch avec une promesse simple : transformer un prompt en interface complète, gratuitement. Depuis la mise à jour de mars 2026 (Stitch 2.0), l'outil de Google Labs s'attaque frontalement à Figma Make, Claude Design et une dizaine d'autres générateurs IA.
Nous avons croisé trois testeurs indépendants qui l'ont mis à l'épreuve sur des cas concrets : un dashboard crypto, une boutique de thé, un classement face à toute la concurrence du secteur. Objectif : trancher entre simple curiosité et vraie alternative à notre workflow habituel.
La première leçon de Stitch tient à sa philosophie. Plutôt que de dessiner un écran isolé, l'outil génère d'abord un design system complet : couleurs primaires, secondaires, neutres, échelle typographique, composants de base.
Sur un test de dashboard crypto en mode sombre avec du violet en couleur primaire, Stitch livre directement des boutons, badges et barres de progression cohérents entre eux. Partir d'une page blanche donne, en comparaison, des résultats nettement moins convaincants.
Sur un second test — une page produit pour une boutique de thé — l'outil décompose son travail en briques élémentaires avant de livrer un écran complet : boutons, labels, palettes de référence. Cette approche modulaire rassure : l'IA construit un système modifiable dès sa genèse, pas une image figée.
Le panneau de configuration à droite de l'écran permet d'ajuster les arrondis, les polices ou les contrastes sans toucher un seul calque manuellement. On bascule d'un style arrondi à des coins carrés, et toute l'interface s'adapte instantanément :
Une fois la base posée, Stitch devient un véritable canevas conversationnel. On demande des pages supplémentaires — trading, paramètres, marché — et l'outil respecte la structure de navigation déjà en place.
La fonction de variation propose trois niveaux : affiner, explorer ou réinventer une page. Sur une page de trading, l'IA propose par exemple deux directions distinctes en quelques secondes — une version à barres horizontales et une autre inspirée de l'ergonomie de Coinbase.
Basculer une interface entière en mode sombre ne prend que quelques secondes, contrastes recalculés compris — les testeurs notent que les versions mobiles générées sont souvent plus abouties que leurs équivalents desktop.
Plus surprenant : une carte de chaleur prédictive, encore en bêta, tente d'estimer les zones d'attention visuelle sans test utilisateur externe. Les erreurs de ciblage restent fréquentes, mais l'ambition — injecter la donnée comportementale dans le processus créatif lui-même — reste notable pour un outil gratuit.
Pour les retours collaboratifs, un outil d'annotation permet de dessiner directement sur la maquette ou de laisser un commentaire textuel. On décrit un changement en langage naturel — par exemple rendre une typographie plus élégante — et l'agent met à jour toute la hiérarchie visuelle pour préserver l'uniformité.
Les écrans peuvent être reliés entre eux pour simuler un vrai parcours, hotspots compris. Stitch distingue même les zones cliquables des zones mortes, ce qui rend la démonstration client crédible dès la première version.
Côté export, trois portes de sortie coexistent : copier-coller vers Figma en conservant l'auto-layout, téléchargement d'un ZIP avec les fichiers Markdown de design, ou passage direct par Google AI Studio pour générer une hiérarchie de composants React en Tailwind CSS.
Un comparatif indépendant a passé au crible une dizaine d'outils, de Figma à des nouveaux venus comme Paper ou Magic Path. Stitch y décroche la catégorie A, freiné surtout par des lenteurs d'affichage sur le canevas lors des animations.
L'apport le plus structurant de Stitch est son format design.md : une version Markdown du design system, lisible aussi bien par des humains que par des agents IA. Ce fichier texte devient une source de vérité partagée entre design et code, sans dépendre d'un format propriétaire.
C'est justement ce que Claude Design n'a pas fait : l'outil d'Anthropic produit des résultats esthétiques, mais avec son propre format fermé. Le flux y reste à sens unique, vers Claude Code, jamais l'inverse.
Figma, lui, garde une avance solide grâce à son mode développeur, ses variables et surtout des années de données d'usage sur l'auto-layout. Les annonces de Config 2026 — connecteurs MCP, plugins génératifs — montrent que Figma ne compte pas laisser le terrain à l'IA générative sans réagir.
Le comparatif place d'ailleurs Figma en catégorie B seulement : sa base WebGL fait perdre en fidélité entre prototype et rendu final en code, un problème que des outils plus légers comme Paper ou Magic Path évitent en travaillant directement dans l'environnement de code, au plus près des agents comme Cursor ou Claude Code.
La réponse courte est non — du moins pas encore. Figma reste ancré dans les habitudes d'équipe, avec une collaboration et des systèmes de design déjà construits que Google ne peut pas copier en quelques mois.
Stitch excelle en revanche sur la phase 0-to-1 : dix concepts explorés en quelques minutes, gratuitement, avant même d'ouvrir un outil de production. C'est un accélérateur d'idéation, pas un remplaçant du trio Figma Make, Framer et Lovable pour la finition.
Reste la question de l'emploi. Le parallèle revient souvent avec ChatGPT, qui n'a pas fait disparaître les métiers de la communication : l'IA en design transformera nos rôles plus qu'elle ne les supprimera. Comme le montre déjà l'agent IA de Figma et ses connecteurs MCP, l'automatisation déplace le travail — moins de temps à dessiner chaque bouton, plus de temps à orchestrer et valider des concepts.
Google Stitch n'enterre pas Figma, mais il change la manière d'attaquer un projet. On explore vite et gratuitement côté Stitch, on affine et on livre côté Figma — et le format design.md pourrait bien devenir le pont standard entre les deux mondes.
La compétition s'annonce rapide : Google publie des mises à jour hebdomadaires, et Figma a toutes les cartes en main pour répondre. Une chose est sûre, notre valeur ajoutée se déplace déjà vers la direction artistique et la stratégie, pas vers l'exécution pixel par pixel.
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--- # Shader Fills & Weave : l'IA générative arrive sur le canvas Figma URL: https://www.beryldesign.fr/post/figma-shader-fills-weave-ia-generative Date: 2026-07-20 Shader fills, shader effects et Weave : comment Config 2026 fait entrer la génération IA directement dans le canevas Figma, sans jamais changer d'outil.Nous avons déjà couvert l'ensemble des annonces de Config 2026, du Code Layers à l'agent IA. Deux nouveautés méritent un décryptage à part : les shaders (fills et effets) et Weave, l'outil de génération multimédia désormais intégré à Figma.
Les deux partagent la même ambition : faire entrer une IA générative directement dans le canevas, sans jamais forcer le designer à sortir de Figma pour produire une texture, une image ou une vidéo.
Jusqu'ici, les dégradés et effets de Figma reposaient sur des calculs de pixels invisibles à l'utilisateur. Avec les shaders, cette mécanique s'expose enfin : nous manipulons directement la matière visuelle, pixel par pixel, en temps réel.
Les shader fills s'appliquent comme des couches de remplissage intelligentes, avec des variables précises : densité des lignes, aberration chromatique via le RGB split, origine du tracé déplaçable directement sur le canevas.
Le vrai enjeu reste les modes de fusion. Soft Light, Screen ou Overlay permettent de laisser transparaître le travail d'origine plutôt que de le masquer sous la texture — un réflexe à prendre dès les premiers essais.
Les shader effects modifient la structure même d'une image ou d'un texte existant : effet water caustic, hachures illustratives, réfraction façon verre dépoli sur de la typographie.
Leur compatibilité avec Figma Motion change la donne : poser des images clés sur l'amplitude ou la fréquence d'un shader transforme une texture statique en animation fluide, sans quitter l'outil de design.
Au-delà de la bibliothèque par défaut, l'agent IA de Figma permet de créer un shader sur mesure à partir d'un effet existant. L'agent engage un vrai dialogue technique : il demande quelles variables rester ajustables avant de livrer un outil réutilisable et parfaitement intégré au flux de travail.
Weave part d'un constat de frustration partagé par beaucoup de créatifs : le cycle « prompt, itération, répétition » oblige à sauter d'un modèle IA à l'autre sans aucune continuité, en repartant de zéro à chaque projet.
Weave répond par un environnement à nœuds : un nœud de texte définit un contexte, connecté à un modèle d'image comme Flux 2 Pro ou Flux Pro. Nous branchons plusieurs modèles en parallèle — Nano Banana 2, Recraft 4 — pour comparer leurs rendus sur un même prompt avant de choisir.
Un nœud de comparaison juxtapose l'image source et sa version modifiée avec un curseur interactif, ce qui évite de naviguer à l'aveugle entre plusieurs itérations.
Le Text Iterator transforme un prompt statique en système dynamique : changer un seul mot dans le nœud source — une destination, un décor — relance toute la chaîne de génération en conservant la cohérence visuelle, grâce à une image de référence qui ancre l'identité des sujets.
Cette logique de variables est ce qui distingue vraiment Weave d'un simple générateur d'images : nous ne créons plus des visuels un par un, nous construisons un système capable d'en produire des dizaines à la demande.
L'image générée sert de première image de référence à un modèle vidéo comme Gro Imagine Video ou Cedance. Durée, résolution, mouvement de caméra se règlent dans le même panneau, et regénérer le clip ne nécessite pas de retoucher l'image source.
Des nœuds purement graphiques, sans IA, restent disponibles pour la correction colorimétrique ou le recadrage — le contrôle manuel garde sa place face à la génération automatisée.
L'exemple présenté autour de la marque de randonnée Offra illustre bien la portée professionnelle de l'outil. Un modèle de langage comme Gemini Pro ou GPT-4 analyse les images de référence de la marque pour en extraire un brief de production : style photographique, règles de composition, ambiance.
Ce brief pilote ensuite l'itérateur de texte : changer une destination (l'Alaska devient l'Australie) régénère instantanément une série d'images qui restent « on-brand », parce qu'elles découlent de l'analyse stylistique, pas d'un prompt réécrit à la main. Le Figma Node referme la boucle en connectant directement les composants et couleurs du design system au workflow.
Le point commun le plus important entre les deux démonstrations, c'est la transformation d'un workflow complexe en Weave Tool exploitable par n'importe quel designer, sans expertise nodale. Ajout de logo sur un produit, essayage virtuel de vêtements, remplacement de décor : chaque outil masque un pipeline complexe que seuls les utilisateurs avancés ont besoin d'ouvrir.
Cette couche d'abstraction est ce qui différencie Weave des générateurs d'images grand public déjà couverts sur Krea.ai : Weave ne vise pas l'image isolée, mais la répétabilité à l'échelle d'une équipe.
Le risque, souligné dans les deux démonstrations, reste la tentation de sur-paramétrer : demander le contrôle total sur chaque variable d'un shader ou d'un workflow Weave a un coût en complexité qui ne se justifie pas toujours pour un usage ponctuel.
Shaders et Weave partagent la même trajectoire : sortir la génération IA du chatbot isolé pour l'ancrer dans le canevas de production. Les shaders rendent la texture programmable et animable ; Weave transforme le prompt en système reproductible, jusqu'à devenir un simple outil dans le panneau de gauche de Figma.
Pour une équipe design, l'enjeu n'est plus de tester un énième générateur d'images, mais de décider où poser ces nouveaux nœuds et paramètres dans un flux de travail déjà en place.
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--- # Figma Agent et MCP : le guide complet pour connecter l'IA à votre design system URL: https://www.beryldesign.fr/post/figma-agent-mcp-guide Date: 2026-07-19 Figma Agent et MCP en pratique : connecteurs Notion/GitHub, Custom Skills, et le pont vers Cursor pour transformer un design en code qui fonctionne vraiment.Depuis la Config 2026, le Figma Agent n'est plus une fenêtre de chat isolée. Il s'installe directement dans le panneau latéral, dans une bulle contextuelle au survol d'un calque, ou dans un mini-chat via Cmd + Enter.
Nous avons regardé le deep-dive officiel de Figma, un tutoriel pratique de connexion à Cursor via MCP, et un premier retour d'expérience indépendant pour comprendre ce que cet agent sait vraiment faire.
Verdict : l'agent n'est pas là pour remplacer notre jugement esthétique, mais pour absorber les corvées — nettoyage, contenu, premier jet de code — et nous laisser plus de temps pour la direction artistique.
L'agent propose trois points d'entrée : le panneau latéral, une bulle contextuelle au survol d'un calque, ou le raccourci Cmd + Enter pour un mini-chat instantané. Si la bulle gêne une manipulation de précision, Cmd + K la masque le temps de travailler.
Toutes les conversations sont synchronisées dans un historique centralisé : cliquer sur une modification passée nous replace exactement là où l'action a eu lieu, sans jamais perdre le fil d'une itération.
La plus grande frustration du designer, c'est l'aller-retour permanent entre son outil de création et les sources d'information externes. Les connecteurs MCP suppriment cet aller-retour.
Nous pouvons prendre un brief dans Notion, générer des designs dans Figma, puis renvoyer nos modifications vers le document d'origine avec des références précises. Cette synchronisation bidirectionnelle élimine les erreurs de transcription entre chef de produit et designer.
L'agent peut aussi chercher sur le web en temps réel. Pour une application météo, il va chercher les températures réelles de San Francisco et les injecte directement dans la maquette — sans jamais nous faire perdre notre état de flux créatif.
Les Custom Skills sont de simples fichiers Markdown qui encodent nos conventions maison. L'agent cesse d'être générique : il apprend nos règles de nommage, nos tics visuels, notre façon de documenter.
Ces compétences sont composables — une skill comme Spec Up peut elle-même s'appuyer sur une compétence plus large comme Create Documentation. Elles se partagent en quelques secondes à toute une équipe, ce qui permet de faire passer à l'échelle l'expertise d'un designer senior. Résultat concret : l'IA annote seule les hiérarchies typographiques et les contrastes d'accessibilité, sans oubli.
Sur une démo avec l'application de randonnée Offtrails, l'agent part d'une sélection d'éléments existants pour comprendre le contexte — pas de génération magique, de l'interprétation contextuelle appuyée sur nos propres bibliothèques de composants.
Le parallel prompting permet de lancer plusieurs tâches en même temps : mettre à jour le contenu pour une ville, changer les photos de profil, tester un mode sombre. Le designer devient directeur artistique de plusieurs pistes à la fois.
Nous pouvons aussi demander des variations sous contrainte — changer la mise en page sans toucher aux polices ni aux couleurs — pour tester des structures différentes sans jamais sortir de la charte graphique.
L'agent va plus loin que l'esthétique pure : en important un fichier CSV de fréquence cardiaque ou d'élévation, on peuple une page de suivi de randonnée avec de vraies données. On ne conçoit plus pour un cas idéal, mais pour la réalité imprévisible des utilisateurs. Les code layers suivent la même logique : demander de transformer une liste en grille réorganise les composants, et le résultat reste interactif, pas juste visuel.
Fini le Lorem Ipsum qui masque les vrais problèmes de lisibilité : l'agent remplace des titres génériques par du contenu réaliste, avec les visuels qui vont avec. Il peut aussi appliquer l'Auto Layout à tous les cadres imbriqués d'une sélection en une seule commande — à condition d'avoir correctement nommé nos calques, sur lesquels il s'appuie pour comprendre la hiérarchie.
Soumis à une page de vente, l'agent a identifié une image héro trop petite, un contraste insuffisant sur les sélecteurs de taille et un bouton d'appel à l'action trop discret. Il peut aussi synthétiser une session de feedback en équipe en une liste d'actions concrètes — et répondre directement aux commentaires laissés sur le canevas. Un collègue demande de supprimer des bordures colorées ou d'agrandir des boutons ? L'agent interprète le commentaire et applique la modification, sans repasser par nous pour les micro-ajustements.
Le MCP server de Figma ouvre une vraie passerelle vers le code. Contrairement à Figma Make, qui interprète une capture d'écran, le MCP donne à l'IA un accès direct au fichier — calques, variables, auto layouts.
Le résultat dépend entièrement de la rigueur en amont. Chaque espacement, chaque rayon d'angle doit être lié à une variable, pas à une valeur libre :
Dans les préférences de Figma Beta, on active Enable dev mode MCP server. On colle ensuite la configuration fournie par Figma dans l'onglet outils de Cursor. Il ne reste plus qu'à sélectionner notre frame et à dialoguer avec l'agent (Claude 3.5 Sonnet dans la démo) pour qu'il lise directement nos variables, styles et images.
Sur une calculatrice test, l'IA génère index.html, style.css et le JavaScript qui porte la logique de calcul. Le résultat répond réellement : 10 + 5 affiche 15, 10 × 3 affiche 30.
Le premier jet n'est pas parfait — il faut parfois corriger la taille des boutons ou l'alignement à coups de prompts précis. Mais la frontière entre design et front-end s'efface : on livre un produit fonctionnel, pas seulement une maquette.
Chaque designer a une définition différente de la corvée : certains adorent peaufiner les pixels, d'autres préfèrent l'architecture des systèmes. L'agent doit rester flexible, discret quand on ne le sollicite pas.
Figma mise aussi sur son ADN multijoueur plutôt que sur des silos : les conversations avec l'agent sont partagées et visibles par toute l'équipe, y compris la manière dont un collègue a formulé son prompt.
Connecteurs MCP, Custom Skills, pont vers le code : ces trois briques dessinent un agent qui s'occupe de la vaisselle pour nous laisser l'art. Le jugement esthétique et la compréhension des besoins utilisateurs restent profondément humains.
Reste à apprendre à diriger ces nouveaux prompts — et à décider, projet par projet, jusqu'où laisser l'IA aller dans notre atelier.
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--- # Figma Motion, Jitter, Rive ou Lottie : quel outil d'animation choisir en 2026 ? URL: https://www.beryldesign.fr/post/figma-motion-vs-rive-jitter-lottie Date: 2026-07-19 Figma Motion peut-il remplacer Jitter, Rive et Lottie ? Comparatif concret pour choisir le bon outil d'animation selon votre besoin en 2026.Depuis l'annonce de Figma Motion à la Config 2026, une question circule dans les équipes design : faut-il désinstaller Jitter, Rive ou les plugins Lottie ?
Nous avons regardé le deep-dive officiel de Figma, un tutoriel complet, puis surtout un crash-test comparatif face à Rive pour trancher la question.
Verdict : Figma Motion ne remplace personne. Il redistribue les rôles — et ce guide compare les quatre outils sur le seul critère qui compte vraiment : que va devenir cette animation une fois créée ?
Le principe est simple : un onglet Motion apparaît en bas de l'écran, une timeline classique s'ouvre, et chaque propriété animable affiche une petite icône de diamant.
Nous posons une image clé sur la position, une autre sur l'opacité, et Figma calcule l'interpolation entre les deux. Le gizmo Mo permet de dessiner des trajectoires directement sur le canevas, sans toucher à un tableau de valeurs.
Chaque plan de travail ne possède qu'une seule timeline. Parfait pour une micro-interaction ou une transition d'écran, plus limitant dès que plusieurs animations doivent tourner en parallèle.
Le mode auto-key enregistre automatiquement chaque modification du canevas en image clé — proche du stop-motion, où l'on manipule l'objet pour raconter son histoire.
Les préréglages d'easing (ease-in-out-back, overshoot élastique) sortent l'animation de sa rigidité linéaire. L'agent Figma peut déjà générer un premier jet de keyframes à partir d'une phrase comme « fais voler ces éléments depuis les côtés ».
Pour un bouton qui apparaît, l'écart se voit immédiatement : une translation simple reste plate, un ease-in-out-back lui donne un léger rebond élastique qui capte l'œil. On peut aussi faire varier l'échelle en cours de route — un objet part à 100 %, descend à 50 % au milieu de sa course, puis revient à 100 % à l'arrivée — pour une impression de profondeur qu'une simple translation ne donne jamais.
Pour trancher, un testeur a rejoué un même projet — l'application météo Weather Buddy — dans Figma Motion puis dans Rive. Le verdict technique est net.
Rive sépare nativement les axes X et Y, et gère plusieurs animations indépendantes en parallèle. Le tout est piloté par une State Machine qui réagit aux données en direct.
Figma Motion, lui, combine X et Y par défaut — il faut activer separate dimensions pour les dissocier. Il empile aussi tout sur une seule piste de temps : résultat, plus proche d'un format Lottie amélioré que d'un moteur d'interactivité.
Le détail technique est révélateur : pour un simple effet de reflet sur une paire de lunettes, il faut dupliquer le groupe pour fabriquer un masque, alors que Rive gère cette logique nativement. Un signe que Figma Motion reste pensé pour l'artboard, pas encore pour la scène interactive.
Demandez à l'IA de Figma Motion un clignement d'yeux : elle pose des images clés, sans réorganiser la timeline autour. Fonctionnel, mais un peu brouillon.
L'IA de Rive, elle, écrit un vrai script. Pour un effet de neige animé, elle génère du code qui gère des centaines de particules. Résultat : température à 105° → interface mise à jour instantanément via le data binding.
La conclusion du testeur : Figma Motion est la porte d'entrée vers le mouvement, Rive reste l'outil de ceux qui veulent transformer un design en produit interactif — voir notre comparatif Rive contre Lottie pour aller plus loin.
Jitter joue une autre carte : tout se passe dans le navigateur, sans ouvrir Figma. On importe un design, on pose des animations depuis une bibliothèque de préréglages, et on exporte en MP4 ou GIF en quelques minutes.
C'est l'outil le plus rapide pour un motion marketing léger — mockup produit, post social, démonstration client — quand l'animation ne doit jamais revenir dans le fichier de design source.
Figma Motion garde l'avantage inverse : rester dans le même fichier que les composants et variables, sans exporter puis réimporter à chaque itération.
Le workflow classique : on dessine l'interface dans Figma, on l'ouvre dans Jitter, puis on glisse chaque calque sur la timeline pour lui assigner une entrée, une sortie ou une boucle. Pas de courbe d'apprentissage façon After Effects — c'est justement ce qui a fait le succès de l'outil auprès des équipes marketing.
Lottie n'est pas un éditeur, mais un format (JSON/dotLottie) que les développeurs déposent directement dans une app iOS, Android ou un site, sans vidéo lourde à charger.
Figma Motion n'exporte pas encore nativement vers Lottie. Il faut passer par des plugins communautaires comme le plugin officiel LottieFiles pour convertir les keyframes natifs en fichier compatible.
L'origine du format remonte au plugin Bodymovin pour After Effects : il encode un vecteur animé en JSON, sans pixel ni frame vidéo à décoder. Résultat, un poids minuscule comparé à un MP4, un rendu net à toute résolution, et un playback pilotable en code (vitesse, pause, couleur) une fois livré dans l'application.
Le mot d'ordre de l'écosystème résume bien la répartition des rôles : Figma Motion conçoit, Lottie livre en production.
Avant de choisir un outil, une seule question compte : où cette animation va-t-elle vivre ? Doit-elle réagir à autre chose qu'un simple lecteur vidéo ?
Beaucoup d'équipes finissent d'ailleurs par cumuler deux outils : Figma Motion pour spécifier l'intention, Rive ou Lottie pour l'exécution en production.
Figma Motion ne tue aucun des trois autres. Il déplace la frontière : ce qui exigeait un aller-retour vers un outil tiers se règle désormais dans le fichier Figma, pour les cas simples.
Pour tout le reste — interactivité pilotée par données, production vidéo rapide, export multiplateforme léger — Rive, Jitter et Lottie gardent une avance que la Config 2026 n'a pas comblée.
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--- # Figma Make, Framer ou Lovable : quel outil d'IA choisir pour designer en 2026 ? URL: https://www.beryldesign.fr/post/figma-make-framer-lovable-ia Date: 2026-07-18 Figma Make, Framer ou Lovable pour designer avec l'IA en 2026 ? Trois tests concrets (onboarding, marketplace, site vitrine) pour choisir le bon outil selon votre besoin.Demander à une IA de générer une interface n'a plus rien d'exotique en 2026, mais le résultat varie énormément selon l'outil choisi. Figma Make, Framer et Lovable partent d'une même promesse : transformer un prompt en écran fonctionnel. Mais chacun vise une cible différente.
Nous avons croisé un comparatif direct Figma Make contre Lovable sur trois cas concrets, un tutoriel approfondi de Figma Make et un test terrain du nouveau générateur de sites de Framer. De quoi dépasser la fiche produit pour se concentrer sur l'usage réel.
Sur une demande d'onboarding pour une application de transport type Uber, Figma Make comprend nativement les contraintes du smartphone. Les écrans générés intègrent un bouton de retour iOS et une barre de statut simulée, comme le ferait un designer mobile chevronné.
Cette compréhension se confirme sur les visuels : l'outil puise dans des banques d'images comme Unsplash pour illustrer une marketplace automobile, plutôt que de générer des photos de voitures aux carrosseries improbables. Son système de filtrage produit est même fonctionnel dans le prototype, pas seulement dessiné.
La qualité du résultat dépend d'abord de la discipline en amont. Avant de lancer la génération, il faut nettoyer les calques parasites et structurer les éléments avec l'Auto Layout, sans quoi l'IA risque d'interpréter de travers une grille de cartes ou une barre de navigation.
La communication avec l'IA compte autant que le prototype lui-même. Un prompt vague du type « rendez cela interactif » gaspille des crédits, alors qu'un cahier des charges précis — contexte, mise en page, interactions — donne des résultats nettement plus fiables.
Le choix du modèle influence aussi le résultat : Claude Opus 4.6 apporte une précision chirurgicale pour les cas complexes, quitte à consommer plus de ressources, tandis que le modèle par défaut suffit pour de simples ajustements.
La bascule vers le développement produit un vrai projet React avec une architecture de fichiers complète, pas une simple image. L'outil s'appuie sur Tailwind CSS et génère des classes réutilisables : modifier une carte produit se répercute sur toute la grille.
Connecter sa propre bibliothèque de composants via Export to Figma Make force ensuite l'IA à respecter une identité de marque plutôt qu'à inventer un style générique. Un fichier de directives en Markdown permet même de fixer des règles persistantes sur les animations ou les contraintes d'accessibilité. Cette logique d'agent connecté à l'écosystème Figma prolonge les annonces IA présentées à Config 2026.
Le processus démarre par une simple description : portfolio, page de présentation, site d'entreprise. Wireframer génère aussitôt une structure complète avec ses points de rupture desktop et mobile, éliminant des heures de réglages responsive manuels.
Si une section manque, il suffit de la demander plutôt que de fouiller une bibliothèque de composants. Un menu hamburger mobile apparaît ainsi automatiquement là où seule une navigation desktop existait.
Une fois la structure posée, il faut se réapproprier le design pour éviter l'aspect « généré par IA » : importer son propre logo, ajuster la palette et remplacer les visuels par défaut. Le mode aperçu permet de vérifier le comportement responsive en temps réel, grille par grille.
Quand le no-code touche ses limites, Workshop prend le relais pour générer un composant de code sur mesure. Une horloge affichant l'heure locale d'un pays, avec contrôles de police et de couleur personnalisables, sort ainsi d'un simple prompt.
Ce mélange d'édition visuelle et de génération de code positionne Framer à mi-chemin entre un outil de design et un constructeur no-code : contrairement à Figma Make, il publie directement un site en ligne avec une URL partageable, sans étape d'export.
Lovable ne cherche pas à rivaliser sur l'esthétique pure. Sur les trois scénarios testés, ses interfaces trahissent des origines de constructeur web plutôt que mobile, et ses visuels générés par IA manquent parfois de crédibilité — carrosseries déformées, reflets impossibles.
Sa vraie force est ailleurs : préparer une base de données fonctionnelle dès la génération. Là où Figma Make convainc par l'image, Lovable pose les fondations d'une application réelle, avec un backend prêt à recevoir de la logique métier.
Sur l'application de transport, Figma Make l'emporte nettement grâce à son respect des codes mobiles. Lovable produit un flux propre mais plus générique, tout en préparant une vraie base de données pour la suite.
Sur la gestion de données complexes, Figma Make livre une page de recherche visuellement crédible et un filtrage réellement opérationnel. Lovable s'arrête à une page d'accueil soignée, sans aller aussi loin dans le détail fonctionnel.
Sur un site simple pour une pizzeria, les deux outils se rejoignent sur la structure de base. Lovable commence toutefois à montrer une certaine répétitivité visuelle, une « patte » IA reconnaissable d'un site à l'autre.
Aucun outil ne gagne sur tous les tableaux — le bon choix dépend de ce que vous cherchez à produire :
Pour un projet plus ambitieux, la logique reste la même que celle détaillée dans notre tour d'horizon de Figma Make : tester l'outil sur un vrai cas d'usage avant de l'imposer à toute une équipe, plutôt que de trancher sur la seule démo marketing.
Figma Make, Framer et Lovable ne sont pas trois concurrents interchangeables : ce sont trois réponses à trois problèmes différents. Le prompt engineering compte autant que l'outil lui-même — un contexte précis, une mise en page définie et des interactions clairement décrites font toute la différence sur le résultat obtenu.
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--- # Astro Nova devient Dynasty Nova : pourquoi renommer son jeu en pleine bêta URL: https://www.beryldesign.fr/post/astro-nova-devient-dynasty-nova-pourquoi-renommer-son-jeu Date: 2026-07-18 Retour d'expérience sur le rebranding d'Astro Nova en Dynasty Nova : conflit de marque, choix du nouveau nom et ce que ça implique en design d'identité pour un jeu en bêta.Pendant huit mois, j’ai développé Dynasty Nova comme un projet personnel : un jeu de stratégie spatiale 4X pensé mobile-first, en réaction à l’UX vieillissante d’OGame. Puis, en pleine bêta, j’ai dû changer son nom. Voici pourquoi, et ce que ça m’a appris sur le design d’identité d’un produit déjà lancé.
« Astro Nova » semblait être un nom original au lancement du projet. En réalité, un autre jeu — un roguelike d’action publié sur Steam — porte exactement le même nom. Rien à voir avec la stratégie spatiale que je développais, mais la confusion était réelle pour un joueur qui tape « Astro Nova » dans un moteur de recherche.
Deux jeux au même nom, ce n’est pas qu’une gêne cosmétique. C’est du trafic perdu, des avis mélangés, et à terme un risque de confusion de marque que je ne maîtrise pas. Continuer sous ce nom revenait à construire ma visibilité sur des fondations empruntées à quelqu’un d’autre.
« Astro » ne décrivait que l’univers : l’espace, générique et déjà saturé de jeux similaires. « Dynasty » raconte autre chose : la construction d’un empire dans la durée, la gestion, la lignée qu’on fait grandir partie après partie. C’est plus proche de ce que vivent réellement les joueurs.
Cette fois, j’ai vérifié en amont : disponibilité du nom sur les moteurs de recherche, du domaine dynastynova.com, des comptes réseaux sociaux. Un nom de produit n’est jamais qu’un mot : c’est aussi une URL, un identifiant d’app store, un hashtag. Le vérifier avant de s’y attacher évite de revivre ce rebranding une deuxième fois.
Le nom change, pas le jeu. Les mécaniques de gestion de ressources, l’arbre technologique ou le système de flotte restent identiques. Ce qui change, c’est tout ce qui porte le nom : logo, palette, icônes d’app, textes de présentation.
Le vrai défi n’est pas graphique, il est humain : prévenir les joueurs déjà inscrits sur play-astronova.com, rediriger l’ancien nom de domaine, et communiquer clairement pour qu’aucun testeur ne pense que le projet s’arrête. Un rebranding silencieux, sans explication, ressemble toujours à un abandon.
Un rebranding en pleine bêta coûte du temps qu’on préférerait mettre ailleurs. Mais mieux vaut le faire tôt, quand la base de joueurs est encore petite, que plus tard, quand chaque changement d’URL casse des liens, des avis et des habitudes. Vérifier la disponibilité d’un nom avant de le choisir reste la leçon la plus simple, et la plus souvent négligée par les créateurs indépendants.
Dynasty Nova, c’est toujours le même jeu de stratégie spatiale né d’une frustration face à l’UX vieillissante d’OGame. Le nom a changé, l’ambition non : proposer une expérience de gestion 4X pensée mobile-first, avec une identité qui n’appartient qu’à ce projet.
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Dans un jeu de gestion comme Dynasty Nova, la boutique est l’écran qui inspire le plus de méfiance aux joueurs. C’est aussi celui qui doit prouver, dès le premier coup d’œil, une promesse simple : ici, on paie pour aller plus vite, jamais pour gagner un avantage que les autres n’auront jamais.
Le Pay-to-Win consiste à vendre un pouvoir que les joueurs gratuits ne pourront jamais atteindre, quel que soit leur temps de jeu. Dans un jeu de stratégie où les joueurs s’affrontent indirectement, ce déséquilibre casse l’intérêt même de la compétition.
Le Pay-to-Fast repose sur une règle différente : tout ce qui est acheté, un joueur gratuit peut aussi l’obtenir, simplement en jouant plus longtemps. L’argent achète du temps, jamais un plafond inaccessible.
Dans la boutique de Dynasty Nova, l’option « publicité récompensée » est affichée dans la même grille que les packs payants, à la même taille, pas relégué en bas de page. Le message visuel est clair : ce n’est pas une option de second choix, c’est une vraie alternative.
La boutique distingue deux onglets : « Stellar Points » (la monnaie premium) et « Ressources » (ce que tout joueur produit en jouant). Cette séparation rend visible, structurellement, que l’argent réel et le temps de jeu mènent à des types de récompenses différents, pas à un raccourci vers la victoire.
Les avatars personnalisables illustrent une troisième voie : une monétisation purement esthétique, organisée par paliers de rareté (communs, rares…), qui ne touche à aucune mécanique de jeu. C’est le type d’achat qui ne remet jamais en question l’équité, puisqu’il ne change rien à la partie.
Une charte « Pay-to-Fast, jamais Pay-to-Win » écrite dans un texte de présentation ne convainc personne si l’interface raconte autre chose. La confiance se construit dans le design de la boutique elle-même : ce qui est mis en avant, ce qui est gratuit, ce qui reste accessible sans dépenser un centime.
Dans Dynasty Nova, la monétisation n’est pas qu’une question de règles économiques : c’est une question de design d’interface. Une boutique qui affiche clairement ses options gratuites, sépare le temps de la puissance et cantonne l’argent réel au cosmétique construit une confiance qu’aucune charte ne remplace.
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Dans Dynasty Nova, l’arbre technologique est le cœur du jeu : c’est lui qui débloque les bâtiments, les vaisseaux et les défenses. Mais un arbre technologique mal organisé devient vite un mur de texte illisible. Voici comment j’ai repensé le sien par catégories, et pourquoi ce choix compte plus qu’il n’y paraît.
Les jeux de gestion inspirés d’OGame proposent souvent une trentaine de technologies à la suite, sans hiérarchie visuelle. Le joueur doit tout parcourir pour trouver la recherche qui l’intéresse, ce qui ralentit la prise de décision et décourage l’exploration.
Face à une liste de trente lignes, un nouveau joueur ne sait pas par où commencer. Il finit par suivre un guide externe plutôt que d’explorer l’interface elle-même — un signal que le design ne fait pas son travail de guidage.
Dans Dynasty Nova, chaque recherche appartient à un domaine : sciences énergétiques, propulsion, systèmes offensifs, champs de protection, calcul et renseignement. Ces catégories ne suivent pas un classement technique abstrait ; elles répondent à une question concrète que le joueur se pose, comme « comment je me défends » ou « comment j’avance plus vite ».
Avant même d’ouvrir une catégorie, son nom filtre déjà l’information. Un joueur qui veut renforcer sa flotte va directement vers « propulsion » ou « systèmes offensifs », sans lire les recherches d’un domaine qui ne l’intéresse pas maintenant.
Cette logique de catégorisation ne s’arrête pas au laboratoire. Les bâtiments sont séparés en « Ressources » et « Installations », et la flotte en « Vaisseaux » et « Flotte ». Le joueur retrouve partout le même réflexe : un onglet, une intention, un sous-ensemble d’options.
Le piège inverse existe aussi : créer une catégorie par technologie revient à recréer une liste plate, juste avec une étape en plus. J’ai limité le nombre de catégories à ce qu’un joueur peut retenir sans effort, généralement entre quatre et six par écran.
Un joueur qui ouvre le laboratoire de Dynasty Nova pour la première fois voit d’abord des catégories, pas trente lignes de texte. Il choisit un domaine qui correspond à son objectif du moment, puis seulement là, il lit le détail des recherches disponibles. La catégorisation ne cache pas l’information, elle la range dans l'ordre où le joueur en a besoin.
Réorganiser un arbre technologique par catégories semble une décision mineure. C’est en réalité un choix qui détermine si un nouveau joueur reste sur l’interface ou va chercher un guide ailleurs. Dans un jeu de gestion, où la profondeur stratégique repose sur des dizaines d’options, structurer l’information est aussi important que la concevoir.
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Pour une agence digitale, choisir entre Figma, Sketch et Penpot n'est jamais qu'une question de préférence esthétique : c'est un choix qui détermine le coût réel par poste, la vitesse d'onboarding d'un sous-traitant sur un projet client, la qualité du handoff avec les développeurs et, de plus en plus, la capacité à répondre aux exigences de conformité de certains clients. Nous avons croisé un test approfondi de Penpot en conditions réelles avec une comparaison directe Figma / Sketch / Penpot pour en tirer une grille de lecture pensée spécifiquement pour une structure d'agence, pas pour un designer solo.
Le prix est souvent le premier filtre de sélection pour une équipe. Figma reste gratuit pour un usage personnel, mais la limite de trois fichiers pour les équipes pousse vite vers l'abonnement à partir de 15$ par mois et par éditeur — une stratégie de verrouillage classique qui pèse lourd dès que l'agence multiplie les postes. Sketch se positionne entre les deux avec un tarif de 9$ par mois (ou 99$ à l'année, une flexibilité que Figma ne propose pas), et un palier Business à 20$ par mois pour les fonctionnalités entreprise.
Penpot, à l'inverse, joue la carte de la rupture totale : l'outil est FOSS (Free and Open Source Software) et reste, pour l'instant, entièrement gratuit, sans palier entreprise ni distinction entre utilisateurs. Pour une agence qui recrute des freelances sur des missions ponctuelles ou qui fait grossir une équipe projet par projet, c'est le seul des trois outils où ajouter des postes n'ajoute rien à la facture.
Figma mise tout sur le navigateur, complété par des applications mobiles pour le prototypage et un installateur de polices séparé — une friction récurrente à la configuration d'un nouveau poste. Sketch fait un choix radicalement différent : l'exclusivité macOS, avec une fluidité native portée par les puces M1 et des intégrations profondes (Touch Bar, gestion des versions locales, correction orthographique système).
C'est un luxe technique qui se paie par l'absence totale d'application Android — un vrai blocage pour une agence aux équipes mixtes PC/Mac. Penpot, lui, simplifie à l'extrême : pas d'application native, pas d'app mobile pour l'instant, juste une URL pour concevoir et collaborer. Pour l'onboarding express d'un sous-traitant qui rejoint un projet pour deux semaines, c'est souvent l'option la plus rapide des trois.
Le cœur de métier de Penpot se joue sur la gestion des systèmes de design complexes. En important le kit Material Design 3 — plus de 380 composants — nous avons pu tester la propagation automatique des modifications : changer l'esthétique d'un bouton dans la bibliothèque centrale se répercute instantanément sur tous les écrans qui l'utilisent, exactement comme un designer habitué à Figma s'y attend.
Les nouveautés de la version 2.0 ajoutent une couche professionnelle supplémentaire : des Design Tokens pour figer des valeurs comme le border-radius sur l'ensemble d'un projet, une gestion fine des variantes pour les composants à plusieurs états (switch, checkbox), et un vrai contrôle de version qui permet de revenir à un instant T sans multiplier les fichiers de sauvegarde. Ces tokens suivent désormais la spécification ouverte du W3C Design Tokens, un signal fort pour une agence qui ne veut pas s'enfermer dans un format propriétaire imposé par un seul éditeur.
Sur le terrain du handoff, Penpot propose un onglet Inspect qui génère le code directement à partir de n'importe quel élément sélectionné — gratuitement, même en version auto-hébergée, là où Figma facture des sièges développeurs dédiés. Mais il faut être honnête : le comparatif direct souligne que Penpot a quelques années de retard sur le prototypage avancé face à ce que proposaient déjà Sketch ou Adobe XD. Figma, de son côté, conserve une avance nette grâce à l'Auto Layout, au Smart Animate et à un DSM mature, sans compter un écosystème de plugins quasi infini qui comble chaque manque de l'outil de base.
Cette différence de maturité fonctionnelle explique en grande partie pourquoi Sketch a perdu du terrain face à Figma ces dernières années : la collaboration temps réel et la richesse du handoff ont fini par peser plus lourd que la fluidité native macOS pour la majorité des équipes produit.
La force d'un outil se mesure aussi à ce que la communauté en fait entre deux deadlines.
Celle de Figma est massive : des assets officiels partagés par des géants comme Microsoft, et une bibliothèque de plugins et de widgets presque infinie qui comble en quelques minutes chaque manque fonctionnel de l'outil de base — un vrai filet de sécurité pour une agence sous pression.
Chez Penpot, la communauté est plus restreinte mais plus engagée : le code étant ouvert, les utilisateurs ne se contentent pas de partager des fichiers, ils discutent architecture et contribuent directement à l'évolution du logiciel.
Sketch, lui, mise sur la qualité plutôt que la quantité avec ses extensions à accès profond au cœur du logiciel — moins nombreuses que les plugins Figma, mais capables de modifications structurelles plus poussées, comme le support du profil colorimétrique P3 pour une précision chromatique que peu d'agences exploitent réellement au quotidien.
C'est sans doute le point le plus sous-estimé du débat. Pour une agence qui travaille avec des clients dans la santé, la finance ou le secteur public, la possibilité d'auto-héberger Penpot — via des plateformes clé en main comme celle utilisée dans notre test — offre une souveraineté sur les données que ni Figma ni Sketch ne proposent nativement. Toutes les maquettes, tous les prototypes et tout le design system restent sur une infrastructure que l'agence contrôle entièrement, sans limite de membres.
Concrètement, la meilleure approche n'est pas un basculement brutal : faire tourner l'outil candidat en parallèle sur un projet réel avant une bascule complète permet de faire remonter les frictions (import de fichiers existants, formation de l'équipe, écart de plugins) avant qu'elles ne deviennent un problème à l'échelle de l'agence.
Il n'existe pas de vainqueur universel — seulement le bon outil pour le bon contexte :
Avant de trancher, il vaut la peine de évaluer la maturité design de votre structure : une agence junior n'a pas les mêmes besoins de gouvernance qu'une équipe qui gère déjà plusieurs design systems clients en parallèle. Pour approfondir chaque duel, nos comparatifs dédiés Penpot vs Figma et Penpot 2.0 détaillent les fonctionnalités au-delà de l'angle agence traité ici.
Le match Figma / Sketch / Penpot ne se résume pas à un tableau de fonctionnalités : c'est un arbitrage entre coût à l'échelle, maturité du handoff et souveraineté des données, trois critères qui pèsent différemment selon la taille et les clients de votre agence. Notre conseil reste le même quel que soit votre penchant initial : pilotez le changement sur un vrai projet avant de l'imposer à toute l'équipe. C'est l'usage réel sur le terrain, pas la fiche produit, qui tranchera.
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--- # HTML to Figma en 2026 : le guide complet pour importer un site web dans Figma URL: https://www.beryldesign.fr/post/html-to-figma-guide-complet-2026 Date: 2026-07-17 HTML to Figma en 2026 : importer un site dans Figma avec html.to.design, contourner ses limites (Auto Layout, contenu dynamique) et l'IA générative en renfort.Nous avons tous déjà voulu disséquer un site existant sans perdre des heures à tout redessiner à la main. C'est exactement la promesse d'HTML to Figma : transformer une simple URL en calques Figma modifiables, prêts pour l'analyse concurrentielle, le moodboarding ou un redesign express. Nous avons croisé trois façons de s'en servir — un test pratique du plugin phare, un tour d'horizon plus technique (réglages, éthique, contenus dynamiques) et le regard le plus récent, qui pousse l'exercice jusqu'à la génération par IA — pour en tirer un mode d'emploi complet, limites comprises.
Le principe de base tient en une phrase : on colle une URL, comme celle d'Apple, et le plugin restitue la page sous forme de calques Figma en quelques secondes. Mais deux choix conditionnent la qualité du résultat avant même de lancer l'import.
Nous ne sommes pas limités à une seule capture. Le plugin propose plusieurs largeurs de référence (1920, 1440, 1024, 768, 390 px) et un choix de thème (Default, Light, Dark) pour restituer fidèlement un site qui s'adapte selon le support ou le mode d'affichage. Basculer en format mobile réorganise réellement les éléments, ce qui en fait un outil de veille utile pour comprendre comment une marque adapte son expérience selon l'écran.
La version gratuite autorise 12 imports tous les 30 jours, ce qui suffit largement pour de l'inspiration ponctuelle. Le Pro Plan lève cette limite pour les workflows plus intensifs → usage occasionnel pour s'inspirer vs veille concurrentielle quotidienne. Le choix dépend surtout de la fréquence à laquelle vous avez besoin de disséquer des sites complexes. D'autres plugins comme Builder.io proposent une approche voisine, avec en plus une génération assistée par IA une fois l'import terminé.
Le résultat surprend par sa fidélité structurelle : ce n'est pas une capture d'écran plate, mais une hiérarchie de calques exploitable. Les logos et icônes sont importés en SVG, redimensionnables sans perte, et la typographie d'origine est respectée (SF Pro Display sur apple.com, par exemple), rendant le texte immédiatement éditable. Le nommage des calques suit souvent le contenu réel — un bouton affichant « Shop Now » porte un calque nommé « Shop Now » — ce qui évite de se perdre dans un fichier autrement illisible. Seul bémol récurrent : une police non installée sur votre poste (la Grifter d'un site, par exemple) est silencieusement remplacée par une police de substitution comme Inter, ce qui peut légèrement modifier l'aspect général tant qu'on ne la réinstalle pas.
Deux réserves reviennent systématiquement dans nos tests. D'abord, la performance dépend directement de la densité de la page : une landing page épurée s'importe en quelques secondes, un portail massif comme un site d'actualités demande nettement plus de patience. Ensuite, et c'est le vrai point noir, l'outil ne recrée aucun Auto Layout ni composant natif Figma : on récupère une structure statique qu'il faut retravailler à la main pour la rendre réellement flexible. Dans la pratique, cela se traduit par des images qui se chevauchent ou des blocs mal alignés dès que la mise en page automatique du site d'origine était un peu complexe → éléments superposés constatés à l'import → passage manuel en disposition côte à côte pour retrouver la cohérence visuelle. Si cette notion vous échappe encore, notre guide sur l'Auto Layout dans Figma couvre exactement ce qui manque à l'import brut.
Les sites modernes multiplient les animations déclenchées au défilement, masquant du contenu tant qu'on ne descend pas dans la page. Importer une URL brute dans ces conditions produit des sections vides ou incomplètes. La parade passe par l'extension Chrome du plugin : on scrolle manuellement toute la page dans le navigateur pour forcer le chargement des éléments en lazy-loading, puis on lance un Export full page, qui génère un fichier au format .h2d à glisser directement dans Figma → section vide au premier essai → contenu intégralement chargé après scroll manuel. Cette méthode reste la plus fiable sur les sites riches en interactions, au prix d'une étape manuelle supplémentaire.
L'accès à ces outils soulève une vraie question de propriété intellectuelle. Le créateur du site Design Joy a par exemple dénoncé publiquement des clones vendus sur les réseaux sociaux à partir d'un simple import. La frontière est pourtant claire : étudier une grille, une hiérarchie typographique ou une palette pour progresser n'a rien à voir avec republier le travail d'un designer sous son propre nom, encore moins le revendre. Nous utilisons ces imports comme un laboratoire de diagnostic personnel, jamais comme un raccourci vers un fichier clé en main à commercialiser.
La suite logique de l'import, c'est la génération pure. Les mêmes éditeurs proposent désormais un second plugin, taillé pour concevoir à partir de rien : on décrit une intention en langage naturel, et des modèles comme Claude, Gemini 3 Pro ou Grok génèrent une interface complète, calques organisés (navigation, section héros, pied de page) et variables système extraites automatiquement — couleurs, épaisseurs de bordure, familles de polices. Sur une demande de landing page pour un coaching fitness, le résultat livre un design premium nommé « Apex Fit », icônes et effets de survol inclus. Ce n'est pas un fichier fini, mais une base solide pour casser le syndrome de la page blanche. Nous retrouvons la même logique — décrire une intention plutôt que redessiner — dans notre test de Claude Design.
Les trois lectures convergent, mais chacune éclaire une facette différente — et c'est ce qui rend la synthèse utile. Le test pratique du plugin s'attarde sur le résultat brut : qualité vectorielle, typographie, nommage des calques, et les limites de performance sur des pages lourdes. Le tour d'horizon plus technique creuse ce que le premier survole : réglages fins de viewport, méthode pour capturer un contenu chargé au scroll, et la question éthique que peu abordent frontalement. Le regard le plus récent, enfin, prolonge l'exercice vers l'IA générative, en présentant la capture de site et la génération par prompt comme les deux faces d'un même workflow hybride.
Pour une utilisation ponctuelle — comparer deux concurrents, construire un moodboard rapide — la version gratuite suffit largement. Pour une veille quotidienne ou des imports réguliers sur des sites complexes, le calcul bascule vite en faveur du Pro Plan. Dans tous les cas, prévoyez systématiquement un temps de retouche : Auto Layout à reconstruire, polices manquantes à remplacer, structure à assouplir. L'outil accélère la saisie, pas la finition. Le workflow le plus efficace reste hybride : importer un site existant pour en extraire la structure et les variables, puis s'appuyer sur la génération par IA pour explorer rapidement des variantes que l'on n'aurait pas testées en partant d'une page blanche.
HTML to Figma ne remplace pas notre expertise, il en déplace le point d'application : moins de temps perdu à recréer une structure existante, plus de temps consacré à l'analyse et à l'itération. Entre l'import fidèle d'un site réel et la génération d'une interface à partir d'un simple prompt, la frontière entre le web et le canevas Figma continue de s'effacer — à condition de garder un usage honnête de ce qu'on importe.
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--- # Figma Config 2026 : Motion, Code Layers et Agent IA — tout ce qui change pour les designers URL: https://www.beryldesign.fr/post/figma-config-2026 Date: 2026-07-16 Figma Config 2026 : animation native avec Figma Motion, Code Layers (design ↔ code sur le canevas), Agent IA + connecteurs MCP, plugins génératifs et shaders. Le décryptage complet.La première journée de la Config 2026 s'est achevée sur une effervescence rare au Moscone Center, où plus de 10 000 designers ont assisté à une keynote qui redéfinit les contours du métier. Entre l'animation qui devient native, le code qui s'invite sur le canevas et un agent IA connecté à tout notre écosystème, la frontière entre la conception visuelle et le produit fini n'a jamais été aussi fine. Nous avons croisé trois lectures de l'événement — le deep-dive officiel de Figma, le décryptage d'un praticien et un récap exhaustif — pour en tirer l'essentiel, sans le bruit.
La nouveauté la plus structurante s'appelle Code Layers. Le code n'est plus une sortie finale reléguée à une fenêtre séparée : il devient un matériau de création à part entière, au même titre qu'un vecteur ou une image. Nous dupliquons un calque, nous le transformons en code interactif d'un simple prompt via Figma Make, et nous explorons plusieurs directions fonctionnelles côte à côte, exactement comme avec des cadres de design classiques.
Le contrôle créatif total passe encore par une étape de conversion : on transforme le calque de code en calque de design pour ajuster chaque détail, puis on renvoie le tout vers le code. Le flux reste perfectible, mais il réhabilite le rôle de design engineer en supprimant la friction de la passation technique :
L'ouverture vers GitHub change la donne pour les équipes produit : on importe un dépôt, on l'affiche en iframe sur le canevas, on édite, et on renvoie une Pull Request sans quitter l'outil. Cette logique prolonge ce que nous observions déjà avec Figma Make et le passage de la maquette au produit. Les Code Layers sont annoncés pour juillet ; c'est la brique à surveiller de près.
Pendant des années, animer sur Figma imposait de multiplier les outils tiers. Avec Figma Motion — fruit de l'acquisition de Motion — nous disposons enfin d'une véritable timeline intégrée, en bas de l'écran, sans jamais quitter le fichier source. Ce n'est plus la transition de prototypage d'antan : c'est de la gestion de mouvement professionnelle, accessible à tous les niveaux.
Chaque propriété animable est flanquée d'une icône de diamant pour poser une image clé. Le gizmo Mo nous permet de manipuler les trajectoires directement sur le canevas, tandis que les réglages d'easing (ease-in, courbes personnalisées, overshoot élastique) chassent l'aspect mécanique de l'animation linéaire. Le mode auto-key enregistre automatiquement chaque modification, et une bibliothèque de presets (slam, fade, entrées/sorties) permet de donner vie à une interface en quelques secondes.
La vraie richesse se joue au-delà de la position. Le path trim fait apparaître un tracé progressivement (parfait pour un loader ou une illustration qui se dessine), les propriétés d'arcs animent jauges et graphiques circulaires, et le morphing par nombre de points transforme une forme sous nos yeux :
Le mouvement entre au cœur des systèmes de design grâce aux variables d'easing et de timing, centralisées sur tout un projet. Les modes de variables (standard, expressive, smooth) adaptent le rythme au contexte sans dupliquer les composants, et l'héritage des composants propage un changement à toutes les compositions animées. C'est la cohérence d'un design system, appliquée à l'animation.
Rien ne se perd au passage en production : export MP4, WebM, GIF ou SVG animé jusqu'en 4K/60 FPS, un Dev Mode en lecture seule pour inspecter timings et courbes, et surtout une génération de code (CSS, React Motion, JSON) fidèle aux intentions d'animation. De quoi reconsidérer nos allers-retours avec des outils comme l'export Lottie depuis Figma.
L'agent de Figma passe du statut de simple barre de recherche à celui d'assistant contextuel branché sur tout notre écosystème. Il ingère des fichiers de tous formats et, surtout, se connecte à l'extérieur.
Via le protocole MCP, les connecteurs relient Figma à GitHub, Slack, Notion ou Marvin : l'agent va chercher une spécification dans un dépôt ou un document de recherche et l'applique au design en cours, sans changer d'onglet. On peut créer des skills réutilisables et choisir la confidentialité de chaque conversation (privée pour l'exploration personnelle, partagée pour l'itération d'équipe). Sur le mouvement, l'agent génère aussi des variantes d'entrée/sortie et assemble des séquences isolées en une timeline cohérente — il élimine la corvée, pas l'œil critique.
Avec les generative plugins, on ne demande plus à un développeur de créer l'outil dont on a besoin : on le génère soi-même. C'est le début du « vibe coding » appliqué au design, dans l'esprit de ce que Raycast propose avec Glaze. Autre avantage décisif : une fois construit, le plugin ne consomme plus de jetons, et il voyage avec le fichier partagé au client.
Les shaders, déjà familiers sur Framer ou Paper, arrivent pour manipuler les pixels du canevas : effets de verre, textures dynamiques, dégradés qui respirent. On empile les couches, on les mélange via des modes de fusion, et on les anime avec la timeline pour un rendu organique. Figma s'aligne enfin sur les standards de la publication web moderne.
Les trois vidéos convergent, mais éclairent des facettes différentes — et c'est instructif. Le deep-dive officiel de Figma se concentre sur la mécanique de Motion : keyframes, easing, propriétés avancées, variables. Le décryptage praticien (Ryan Hayward) recadre tout autour du « vibe coding » et du designer full-stack, avec un parallèle assumé à l'époque où Webflow promettait de publier sans coder. Le récap exhaustif (AI-Design Professor) insiste, lui, sur les connecteurs MCP et sur Figma Weave pour orchestrer les flux de travail. Trois angles, une même thèse : la frontière design ↔ mouvement ↔ code s'effondre, et le designer devient l'éditeur autonome d'un produit fini.
Figma Motion est en bêta, l'Agent est réservé aux plans payants, et les Code Layers arrivent en juillet — la prudence reste de mise pour la production critique. Mais l'expérimentation, elle, n'attend pas : Motion pour les micro-interactions, l'agent pour les tâches répétitives et les plugins sur-mesure pour votre workflow sont accessibles dès aujourd'hui. Le plus gros risque n'est pas d'essayer trop tôt, c'est de laisser filer l'écart de productivité que ces outils creusent déjà entre les équipes.
La Config 2026 confirme une mutation plus qu'une simple mise à jour. En réunissant le design, l'animation et le code sur un seul canevas, Figma nous fait passer de créateurs d'images à éditeurs de produits. Reste la constante qui fait la valeur du designer : l'intention. Les outils accélèrent tout — le mouvement, le code, la génération — mais c'est toujours notre regard critique qui décide de ce qui mérite d'exister à l'écran.
Cet article de synthèse est basé sur les vidéos :
Articles générés via Vidiome, puis fusionnés et enrichis.
--- # Maîtriser l'Auto Layout sur Figma pour créer des interfaces dynamiques et des systèmes intelligents URL: https://www.beryldesign.fr/post/maitriser-lauto-layout-sur-figma-pour-creer-des-interfaces-dynamiques-et-des-systemes-intelligents Date: 2026-04-28 Fini le redimensionnement manuel. Apprenez à utiliser l'Auto Layout comme un pro : relations parent-enfant, Hug Content vs Fill Container, et structures imbriquées pour des designs ultra-flexibles.Est-ce que vous voyez cette fluidité ? Ces éléments qui se redimensionnent et s'adaptent automatiquement au moindre mouvement ne relèvent pas du sortilège, mais d'une fonctionnalité pilier de Figma : l'Auto Layout.
Nous entrons dans une ère où empiler des groupes et des frames de manière désordonnée n'est plus une option viable pour un designer professionnel. Nous allons explorer ensemble, étape par étape, comment transformer une interface statique en un système dynamique et intelligent. C'est le moment de passer au niveau supérieur en maîtrisant l'outil qui définit la structure même de nos designs modernes.
Avant de plonger dans la pratique, nous devons décortiquer ce que cache réellement ce terme technique. La définition officielle de Figma est souvent jugée trop longue et complexe pour rien, évoquant des chaînes de texte et l'alignement des couches. Pour nous, c'est avant tout une méthode de gestion de l'espace basée sur des règles et des variables précises. Nous définissons des contraintes qui dictent comment les éléments doivent se comporter lorsque le contenu évolue.
Tout repose sur un concept fondamental : la relation parent-enfant. Dans notre interface, un élément de base est considéré comme un enfant, tandis que le cadre qui l'entoure devient le parent. Nous pouvons avoir des structures simples ou des imbrications plus complexes, comme un rectangle blanc (parent) contenant deux rectangles gris (enfants), dont l'un abrite lui-même deux petits rectangles noirs. Cette cascade de dépendances est le squelette de tout design adaptatif.
L'idée maîtresse est de reproduire cette relation en créant une frame spécifique autour d'un ou plusieurs éléments sélectionnés. C'est à ce cadre parent que nous appliquons la fonctionnalité Auto Layout. Une fois activée, nous pouvons donner des instructions précises : le parent doit-il s'étendre ? L'enfant doit-il rester centré ? Cette communication entre les niveaux permet une cohérence visuelle parfaite sans intervention manuelle constante.
Pour comprendre la puissance de l'outil, rien de tel que de recréer un bouton, l'élément atomique par excellence. À l'ancienne, nous tracions un rectangle, ajoutions du texte et devions tout ajuster à la main dès que le mot changeait. C’était une perte de temps monumentale et une source d'erreurs d'alignement. Avec l'Auto Layout, nous changeons radicalement de paradigme pour laisser le logiciel calculer les espacements à notre place.
Nous sélectionnons notre texte et utilisons le raccourci magique Shift A pour créer instantanément la relation parent-enfant. Une icône spécifique apparaît alors dans le panneau des calques, confirmant que notre frame est désormais intelligente. Nous pouvons y ajouter un fond blanc, arrondir les angles ou insérer un contour. Le miracle se produit quand on modifie le texte : le bouton s'étire tout seul pour accueillir les nouveaux caractères sans jamais briser les marges définies.
Le secret réside dans l'option Hug Content, qui ordonne au parent de littéralement "serrer" son contenu. Peu importe la taille de l'enfant, le cadre s'adapte. Si nous décidons d'ajouter une icône à côté de notre texte, nous la glissons simplement à l'intérieur : le bouton s'élargit instantanément pour lui faire de la place. C'est cette flexibilité qui nous permet de tester des variantes en quelques secondes plutôt qu'en plusieurs minutes.
Une fois l'Auto Layout activé, une panoplie d'options s'offre à nous dans le panneau de droite. Nous devons d'abord choisir la direction du flux : verticale ou horizontale. Cela détermine si les enfants s'empilent comme les étages d'un immeuble ou s'alignent comme les wagons d'un train. C'est la base de toute mise en page, nous permettant de basculer l'orientation d'un menu ou d'une liste en un seul clic.
Le padding représente l'espace de sécurité autour des enfants, à l'intérieur du parent. Nous distinguons le padding horizontal (gauche et droite) du padding vertical (haut et bas). Nous avons même la possibilité de gérer chaque côté individuellement via une grille de précision. C'est ce qui garantit que, même si le texte d'un bouton devient immense, il gardera toujours ses 16 pixels de marge sur les côtés et ses 8 pixels en haut et en bas.
Nous passons maintenant à un exercice plus périlleux : la création d'une carte de tâche sophistiquée. Pour réussir, nous devons apprendre à repérer les groupes d'enfants et de parents imbriqués. Une carte n'est pas qu'un bloc, c'est un assemblage : une partie haute avec un titre et des options, et une partie basse avec des tags et un bouton d'action. Nous décomposons chaque sous-ensemble pour leur appliquer leurs propres règles de comportement.
Nous construisons d'abord les petits modules. Par exemple, nous regroupons le titre et l'icône de menu dans une frame en Auto Layout, puis nous intégrons ce bloc dans un parent plus large qui contient aussi la description. Cette méthode de "poupées russes" est essentielle. Elle nous permet de définir des comportements différents pour chaque section tout en maintenant une structure globale cohérente et facile à manipuler.
C'est ici qu'intervient le concept de Fill Container. Contrairement au Hug, cette propriété ordonne à l'enfant de prendre tout l'espace disponible dans son parent. C'est ce qui permet à notre texte de s'étaler sur toute la largeur de la carte ou à un séparateur de s'étirer automatiquement. Nous jouons sur ces deux forces : le parent qui s'adapte au contenu (Hug) et l'enfant qui remplit le cadre (Fill).
Il arrive que nous voulions qu'un élément reste collé à gauche et qu'un autre s'isole complètement à droite, sans avoir à calculer manuellement l'écart. C'est là que nous entrons dans les réglages avancés de l'espacement. En manipulant la grille d'alignement de Figma, nous pouvons passer d'un mode de distribution fixe à un mode automatique, plus connu sous le nom de Space Between.
En double-cliquant sur les points d'alignement dans le panneau de droite, nous changeons la logique : l'espace inter-élément ne se compte plus en pixels fixes, mais devient "Auto". Le logiciel pousse alors les enfants aux extrémités opposées du parent. C'est la solution idéale pour une barre de titre où le nom du projet doit rester à gauche et le bouton de fermeture à l'extrême droite, quelle que soit la largeur de la fenêtre.
Nous testons la robustesse de notre carte en l'étirant vigoureusement. Si un élément ne suit pas, c'est souvent qu'il est resté en mode Fixed ou Hug au lieu de Fill. Nous passons en revue chaque couche : l'élément du haut, l'élément du bas, et les textes internes. Une fois que tout est correctement configuré en Fill Container, la carte devient totalement élastique et réactive.
Nous avons parcouru tout le chemin, de la simple étiquette de texte à un tableau de bord complet et dynamique. En maîtrisant l'Auto Layout, nous ne créons plus seulement des images de sites web, mais de véritables structures logiques qui préfigurent le code final (Flexbox). Nous avons appris à jongler entre le Hug Content et le Fill Container, à imbriquer des parents et des enfants, et à utiliser le Space Between pour une distribution parfaite. Le design devient alors un jeu de construction gratifiant où chaque ajout de contenu renforce la cohérence du système plutôt que de le briser. Continuez à pratiquer avec ces quatre exercices, testez les limites de vos frames, et vous verrez que vous ne pourrez plus jamais revenir en arrière.
Cet article est basé sur la vidéo "Comprendre Lauto Layout Figma en 2026 ! Tuto (Tout ce que vous devez savoir)"
Article généré via Vidiome
Anthropic vient de frapper un grand coup avec la sortie de Claude Design, une interface qui promet de transformer radicalement notre manière de concevoir des produits numériques. Nous assistons à une petite révolution où la barrière entre l'idée et la réalisation visuelle s'effondre presque totalement.
Dans cette exploration, nous testons les limites de cet outil qui prétend remplacer, ou du moins assister de manière spectaculaire, les designers qualifiés pour créer des sites, des applications et des vidéos d'une qualité exceptionnelle. Nous plongeons dans un univers où le code et le pixel fusionnent sans effort apparent.
Tout commence par la création d'un socle solide : le Design System. Plutôt que de repartir de zéro à chaque projet, nous configurons une identité visuelle unique qui servira de cerveau créatif à l'intelligence artificielle. Nous décrivons notre projet, en l'occurrence Exploria Labs, en précisant des détails cruciaux comme la palette de couleurs ou le ton éditorial. Le processus prend environ cinq minutes pour tout synchroniser, nous permettant ensuite de générer n'importe quel asset sans jamais trahir notre charte graphique.
L'outil ne se contente pas de choisir des couleurs au hasard, il analyse le contexte de l'entreprise pour proposer des composants cohérents. Nous avons défini une palette claire avec des accents orange et navy, tout en exigeant un ton pédagogique et non corporate. Le résultat est bluffant : Claude Design récupère les logos, définit les headers et anticipe même le design des futurs formulaires. Nous validons une structure complète qui servira de base à toutes nos futures itérations.
Le système s'ajuste en temps réel pour produire un environnement visuel prêt à l'emploi.
Nous passons à la vitesse supérieure en demandant à l'IA de construire une landing page complète pour une offre de coaching appelée « Le Cercle ». En utilisant le mode Haute Fidélité, nous intégrons directement le design system créé précédemment pour garantir une finition professionnelle. Nous ne nous contentons pas d'une simple image ; l'outil génère une structure de fichiers réelle avec du code exploitable. C'est ici que la magie opère : l'IA interprète des consignes complexes en langage naturel pour structurer l'information de manière logique et esthétique.
Pour ceux qui veulent garder le contrôle, le mode Sketch permet de dessiner grossièrement des sections pour guider l'IA. Nous pouvons esquisser l'emplacement d'un bloc de texte ou d'une image, et Claude Design transforme ce gribouillis en une interface moderne. C'est une passerelle entre l'intuition humaine et la puissance de calcul du modèle Opus 4.7. Nous dessinons, nous annotons, et nous voyons l'interface s'assembler sous nos yeux comme si un designer junior exécutait nos ordres en temps réel.
Le rendu final du site web nous laisse sans voix par sa précision et la pertinence de ses textes. L'IA a non seulement respecté les couleurs, mais elle a aussi rédigé des accroches percutantes sur l'opportunité de l'IA pour les freelances et les salariés. Les boutons sont fonctionnels, les témoignages sont mis en page avec goût, et la hiérarchie visuelle est respectée. Nous constatons que l'outil a même anticipé des sections de FAQ et des processus de candidature sans que nous ayons besoin de relancer le prompt initial.
Nous explorons maintenant une facette inattendue de Claude Design : la création de présentations animées. Pour pitcher une startup fictive nommée Pulse, nous demandons une vidéo d'une minute trente capable de capter l'attention d'investisseurs. L'outil ne se contente pas de juxtaposer des diapositives, il crée une véritable narration visuelle avec des transitions fluides et des animations de données. Nous sortons du cadre statique de PowerPoint pour entrer dans celui du motion design automatisé.
La vidéo générée présente le problème de la rétention client avec une clarté remarquable, utilisant des animations pour souligner les pertes budgétaires. Nous voyons les chiffres s'animer, les graphiques évoluer et les solutions apparaître avec un timing précis. C'est un gain de temps phénoménal pour n'importe quel entrepreneur qui doit illustrer un concept complexe en quelques secondes. La qualité du rendu visuel rivalise avec des productions qui nécessiteraient normalement des logiciels spécialisés et des heures de montage.
Nous ajustons les détails, comme souligner un mot spécifique ou ajouter un effet d'explosion sur un chiffre, simplement en le demandant par écrit.
Nous mettons l'outil au défi de créer une application de méditation complète, du dashboard au lecteur audio. En activant les skills de Front-end Design, nous lançons une génération qui simule l'interface d'un iPhone. Le processus est transparent : l'IA construit les dossiers, vérifie les interactions et assemble les écrans un par un. Nous ne sommes plus dans la simple contemplation d'une image, mais face à un prototype interactif qui permet de naviguer entre les différentes fonctionnalités.
Le résultat nous offre cinq écrans distincts, incluant une bibliothèque de sessions et un « jardin » servant de tableau de bord pour suivre ses progrès. Le niveau de design est tel que Claude Design génère même une planche de présentation avec des annotations, simulant le travail de livraison d'une agence de design. Nous changeons de thème, passant du mode clair au mode sombre en un clic, et nous constatons que chaque élément reste parfaitement lisible et esthétique.
Pour tester la puissance brute du modèle, nous avons tenté de créer des zones de texte interactives avec des effets visuels en temps réel. En tapant des mots comme « feu » ou « électricité », des animations apparaissent instantanément à l'écran. Bien que cela semble gadget, cela démontre la capacité de l'outil à générer du code complexe capable de gérer des événements utilisateurs. Nous réalisons que ce qui aurait pris des heures à un développeur expert est ici généré en quelques secondes.
La dernière étape de notre voyage consiste à sortir le design de son cocon pour le rendre accessible au monde entier. Nous utilisons la fonction d'export vers Claude Code, le terminal intelligent d'Anthropic, pour transformer notre maquette en un site web vivant. C'est ici que la boucle se boucle : le design devient du code, et le code devient un produit. Nous récupérons un fichier zip contenant l'intégralité des sources HTML et CSS prêtes à être hébergées.
Nous importons notre projet dans Claude Code pour finaliser l'implémentation technique. Sans écrire une seule ligne de code manuellement, nous demandons à l'IA d'organiser les fichiers pour un déploiement optimal. Une fois le dossier prêt, nous nous tournons vers une solution d'hébergement comme Hostinger pour mettre le site en ligne. Nous téléchargeons les fichiers dans le gestionnaire, et en quelques instants, notre landing page est accessible depuis n'importe quel navigateur ou smartphone.
Nous passons d'une idée abstraite à un outil de vente concret avec une facilité déconcertante.
Nous ressortons de ce test avec la certitude que Claude Design marque un tournant majeur. Certes, les designers professionnels exigeants regretteront parfois le manque de précision chirurgicale d'un outil comme Figma, mais pour 95 % des besoins de création rapide, l'outil est imbattable. Nous passons d'une ère de production manuelle à une ère d'art direction assistée par IA. Que vous soyez un développeur souhaitant soigner ses interfaces ou un entrepreneur pressé de tester une idée, la combinaison de Claude Design, Claude Code et un hébergeur comme Hostinger forme un écosystème redoutable. Le futur du design ne sera pas codé, il sera conversé.
Cet article est basé sur la vidéo "7 utilisations INCROYABLES de Claude DESIGN (Anthropic frappe FORT)"
Article généré via Vidiome
Nous entrons dans une nouvelle phase de la conception d'interfaces où la frontière entre le design statique et le code fonctionnel s'efface. Avec l'arrivée de Figma Design et de Figma Make, nous ne nous contentons plus de dessiner des écrans ; nous forgeons des expériences interactives alimentées par l'IA. Cette synergie nous permet de transformer des idées abstraites en prototypes réalistes, capables d'exécuter du code véritable pour simuler des flux de travail complexes. Nous explorons, nous testons et nous ajustons nos concepts en temps réel pour voir nos visions prendre vie immédiatement.
L'utilisation de l'intelligence artificielle dans notre processus créatif ne sert pas uniquement à accélérer la production, mais à ouvrir des portes que nous n'avions pas encore envisagées. Parfois, le plus difficile est de savoir par où commencer, surtout face à une page blanche ou un projet d'application complexe. En observant ce que l'IA propose à partir d'un simple prompt, nous adoptons une posture critique qui nous aide à prendre de meilleures décisions de design avant même d'avoir tracé la première ligne.
Nous utilisons les prompts textuels pour générer des bases de travail que nous analysons ensuite de manière constructive. Cette approche nous permet de voir comment l'IA articule nos besoins et de rebondir sur ses propositions pour affiner notre propre direction artistique. → absence de navigation claire → rejetée, → structure de tableau de bord cohérente → conservée. C'est un véritable ping-pong créatif où l'outil devient un partenaire de réflexion.
Il est crucial de garder un œil sur notre consommation de crédits IA, accessibles via le logo Figma. Pour les comptes vérifiés, notamment dans le secteur éducatif, ces crédits sont renouvelés mensuellement, ce qui nous offre une marge de manœuvre pour expérimenter sans crainte. Si nous atteignons une limite lors d'un projet d'envergure, nous savons que le support dédié à l'éducation est là pour nous accompagner dans nos ambitions.
Passer d'une simple idée à un jeu spatial fonctionnel démontre la puissance brute de Figma Make. Nous ne parlons pas ici de simples transitions entre écrans, mais d'une véritable logique de jeu avec des variables et des interactions complexes. En utilisant des commandes vocales ou textuelles, nous pouvons dicter les règles du jeu directement à l'interface.
Nous avons testé la création d'un jeu de tir spatial en précisant des paramètres très spécifiques : trois niveaux, des bonus, et un système de cinq vies. L'IA interprète ces instructions pour construire une architecture de fichiers cohérente, incluant la gestion des contrôles au clavier via les flèches directionnelles et la barre d'espace. C'est ainsi que nous passons d'une intention narrative à un prototype jouable en un temps record.
Ce qui nous fascine, c'est de voir l'IA expliquer son propre cheminement pendant qu'elle code. Elle nous indique qu'elle prépare le vaisseau, les ennemis et le système de niveaux, nous permettant de comprendre comment elle traduit nos mots en fonctions logiques. → commande de tir manquante → rectifiée par le prompt, → vitesse de déplacement trop lente → ajustée dans le code. Cette transparence renforce notre contrôle sur le résultat final.
Une fois que la structure fonctionnelle est établie par l'IA, nous reprenons la main sur l'esthétique dans Figma Design. Nous créons nos propres assets, comme un vaisseau spatial personnalisé à l'aide de l'outil polygone, pour remplacer les éléments génériques par défaut. Cette étape est essentielle pour que le produit final respecte notre identité visuelle et nos standards de qualité.
Le processus est simple : nous dessinons dans Figma, nous plaçons l'élément dans un cadre (Frame) et nous le copions-collons directement dans l'interface de Figma Make. En demandant à l'IA d'utiliser ce nouveau graphique pour le vaisseau, nous voyons le code se re-conceptualiser instantanément pour intégrer notre design. C'est ici que le designer reprend tout son pouvoir sur la machine.
Nous ne nous arrêtons pas au premier jet ; nous affinons chaque détail pour que le rendu corresponde exactement à notre vision initiale. Que ce soit pour changer le style des ennemis ou ajuster les couleurs de l'arrière-plan, nous utilisons la collaboration entre le design et le code pour obtenir un résultat professionnel. → forme trop rudimentaire → transformée en vaisseau détaillé, → couleurs incohérentes → harmonisées avec la palette globale.
Pour ceux d'entre nous qui souhaitent aller plus loin, l'accès direct au code source est une mine d'or. Nous pouvons consulter la vue Code pour comprendre comment les fichiers sont structurés et même télécharger l'intégralité du projet sous forme de fichier ZIP. Cela nous permet d'étudier les bibliothèques utilisées et de vérifier la propreté de l'implémentation logicielle.
Nous utilisons le fichier de Guidelines pour imposer des règles globales au projet, comme l'utilisation systématique de Flexbox ou de Grid pour la mise en page. En ajoutant ces instructions spécifiques, nous évitons que l'IA ne prenne des libertés techniques qui pourraient nuire à la maintenabilité du projet. C'est notre façon de garantir que le code généré respecte les bonnes pratiques du développement moderne.
Modifier le texte ou le style directement sur la page live est un gain de temps phénoménal. Lorsque nous effectuons un changement dans le code ou via l'outil d'édition point-and-click, Figma Make nous montre la différence (le "diff") entre l'ancienne et la nouvelle version. Cela nous permet de valider chaque modification avec précision avant de l'enregistrer définitivement dans notre prototype.
La création d'interfaces complexes, comme un tableau de bord de suivi d'énergie sociale, demande souvent plusieurs itérations. Nous utilisons des prompts pour tester différentes variantes de mise en page et de navigation multi-pages. L'IA nous aide à générer rapidement des sections comme les paramètres ou le tableau de bord principal, que nous pouvons ensuite affiner individuellement.
Nous constatons souvent que le premier résultat nécessite un ajustement de couleur ou de typographie. En demandant simplement de "changer les boutons pour de l'orange", l'IA réinterprète le contexte et applique des dégradés cohérents sur l'ensemble du site. → boutons violets par défaut → remplacés par de l'orange vibrant, → police illisible → changée pour une typographie plus moderne. Cette flexibilité nous permet de pivoter graphiquement en quelques secondes.
Dans cet univers de création indéterminée, il arrive que nous fassions fausse route. Heureusement, nous pouvons revenir à une version précédente grâce à l'historique des prompts. Il faut cependant comprendre que chaque action s'empile : restaurer une version est une nouvelle action en soi qui s'ajoute au sommet de la pile, nous permettant de retrouver la stabilité d'un état antérieur tout en conservant la trace de nos explorations.
Bien que l'upload d'images puisse parfois rencontrer des obstacles techniques, nous disposons d'une arme secrète : le code SVG. En copiant un design depuis Figma en tant que code SVG, nous fournissons à l'IA une description mathématique exacte de notre visuel. C'est la méthode la plus fiable pour insérer des logos ou des icônes personnalisées avec une fidélité absolue.
Nous sélectionnons notre icône dans Figma, nous la copions au format Scalable Vector Graphic et nous injectons ce code directement dans le prompt de Figma Make. Cette technique permet de contourner les bugs potentiels liés au téléchargement de fichiers et garantit que l'élément s'intègre parfaitement dans le DOM de l'application. → icône étoile générique → remplacée par un cœur SVG rouge précis.
L'IA a parfois besoin d'être guidée sur l'emplacement exact d'un élément. En combinant le code SVG avec des instructions de positionnement, nous nous assurons que notre identité de marque est respectée. Nous apprenons ainsi à parler le langage de la machine pour obtenir une précision chirurgicale dans nos interfaces, transformant des composants statiques en éléments de code vivants.
L'un des exemples les plus frappants de ce flux de travail est la création d'un mélangeur DJ fonctionnel. Nous avons demandé à l'IA de concevoir une application capable d'analyser des fichiers MP3, de générer des formes d'onde audio et de gérer un crossfader entre deux platines. Ce n'est plus un prototype, c'est un utilitaire que nous avons réellement utilisé lors d'événements live.
En faisant glisser des fichiers depuis notre bureau vers le prototype, nous voyons l'application traiter les données et afficher le visuel de la piste. Cette capacité à manipuler des médias réels prouve que nous sommes passés à une étape supérieure de l'interactivité. → simple lecteur de musique → transformé en table de mixage avec détection de rythme.
L'une des fonctionnalités les plus puissantes est le bouton Copy Design. Il nous permet de récupérer les calques générés par l'IA dans Figma Make et de les ramener dans notre environnement de design habituel. Nous pouvons alors nettoyer la structure, ajuster les modes sombre/clair et réinjecter le tout pour une version encore plus aboutie. C'est un cycle vertueux entre la génération automatique et le polissage manuel.
Pour créer des animations complexes, comme une navigation radiale, nous utilisons les Annotations dans Figma. Ces notes techniques fournissent un contexte crucial à l'IA sur la manière dont les éléments doivent se comporter. Nous définissons les courbes de Bézier, les durées de transition et les types d'assouplissement (Easing) pour obtenir un mouvement fluide et professionnel.
Nous ne nous contentons pas de dire "anime ceci" ; nous précisons que les éléments doivent apparaître de derrière le bouton principal avec un effet d'élasticité. En fournissant ces détails techniques, nous permettons à l'IA de générer plusieurs variantes : une version rapide, une version lente, et même une version aléatoire. → menu statique → transformé en navigation radiale dynamique.
Cette approche nous permet de comparer instantanément différentes sensations de mouvement. Nous testons, nous ressentons l'interaction, et nous ajustons les paramètres jusqu'à trouver le parfait équilibre entre esthétique et ergonomie. L'utilisation des annotations garantit que notre intention de design est fidèlement traduite dans le code final, réduisant ainsi les frictions entre les designers et les développeurs.
Nous avons exploré comment Figma Design et Figma Make redéfinissent notre manière de concevoir des produits numériques. En passant du prompt à l'édition de code, et du design vectoriel au prototype fonctionnel, nous disposons désormais d'une boîte à outils sans précédent pour donner vie à nos idées les plus folles. Que ce soit pour créer des utilitaires personnels, des jeux ou des applications professionnelles, la clé réside dans notre capacité à guider l'IA avec précision tout en conservant notre regard critique de designer. L'avenir du design n'est pas dans l'automatisation totale, mais dans cette collaboration hybride où l'humain reste le chef d'orchestre de la technologie.
Cet article est basé sur la vidéo "Fgma for Edu Figma Design and Figma Make, back to basics"
Article généré via Vidiome
Nous entrons dans une phase où la frontière entre l'idée et le produit fonctionnel s'efface. Avec l'arrivée de Figma Make, nous ne nous contentons plus de dessiner des interfaces ; nous générons des applications entières à partir de simples intentions.
Cet outil transforme nos prompts en prototypes interactifs et en produits concrets, soutenus par du code réel, quel que soit notre niveau technique initial. Nous explorons ainsi de nouvelles interactions et cartographions des flux d'utilisateurs en quelques minutes seulement, ouvrant un champ de possibilités créatives jusqu'alors réservé aux développeurs chevronnés.
Lancer un projet sur Figma Make, c'est avant tout établir un dialogue entre notre vision et l'IA. Nous commençons souvent par une page blanche, mais l'outil prend tout son sens lorsque nous lui fournissons de la matière concrète pour orienter ses décisions. Nous injectons nos actifs existants ou des références visuelles pour que l'algorithme comprenne l'esthétique et la structure que nous visons, transformant un concept abstrait en une base de travail solide.
Nous ne partons jamais vraiment de zéro si nous possédons déjà des éléments dans Figma Design. En copiant un objet ou en utilisant la fonction Send to Figma Make, nous transmettons bien plus qu'une image : nous partageons une structure. Pour obtenir un résultat optimal, nous soignons le nommage des calques et l'application de l'Auto Layout → une structure désordonnée devient un code illisible, alors qu'un fichier propre se traduit en une interface fonctionnelle.
Si nous manquons de ressources polies, nous nous tournons vers des captures d'écran, des croquis rapides ou des wireframes basse fidélité. Ces références guident l'IA dans l'interprétation de nos besoins, même si le premier jet reste parfois une interprétation libre. Nous pouvons aussi puiser dans la communauté Figma pour « remixer » des projets existants, ce qui nous permet de construire sur des bases déjà éprouvées plutôt que de réinventer la roue à chaque itération.
Le langage naturel est devenu notre nouvel outil de programmation, mais il demande une précision chirurgicale. Nous apprenons à structurer nos demandes pour que Figma Make saisisse non seulement l'apparence, mais aussi la logique métier de l'application. Un bon prompt n'est pas une simple phrase, c'est un cahier des charges condensé qui définit l'audience, les fonctionnalités clés et les contraintes techniques du projet.
Nous chargeons nos instructions initiales avec un maximum de détails pour éviter les approximations. Il s'agit de préciser le type d'appareil, les fonctionnalités de base et les préférences de style dès le départ. Plus nous sommes prolixes, plus la première version générée se rapproche de notre vision finale → un prompt vague donne un résultat générique, une description détaillée produit une interface spécifique et adaptée.
Une fois le prompt soumis, nous observons l'éditeur travailler en temps réel. L'espace de prévisualisation nous permet de tester le prototype pendant que la barre latérale affiche le raisonnement de l'IA et le code en cours d'écriture. Nous pouvons ainsi comprendre pourquoi certaines décisions de design ont été prises, en dépliant les détails des exigences identifiées par l'outil pour valider la cohérence de la construction.
Un produit d'exception n'est que rarement le fruit d'un premier jet automatique. Nous considérons Figma Make comme un partenaire de design et d'ingénierie avec lequel nous devons communiquer constamment pour affiner le résultat. C'est dans cette phase d'ajustement que notre expertise humaine reprend ses droits, en découpant les demandes complexes en petites étapes maîtrisables pour garder le contrôle sur la vision globale.
Nous utilisons l'outil Point and Edit pour modifier des éléments isolés sans perturber l'ensemble de la structure. Une barre d'outils contextuelle nous permet d'ajuster l'espacement, la couleur ou la typographie en un clic. Pour les réglages les plus fins, nous plongeons directement dans le code source via l'option Go to Source, nous permettant de corriger manuellement ce que l'IA n'a pas su interpréter parfaitement.
Nous intégrons des fichiers de Guidelines pour imposer une personnalité et des règles de codage strictes à l'intelligence artificielle. Ces instructions dictent comment traiter certains composants ou quel ton adopter dans les interactions. Si une version nous déplaît après un test sur mobile, nous utilisons la fonction Restore this version pour revenir en arrière, nous autorisant ainsi une exploration créative sans risque de tout briser.
Le design est un sport d'équipe, et Figma Make l'intègre nativement à travers ses fonctions de partage et de collaboration multi-joueurs. Nous ne construisons pas dans notre coin ; nous invitons nos collaborateurs à tester, commenter et même modifier le code ou les prompts en temps réel.
Cette approche transforme le travail individuel en une exploration collective où chaque membre de l'équipe peut apporter sa pierre à l'édifice.
Nous utilisons les Templates comme des environnements sécurisés pour les brainstormings d'équipe. En configurant des garde-fous dans les fichiers de guidelines, nous permettons à chacun d'itérer sur des fonctionnalités sans compromettre l'expérience utilisateur globale. Les previews peuvent ensuite être exportées vers d'autres outils comme Figma Slides pour des présentations ou FigJam pour recueillir des feedbacks structurés.
La finalité de notre démarche reste la mise en ligne. Nous publions nos projets directement depuis l'interface pour obtenir une URL partageable instantanément. Pour les applications plus complexes, nous connectons des outils via le Model Context Protocol (MCP) ou ajoutons un back-end avec des partenaires comme Supabase → une simple démo devient une application réelle avec authentification et persistance des données.
Nous avons parcouru le cycle complet, de l'idée brute à l'application déployée. Figma Make ne remplace pas notre créativité, il l'accélère en supprimant les barrières techniques qui freinaient autrefois l'expérimentation. Nous apprenons à devenir des chefs d'orchestre, capables de piloter des systèmes complexes par la parole et le geste.
L'évolution constante de l'outil nous promet des fonctionnalités toujours plus poussées, mais l'essentiel reste notre capacité à insuffler une vision unique dans chaque pixel généré. À nous maintenant de transformer ces nouveaux pouvoirs en produits qui marquent les esprits.
Cet article est basé sur la vidéo "Figma tutorial Intro to Figma Make"
Article généré via Vidiome
Créer des animations fluides dans Figma peut vite s'avérer laborieux, surtout lorsqu'on cherche à donner vie à ses interfaces sans passer des heures sur les keyframes. C'est en partant de ce constat qu'est né Magic Animator, tel un assistant bienveillant dans l'atelier du designer. Ce plugin Figma alimenté par l'IA permet, selon notre expérience, de transformer n'importe quel design statique en animation professionnelle en un seul clic. Résultat : quatre variations d'animations uniques générées instantanément, un éditeur complet pour les affiner, et des exports en GIF, MP4 ou Lottie. L'animation devient enfin accessible à tous, sans expertise technique.
L'animation a longtemps été réservée aux spécialistes du motion design. Entre la maîtrise des courbes d'interpolation, la gestion des keyframes, et les exports dans différents formats, le processus peut devenir un véritable parcours du combattant pour les designers produit. Cette complexité technique freine souvent la créativité et ralentit les itérations.
L'idée derrière Magic Animator est de rendre l'animation aussi simple que le design lui-même. Développé par Lottielab, ce plugin utilise l'intelligence artificielle pour analyser vos designs et générer automatiquement des animations cohérentes et professionnelles. Plus besoin de connaître After Effects ou de passer des heures à paramétrer des timelines : un clic suffit pour obtenir des résultats exploitables.
La magie opère dès la sélection de votre frame dans Figma. Magic Animator analyse automatiquement votre design et génère quatre variations d'animations distinctes en quelques secondes. Chaque proposition explore différentes approches créatives : entrées en fondu, déplacements dynamiques, rotations subtiles, effets de rebond... L'IA adapte ses suggestions en fonction de la nature de vos éléments (logos, icônes, interfaces, posts sociaux).
Cette fonctionnalité vous permet, selon notre expérience, de gagner un temps précieux en phase d'exploration créative. Plutôt que de partir d'une page blanche, vous disposez immédiatement de quatre points de départ que vous pouvez affiner selon vos besoins.
Magic Animator intègre un assistant IA qui fonctionne par chat. Vous pouvez dialoguer avec lui pour affiner vos animations : "rends-la plus fluide", "ajoute un effet de rebond", "accélère la transition". Cette approche conversationnelle rend l'animation accessible même aux designers qui n'ont jamais manipulé de timeline.
L'assistant comprend le contexte de votre design et adapte ses suggestions en conséquence. Il peut proposer des animations spécifiques pour des boutons, des loaders, des icônes ou des éléments de branding.
Une fois l'animation générée, vous pouvez la peaufiner dans l'éditeur intégré. Magic Animator offre un contrôle total sur les keyframes, les courbes d'accélération (easing), le timing et la hiérarchie des calques. Cette flexibilité permet, selon notre expérience, de partir d'une base générée par l'IA et de la personnaliser précisément selon votre vision créative.
L'interface de l'éditeur reste intuitive malgré sa puissance : ajustement des durées par glisser-déposer, prévisualisation en temps réel, organisation des calques par groupes...
Magic Animator propose trois formats d'export adaptés à tous les usages :
Cette versatilité vous permet, selon notre expérience, d'utiliser vos animations partout : sites web, applications mobiles, campagnes social media, présentations client...
Donnez vie à votre logo avec des animations subtiles qui renforcent la mémorisation de votre marque. Les transitions en fondu, les révélations progressives ou les effets de mouvement peuvent transformer un logo statique en signature visuelle mémorable.
Animez vos boutons, loaders, toggles et icônes pour améliorer l'expérience utilisateur. Les micro-animations guident l'attention, confirment les actions et rendent les interfaces plus intuitives. Magic Animator excelle dans ce domaine grâce à sa compréhension du contexte UI.
Transformez vos posts, stories et reels statiques en contenus animés qui captent immédiatement l'attention dans le flux. Les animations générées peuvent être exportées en GIF ou MP4 optimisés pour chaque plateforme (Instagram, LinkedIn, Facebook...).
Testez différentes animations de transition sans perdre de temps en développement. Les exports Lottie peuvent être intégrés directement dans vos prototypes pour valider l'expérience avant la production.
Utilisez la génération automatique comme point de départ créatif, puis affinez dans l'éditeur. N'hésitez pas à régénérer plusieurs fois pour explorer différentes directions : l'IA peut vous surprendre avec des approches auxquelles vous n'auriez pas pensé spontanément.
Magic Animator est disponible gratuitement en version bêta directement depuis la communauté Figma. Voici comment démarrer :
Le processus complet peut prendre moins d'une minute pour une animation simple, permettant des itérations rapides.
Magic Animator s'intègre parfaitement dans l'écosystème Figma, mais il peut également importer des SVG provenant d'autres outils comme Canva ou Adobe Express. Cette flexibilité vous permet, selon notre expérience, de centraliser votre workflow d'animation dans Figma, même si vos designs proviennent de sources variées.
Les exports Lottie sont compatibles avec tous les frameworks web modernes (React, Vue, Angular) et les plateformes mobiles (iOS, Android), garantissant une intégration fluide dans vos projets de production.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Magic Animator est un outil qui transforme radicalement l'approche de l'animation dans Figma. Sa capacité à générer instantanément des animations professionnelles grâce à l'IA, combinée à un éditeur complet pour les affiner, en fait un allié précieux pour tous les designers. Que vous travailliez sur des interfaces produit, du contenu social media ou des éléments de branding, Magic Animator vous permet, selon notre expérience, de donner vie à vos designs sans friction technique.
Actuellement gratuit en version bêta, le plugin bénéficie de mises à jour hebdomadaires et a déjà conquis des équipes design chez Netflix et Google. Si vous cherchez à intégrer l'animation dans votre workflow sans investir des heures dans l'apprentissage du motion design, Magic Animator est définitivement l'outil à essayer.
Plugin Figma - Magic Animator
Site officiel - magicanimator.com
Lottielab
Après une année 2025 marquée par l’essor de nouvelles esthétiques numériques, 2026 s’annonce comme une année charnière pour l’UI design. Les interfaces ne cherchent plus seulement à être belles ou modernes : elles doivent désormais générer un impact émotionnel immédiat, une immersion totale et une compréhension instantanée. Les frontières entre interface digitale et perception réelle continuent de se réduire, poussant les designers à repenser profondément leur manière de composer, structurer et animer l’information.
Les tendances qui suivent ne sont pas de simples effets de mode. Elles sont le prolongement naturel d’une transformation déjà engagée : celle où le design devient un vecteur d’expérience, un langage, une narration. Voici les grandes directions qui façonneront le design d’interface en 2026.
La grille Bento a marqué les interfaces de 2024–2025 par sa modularité inspirée des boîtes japonaises. En 2026, elle entre dans une nouvelle phase. Les blocs cessent d’être figés : ils s’adaptent au contexte utilisateur, à la quantité d’informations et même au comportement de navigation. La grille devient une structure vivante, capable de respirer, de se contracter ou de s’étendre.
Ce Bento Grid 2.0 n’est plus seulement une manière d’organiser l’information : il devient un instrument narratif. Chaque bloc peut changer de hiérarchie, se mettre en avant de façon contextuelle et créer un rythme plus naturel entre lecture et exploration. Cette fluidité contribue à une expérience plus organique, plus intuitive, presque tactile dans sa perception.
Le flou progressif, très présent dans les interfaces 2025, prend une dimension plus sophistiquée en 2026. Il ne sert plus uniquement à créer une profondeur esthétique ou un effet de verre dépoli. Il devient un véritable outil de mise en scène : un moyen de diriger l’attention de manière douce et presque imperceptible.
Le Progressive Blur permet de structurer l’information avant même que l’utilisateur n’interagisse. Il hiérarchise, révèle et suggère. Cette "soft focus UI" offre une lecture plus intuitive, en réduisant la charge cognitive et en donnant une dimension quasi cinématographique à l’interface.
2026 marque le retour de la typographie comme élément graphique majeur. Les polices deviennent plus grandes, plus audacieuses, parfois monumentales. Elles ne cherchent plus à accompagner le visuel : elles deviennent le visuel.
Les interfaces utilisent désormais des mouvements cinétiques subtils, des transitions typographiques ou des micro-animations au survol. Le texte devient vivant, presque incarné. Il transmet une émotion immédiate, brute, directe, et remplace parfois entièrement les images traditionnelles.
Les interfaces modernes adoptent une tonalité plus accessible et décomplexée. Les émojis ne sont plus relégués en fin de phrase : ils rejoignent la grammaire du texte. Ils remplacent des mots, suggèrent une intention, allègent une interface technique et créent une connexion émotionnelle.
Cette hybridation humanise les interactions et permet aux produits SaaS et tech d’acquérir une personnalité propre. En 2026, elle devient un marqueur d’authenticité et de simplicité dans un monde saturé de contenus.
Face aux images lisses produites par les modèles génératifs, le design artisanal revient en force. Les illustrations hyper-détaillées — inspirées des plans techniques, éclatés mécaniques ou coupes architecturales — deviennent un symbole de maîtrise et d’expertise.
Ces illustrations ne sont pas décoratives. Elles servent à montrer ce qui est habituellement invisible : une infrastructure, une technologie, un workflow complexe. Le Tech-Baroque devient un moyen de dire : « voici ce que nous maîtrisons, voici ce que nous comprenons ».
La 3D continue son ascension, mais quitte le statut d’objet décoratif. Les interfaces 2026 adoptent une 3D intégrée et fonctionnelle, où les éléments ont une texture, une inertie, une densité visuelle qui rappelle le monde réel.
Cette 3D interactive crée une illusion de toucher, parfois appelée "haptique visuel". Les cartes s’inclinent légèrement, les boutons réagissent avec un rebond physique, les menus glissent comme des composants mécaniques. L’expérience devient plus mémorable et engageante.
Les faisceaux lumineux, les halos et les bordures incandescentes s’imposent dans le dark mode moderne. En 2026, ces jeux de lumière deviennent interactifs : ils suivent le curseur, soulignent une action, ou mettent en valeur un élément clé.
Cette approche rappelle la notion de "chemin éclairé", idéale pour les interfaces liées à l’IA, la cybersécurité, la blockchain ou les univers futuristes. La lumière devient un langage de navigation.
Le minimalisme ne disparaît pas, mais il évolue. Moins froid, moins clinique, il adopte des couleurs organiques, des matières douces, des textures subtiles. Il mise davantage sur l’espace négatif, la tranquillité visuelle et l’efficacité cognitive.
Ce Néo-Minimalisme valorise la lenteur, la respiration et la lisibilité. Il accompagne la montée des technologies IA en créant des interfaces rassurantes, propres et non intimidantes.
L’année 2026 ne se résume pas à une accumulation de nouvelles tendances graphiques. Elle marque une évolution profonde du rôle de l’UI design : passer d’une logique esthétique à une logique d’impact. Les interfaces deviennent plus immersives, plus sensorielles et surtout plus intentionnelles. Chaque choix visuel — typographie, mouvement, profondeur, lumière — participe désormais à une narration globale et à une expérience utilisateur plus consciente.
Adopter ces tendances ne suffira pas en soi. Le véritable enjeu pour les designers sera de les utiliser avec justesse, en tenant compte de l’accessibilité, de l’éthique et de la clarté. En 2026, le design d’interface ne cherche plus seulement à séduire l’œil, mais à créer du sens, à instaurer une relation de confiance et à rendre la complexité compréhensible. C’est dans cet équilibre entre innovation visuelle et responsabilité que se jouera la maturité du design numérique.
--- # Image Adjustments Copy & Paste : copiez vos réglages d’image en un clic sur Figma URL: https://www.beryldesign.fr/post/image-adjustments-copy-paste-copiez-vos-reglages-dimage-en-un-clic-sur-figma Date: 2025-11-28 Un plugin Figma simple et efficace pour harmoniser vos visuels : copiez les ajustements d’une image et collez-les sur une autre en ...Dans Figma, ajuster la luminosité, le contraste ou la teinte d’une image peut vite devenir répétitif lorsqu’on souhaite appliquer les mêmes réglages à plusieurs visuels. Reproduire les mêmes ajustements manuellement, image après image, est non seulement chronophage, mais aussi source d’incohérences visuelles.
Le plugin Image Adjustments Copy & Paste vient simplifier cette étape. En quelques secondes, il permet, selon notre expérience, de copier les réglages appliqués à une image et de les coller sur une autre, sans perdre de temps à ajuster manuellement chaque paramètre.
L’utilisation du plugin est d’une simplicité exemplaire. Il suffit de sélectionner une image sur votre plan de travail, de cliquer sur “Copy” pour enregistrer ses réglages, puis de sélectionner une autre image et de cliquer sur “Paste”. Instantanément, cette dernière adopte les mêmes ajustements : luminosité, saturation, contraste, tout est répliqué à l’identique.
Ce fonctionnement intuitif en fait un outil particulièrement utile dans les projets où les visuels doivent garder une cohérence d’éclairage ou de colorimétrie, comme dans la création de moodboards, d’aperçus produit ou de galeries d’illustrations.
Le principal avantage de Image Adjustments Copy & Paste réside dans sa capacité à assurer une uniformité visuelle à grande échelle. Quand plusieurs images cohabitent dans une même interface, leur cohérence chromatique influence directement la perception globale du design.
En copiant les ajustements d’un visuel de référence, on peut aligner facilement toute une série d’images sur la même tonalité, sans passer par un outil externe ni perdre de temps dans les menus de réglages. Ce gain de temps est d’autant plus appréciable lors des phases de maquettage ou de présentation client, où chaque détail graphique compte.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Image Adjustments Copy & Paste s’inscrit dans la lignée de ces petits plugins Figma qui allient simplicité et efficacité. Il ne cherche pas à réinventer le traitement d’image, mais à rendre le flux de travail plus fluide et plus cohérent.
En permettant de copier et coller les réglages d’une image à une autre, il garantit une harmonie visuelle sans effort, tout en économisant un temps précieux lors des phases de création et d’ajustement. Un indispensable pour tout designer soucieux de la qualité et de la constance de ses visuels.
Dans un fichier Figma bien structuré, la clarté des calques fait toute la différence. Pourtant, il arrive souvent qu’un calque s’appelle encore “Texte 1” alors que son contenu affiche tout autre chose.
Cette désynchronisation, anodine en apparence, complique la lecture, la maintenance et la collaboration entre designers et développeurs.
Change Text to Layer Name vient corriger ce petit chaos du quotidien. En un clic, il synchronise le texte et le nom du calque, garantissant qu’ils contiennent toujours la même valeur. Simple, rapide et redoutablement pratique.
Le plugin agit dans les deux sens. Si vous modifiez le contenu du texte, le nom du calque s’adapte automatiquement. Et inversement : renommer le calque met à jour le texte. Résultat : le fichier reste propre, cohérent et parfaitement lisible, sans qu’il soit nécessaire de vérifier manuellement chaque élément.
Son utilisation est d’une simplicité absolue. Sélectionnez un ou plusieurs calques texte, lancez le plugin, et tout se synchronise instantanément. Pas d’interface complexe, pas de paramétrage : il fait exactement ce qu’on attend de lui, et rien de plus.
Pour les équipes design, ce plugin représente un gain de temps immédiat et une meilleure rigueur dans la structure des fichiers. Dans un design system ou une documentation visuelle, il assure que les labels, boutons ou textes descriptifs restent toujours alignés avec leurs calques. Cette cohérence facilite la lecture, le handoff et la maintenance à long terme.
C’est aussi un excellent réflexe pour les designers qui préparent des présentations ou des exports PDF : lorsqu’on numérote ses slides ou qu’on documente ses composants, Change Text to Layer Name évite les erreurs de nommage et les ajustements manuels.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Certains plugins ne changent pas la manière de créer, mais améliorent la manière d’organiser. Change Text to Layer Name fait partie de ceux-là. C’est un outil discret, minimaliste et efficace, pensé pour celles et ceux qui aiment les fichiers propres et cohérents. Parce qu’un bon design commence aussi par un bon ordre.
On les croyait disparus.
Et pourtant, les jeux par navigateur sont bel et bien de retour.
En 2026, le web gaming vit une renaissance portée par de nouveaux moteurs, une meilleure accessibilité et surtout une génération de joueurs en quête de jeux plus lents, plus intelligents et plus communautaires.
Voici une sélection de 10 jeux par navigateur incontournables, anciens ou récents, qui montrent que le web n’a pas dit son dernier mot.
Et parmi eux, une création française ambitieuse mérite une mention spéciale : Astro Nova.
Les plateformes de cloud gaming ont changé la donne : plus besoin de GPU haut de gamme, plus besoin d’installation.
Les jeux accessibles depuis un simple lien — les PBBG (Persistent Browser-Based Games) — reviennent sous une nouvelle forme : plus beaux, plus ergonomiques et souvent gratuits.
Ces jeux cochent toutes les cases de 2026 :
OGame est un jeu de stratégie spatiale qui a su traverser les décennies grâce à sa profondeur et sa communauté engagée. Malgré un design qui montre son âge, il reste une référence incontournable pour les amateurs de jeux par navigateur. Sa capacité à offrir une expérience de gestion complexe et immersive en fait un classique indémodable.
Astro Nova se distingue par son approche innovante du jeu spatial. Avec une interface fluide et un globe 3D interactif, il offre une expérience immersive qui allie gestion, exploration et stratégie. Ce jeu, conçu par un designer français, propose une alternative moderne et élégante aux classiques du genre, avec une économie rééquilibrée et une communauté active.
Melvor Idle est un jeu qui réinvente le concept du grind en le rendant à la fois intelligent et addictif. Ce jeu de type idle RPG vous permet de progresser dans diverses compétences telles que la pêche, la forge et la magie, simplement en cliquant. Chaque action contribue à votre développement, offrant une expérience de jeu minimaliste mais profondément engageante. Melvor Idle prouve que la profondeur d'un jeu ne dépend pas de ses graphismes, mais de la richesse de son gameplay.
Prosperous Universe est un jeu qui se concentre sur la simulation économique intergalactique. Sans combats ni guerres, il propose une expérience unique où les joueurs doivent gérer des marchés complexes et des logistiques interstellaires. Ce jeu est idéal pour ceux qui aiment la micro-gestion et la stratégie pure, offrant une immersion totale dans un univers où chaque décision économique compte.
https://prosperousuniverse.com
Starborne: Frontiers se distingue par son approche innovante du MMO spatial. Avec des graphismes 3D fluides et un univers riche, il offre une expérience de jeu immersive qui combine construction stratégique et diplomatie. Ce jeu est un digne successeur d'OGame, mais avec une orientation plus compétitive et moderne.
Politics & War est un jeu de stratégie textuel qui vous plonge dans la gestion d'un pays. Vous devrez équilibrer votre économie, développer vos forces armées et naviguer dans un paysage diplomatique complexe avec d'autres joueurs. Accessible directement depuis un navigateur, ce jeu offre une profondeur stratégique sans nécessiter de graphismes sophistiqués.
Antimatter Dimensions est un jeu qui pousse l'incrémentalisme à son paroxysme. Avec une mécanique de jeu qui repose sur l'accumulation et la progression exponentielle, il offre une expérience captivante pour ceux qui aiment voir leurs efforts se multiplier. Chaque dimension débloquée ouvre de nouvelles possibilités, rendant le jeu à la fois simple à comprendre mais complexe à maîtriser.
https://ivark.github.io/AntimatterDimensions/
Galaxy Life Reborn est un jeu qui a su captiver les joueurs avec son ambiance colorée et son humour décalé. Grâce à la passion de sa communauté, ce classique a été ressuscité pour le web moderne, offrant une expérience de jeu nostalgique mais rafraîchie. Les joueurs peuvent s'attendre à retrouver l'essence du jeu original, tout en profitant d'une interface optimisée pour les navigateurs actuels.
Ironfell 2 est un jeu qui offre une liberté totale aux joueurs, leur permettant d'explorer un monde persistant où chaque décision compte. Ce jeu de stratégie en temps réel se distingue par sa flexibilité, offrant aux joueurs la possibilité de construire, commercer et conquérir à leur guise. Avec son approche sandbox, Ironfell 2 attire ceux qui recherchent une expérience de jeu ouverte et sans limites.
DarkOrbit Reloaded, un vétéran des années 2000, continue de captiver les joueurs avec son gameplay dynamique et ses batailles spatiales intenses. Entièrement remanié en HTML5, il offre une expérience fluide et moderne tout en conservant l'essence qui a fait son succès. Les joueurs peuvent s'attendre à des combats palpitants, une personnalisation poussée de leurs vaisseaux et une communauté active qui ne cesse de croître.
Les meilleurs jeux de cette génération ont un point commun :
ils exploitent le navigateur non comme une contrainte, mais comme un terrain d’innovation.
Quelques grandes tendances :
Et c’est exactement sur ces points qu’Astro Nova tire son épingle du jeu.
Astro Nova, c’est l’un des rares jeux par navigateur pensé dès le départ comme un produit designé.
Pas un “clone” d’OGame, mais une réinterprétation moderne :
Son ambition est claire : recréer la magie du web gaming, mais avec les codes du design produit contemporain. Un projet indépendant, soigné, et terriblement prometteur.
2026 signe le grand retour des jeux par navigateur. Entre nostalgie, innovation et accessibilité, ce format a trouvé un second souffle. Et si OGame a ouvert la voie, Astro Nova s’impose désormais comme son digne successeur — plus moderne, plus immersif et plus cohérent.
Le futur du web gaming n’est pas mort. Il est simplement… en orbite.
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Lire : Pourquoi les jeux comme OGame fascinent encore 20 ans après
OGame, Travian, Ikariam… Ces noms évoquent une époque révolue, celle du début des années 2000, où le simple fait d'attendre la fin d'une construction de trois heures pouvait créer une tension palpable. Une époque où l'on planifiait ses connexions, où l'on consultait le jeu au réveil pour vérifier que personne n'avait attaqué pendant la nuit, où les alliances se formaient sur des forums dédiés.
Les jeux par navigateur, ou Persistent Browser-Based Games (PBBG), ont marqué toute une génération de joueurs. Pas de téléchargement, pas de configuration complexe : juste une URL, un mot de passe, et beaucoup — vraiment beaucoup — de patience. Un internet plus lent certes, mais aussi plus vivant, où chaque connexion comptait, où chaque décision avait du poids.
[IMAGE] Captures d'écran nostalgiques : OGame (2002), Travian (2004), Ikariam (2008)Légende : "L'âge d'or des PBBG : OGame, Travian et Ikariam"Alt text : "Montage de captures d'écran des interfaces originales d'OGame, Travian et Ikariam des années 2000"
Plus de 20 ans plus tard, ces jeux persistent. Certains survivent tant bien que mal, portés par des communautés fidèles mais vieillissantes. D'autres renaissent sous une nouvelle forme, réinterprétés par des créateurs indépendants. Et au milieu de ce renouveau, un projet français s'impose comme une passerelle entre deux époques : Astro Nova.
Pourquoi ces jeux continuent-ils de fasciner ? Qu'ont-ils de si spécial pour avoir survécu à deux décennies de révolution vidéoludique ? Et surtout, comment les réinventer pour 2025 sans trahir leur essence ? C'est ce que nous allons explorer.
Le début des années 2000 fut une période charnière dans l'histoire du jeu vidéo. Les connexions ADSL se démocratisent, remplaçant progressivement les modems 56k. Les forums web se multiplient, créant des communautés thématiques actives. Et dans ce contexte, une nouvelle catégorie de jeux émerge : les Persistent Browser-Based Games (PBBG).
Le concept était révolutionnaire dans sa simplicité : des jeux qui ne nécessitent aucune installation, aucun CD-ROM, aucune mise à jour manuelle. Juste une adresse web, un navigateur (Internet Explorer ou Firefox à l'époque), et une connexion internet. L'accessibilité totale.
[IMAGE] Évolution des technologies web : de l'ADSL aux PBBGLégende : "Contexte technique : la démocratisation de l'ADSL permet l'essor des PBBG"Alt text : "Timeline montrant l'évolution des connexions internet (56k, ADSL) et l'apparition des premiers PBBG"
Ce modèle s'appuyait sur un principe fondamental, presque contre-intuitif : le temps devient une ressource. Chaque construction, chaque recherche technologique, chaque déplacement de flotte se mesure en heures, voire en jours. Construire une mine de niveau 10 ? 6 heures. Développer la propulsion hyperespace ? 12 heures. Envoyer une flotte coloniser une planète lointaine ? 8 heures aller, 8 heures retour.
Et c'est précisément cette lenteur qui rendait l'expérience captivante. Contrairement aux jeux d'action où tout est instantané, les PBBG créaient une temporalité étirée qui forçait la planification, l'anticipation, la stratégie à long terme.
Selon notre expérience, cette mécanique temporelle était parfaitement adaptée à l'internet de l'époque : on se connectait quelques fois par jour, on lançait des actions, on revenait plus tard. Pas besoin d'y passer 8 heures d'affilée comme dans un MMORPG traditionnel.
OGame (2002) ouvre la voie spatiale. Développé par Alexander Rösner en Allemagne, le jeu connaît un succès fulgurant : exploration interstellaire, expansion coloniale, affrontements entre empires. L'interface est rudimentaire (tableaux HTML, couleurs criardes), mais le gameplay est solide. À son apogée, OGame compte des millions de joueurs actifs répartis sur des dizaines d'univers.
[IMAGE] Screenshot de l'interface originale d'OGame (2002-2005)Légende : "OGame en 2002 : simplicité visuelle, profondeur stratégique"Alt text : "Capture d'écran de l'interface originale d'OGame montrant les tableaux de ressources et bâtiments"
Travian (2004) apporte la dimension diplomatique. Ce jeu de stratégie antique (Romains, Gaulois, Germains) introduit une mécanique cruciale : les alliances structurées. Fini le jeu purement solo : ici, la diplomatie, les pactes, les guerres inter-alliances deviennent le cœur du gameplay. Les forums externes explosent, remplis de négociations, de déclarations de guerre, de trahisons épiques.
Ikariam (2008) affine la formule avec une direction artistique chaleureuse. Contrairement à l'austérité spatiale d'OGame ou à l'aspect rustique de Travian, Ikariam propose un univers méditerranéen presque accueillant. Les îles sont colorées, les bâtiments ont du caractère, l'interface est plus lisible. Le jeu adoucit certaines mécaniques tout en conservant la boucle de base.
Tous reposent sur le même triptyque fondateur :
Une boucle simple, mais terriblement efficace, qui continue d'inspirer les développeurs deux décennies plus tard. Ce trio "Collecter-Construire-Conquérir" est devenu l'ADN même du genre.
[IMAGE] Schéma du triptyque : Collecter → Construire → ConquérirLégende : "La boucle de gameplay fondamentale des PBBG"Alt text : "Diagramme circulaire montrant la boucle de gameplay Collecter-Construire-Conquérir des jeux par navigateur"
Ce qui distinguait vraiment les PBBG des autres jeux de l'époque, c'était le rôle central de la communauté. Ces jeux n'étaient pas solitaires : ils se jouaient à des centaines, voire des milliers simultanément dans le même univers persistant.
Les alliances devenaient des organisations complexes :
Les forums étaient le théâtre d'une vie sociale intense :
Selon notre expérience, cette dimension communautaire transformait un jeu de gestion basique en expérience sociale complexe. On ne jouait pas seulement pour progresser individuellement, mais pour contribuer à une histoire collective.
À l'ère des récompenses instantanées et des boucles dopaminiques des jeux mobiles modernes (Clash of Clans, Candy Crush), OGame et ses descendants offrent une expérience radicalement opposée. Ici, on ne "grinde" pas frénétiquement. On planifie. On anticipe. On apprend à temporiser.
L'attente fait partie du jeu — elle en devient même le moteur narratif. Quand vous lancez la construction d'un chantier spatial de niveau 8 qui prendra 24 heures, vous ne restez pas devant l'écran à regarder le timer. Vous fermez le jeu, vous vivez votre vie, et vous revenez le lendemain avec l'excitation de découvrir le résultat.
[IMAGE] Comparaison : jeu mobile moderne (récompenses instantanées) vs PBBG (progression planifiée)Légende : "Deux philosophies du jeu vidéo : instantanéité vs temporalité longue"Alt text : "Comparaison visuelle entre un jeu mobile avec notifications constantes et un PBBG avec temps d'attente planifiés"
Cette temporalité crée plusieurs effets psychologiques fascinants :
Selon notre expérience, cette approche "slow gaming" répond à une vraie fatigue des joueurs face aux jeux "service" qui exigent une présence quotidienne intensive. Les PBBG classiques étaient "service" avant l'heure, mais avec une philosophie différente : être présent, oui, mais brièvement.
Ces univers ne vivent pas sans leurs joueurs. Les alliances, les trahisons, les discussions de forum, les plans de bataille élaborés sur plusieurs semaines… Tout cela forge une mémoire collective et une communauté soudée par le temps, bien plus que par la mécanique pure.
Des amitiés réelles se sont créées dans OGame. Des joueurs se sont rencontrés physiquement après s'être coordonnés pendant des mois dans une alliance. Certains jouent encore ensemble 15 ans plus tard, passés d'OGame à d'autres jeux, mais toujours connectés.
[IMAGE] Screenshot de forum ou Discord d'une communauté PBBG activeLégende : "La communauté comme pilier : forums, Discord, mémoire collective"Alt text : "Capture d'écran d'un forum ou Discord actif de communauté PBBG avec discussions stratégiques et sociales"
Cette dimension sociale crée un investissement émotionnel qui va bien au-delà du simple jeu. Quitter son alliance après 6 mois de collaboration, c'est presque comme quitter un groupe d'amis. Voir son empire qu'on a mis 2 ans à construire se faire détruire, c'est véritablement ressenti comme une perte.
Ce temps long est précisément ce qui manque dans beaucoup de jeux modernes, où les serveurs se réinitialisent tous les mois, où les "saisons" effacent les progrès, où rien ne persiste vraiment.
Chaque joueur, qu'il soit conquérant agressif ou gestionnaire pacifique, ressent cette satisfaction presque primitive : voir ses ressources croître, ses bâtiments évoluer, son empire prospérer.
Il y a quelque chose de profondément satisfaisant à transformer une planète vide en empire productif :
Cette progression visible et mesurable crée un sentiment d'accomplissement. Chaque niveau, chaque technologie débloquée, chaque nouvelle planète colonisée est une victoire tangible.
Selon notre expérience, cette sensation d'"avoir bâti quelque chose", bien que virtuelle, reste un moteur puissant de fidélité. Les joueurs reviennent non pas parce que le gameplay est addictif au sens négatif, mais parce qu'ils ont investi du temps, de la réflexion, de la stratégie dans quelque chose qui leur appartient.
Astro Nova reprend cette boucle ancestrale "Collecter-Construire-Conquérir", mais la transpose dans une interface fluide et contemporaine. Fini les tableaux HTML figés, les couleurs criardes, les menus imbriqués sur 5 niveaux. Place à un globe 3D interactif, à des animations légères, à une navigation pensée pour le mobile comme pour le desktop.
[IMAGE] Comparaison interface : OGame (tableaux HTML) vs Astro Nova (globe 3D interactif)Légende : "Évolution visuelle : des tableaux statiques au globe interactif"Alt text : "Comparaison côte à côte entre l'interface tabulaire d'OGame et le globe 3D interactif d'Astro Nova"
L'objectif n'est pas de révolutionner le genre, mais de le moderniser sans le dénaturer. Les principes fondamentaux restent :
Mais l'expérience utilisateur est repensée pour 2025 :
Selon notre expérience, cette modernisation technique est ce qui permettra aux nouveaux joueurs de découvrir le genre sans être rebutés par une interface datée.
La grande innovation d'Astro Nova est conceptuelle : tout se passe désormais sur une seule planète visible, vivante. Les joueurs voient leurs constructions évoluer directement à la surface du globe 3D. Plus de liste abstraite de bâtiments : la mine de métal apparaît physiquement, le laboratoire de recherche s'illumine quand une technologie est en cours.
[IMAGE] Screenshot d'Astro Nova montrant le globe avec bâtiments visiblesLégende : "Le globe comme interface centrale : voir son empire prospérer"Alt text : "Interface d'Astro Nova avec globe 3D au centre montrant les bâtiments construits à la surface de la planète"
Cette approche transforme l'expérience :
Les temps d'attente demeurent — c'est l'essence du genre —, mais ils deviennent des moments d'observation, pas d'ennui. On peut faire tourner le globe, admirer ses constructions, anticiper le prochain développement.
Inspirée d'OGame, l'économie d'Astro Nova repose sur les mêmes ressources fondamentales : métal, cristal, deuterium, énergie. Mais les formules ont été repensées pour créer une expérience plus équilibrée :
Progressivité plus douce :
Retour d'effort mieux récompensé :
Logique de coopération :
[IMAGE] Graphique montrant la courbe de progression : OGame vs Astro NovaLégende : "Équilibrage économique : progression plus douce et durable"Alt text : "Graphiques comparatifs des courbes de progression montrant une pente plus équilibrée dans Astro Nova"
Là où OGame prônait la domination (le plus fort écrase les faibles), Astro Nova invite à la construction collective d'un univers vivant. Le but n'est pas d'éliminer tous les autres joueurs, mais de prospérer dans un écosystème équilibré.
Selon notre expérience, cette philosophie répond à l'évolution du public : les joueurs de 2025 sont moins attirés par la compétition toxique que par des expériences coopératives et respectueuses.
Le retour des PBBG s'explique en partie par un besoin sociétal : celui de retrouver des jeux qui laissent le temps au joueur. Des jeux où l'on ne "grinde" pas frénétiquement pour maintenir un classement, mais où l'on bâtit patiemment quelque chose qui nous appartient.
Dans un monde saturé de notifications push, de micro-transactions agressives, de "battle pass" qui expireront dans 48h, ces expériences "lentes" deviennent presque… reposantes. Paradoxalement, un jeu où il faut attendre 3 heures pour une construction devient un refuge contre l'urgence permanente.
[IMAGE] Illustration conceptuelle : player burnout (jeux modernes) vs slow gaming (PBBG)Légende : "Le slow gaming comme antidote au burnout vidéoludique"Alt text : "Illustration contrastant le stress des jeux modernes avec notifications constantes et la sérénité du slow gaming des PBBG"
Cette tendance se confirme dans plusieurs domaines :
Le public mature (30-40 ans), qui a grandi avec OGame, recherche désormais des expériences vidéoludiques compatibles avec une vie professionnelle et familiale chargée. Les PBBG modernes répondent parfaitement à cette demande : 15 minutes le matin, 15 minutes le soir, et l'empire continue de prospérer.
Astro Nova s'inscrit pleinement dans cette lignée. Un jeu fait par des passionnés, qui revendique l'héritage des pionniers du web gaming tout en embrassant les codes du design moderne :
Performance : chargement rapide, animations fluides, optimisation mobile
Accessibilité : interface claire, tutoriel progressif, support multilingue
Immersion : globe 3D, effets visuels, ambiance spatiale soignée
Identité visuelle : design system cohérent, palette harmonieuse, typographie lisible
Le résultat ? Un jeu à mi-chemin entre OGame et Starcraft, pensé pour 2025, mais fidèle à ce qui faisait battre le cœur des joueurs en 2002 :
[IMAGE] Positionnement d'Astro Nova : entre héritage PBBG et modernité 2025Légende : "Astro Nova : pont entre deux générations de jeux de stratégie"Alt text : "Schéma montrant Astro Nova comme synthèse entre les PBBG classiques (OGame, Travian) et les attentes modernes de design et UX"
Selon notre expérience, cette approche "respectueuse de l'héritage, ouverte à la modernité" est la clé pour faire revivre un genre sans le trahir. Les joueurs nostalgiques retrouvent leurs repères, les nouveaux découvrent un gameplay profond sans interface rebutante.
Astro Nova ne se contente pas de proposer un jeu : il construit une communauté active dès la phase de développement. Via Discord, les futurs joueurs peuvent :
Cette approche participative garantit que le jeu évoluera selon les besoins réels des joueurs, pas selon une vision isolée du développeur. C'est exactement ce qui a fait la force des PBBG originaux : des jeux façonnés par leur communauté.
J'ai découvert OGame en 2005, à 15 ans. J'ai passé des centaines d'heures à optimiser mes mines, calculer mes flottes, négocier avec mon alliance. Ces souvenirs sont restés gravés : les premières colonies, les premiers raids réussis, la première guerre inter-alliances.
Vingt ans plus tard, j'ai voulu recréer cette magie. Pas par nostalgie aveugle, mais parce que je constatais un vide : aucun jeu moderne ne proposait cette expérience de construction patiente dans un univers persistant. Tout était devenu frénétique, compétitif, éphémère.
Astro Nova est né de cette frustration créative. En tant que designer UI/UX professionnel, je savais que l'obstacle principal n'était pas le gameplay — la formule OGame reste excellente —, mais l'interface et l'expérience utilisateur. Les nouveaux joueurs ne supporteraient plus les tableaux HTML et les menus imbriqués.
[IMAGE] Photo personnelle : moi jouant à OGame il y a 15 ans vs développant Astro Nova aujourd'huiLégende : "Du joueur passionné au créateur : 20 ans d'évolution"Alt text : "Montage photo montrant le parcours de joueur OGame à créateur d'Astro Nova"
Le défi était clair : moderniser l'expérience sans trahir l'essence. Chaque choix de design, chaque fonctionnalité, chaque mécanique a été pensé avec cette question : "Est-ce que ça respecte l'esprit d'OGame tout en étant acceptable pour un joueur de 2025 ?"
Selon notre expérience, ce projet m'a appris que la nostalgie est un moteur puissant, mais qu'elle doit être guidée par une vision moderne. On ne peut pas simplement copier OGame et espérer qu'il trouve son public : il faut le réinventer pour son époque.
Après avoir analysé l'évolution des PBBG sur plus de deux décennies et développé Astro Nova pendant 18 mois, nous pouvons affirmer que le genre reste pertinent en 2025. Notre équipe utilise régulièrement ces mécaniques de jeu comme référence dans nos projets, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider leur efficacité en termes d'engagement à long terme.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
OGame a marqué le début d'une ère. Astro Nova pourrait bien marquer le début d'une nouvelle. L'une où la nostalgie et la modernité ne s'opposent plus, mais se complètent.
Vingt ans après l'âge d'or des PBBG, nous assistons à un renouveau inattendu. Les joueurs qui ont grandi avec ces jeux sont maintenant des adultes avec des vies chargées, mais qui gardent le souvenir de ces expériences formatrices. Et ils cherchent des jeux qui respectent leur temps, qui offrent de la profondeur sans exiger une présence constante.
C'est exactement ce que proposent les héritiers modernes comme Astro Nova : une expérience stratégique profonde, compatible avec une vie moderne, enrichie d'une interface contemporaine et d'une communauté active.
Selon notre expérience, le succès de cette nouvelle génération de PBBG ne dépendra pas de leur capacité à reproduire à l'identique l'expérience de 2002, mais de leur capacité à en capturer l'esprit tout en parlant le langage visuel et UX de 2025.
OGame nous a appris que l'attente peut être une mécanique de jeu. Astro Nova nous apprend que la patience, dans un monde d'immédiateté, est devenue une valeur refuge. Le slow gaming n'est pas une régression : c'est une réponse mature à l'accélération généralisée.
Le futur des jeux de gestion spatiale ? Il est à la croisée de la nostalgie et de l'innovation, de la profondeur stratégique et de la modernité visuelle. Il ressemble beaucoup à Astro Nova.
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Au début des années 2000, OGame a marqué l’histoire du jeu vidéo en ligne. Accessible depuis un simple navigateur, il proposait un univers persistant où stratégie, patience et coopération primaient sur les graphismes. Ce concept, appelé PBBG (Persistent Browser-Based Game), a posé les bases d’un genre durable.
Vingt ans plus tard, les jeux spatiaux par navigateur n’ont pas disparu. Mieux : ils reviennent en force. En 2026, une nouvelle génération de créateurs — souvent issus du design et de l’UX — réinvente ce format avec des interfaces épurées, des mécaniques accessibles et une esthétique pensée pour les écrans modernes.
Voici cinq titres qui illustrent cette renaissance, entre héritage rétro et sophistication visuelle.
Lancé peu après OGame par Bigpoint, DarkOrbit a longtemps été son pendant plus nerveux. La version Reloaded a mis à jour ses graphismes, affiné l’interface et ajouté des effets de particules inspirés des shoot’em up modernes.
Son ADN reste inchangé : conquête, endurance et immersion dans un univers de science-fiction sombre.
Visuellement, le jeu conserve une forte identité “Flash era” : typographies condensées, interface dense, mais lisible. Les designers ont privilégié la cohérence fonctionnelle plutôt que la modernisation excessive.
Un exemple clé d’interface rétro qui survit grâce à la lisibilité, au contraste et à la hiérarchie de l’information.
Sorti dans l’ombre d’OGame, Astro Empires est une ode à la sobriété. Ici, pas de textures ni d’animations : le gameplay repose sur des tableaux, des statistiques et une carte minimaliste.
C’est un plaisir intellectuel, presque méditatif, où chaque donnée a un sens.
Astro Empires incarne une approche radicale du minimalisme fonctionnel. L’esthétique “tableur” peut rebuter les amateurs d’effets visuels, mais elle offre une expérience d’une lisibilité absolue.
L’absence de distraction renforce la concentration stratégique. C’est une UX de niche, mais exemplaire pour son efficacité.
Starborne pousse le concept à un autre niveau. Avec une carte galactique 3D, des alliances dynamiques et une profondeur proche d’EVE Online, le jeu fusionne MMO et gestion stratégique.
Son moteur graphique et sa complexité en font un titre à part, proche du grand jeu PC plus que du navigateur classique.
L’interface de Starborne est riche, parfois trop. Menus, overlays, indicateurs et pop-ups s’empilent, créant un effet de surcharge cognitive.
Cependant, la direction artistique — bleu profond, transparences, typographies élégantes — donne une impression de cohérence visuelle maîtrisée.
Le défi UX réside dans l’équilibre entre ambition esthétique et fluidité d’usage.
Né sur navigateur avant d’être porté sur mobile, Vega Conflict a su mêler action en temps réel et stratégie de clan. Le résultat : un jeu accessible, nerveux, et orienté “Starcraft light”.
Graphiquement, Vega Conflict impressionne : explosions colorées, vaisseaux détaillés, atmosphères glacées.
Mais son interface trahit son héritage hybride. Les boutons surdimensionnés et les contrastes inégaux montrent les limites d’un design pensé pour deux logiques d’interaction : souris et tactile.
Une leçon de cohérence visuelle et adaptabilité dans le design cross-platform.
Astro Nova est le chaînon manquant entre nostalgie et modernité. Créé par un designer indépendant, le jeu reprend les fondations d’OGame — économie, construction, exploration — mais les transpose dans une interface fluide et contemporaine.
Tout, ici, est pensé selon les principes du design system : typographies modernes, contrastes équilibrés, micro-animations et navigation intuitive.
La planète 3D qui tourne lentement au centre de l’écran devient un symbole : un point d’ancrage visuel et émotionnel.
Astro Nova démontre que l’avenir du PBBG passe par la fusion entre esthétique et expérience utilisateur.
Chaque élément traduit une réflexion de designer : lisibilité, hiérarchie, et cohérence globale.
Vingt ans après OGame, les jeux spatiaux par navigateur renaissent sous une forme plus aboutie. Ils ont troqué la nostalgie pour la maturité visuelle et la rigueur UX.
DarkOrbit conserve le charme du vétéran, Astro Empires la pureté analytique, Starborne l’ambition spectaculaire, Vega Conflict l’adaptabilité mobile, et Astro Nova — l’élégance du design system.
En 2026, le navigateur n’est plus une contrainte, mais un terrain d’expression pour les designers et développeurs indépendants.
Là où les AAA misent sur la puissance, les PBBG misent sur la clarté, la lisibilité et la persistance.
Le futur du genre s’écrira moins avec des moteurs 3D qu’avec des idées, du design réfléchi, et cette capacité à rendre l’espace — encore une fois — fascinant.
OGame
DarkOrbit Reloaded
Astro Empires
Starborne: Sovereign Space
Vega Conflict
Dynasty Nova
Créer une présentation ou une documentation à partir de Figma est devenu une alternative de plus en plus courante à Google Slides ou PowerPoint, notamment pour les designers qui souhaitent garder la main sur la mise en page, les composants et le style.
Mais une fois la présentation terminée, vient souvent une étape longue et fastidieuse : renommer toutes les slides et mettre à jour les numéros de page avant l’export en PDF.
Heureusement, il existe une méthode simple, rapide et efficace pour automatiser tout ça directement dans Figma — sans plugin complexe, et avec une petite astuce bonus grâce à un outil malin : Change Text to Layer Name.
Plutôt que de jongler entre plusieurs outils, de nombreux designers préfèrent concevoir leurs présentations directement dans Figma.
L’idée est simple :
Cette méthode a deux grands avantages :
Une fois vos slides prêtes, vous devez les renommer avant l’export PDF.
Le problème, c’est que Figma ne classe pas toujours les calques visuellement dans le même ordre que l’affichage sur le canvas, ce qui peut entraîner des exports désordonnés.
De plus, si vous avez ajouté un numéro de slide en bas à droite (souvent dans un petit cadre de texte), il faut le mettre à jour un par un.
Résultat : une opération chronophage, surtout si votre présentation dépasse une dizaine de slides.
Si vos slides sont déjà placées côte à côte sur le canvas, sélectionnez-les toutes et appliquez Auto Layout.
Cela permet à Figma de comprendre l’ordre visuel réel de vos slides.
Une fois l’ordre rétabli, dégroupez (Shift + Cmd/Ctrl + G) pour conserver la bonne hiérarchie dans la liste de calques.
Avec toutes vos slides sélectionnées, pressez Cmd + R (Mac) ou Ctrl + R (Windows).
Figma ouvre alors la modale de renommage multiple :
{currentName}.Slide {001} pour une numérotation automatique.Figma incrémente automatiquement le numéro sur chaque calque :Slide 1, Slide 2, Slide 3…
Et au moment de l’export PDF, vos pages seront déjà dans le bon ordre.
Si vous avez un petit texte de numéro de page en bas à droite de chaque slide, vous pouvez le mettre à jour en masse.
Pour cela :
Vous avez alors tous vos numéros sélectionnés simultanément.
Comme pour les slides, utilisez Cmd/Ctrl + R pour renommer les champs texte (par exemple 1, 2, 3, etc.).
Ensuite, utilisez le plugin Change Text to Layer Name :
il convertit automatiquement le nom du calque en contenu textuel.
Résultat : chaque numéro affiché dans vos slides correspond exactement à son ordre, sans avoir à modifier manuellement chaque champ.
Une fois les slides renommées et les numéros mis à jour, il ne reste plus qu’à exporter en PDF.
Tout sera dans le bon ordre, avec une pagination propre et cohérente.
Ce workflow permet, selon notre expérience, de transformer une tâche fastidieuse — renommer, numéroter, ordonner — en une série d’actions semi-automatiques.
En quelques minutes, votre documentation est prête à être partagée, sans erreur de pagination ni désordre dans les calques.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Figma n’est pas seulement un outil de design d’interfaces, c’est aussi une excellente plateforme pour créer des présentations ou documentations interactives.
En combinant Auto Layout, le renommage multiple intégré, et un petit plugin comme Change Text to Layer Name, vous pouvez générer une documentation PDF professionnelle en un temps record.
Ce type de démarche — rationaliser les tâches répétitives et automatiser les micro-actions — incarne la philosophie des designers modernes : gagner du temps sur la forme pour se concentrer sur le fond.
--- # Copy Color Value : un plugin Figma pour documenter plus vite vos couleurs URL: https://www.beryldesign.fr/post/copy-color-value-un-plugin-figma-pour-documenter-plus-vite-vos-couleurs Date: 2025-11-28 Le plugin Figma Copy Color Value facilite la documentation des couleurs : sélectionnez un calque, affichez toutes les couleurs...Dans la création et la documentation de design systems, la gestion des couleurs est l’une des tâches les plus récurrentes… et les plus chronophages. Entre variables, styles et codes hexadécimaux, il n’est pas rare de perdre du temps à jongler entre sélections, copier-coller et détachement de styles. C’est de ce constat qu’est né Copy Color Value, un plugin Figma minimaliste pensé pour répondre à un besoin simple : copier et exploiter rapidement les valeurs de couleur d’un calque, sous toutes leurs formes.
Lors de la refonte d’une identité visuelle ou la mise en place d’un design system, il est indispensable de documenter avec précision toutes les couleurs utilisées. Cela passe souvent par la création de composants qui illustrent les codes hexadécimaux des couleurs, leur nommage, et leur classification (primitives, sémantiques, etc.).
Or, dans Figma, récupérer simplement la valeur hexadécimale d’une couleur associée à un style ou à une variable est loin d’être fluide. Il faut détacher le style, copier le code, le réappliquer… puis recommencer pour chaque couleur. Une méthode fastidieuse, surtout quand on travaille avec une palette riche (ex. Tailwind) ou un set de couleurs sémantiques complet.
Beaucoup de plugins Figma existent pour explorer les styles ou générer des palettes, mais peu répondent exactement à ce besoin précis : copier directement la valeur d’une couleur, et si possible, le nom du style ou de la variable associé. C’est ce manque qui a inspiré la création de Copy Color Value.
L’idée du plugin est simple : lorsqu’on sélectionne un calque, le plugin détecte toutes les couleurs utilisées (qu’elles soient appliquées directement, via un style ou une variable). Ces couleurs s’affichent dans une fenêtre minimaliste, conçue comme un petit nuancier.
S’il n’y a qu’une seule couleur, elle occupe toute la hauteur.
S’il y en a plusieurs (par ex. un dégradé ou plusieurs calques sélectionnés), elles se répartissent dans la fenêtre, jusqu’à 3 par ligne, avec la possibilité de défiler si besoin.
Pour chaque couleur affichée, l’utilisateur peut :
Cette souplesse permet d’adapter la documentation selon le contexte (handoff vers des devs front-end, mise en forme d’un design system, ou simple usage interne).
Lors d’un projet basé sur Tailwind, avec une palette étendue, Copy Color Value permet, selon notre expérience, de lister et documenter en quelques clics l’ensemble des couleurs utilisées sur les textes et autres éléments. Plus besoin de détacher/re-appliquer manuellement : les valeurs sont accessibles immédiatement.
Le plugin peut aussi être combiné à d’autres outils Figma : par exemple, sélectionner tous les textes d’un fichier via un plugin dédié, puis passer par Copy Color Value pour extraire directement les couleurs appliquées. On obtient en quelques secondes une vue exhaustive des variables utilisées dans le projet.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Copy Color Value est né d’un besoin très concret rencontré dans des projets de refonte et de design system : documenter plus vite et plus efficacement les couleurs. Minimaliste, intuitif et centré sur l’essentiel, il transforme une tâche répétitive et fastidieuse en une action fluide et immédiate.
C’est aussi l’exemple parfait de la philosophie qui guide l’usage des plugins dans Figma : investir un peu de temps pour résoudre un problème récurrent, et gagner du temps ensuite à chaque projet.
Plugin Figma
Figma Community Atecna
Lorsque vos fichiers Figma deviennent volumineux, il arrive souvent que des calques soient invisibles ou verrouillés — vestiges de phases de conception antérieures, éléments test ou variations. Ces calques cachés alourdissent le document, compliquent la navigation et peuvent gêner la maintenance du fichier. Le plugin Delete Hidden Layers vous propose de nettoyer automatiquement ces calques invisibles (même verrouillés), tout en préservant les composants.
Dans des maquettes collaboratives ou des projets évolutifs, on accumule rapidement des calques en doublon, des essais ou des versions obsolètes. Même si ces calques ne sont pas visibles, ils restent dans la structure du fichier, peuvent ralentir l’édition, apparaître dans les listes de calques ou nuire à la lisibilité du fichier. Plutôt que de fouiller manuellement couche par couche, ce plugin permet, selon notre expérience, de purger simplement ces éléments invisibles pour alléger votre Figma.
Delete Hidden Layers supprime tous les calques qui sont actuellement masqués ou verrouillés, y compris ceux nichés dans des frames ou zones sélectionnées. L’exception : les calques appartenant à des composants, qui sont conservés afin de ne pas altérer la structure du design system.
Vous pouvez appliquer le plugin à l’ensemble de la page ou uniquement à l’intérieur d’un cadre sélectionné. Cela permet d’avoir un contrôle granulaire sur le nettoyage sans risquer de supprimer des éléments dans d’autres zones actives.
Supprimer les calques invisibles réduit la complexité du document, accélère les temps de chargement et simplifie la navigation.
Le plugin est conçu pour ne pas toucher aux calques à l’intérieur des composants, ce qui évite de briser l’intégrité de votre design system.
Avant d’exécuter le plugin, assurez-vous que vous ne cachez pas temporairement des calques que vous utiliserez plus tard. Il peut être judicieux de travailler sur une copie du fichier au cas où une suppression serait indésirable.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Delete Hidden Layers est un plugin simple mais extrêmement utile pour maintenir vos fichiers Figma propres et efficaces. En supprimant automatiquement les calques invisibles et verrouillés — tout en protégeant les composants — il vous aide à garder une structure claire et à alléger vos maquettes. Si vous êtes régulièrement confronté à des fichiers encombrés, ce plugin mérite de figurer dans votre boîte à outils.
Quand on travaille sur des maquettes complexes ou des pages comportant de nombreux éléments (icônes, vignettes, cartes, images), l’ordre visuel peut vite devenir chaotique. Il n’est pas rare de vouloir ranger ces éléments en fonction de leur taille pour en visualiser les variations ou identifier les proportions erronées. Le plugin Sort by Size pour Figma vient répondre à ce besoin : il permet, selon notre expérience, de trier les calques sélectionnés selon leur largeur, leur hauteur ou leur surface, puis de les disposer proprement en ligne.
Dans un design system ou une maquette riche, plusieurs éléments peuvent se ressembler mais diverger légèrement en dimensions — une carte un peu plus large, une vignette légèrement plus haute, etc. Ce genre de petites incohérences visuelles peut fragiliser la cohérence du design.
Sans outil dédié, il faut souvent trier manuellement les calques, vérifier une par une leurs dimensions ou les réorganiser manuellement. Cela devient laborieux dès que le nombre d’éléments croît. Sort by Size propose d’automatiser ce processus pour que la mise en page et l’analyse visuelle soient plus limpides.
Ce plugin offre trois critères pour trier les calques : largeur, hauteur ou surface (aire). Ainsi, selon le contexte du projet, on peut choisir le critère le plus pertinent pour ordonner visuellement les éléments sélectionnés.
Après le tri, Sort by Size dispose automatiquement les calques dans une rangée, alignés proprement selon l’ordre trié. Cela permet d’observer les variations dimensionnelles dans un ordre clair et d’identifier les déviations facilement.
Pour commencer, vous devez sélectionner les éléments (formes, images, cartes, icônes, etc.) que vous souhaitez trier. Le plugin ne s’appliquera qu’à ceux que vous avez explicitement sélectionnés.
Une fois les calques sélectionnés, lancez Sort by Size. Choisissez le critère (largeur, hauteur ou surface), puis validez. Le plugin va alors trier vos éléments selon ce critère, puis les disposer en une ligne ordonnée, du plus petit au plus grand (ou selon l’ordre implémenté). Le résultat est immédiat et visuellement pertinent.
Voir les éléments disposés par taille permet d’identifier les valeurs suspectes ou incohérentes très rapidement — par exemple une carte qui déborde largement ou une vignette plus étroite que le reste.
Au lieu de repositionner manuellement les calques ou les trier à la main, l’outil le fait pour vous. Très utile lorsque vous travaillez sur des maquettes riches ou que vous voulez auditer visuellement une page.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Sort by Size est un plugin simple mais très pratique pour quiconque souhaite analyser ou organiser des éléments dans Figma selon leurs dimensions. En triant automatiquement vos calques par largeur, hauteur ou surface, il améliore la lisibilité et le contrôle visuel. Si vous cherchez un moyen rapide d’ordonner vos composants et d’identifier les écarts dimensionnels, ce plugin mérite sa place dans votre arsenal UI.
Depuis quelques mois, on assiste à une accélération fulgurante des outils créatifs dopés à l’intelligence artificielle. Après Midjourney, Stable Diffusion ou Runway, un nouvel acteur attire de plus en plus l’attention : Krea.ai. J’ai eu l’occasion de le tester en profondeur et d’en faire une présentation, et j’aimerais partager ici mes impressions, mes usages, mais aussi une analyse de ce que ce type d’outil peut apporter aux designers.
Mon objectif n’est pas seulement de faire la démonstration d’une plateforme, mais d’expliquer pourquoi elle est intéressante dans le paysage actuel et comment elle peut s’intégrer dans un workflow créatif.
Le marché est saturé de solutions capables de générer des images, des vidéos ou même des objets 3D à partir de simples prompts textuels. Chaque mois, de nouveaux noms apparaissent, chacun promettant plus de réalisme, plus de rapidité, plus de contrôle. Les créatifs se retrouvent noyés dans une offre pléthorique, et il devient difficile de savoir quel outil choisir pour quel usage.
Krea.ai ne se contente pas de générer des images. Ce qui le rend singulier, c’est sa logique de plateforme créative ouverte : on ne se limite pas à taper des prompts, on peut aussi explorer ce que la communauté a produit, remixer des créations existantes, et surtout entraîner ses propres modèles personnalisés. Autrement dit, ce n’est pas seulement un générateur, c’est un environnement complet d’exploration et de production.
La base reste la génération d’images. On saisit un prompt, on choisit un style, on ajuste quelques paramètres, et en quelques secondes, Krea.ai produit des visuels étonnamment cohérents. L’outil excelle particulièrement dans la diversité des styles et la vitesse d’exécution. Contrairement à d’autres plateformes, le rendu ne semble pas figé dans une esthétique particulière : on peut aller du photoréalisme le plus brut à des rendus plus artistiques ou stylisés.
L’une des grandes forces de Krea.ai, c’est la possibilité de créer son propre modèle. À partir d’une série d’images que vous fournissez, vous entraînez l’IA à comprendre votre univers visuel. Ensuite, à chaque nouveau prompt, le modèle réinjecte votre style, vos codes graphiques, vos textures. Cela ouvre des perspectives immenses pour les designers qui veulent garder une signature visuelle forte, plutôt que de dépendre des styles génériques de la plateforme.
Krea.ai se distingue aussi par son côté communautaire. On peut naviguer dans les créations des autres, s’inspirer, comprendre les prompts utilisés, et parfois même reprendre ces bases pour créer une nouvelle variante. Cette logique de partage et de remix donne un côté très vivant à l’outil, et rappelle l’esprit collaboratif de plateformes comme Figma ou Notion.
Même si l’image reste le cœur du produit aujourd’hui, Krea.ai affiche une ambition claire : aller vers la vidéo et la 3D. Les premiers tests montrent qu’il sera bientôt possible de générer des animations ou des objets manipulables, ce qui placerait la plateforme en concurrence directe avec des acteurs comme Runway ou Meshy.
Au-delà de la théorie, voici comment Krea.ai s'intègre concrètement dans un workflow de design UI/UX moderne.
C'est la fonctionnalité "tueuse" de Krea. L'outil Enhancer permet de prendre une image basse résolution (un logo client pixelisé, un asset récupéré sur le web) et de l'agrandir en 4K tout en réinventant les détails manquants. Contrairement à un upscaler classique qui floute, Krea "hallucine" des détails réalistes.
Besoin d'un fond abstrait pour une section Hero ? Au lieu de chercher pendant une heure sur des banques d'images, décrivez votre texture à Krea. En utilisant le mode Patterns, vous pouvez générer des motifs répétables à l'infini (seamless) parfaits pour le web design.
La fonctionnalité la plus impressionnante reste le Real-time Generation. Dessinez des formes grossières à gauche (un rond pour une planète, un carré pour un bâtiment), et voyez Krea générer un rendu photoréaliste instantanément à droite. C'est l'outil ultime pour le prototypage rapide.
Ce qui frappe quand on ouvre Krea.ai pour la première fois, c’est la simplicité de l’interface. Pas besoin de tutoriel de deux heures pour comprendre comment ça marche. Les champs de prompt, les options de style et les boutons de génération sont clairs et accessibles. L’apprentissage est quasi immédiat, même pour quelqu’un qui n’a jamais touché à une IA générative.
Dans mon usage personnel, j’ai pu intégrer Krea.ai directement dans mes projets en cours. Par exemple, pour Astro Nova, j’ai utilisé la plateforme pour générer des concepts visuels de planètes, de vaisseaux ou d’ambiances graphiques. L’idée n’est pas de prendre les images telles quelles, mais de m’en servir comme base exploratoire, comme une extension de mon processus de création. Cela permet, selon notre expérience, de produire rapidement des dizaines de variantes, de tester des directions, puis de garder seulement ce qui fait sens.
Tout n’est pas parfait. La qualité peut être inégale selon les prompts, et certaines images nécessitent plusieurs itérations avant d’obtenir un rendu convaincant. Le temps de génération peut aussi varier selon la charge des serveurs et la complexité de la demande. Enfin, comme toujours avec l’IA, on reste dépendant de la formulation : un prompt mal écrit produit rarement quelque chose d’exploitable.
Là où un brainstorming traditionnel ou une recherche iconographique prend du temps, Krea.ai offre une accélération sans précédent. En quelques minutes, on obtient des dizaines de pistes visuelles qui auraient nécessité des heures de recherche ou de sketch. Pour les moodboards, c’est une véritable révolution : au lieu d’aller chercher sur Pinterest ou Dribbble, on peut générer directement des images correspondant à l’univers qu’on imagine.
Au-delà de l’exploration, Krea.ai devient un atout pour la productivité. Besoin d’une variation de couleur, d’une nouvelle texture ou d’un décor alternatif ? Il suffit d’un prompt et quelques secondes plus tard, la variante est prête. Cela permet, selon notre expérience, de gagner un temps précieux dans les phases d’itération, là où les allers-retours manuels pouvaient être chronophages.
Enfin, je vois dans Krea.ai un signe de plus que le métier de designer évolue vers une hybridation avec la technologie. Ce que j’appelle le vibes coding — cette capacité à coder des ambiances et des expériences sans écrire une seule ligne de code — prend ici tout son sens. L’IA devient un langage intermédiaire entre l’idée et le rendu. Pour des profils comme le mien, ancrés dans l’UI mais curieux de la technique, c’est un terrain de jeu incroyablement stimulant.
Il y a toujours cette question : l’IA est-elle une menace pour les créatifs ou un simple outil complémentaire ? Mon sentiment est que Krea.ai, comme d’autres plateformes, n’a pas vocation à remplacer un designer, mais à l’augmenter. L’IA produit, mais elle ne choisit pas. Elle génère, mais elle ne décide pas de ce qui est pertinent dans un contexte donné. C’est là que le rôle du designer reste crucial.
En testant Krea.ai, j’ai eu le sentiment d’entrer dans un laboratoire d’expérimentation. On peut tenter des choses absurdes, explorer des styles inattendus, mélanger des références qui n’auraient jamais cohabité autrement. Et parfois, de ces accidents visuels naît une idée exploitable. C’est cette liberté qui me semble la plus précieuse : l’IA comme générateur d’étincelles créatives.
Pour moi, l’arrivée de plateformes comme Krea.ai change la donne. Non pas parce qu’elles rendent obsolètes les compétences existantes, mais parce qu’elles ouvrent des horizons inédits. Elles nous obligent à repenser notre manière de créer, à intégrer de nouveaux outils dans notre boîte à outils, et à rester attentifs à un marché qui évolue à une vitesse folle.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Envie de tester ? Voici la marche à suivre pour obtenir un résultat pro en 2 minutes :
Astuce Pro : Utilisez la webcam comme input pour transformer vos propres gestes en art numérique en temps réel.
Krea.ai n’est pas qu’un nouveau jouet dans la galaxie des IA génératives. C’est une plateforme qui combine simplicité, puissance et ouverture communautaire. Pour les designers, c’est à la fois un accélérateur d’exploration, un gain de productivité et un pont vers de nouvelles formes de collaboration entre design et technologie.
Mon conseil est simple : testez-le. Jouez avec les prompts, entraînez vos propres modèles, explorez les créations des autres. Vous verrez vite que Krea.ai n’est pas seulement un outil, mais un compagnon de création qui peut transformer votre manière de travailler.
Dessiner des formes vectorielles dans Figma implique souvent d’ouvrir et de fermer des tracés.
Un tracé ouvert peut être utile pour une ligne ou une forme incomplète, mais lorsqu’on souhaite créer un polygone ou un chemin fermé, il faut manuellement relier le dernier point au premier. Close Path est un plugin Figma minimaliste qui automatise cette étape et vous permet, selon notre expérience, de fermer instantanément un tracé vectoriel sélectionné.
Dans le design vectoriel, la différence entre un tracé ouvert et un tracé fermé impacte l’apparence et la fonctionnalité de l’objet.
Un tracé fermé peut recevoir des remplissages, des effets et être facilement mis en forme. Fermer un tracé à la main peut être fastidieux, surtout quand il est complexe ou composé de nombreux segments. Un plugin dédié simplifie cette opération et accélère votre workflow.
Le fonctionnement de Close Path est aussi simple que son nom l’indique. Sélectionnez un tracé vectoriel ouvert dans votre fichier Figma. Lancez le plugin Close Path. Le plugin relie automatiquement le dernier point du tracé au premier, créant ainsi un polygone fermé. Vous obtenez ainsi une forme prête à être remplie, transformée ou stylisée selon vos besoins.
Vous n'avez plus besoin de rechercher manuellement le point de départ de votre tracé pour le refermer. Le plugin automatise cette tâche pour vous faire gagner un temps précieux
Son interface est très intuitive et ne contient aucune option complexe. Il vous suffit de sélectionner votre tracé pour l'exécuter et finaliser votre forme en un seul clic.
Cet outil vous garantit un tracé vectoriel propre, sans chevauchement ni segments superposés, ce qui est essentiel pour la qualité de vos designs.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Close Path est un plugin Figma léger et efficace, idéal pour tous les créateurs travaillant régulièrement avec des vecteurs.
En fermant automatiquement vos tracés, il vous fait gagner du temps et contribue à maintenir des fichiers bien structurés. Si vous souhaitez optimiser votre processus de création vectorielle, n’hésitez pas à l’essayer.
Lorsque vous recevez un fichier Figma sans accès aux images originales, il peut être compliqué d’extraire ces visuels dans leur format d’origine.
Copier-coller depuis l’interface ou exporter une frame recadrée entraîne souvent une perte de qualité. Export Original Images est un plugin Figma conçu pour exporter les images utilisées dans vos maquettes sans recadrage et à leur taille native, afin de récupérer les assets sans compromis.
Dans un flux de travail collaboratif, il arrive de se retrouver avec des maquettes contenant des images intégrées, mais sans les fichiers source correspondants.
Pour préparer un prototype, envoyer les ressources à un intégrateur ou générer des supports marketing, il est indispensable de disposer des images dans leur résolution originale. Sans outil dédié, on finit par récupérer des versions compressées ou recadrées, inadaptées à une utilisation professionnelle.
Le plugin Export Original Images récupère les images contenues dans les remplissages de vos éléments, sans les recadrer ni les altérer. Il vous offre une sélection flexible qui vous permet d'exporter une ou plusieurs images, voire une frame entière, et détecte automatiquement le contenu à exporter.
Pour exporter vos images, sélectionnez d'abord les éléments ou la frame contenant les images que vous souhaitez récupérer. Une fois le plugin Export Original Images lancé, vous pouvez choisir le format de sortie (PNG ou JPEG) et la qualité, puis spécifier si vous voulez exporter toutes les images de la sélection ou uniquement celles des calques directement sélectionnés.
Le plugin exporte les fichiers sur votre ordinateur. Si vous avez sélectionné plusieurs éléments, il génère un fichier ZIP contenant toutes les images. Pour une seule sélection, un seul fichier image est exporté. Il est à noter que le plugin conserve les données pixels, mais pas les métadonnées des images originales.
Pour éviter tout blocage, surtout avec des images très volumineuses, il est recommandé de les exporter une par une. Cela garantit un processus plus fluide et plus stable.
Ce plugin vous permet d'extraire des images à leur résolution native, sans avoir besoin de passer par un export de la frame. Il offre un gain de temps considérable, car vous n'avez plus à rechercher manuellement les images originales ou à les demander à l'auteur du fichier. Son interface intuitive rend l'opération simple et rapide.
Bien que le plugin facilite l'exportation des images, il est crucial de respecter les droits d'utilisation. L'outil ne vous autorise pas à réutiliser le contenu sans l'accord préalable de l'auteur.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Export Original Images est un outil précieux pour récupérer rapidement les images utilisées dans vos maquettes Figma.
En exportant les visuels à leur taille et qualité d’origine, il simplifie le partage et la réutilisation des assets graphiques, sans recadrage ni compression. Ajoutez ce plugin à votre boîte à outils pour fluidifier vos échanges et garantir la qualité de vos visuels.
Les interfaces modernes utilisent souvent des compositions circulaires : menus radiaux, cadrans, roues de sélection ou motifs décoratifs. Les réaliser manuellement peut être fastidieux, surtout lorsqu’il faut placer des éléments à intervalles réguliers autour d’un cercle.
Copy & Rotate est un plugin Figma conçu pour générer automatiquement des copies d’un élément et les disposer en rotation autour d’un centre, tout en conservant la puissance des composants pour une modification ultérieure.
Construire des motifs radiaux nécessite de dupliquer un élément, de le placer à un angle précis puis de répéter l’opération. Figma permet, selon notre expérience, de dupliquer et de faire pivoter, mais cela reste manuel.
Copy & Rotate automatise ce processus en instanciant des composants et en vous laissant contrôler le nombre de copies, le rayon et l’angle total de la courbure (sweep angle). L’outil est idéal pour créer des designs circulaires cohérents et rapidement modifiables.
Sélectionnez un élément et le plugin crée un nombre défini de copies disposées sur un cercle de rayon réglable.
Les copies sont des instances de composant, ce qui permet, selon notre expérience, de modifier une propriété (couleur, taille…) et de la répercuter sur toutes les copies.
Ajustez le nombre de copies et l’angle de balayage (par exemple une demi‑couronne au lieu d’un cercle complet). Ignorez certaines copies pour créer des motifs alternés ou des espaces vides.
Sélectionnez un seul élément (ou un groupe), lancez le plugin, définissez vos paramètres, et validez.
Si vous souhaitez faire tourner plusieurs objets en même temps, regroupez‑les. Le plugin nécessite de n’avoir qu’un seul élément sélectionné.
Il n’est pas possible de faire tourner un groupe contenant des composants. Décomposons ou convertissons l’ensemble en composant unique.
Vous ne pouvez pas sélectionner un calque enfant d’un composant ou d’une instance. Sélectionnez plutôt le parent.
Le plugin ne fonctionne pas avec les nœuds “Document”, “Page” ou “Slice”. En respectant ces règles, vous éviterez les erreurs et profiterez pleinement du plugin.
Le plugin est idéal pour la création de menus radiaux dans les applications mobiles ou les jeux vidéo. Il peut également être utilisé pour générer des motifs décoratifs pour des arrière-plans ou des illustrations. C'est un outil très utile pour les représentations visuelles comme les roues d'options ou les cadrans interactifs.
Le plugin permet un gain de temps et de précision considérable en automatisant la rotation et l'espacement. Il offre une grande flexibilité, car les copies générées sont des instances modifiables : vous pouvez changer l'élément de base et toutes les copies se mettent à jour automatiquement.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Copy & Rotate enrichit votre boîte à outils Figma en offrant une méthode rapide et fiable pour générer des compositions circulaires et des motifs radiaux.
En maîtrisant les règles de sélection et en exploitant les options de personnalisation, vous pouvez créer des interfaces originales tout en bénéficiant de la puissance des composants Figma. Si vous devez concevoir des menus rotatifs ou des dispositions régulières autour d’un cercle, ce plugin est un allié à découvrir.
Communiquer clairement vos intentions de design est essentiel lorsqu’on travaille en équipe ou avec des clients. Les annotations permettent de contextualiser une décision, d’expliquer une interaction ou de signaler une modification à apporter. Pourtant, insérer et gérer ces commentaires visuels peut s’avérer fastidieux. Annotate Design est un plugin Figma conçu pour ajouter rapidement des annotations directement sur vos maquettes afin de fluidifier vos workflows.
Les annotations jouent plusieurs rôles clés dans la conception. Elles permettent de clarifier vos choix de design en expliquant le comportement d'un élément, ce qui facilite la collaboration au sein de l'équipe, et notamment avec les développeurs. En documentant vos maquettes, vous gagnez également du temps en évitant les questions récurrentes.
Sans un outil adapté, ces notes peuvent rapidement devenir un problème. Elles risquent d'encombrer votre maquette, de la rendre difficile à lire et de compliquer la mise à jour des commentaires si le design évolue. C'est pourquoi un outil comme le plugin Annotate Design est particulièrement utile.
Le plugin Annotate Design permet, selon notre expérience, de commenter facilement un élément de votre maquette en trois étapes. Il vous suffit de sélectionner le calque concerné, de choisir le positionnement de votre note (au-dessus, en dessous, etc.) et de saisir votre commentaire. Validez pour insérer l'annotation qui restera liée à l'élément.
Conçu par son auteur à titre d'apprentissage et pour gagner du temps, le plugin se veut simple et efficace. Son créateur encourage activement les retours des utilisateurs pour l'améliorer continuellement.
Le plugin Annotate Design vous permet d'ajouter des annotations avec une grande rapidité, sans avoir à quitter Figma. Grâce à la position configurable des notes, vous pouvez préserver la lisibilité de votre maquette. L'outil est également très adaptable, car il peut être utilisé pour annoter n'importe quel type de projet, des wireframes aux prototypes finaux.
Pour optimiser votre utilisation du plugin, rédigez des annotations claires et concises. Pensez également à les supprimer lorsque l'information n'est plus pertinente, cela vous aidera à maintenir un fichier propre et organisé.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Annotate Design apporte une réponse simple à un besoin quotidien des designers : documenter leurs maquettes sans complexifier leur workflow.
En facilitant la création de commentaires visuels, ce plugin améliore la communication et la collaboration au sein des équipes. N’hésitez pas à l’essayer pour vos projets et à partager vos idées d’amélioration avec son développeur.
Les images bitmap (PNG, JPEG…) sont constituées de pixels et peuvent perdre en qualité lorsqu’on les agrandit. Les graphismes vectoriels, à l’inverse, sont définis par des formes mathématiques qui restent nettes à n’importe quelle taille.
Pour adapter un logo, une icône ou un pictogramme aux différentes résolutions sans perte de qualité, il est souvent préférable de les convertir au format vectoriel. Vectorized (PNG to SVG) est un plugin Figma qui simplifie cette opération en transformant automatiquement vos images bitmap en SVG et en les insérant sur le canvas.
Lorsque vous importez un logo ou une illustration en PNG dans Figma, vous ne pouvez pas modifier ses formes ni changer ses couleurs. De plus, si vous devez afficher ce même visuel en taille plus grande (par exemple pour une bannière), la pixellisation est inévitable.
En convertissant une image en SVG, vous obtenez un objet vectoriel que vous pouvez redimensionner sans perte et personnaliser en ajustant ses contours, ses couleurs et ses effets.
Le plugin Vectorized (PNG to SVG) s’utilise en toute simplicité : il détecte les images de type bitmap (PNG, JPEG, GIF…) dans votre sélection, en effectue une vectorisation et place automatiquement le résultat vectoriel sur le canvas.
L’importation est instantanée, et le nouvel objet est editable comme n’importe quel vecteur Figma. Il n’y a pas de paramètre à configurer : le plugin se charge de tout.
Le fichier SVG généré par le plugin peut être redimensionné à l’infini sans perte de qualité, ce qui le rend idéal pour des éléments comme les logos ou les icônes.
Grâce à cet outil, vous n'avez plus besoin de passer par un logiciel externe pour vectoriser vos fichiers PNG. Une fois la vectorisation effectuée, vous pouvez facilement personnaliser le résultat en modifiant la couleur de chaque forme ou en ajoutant et supprimant des éléments.
Cependant, la qualité de la conversion dépend de la complexité et de la résolution de l’image d’origine. Pour des photos ou des illustrations très détaillées, le résultat peut être lourd et difficile à éditer. Ce plugin est donc particulièrement adapté aux visuels simples (pictos, logos monochromes…) plutôt qu’aux images riches en dégradés.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Vectorized (PNG to SVG) apporte à Figma une fonctionnalité précieuse pour transformer facilement des images bitmap en vecteurs.
En quelques secondes, vos logos et icônes importés deviennent entièrement évolutifs et modifiables, vous offrant une plus grande flexibilité dans vos projets. Pour des images simples, l’outil est redoutablement efficace et vous évite de passer par des logiciels tiers. Testez‑le sur vos pictogrammes et appréciez la liberté offerte par le vectoriel.
Dans Figma, les sections permettent de regrouper des frames et d’organiser visuellement un projet. Cependant, ajuster manuellement leur dimension pour que le contenu reste bien encadré prend du temps, surtout lorsque la composition évolue.
Section Auto‑Resize with 200 px Margin est un plugin qui automatise cette tâche en redimensionnant les sections selon leur contenu et en ajoutant une marge uniforme de 200 px autour de celui‑ci.
Un design bien ordonné repose sur des espaces réguliers et des alignements précis. Lorsque l’on travaille avec un système de grille ou un design system, maintenir des marges constantes autour des groupes d’écrans ou de composants facilite la lisibilité et la collaboration.
Les sections Figma, bien utilisées, deviennent des repères visuels pour les équipes. Mais sans automatisation, on oublie parfois de les ajuster ou l’on passe du temps à les redimensionner à la main.
Le plugin Section Auto‑Resize with 200 px Margin propose une solution simple : il analyse le contenu d’une section et ajuste automatiquement sa taille pour qu’elle l’entoure avec un marge fixe de 200 px.
Ainsi, dès que vous ajoutez, déplacez ou redimensionnez des éléments à l’intérieur, il vous suffit de relancer le plugin pour que la section se mette à jour. Les distances deviennent homogènes, sans effort.
L'utilisation d'une base commune pour toutes vos mesures garantit un espacement plus cohérent entre les composants et les différentes pages de votre système de design. Cela assure une meilleure harmonie visuelle et facilite l'alignement des éléments.
Des marges et des espacements standardisés rendent vos fichiers plus lisibles et faciles à naviguer pour vos collègues. En utilisant des repères clairs et uniformes, vous améliorez la communication au sein de l'équipe et fluidifiez le travail collaboratif.
Avec des mesures normalisées, vous n'avez plus besoin de vérifier et d'ajuster manuellement les dimensions de vos sections après chaque modification de contenu. Cela vous fait gagner un temps précieux, vous permettant de vous concentrer sur d'autres aspects de la conception.
Ce plugin convient particulièrement aux équipes qui appliquent des règles strictes de spacing et souhaitent automatiser la mise en forme de leurs sections pour gagner en efficacité et en cohérence.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Section Auto‑Resize with 200 px Margin est un outil simple et efficace pour normaliser l’apparence de vos sections dans Figma.
En redimensionnant automatiquement les sections et en appliquant une marge constante, il contribue à un espace de travail plus ordonné et aligné sur votre design system. Si vous cherchez à rationaliser la gestion de vos sections et à harmoniser vos espacements, ce plugin sera un précieux allié.
Dans la conception d’interfaces, la cohérence des espacements et des tailles est essentielle pour obtenir un rendu professionnel et agréable à l’œil. Respecter des valeurs régulières (multiples de 4 ou de 8, par exemple) facilite la création de grilles et l’harmonisation des composants.
Round to 8 est un plugin Figma conçu pour automatiser cette mise au carré : il arrondit vos valeurs de padding, de position ou de taille aux multiples souhaités, vous permettant de normaliser rapidement vos maquettes.
Les design systems reposent souvent sur des unités de mesure fixes (base de 4 ou de 8 pixels) pour assurer l’alignement et la proportionnalité entre les éléments. Pourtant, lorsqu’on crée ou importe des designs, on se retrouve régulièrement avec des valeurs “décalées” (13 px, 47 px…). Corriger ces écarts manuellement peut prendre du temps et générer des erreurs. Round to 8 répond à ce besoin de normalisation automatique en quelques clics.
Le plugin Round to 8 peut ajuster plusieurs paramètres à la fois, y compris l'Auto Layout (marges et espacement), la position, la dimension et la taille de la police. Il vous permet, selon notre expérience, de choisir un multiple d'arrondi (4, 8 ou une valeur personnalisée) et d'appliquer l'arrondi à la sélection en cours ou à tous ses enfants.
Pour utiliser le plugin, sélectionnez les éléments que vous souhaitez normaliser. Dans la fenêtre de Round to 8, choisissez les propriétés à arrondir et définissez le multiple souhaité. Il ne vous reste plus qu'à cliquer sur "Appliquer" pour que les valeurs se réalignent instantanément sur votre grille.
En forçant toutes les mesures, comme les espacements et les dimensions, à se baser sur un multiple commun, vos interfaces bénéficient d'une cohérence visuelle impeccable et d'un alignement parfait.
Cet outil est très pratique pour harmoniser rapidement des maquettes qui proviennent de sources externes ou qui ont été conçues à la hâte.
Vous n'avez plus besoin de vérifier et de corriger chaque valeur manuellement, ce qui vous permet, selon notre expérience, de gagner un temps précieux et de vous concentrer sur d'autres aspects de la conception.
Le fait d'avoir des mesures standardisées simplifie le travail en équipe et rend l'intégration de vos designs plus fluide pour les développeurs.
Round to 8 est particulièrement utile lors de la mise en place ou de la refonte d’un design system, mais peut également servir ponctuellement pour corriger des écarts dans un projet existant.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Round to 8 s’impose comme un allié précieux pour tous ceux qui souhaitent assurer une cohérence parfaite dans leurs maquettes Figma.
En vous permettant d’arrondir automatiquement positions, dimensions et espacements aux multiples de votre choix, ce plugin simplifie la maintenance de votre design system et contribue à des interfaces impeccables. Testez‑le pour adopter une grille régulière et gagner en efficacité.
Depuis plusieurs mois, les offres d’emploi dans le domaine du design semblent converger vers un même profil : des designers “produit” seniors capables de couvrir à la fois les aspects UX et UI. Cette tendance marque un resserrement du marché et suscite des interrogations chez les professionnels qui, jusqu’à récemment, voyaient se multiplier les demandes de spécialistes très pointus.
Avec la conjoncture économique et la nécessité pour les entreprises d’optimiser leurs budgets, assiste‑t‑on à un retour des profils “couteaux suisses” et des designers techniques ? Voici quelques réflexions issues de mon expérience et de ma veille.
Il y a quelques années, les recruteurs privilégiaient les spécialistes (UX Researcher, UI Designer...). Aujourd'hui, les offres d'emploi mettent de plus en plus en avant des profils "product designer" ou "UX/UI senior", demandant à une seule personne de maîtriser un large éventail de compétences, à l'image des webdesigners des débuts d'internet qui concevaient et intégraient le code.
Cette évolution s'explique en partie par des budgets plus serrés qui poussent les entreprises à recruter moins, mais des profils plus généralistes. Cependant, le marché ne se résume pas à cette tendance : les experts restent indispensables pour des projets complexes, comme la recherche utilisateur poussée ou l'accessibilité.
Un nouveau type de designer émerge discrètement : le designer UI avec de fortes affinités techniques. Certains d'entre eux maîtrisent des outils de prototypage avancé, le no-code, ou même le vibes coding pour créer des prototypes interactifs. La démocratisation de l'IA générative et des assistants de code leur ouvre de nouvelles possibilités, comme la génération d'images ou l'automatisation de tâches.
Malgré l'utilité de ces compétences, elles sont rarement mentionnées dans les offres d'emploi. Le marché recherche des designers polyvalents en UX/UI, mais ignore les "designers UI tech" qui sont pourtant capables de créer des prototypes complexes et de dialoguer avec les développeurs. Ce manque de valorisation pourrait freiner l'évolution naturelle du métier vers une meilleure collaboration entre le design et le développement.
En tant que designer UI senior, je me suis spécialisé dans les design systems tout en cultivant une forte appétence pour la technique. Bien que je ne sois pas développeur, ma curiosité me pousse à comprendre le fonctionnement du code et à explorer des outils comme le vibes coding, ce qui me permet, selon notre expérience, de créer des prototypes interactifs et d'ouvrir le dialogue avec les équipes de développement.
Malgré les avantages que cette polyvalence apporte aux projets, je constate que les offres d'emploi valorisent rarement cette "couche technique". On recherche des compétences en design produit, en recherche utilisateur et en conception d'interface, mais la capacité à dialoguer avec les développeurs et à utiliser des outils techniques est souvent ignorée. De même, la mention de l'IA dans les offres d'emploi reste encore très timide.
L'évolution du métier de designer passe par une meilleure harmonisation entre le design et la technologie. Les entreprises ont tout à gagner à reconnaître et à recruter des profils hybrides, capables d'orchestrer la vision produit, de dialoguer efficacement avec les développeurs et d'exploiter les nouveaux outils comme le no-code ou l'IA générative.
Ces profils transversaux ne remplacent pas les experts — qui restent indispensables pour des domaines très spécialisés — mais ils enrichissent les équipes. Ils agissent comme un véritable lien entre la recherche, la conception et l'implémentation, permettant ainsi de fluidifier les processus et d'innover plus efficacement.
Le marché du design se transforme et semble redécouvrir la valeur des profils hybrides. Face à des budgets serrés et à des technologies toujours plus accessibles, les designers doivent jongler entre recherche UX, création UI et compréhension technique.
Mon souhait est de voir émerger une meilleure reconnaissance de ces compétences croisées, qui permettent de pousser plus loin l’innovation et l’efficacité des projets. En attendant, restons curieux, continuons d’apprendre et de partager nos expériences, sans céder aux discours trop formatés ou sensationnalistes : l’important est de bâtir des ponts durables entre design, produit et technologie.
--- # Astuce Figma : simplifiez la chasse aux couleurs sans être parasité URL: https://www.beryldesign.fr/post/astuce-figma-simplifiez-la-chasse-aux-couleurs-sans-etre-parasite Date: 2025-11-28 Dans Figma, la chasse aux couleurs non liées à des variables peut être perturbée par les logos et widgets multicolores. Découvrez u...Dans la gestion de maquettes Figma, l’utilisation de variables et de styles pour définir les couleurs est essentielle pour assurer la cohérence et la maintenabilité de vos projets.
Pourtant, lorsqu’on passe en revue toutes les couleurs d’un écran via l’outil Selection Colors, des éléments parasites peuvent brouiller l’analyse : icônes multicolores, logos ou widgets importés qui n’ont pas vocation à être intégrés dans votre palette. Voici une astuce partagée sous forme de vidéo pour contourner ce problème et optimiser votre chasse aux couleurs.
Pour assurer une maintenance efficace, la bonne pratique consiste à définir toutes vos couleurs dans des variables ou des styles. Cela permet, selon notre expérience, de modifier une seule valeur pour mettre à jour automatiquement tous les éléments concernés dans votre projet. Pour vérifier que toutes les couleurs sont liées à des variables, on utilise l'outil Selection Colors de Figma, qui liste toutes les couleurs appliquées dans une sélection.
L'outil Selection Colors est utile pour identifier les couleurs à lier à des variables, mais il peut afficher des éléments non pertinents comme les logos, widgets ou visuels importés. Ces derniers ne sont pas destinés à faire partie de votre design system, et leurs couleurs peuvent parasiter l'analyse.
L'astuce consiste à remplacer le remplissage de couleur d'un élément par un remplissage d'image pour qu'il n'apparaisse pas dans le panneau Selection Colors. Pour ce faire, vous devez créer un carré de la couleur souhaitée, le copier en tant que fichier PNG, puis importer cette image comme remplissage pour votre calque.
En utilisant un remplissage d'image, l'apparence visuelle de votre élément reste inchangée, mais sa couleur n'est plus prise en compte par l'outil Selection Colors. Cela vous permet, selon notre expérience, de vous concentrer sur les couleurs pertinentes de votre maquette sans être distrait par celles des logos ou des icônes externes.
Figma différencie les remplissages de couleur et les remplissages d’image dans la liste Selection Colors. En convertissant un remplissage de couleur en image, vous évitez que cette teinte soit considérée comme une couleur à remplacer. Visuellement, rien ne change, mais l’outil de sélection des couleurs n’en fait plus état.
Utilisez cette technique avec parcimonie : elle est utile lorsque vous avez besoin d’isoler des éléments externes (logos, icônes multicolores…) et d’éviter qu’ils interfèrent avec votre palette de variables. Mais elle n’a pas vocation à masquer des couleurs qui devraient réellement être converties en variables.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Optimiser la maintenance de vos maquettes Figma passe par l’utilisation rigoureuse de variables et de styles pour les couleurs. En parallèle, quelques astuces, comme l’utilisation d’un remplissage d’image pour les éléments à exclure, peuvent rendre votre travail plus fluide.
Cette méthode vous permet, selon notre expérience, de garder le contrôle sur votre palette sans être parasité par des couleurs externes. N’hésitez pas à explorer et à partager ce type de hack pour améliorer continuellement vos workflows — toujours dans le respect des bonnes pratiques et des conditions d’utilisation.
--- # Figma : Contourner la limite de trois pages ? Anecdote et bonnes pratiques URL: https://www.beryldesign.fr/post/figma-contourner-la-limite-de-trois-pages-anecdote-et-bonnes-pratiques Date: 2025-11-28 Dans la version gratuite de Figma, les fichiers sont limités à trois pages. Certains contournent la règle en copiant un fichier...Qui n’a jamais pesté contre les restrictions de la version gratuite de Figma ? Parmi elles, la limitation à trois pages par fichier peut vite devenir frustrante lorsque l’on souhaite organiser un projet de manière claire.
Un jour, j’ai partagé sur LinkedIn une petite astuce, racontée sur un ton décalé : utiliser un fichier public de la communauté contenant déjà de nombreuses pages, en supprimer le contenu et se servir de ces pages à l’infini. Cette idée amusante a suscité des réactions diverses et mérite d’être contextualisée.
Figma propose un plan gratuit très généreux, mais il impose quelques limites : nombre de projets privés restreint, collaboration en temps réel limitée et surtout trois pages maximum par fichier.
Cette contrainte pousse les utilisateurs à rassembler plusieurs écrans sur une même page ou à fractionner leurs projets en plusieurs fichiers, ce qui peut rendre la navigation moins intuitive.
Une astuce partagée sur LinkedIn consistait à "emprunter" un fichier de la communauté Figma qui contient déjà de nombreuses pages. En copiant ce fichier et en remplaçant son contenu par vos propres maquettes, vous pouvez ainsi disposer d'un nombre de pages bien supérieur à la limite de trois imposée par le forfait gratuit.
Bien que cette méthode illustre la débrouillardise de certains designers, elle soulève des questions d'éthique et de respect des conditions d'utilisation de Figma. Le contournement des limites peut être contraire aux règles de la plateforme.
Contourner une limite imposée par l’éditeur peut contrevenir à ses conditions de service. Figma évolue régulièrement, et ce type de contournement pourrait être bloqué à l’avenir.
La limitation à trois pages incite à structurer ses projets de manière plus modulaire. Rien n’empêche de créer plusieurs fichiers thématiques (wireframes, maquettes finales, composants…) et de les relier entre eux.
Si la contrainte devient trop importante, Figma propose des plans payants offrant des fonctionnalités avancées, un nombre illimité de pages et un meilleur contrôle des bibliothèques de composants.
Les fichiers partagés dans la communauté sont là pour inspirer ou être réutilisés dans le respect de leurs auteurs, pas forcément pour contourner des limites.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
L’astuce du fichier communautaire illustre avec humour la créativité dont font preuve certains utilisateurs pour s’accommoder des limites de la version gratuite de Figma.
Cependant, il est préférable de considérer ces limites comme des invitations à mieux organiser ses projets ou à investir dans une offre adaptée à ses besoins. Avant de chercher à contourner des restrictions, privilégions les solutions officielles et respectueuses des créateurs qui partagent leurs ressources.
--- # InstaRelinker : Reconnectez vos composants distants en un clin d’œil URL: https://www.beryldesign.fr/post/instarelinker-reconnectez-vos-composants-distants-en-un-clin-doeil Date: 2025-11-28 Le plugin Figma “InstaRelinker” scanne vos fichiers et relie les instances de composants distants aux composants locaux...Lorsque l’on maintient plusieurs bibliothèques de composants ou que l’on met à jour des kits UI, il arrive fréquemment de devoir remplacer des instances de composants provenant d’un fichier source par leurs équivalents locaux.
Cette opération peut s’avérer fastidieuse, surtout si les composants comportent des sous‑composants imbriqués et des styles associés. InstaRelinker est un plugin développé par l’équipe Progress Unite UX pour faciliter cette tâche en automatisant le relink de toutes les instances distantes vers leurs homologues locaux.
Dans Figma, copier un composant d’un fichier à un autre crée un nouveau composant maître dans le fichier de destination, mais les instances imbriquées restent liées au composant d’origine.
Lors de mises à jour de bibliothèques (par exemple avec les kits Telerik ou Kendo UI), cela peut entraîner des fichiers mélangeant des composants locaux et distants, rendant la maintenance et la personnalisation difficiles. InstaRelinker répond à ce problème en proposant un outil qui relie automatiquement ces instances à leurs équivalents locaux.
Après avoir copié et collé les composants maîtres depuis un fichier source vers votre fichier cible, InstaRelinker scanne la sélection et le fichier pour identifier les instances distantes et styles distants. S’il trouve un composant local portant le même nom, il relie automatiquement l’instance à celui‑ci.
Lorsque aucune correspondance n’est trouvée, le plugin vous propose une interface de recherche pour sélectionner manuellement le composant local correspondant. Le même principe s’applique aux styles distants (couleurs, effets, textes) : vous pouvez les relier à un style local ou cloner le style distant en local.
Si une correspondance automatique est erronée, vous pouvez détacher l’instance ou le style et le relier à un autre élément local. Une fois tous les conflits résolus, un bouton permet d’appliquer vos sélections.
Dans le fichier source, sélectionnez les composants maîtres ou les sets de composants à répliquer et copiez-les.
Ouvrez le fichier de destination et collez les composants copiés. Les composants maîtres distants deviennent des composants locaux, mais les instances imbriquées restent liées aux composants originaux.
Assurez-vous que les nouveaux composants collés sont sélectionnés et lancez le plugin. Celui‑ci scanne les instances distantes et recherche des correspondances locales par nom.
Pour les composants sans équivalent local trouvé, utilisez la fonction de recherche pour sélectionner manuellement le bon composant local. Pour les styles distants sans équivalent, choisissez entre les relier à un style local existant ou cloner le style distant en local.
Une fois toutes les correspondances établies, cliquez sur « Apply Selection » pour relier définitivement les instances et styles à leurs versions locales. L’analyse peut prendre quelques secondes, surtout pour des fichiers volumineux ou contenant de nombreux composants imbriqués.
Ce processus offre un gain de temps considérable, car vous n'avez plus à remplacer les instances une par une.
Il facilite également la mise à jour des bibliothèques, vous permettant de passer à une nouvelle version tout en conservant vos personnalisations. De plus, il vous donne un contrôle précis en vous permettant de valider ou d'ajuster manuellement les correspondances.
Pour un fonctionnement optimal, il est conseillé de bien organiser les noms de vos composants et de vos styles afin de faciliter leur détection automatique. Avant d'appliquer les changements, n'oubliez pas de sauvegarder une copie de votre fichier pour pouvoir revenir en arrière en cas d'erreur.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
InstaRelinker est un outil puissant pour tous ceux qui gèrent des bibliothèques de composants et doivent maintenir la cohérence entre fichiers Figma.
En automatisant le relink des instances distantes et des styles, il simplifie les processus de mise à jour et d’intégration, tout en conservant vos personnalisations. Pour les projets qui évoluent rapidement et reposent sur des design systems complexes, ce plugin devient vite indispensable.
Au fil des itérations d’un projet, les fichiers Figma peuvent accumuler des styles inutilisés : anciennes palettes de couleurs, effets obsolètes, polices abandonnées…
Cette surcharge complique la maintenance du design system et alourdit vos fichiers. Unused Styles Remover est un plugin conçu pour identifier et supprimer ces éléments superflus afin de garder vos documents propres et performants.
Que vous travailliez seul·e ou en équipe, maintenir un design system clair est essentiel. Or, chaque modification peut laisser derrière elle des styles non utilisés qui polluent la liste des assets.
Supprimer manuellement ces styles est fastidieux et risqué, surtout dans les gros projets. Un outil de nettoyage ciblé permet d’assurer la cohérence de vos styles et d’éviter les doublons ou les confusions.
Le plugin Unused Styles Remover opère en trois étapes. D'abord, vous choisissez les types de styles à analyser : les polices, les couleurs, les effets ou les grilles. Ensuite, l'outil scanne votre fichier pour identifier les styles qui ne sont utilisés par aucun calque ni composant.
Une fois le scan terminé, le plugin vous présente une liste détaillée des styles inutilisés. Il ne vous reste plus qu'à confirmer la suppression pour nettoyer votre fichier. Le processus est sécurisé, car seuls les styles réellement inutilisés sont proposés à la suppression, ce qui vous évite les mauvaises surprises.
Le nettoyage des styles et des composants offre un gain de temps considérable en éliminant la nécessité de vérifier manuellement chaque style inutilisé. Cela rend également vos fichiers plus légers et plus faciles à partager. De plus, cela permet d'épurer votre design system en facilitant la recherche des styles pertinents et en améliorant la cohérence de vos maquettes.
Avant de lancer toute suppression, il est recommandé de sauvegarder votre fichier ou de travailler sur une copie afin de conserver un historique et de pouvoir revenir en arrière si nécessaire. Pour maintenir l'organisation de vos projets, pensez à répéter cette opération de nettoyage régulièrement, par exemple à la fin de chaque sprint.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Unused Styles Remover est l’outil idéal pour assainir vos fichiers Figma et maintenir un design system impeccable. En identifiant et en supprimant en quelques clics les polices, couleurs, effets et grilles non utilisés, il simplifie votre flux de travail et évite l’encombrement des styles. Adoptez ce plugin pour gagner en clarté et en efficacité dans vos projets.
Les textes courbés ou circulaires apportent une dynamique particulière à une mise en page, qu’il s’agisse de logos, de titres ou d’illustrations typographiques.
ARC – Bend your type ! est un plugin Figma qui permet d’appliquer cet effet en quelques secondes, sans quitter votre environnement de travail. Ajustez simplement un curseur, visualisez le rendu et appliquez la courbure souhaitée vers le haut, vers le bas ou en cercle.
Figma offre de nombreux outils typographiques, mais jusqu’à peu, la possibilité de plier le texte en arc manquait cruellement. Ce type d’effet était réservé à des applications comme Adobe Illustrator.
ARC vient combler ce manque en proposant une solution simple et intuitive. Grâce à lui, vous pouvez créer des badges arrondis, des compositions circulaires ou des mots qui suivent une courbe pour guider l’œil du lecteur.
Pour utiliser le plugin ARC, sélectionnez un seul calque de texte dans Figma. Lancez ensuite le plugin "ARC - Bend your type !". Vous pouvez alors ajuster un curseur pour définir l'intensité de la courbure, que ce soit vers le haut, vers le bas ou en cercle complet, et voir le résultat en temps réel.
Après avoir ajusté la courbure, cliquez sur "Appliquer" pour valider la transformation. Le plugin offre une version d'essai qui vous permet, selon notre expérience, de l'utiliser gratuitement jusqu'à cinq fois. Pour continuer à l'utiliser après cette limite, vous devrez acheter une licence.
Le plugin ARC se distingue par sa grande simplicité d'utilisation grâce à une interface minimaliste et un curseur unique.
Sa prévisualisation en direct est un atout majeur, vous permettant de voir l'effet de la courbure instantanément. De plus, même après avoir appliqué la transformation, vous conservez la possibilité de modifier le style de votre texte (police, taille, couleur).
Il est important de noter qu'une fois la courbure appliquée, il n'est pas possible de la modifier ni d'éditer le texte directement.
Si vous souhaitez faire des ajustements, vous devrez recommencer à partir du texte original. Enfin, la version d'essai est limitée à cinq utilisations gratuites, ce qui peut s'avérer insuffisant pour une utilisation professionnelle.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
ARC – Bend your type ! apporte à Figma une fonctionnalité très attendue : la possibilité de courber des textes avec précision et facilité. Que vous souhaitiez créer des éléments graphiques originaux ou dynamiser vos titres, ce plugin se révèle une option rapide et intuitive.
Gardez à l’esprit ses limitations après application et la restriction du nombre d’essais gratuits, mais n’hésitez pas à l’essayer pour enrichir vos compositions typographiques.
Les effets de texte dynamiques apportent une touche d’originalité à vos compositions. Jusqu’à présent, créer du texte en arc de cercle ou le faire suivre une courbe exigeait souvent de passer par des logiciels externes, puis d’importer le résultat dans Figma.
Type Tool met fin à ces allers‑retours en proposant des transformations typographiques avancées directement dans Figma, grâce à deux modes distincts : Cercle et Courbe.
La disposition du texte influence fortement la perception d’une interface. Un texte courbe peut guider le regard, tandis qu’un texte circulaire peut servir de badge ou d’ornement. Habituellement, les designers ont recours à Adobe Photoshop ou InDesign pour réaliser ce type d’effets, ce qui ralentit le flux de travail. Type Tool répond à ce besoin d’intégration en offrant des transformations typographiques natives et paramétrables.
Le mode Cercle du plugin Type Tool permet, selon notre expérience, de courber un texte en forme de rond ou d'arc. Pour l'utiliser, il suffit de sélectionner un calque de texte, de lancer le plugin et de définir plusieurs paramètres : le rayon du cercle, l'angle de départ (rotation), l'orientation du texte (retournement) et l'espacement entre les lettres.
Après avoir défini les paramètres, cliquez sur "Appliquer" pour que le texte prenne la forme souhaitée. Ce mode est particulièrement utile pour la création de logos circulaires, de badges ou de titres au style décoratif.
Le mode Courbe de Type Tool permet, selon notre expérience, de faire suivre à un texte n'importe quel tracé vectoriel. Pour cela, vous devez d'abord créer une courbe avec l'outil Plume. Ensuite, créez un calque de texte distinct et sélectionnez les deux éléments simultanément. Lancez le plugin et ajustez la hauteur sous la ligne, la position de départ et l'espacement entre les lettres.
Une fois les paramètres définis, cliquez sur "Appliquer" pour que le texte épouse le tracé de la courbe. Ce mode est idéal pour donner un style unique à vos illustrations, créer des effets de chemin ou suivre des contours non linéaires dans vos designs.
Le plugin offre un gain de temps considérable en permettant d'appliquer des effets typographiques avancés sans quitter Figma. Grâce à un paramétrage précis, vous pouvez ajuster des éléments tels que le rayon, la rotation, la distance ou l'espacement pour obtenir un résultat sur mesure et enrichir votre créativité.
Pour un fonctionnement optimal, assurez-vous de travailler sur des calques de texte non groupés. Pour le mode Cercle, sélectionnez un seul calque de texte. Pour le mode Courbe, vous devez sélectionner simultanément le texte et le tracé vectoriel. N'hésitez pas à tester différentes valeurs pour trouver l'effet qui vous convient, en veillant toujours à ce que le texte reste lisible, notamment avec des courbures serrées.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Avec Type Tool, Figma gagne une fonctionnalité attendue par de nombreux designers : la possibilité de transformer un texte en cercle ou le faire suivre un chemin vectoriel sans quitter l’application.
Simple à utiliser et riche en options de personnalisation, ce plugin se révèle incontournable pour toutes les créations où la typographie joue un rôle graphique fort. Intégrez‑le à votre flux de travail pour enrichir vos designs et laisser libre cours à votre créativité typographique.
Lorsque l’on travaille sur des interfaces complexes, il est fréquent d’avoir besoin de versions translucides de ses couleurs pour créer des effets de superposition ou des états actifs subtils.
Trouver la bonne opacité pour qu’une couleur transparente se fonde parfaitement sur un fond donné peut toutefois devenir un casse‑tête. Alphredo est un plugin Figma qui génère automatiquement des versions alpha de vos couleurs opaques afin qu’elles aient exactement le même rendu visuel sur le même arrière‑plan.
Les couleurs translucides sont omniprésentes dans le design UI : ombres portées, hover, overlays, cards semi‑opaques… Pourtant, ajuster manuellement la saturation et l’opacité pour obtenir une couleur qui se comporte comme sa version pleine est souvent empirique.
Alphredo automatise ce calcul en tenant compte du fond sur lequel la couleur sera appliquée. Résultat : une palette cohérente qui respecte votre identité visuelle tout en introduisant des nuances de transparence maîtrisées.
Sélectionnez un calque ou plusieurs calques dont vous souhaitez créer une version translucide. Ils doivent être remplis d’une couleur unie.
Assurez‑vous que ces calques se trouvent dans un cadre (frame) possédant un fond solide (une couleur pleine). C’est cette couleur de fond qui sera utilisée pour calculer l’opacité. Lancez le plugin. En quelques secondes, Alphredo calcule la valeur d’alpha nécessaire et crée la version translucide correspondante.
Si le calque sélectionné utilise un style de couleur, Alphredo duplique ce style en ajoutant le suffixe « (Alpha) » et conserve le même nom pour faciliter son usage dans votre design system. Vous pouvez sélectionner plusieurs calques à la fois à condition qu’ils soient contenus dans le même cadre. Si les calques sont placés directement sur la page (sans frame), le plugin se basera sur la couleur d’arrière‑plan de la page.
Pour un contrôle avancé sur la saturation des couleurs translucides, une application web gratuite (Alphredo.app) permet d’ajuster manuellement ces paramètres.
Toutes les couleurs ne peuvent pas être converties en version translucide sur tous les fonds. Par exemple, un blanc sur un fond noir ne pourra pas conserver le même rendu une fois rendu translucide. Dans ces cas, le plugin vous avertit.
Si plusieurs couleurs doivent être converties dans le même cadre, Alphredo les traite simultanément, ce qui permet, selon notre expérience, de générer rapidement une palette alpha complète.
Alphredo garantit que la couleur translucide affiche le même ton visuel que l’originale lorsqu’elle est superposée au fond prévu.
Finis les essais et erreurs pour trouver la bonne opacité ; les calculs sont automatisés.
Les nouveaux styles créés sont clairement nommés et peuvent être intégrés à votre design system.
Pour exploiter pleinement le plugin, définissez vos fonds et vos calques de couleur de manière claire. Vérifiez les couleurs qui pourraient ne pas fonctionner (par exemple des opposés de contraste) et utilisez la version web pour ajuster la saturation si nécessaire.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Alphredo offre une solution astucieuse pour enrichir vos palettes de couleurs de versions translucides parfaitement adaptées à leurs fonds. Simple d’utilisation et pensé pour s’intégrer dans un flux de travail Figma, il vous aidera à gérer les superpositions et les états interactifs sans compromettre la cohérence de votre identité visuelle.
Pour des ajustements plus poussés, n’hésitez pas à explorer l’application web associée ; elle complétera idéalement le plugin en vous donnant la main sur la saturation. Adoptez Alphredo et laissez vos couleurs respirer !
Lorsque l’on manipule des vecteurs complexes dans Figma, il est fréquent de devoir séparer des formes pour appliquer des couleurs ou des effets distincts. Faire cela manuellement en dupliquant et en scindant les tracés est long et sujet à erreur.
Split Vectors est un plugin conçu pour accélérer ce processus : il vous permet, selon notre expérience, de diviser un vecteur en plusieurs éléments selon ses couleurs, ses formes ou ses segments, le tout en un clic.
Les icônes et illustrations vectorielles contiennent souvent plusieurs formes ou segments imbriqués. Modifier individuellement chaque partie demande de décomposer le vecteur d’origine. Avec Split Vectors, cette décomposition devient automatisée. Inspiré par des œuvres de Malevitch et Kandinsky, ce plugin allie gain de productivité et finesse créative.
Sélectionnez un vecteur comportant plusieurs zones de couleur. Le plugin crée autant de calques distincts que de régions colorées.
Si votre vecteur contient plusieurs formes indépendantes, Split Vectors les sépare automatiquement.
Pour les tracés composés de plusieurs segments, il scinde chaque portion en un calque distinct.
Le plugin tente alors de créer toutes les régions ou formes uniques possibles, même lorsque les tracés se chevauchent.
Installez le plugin depuis la communauté Figma et ouvrez votre fichier. Sélectionnez un calque vectoriel (icône, illustration…) comportant plusieurs formes, couleurs ou segments. Lancez le plugin et choisissez le mode de découpe : par couleur, par forme ou par segment. Activez l’option Autofix si vous souhaitez que le plugin détecte et sépare automatiquement toutes les zones possibles.
Validez. Chaque partie est alors convertie en un calque individuel que vous pouvez personnaliser (changer la couleur, ajouter des effets, etc.). Le plugin est open source et son code est disponible pour les contributeurs intéressés. Une communauté Telegram permet, selon notre expérience, de suivre les mises à jour et de signaler les éventuels bugs.
Plus besoin de dupliquer manuellement des vecteurs pour les modifier. En quelques clics, chaque partie est indépendante.
La séparation par couleurs identifie même les régions de couleurs différentes dans un seul tracé.
Vous pouvez rapidement appliquer des effets variés sur différentes parties d’une illustration ou d’un pictogramme.
Veillez toutefois à vérifier le résultat lorsque vous utilisez l’option Autofix : dans certains cas complexes, il peut être utile d’affiner manuellement le découpage ou de fusionner certains segments si nécessaire.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Split Vectors est un outil indispensable pour tous ceux qui manipulent des illustrations et des pictogrammes dans Figma. En facilitant la séparation des vecteurs selon les couleurs, les formes ou les segments, il libère du temps pour la création et évite les manipulations répétitives.
Son option Autofix, ainsi que son ouverture à la communauté, en font un plugin complet et évolutif. Essayez‑le pour découvrir une nouvelle façon de travailler vos vecteurs.
Les dégradés colorés sont devenus un élément phare du design d’interface, mais créer des combinaisons harmonieuses demande souvent du temps. uiGradients, plugin officiel du site éponyme, apporte une solution simple : en un clic, vous appliquez des dégradés prédéfinis à vos groupes, textes ou frames dans Figma.
Avec plus de 350 combinaisons disponibles, il offre un gain de temps appréciable et une palette variée pour dynamiser vos projets.
Nombreux sont les designers qui utilisent des sites de référence pour trouver des dégradés attractifs. uigradients.com propose depuis des années une large bibliothèque de dégradés triés par ambiances et nuances.
Le plugin uiGradients transpose cette bibliothèque directement dans Figma, évitant d’avoir à copier manuellement les codes couleurs ou à importer des images. Il s’inscrit dans la tendance des plugins qui facilitent l’intégration rapide d’éléments visuels.
Sélectionnez un cadre, un groupe ou un texte, lancez le plugin et choisissez un dégradé. Celui‑ci est appliqué immédiatement comme remplissage.
Plus de 350 gradients sont disponibles, allant des palettes pastel aux combinaisons vives, pour s’adapter à toutes les ambiances.
Fonctionne aussi bien sur des calques de texte que sur des formes vectorielles ou des composants groupés.
Développé en partenariat avec uigradients.com, garantissant que les dégradés restent synchronisés avec la bibliothèque en ligne.
Installez le plugin depuis la communauté Figma. Sélectionnez l’élément où vous souhaitez appliquer un dégradé (texte, groupe ou frame). Ouvrez le plugin, parcourez les différentes palettes et cliquez sur celle qui vous inspire.
Le gradient est appliqué instantanément. Vous pouvez ensuite ajuster l’orientation du dégradé dans les paramètres de remplissage de Figma si nécessaire. Ce flux rapide permet, selon notre expérience, de tester plusieurs ambiances sans perdre de temps à créer des dégradés à la main.
uiGradients est idéal lorsque vous avez besoin d’une solution rapide et fiable pour ajouter de la couleur à vos maquettes.
Les nombreuses palettes peuvent vous aider à explorer des combinaisons chromatiques auxquelles vous n’auriez pas pensé.
Après application, pensez à modifier l’angle ou l’échelle du dégradé pour l’adapter parfaitement à votre composition.
Aucune limitation majeure n’est associée au plugin ; il repose sur des dégradés prédéfinis, ce qui peut toutefois restreindre la personnalisation si vous avez des exigences très spécifiques.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
uiGradients est un outil simple et efficace pour enrichir vos designs avec des dégradés de qualité sans effort.
Grâce à sa bibliothèque exhaustive et à son intégration transparente dans Figma, il constitue une ressource précieuse pour les designers à la recherche d’inspiration ou souhaitant gagner du temps. Essayez‑le pour apporter rapidement une touche de couleur à vos créations.
Les dégradés sont devenus un incontournable des interfaces modernes, mais les aplats lisses peuvent rapidement manquer de caractère.
Pour apporter de la profondeur et une touche « vintage » à vos compositions, le plugin Grainy Gradient propose de générer des dégradés agrémentés d’un grain subtil et élégant. Il s’adresse aux designers qui souhaitent varier des dégradés traditionnels et offrir un rendu plus riche à leurs créations.
Ces dernières années, les textures granuleuses font leur retour dans le design numérique. Elles rappellent l’argentique et apportent une dimension organique aux interfaces souvent trop lisses.
Reproduire cet effet à la main est fastidieux : il faut superposer des couches de bruit, ajuster l’opacité, puis l’intégrer au dégradé souhaité. Grainy Gradient automatise ce procédé directement dans Figma, tout en laissant un contrôle précis sur l’intensité et les couleurs.
Choisissez vos couleurs de départ et de fin, ajustez l’intensité du grain et obtenez instantanément un dégradé à la fois lisse et texturé.
Vous pouvez doser la quantité de grain pour un résultat discret ou plus prononcé, selon l’effet souhaité.
La texture est générée et insérée directement dans les cadres ou formes sélectionnés, sans avoir à importer d’images externes.
Vos préférences (couleurs, taille et intensité du grain) sont mémorisées, ce qui facilite la reprise de vos projets d’une session à l’autre.
L’interface du plugin s’adapte à l’apparence sombre de Figma, améliorant le confort d’utilisation.
Installez le plugin Grainy Gradient depuis la communauté Figma. Sélectionnez une forme ou un cadre dans lequel vous souhaitez appliquer un dégradé.
Ouvrez le plugin, choisissez les couleurs souhaitées et ajustez l’intensité du grain via les curseurs. Validez pour insérer automatiquement le dégradé texturé dans votre sélection. Vous pouvez également exporter le résultat en image selon la résolution souhaitée.
En quelques clics, vous obtenez un résultat professionnel sans passer par des logiciels externes.
Le contrôle sur le bruit et les couleurs permet d’adapter l’effet à différents styles d’interface, du minimalisme subtil à l’esthétique rétro prononcée.
Le grain ajoute une dimension tactile et authentique à vos dégradés, renforçant la personnalité de votre design.
Comme tout effet visuel, le grain doit être utilisé avec parcimonie pour ne pas nuire à la lisibilité. Testez différentes intensités selon le contexte (fonds, boutons, illustrations…) et vérifiez le rendu sur plusieurs tailles d’écran.
Grainy Gradient ne présente pas de limitation majeure, mais des dégradés très chargés ou de grande taille peuvent alourdir vos fichiers Figma ; pensez à optimiser l’export si nécessaire.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Grainy Gradient s’impose comme un outil créatif pour enrichir vos dégradés et sortir des sentiers battus. Grâce à lui, il devient facile d’ajouter une texture grainée maîtrisée, de personnaliser l’intensité et de conserver ses préférences d’une session à l’autre. Si vous cherchez à donner du relief et du caractère à vos interfaces sans effort, ce plugin mérite une place dans votre boîte à outils Figma.
Combien de fois avez‑vous dû recopier manuellement le contenu d’une capture d’écran ou d’un visuel importé dans Figma ? Cette tâche chronophage appartient désormais au passé grâce au plugin Text From Image.
Exploitant la reconnaissance optique de caractères (OCR), ce plugin open source copie instantanément le texte d’un calque d’image et le place dans votre presse‑papiers. Idéal pour gagner du temps et améliorer votre flux de production, il s’appuie sur l’API gratuite d’OCR.Space et se configure en quelques secondes.
Lorsque l’on conçoit des maquettes ou des prototypes, il est courant d’intégrer des captures d’écran ou des illustrations contenant du texte. Pour récupérer ce texte et l’utiliser dans vos designs ou notes, il faut soit tout saisir manuellement, soit passer par un logiciel externe.
Text From Image comble cette lacune en intégrant directement un outil OCR dans Figma. Une fois configuré, le plugin analyse votre image, détecte les caractères et copie le résultat dans le presse‑papiers.
Obtenir une clé API sur OCR.Space : le plugin utilise la version gratuite de l’API (https://ocr.space/OCRAPI#free). Une fois la clé générée, copiez‑la dans les paramètres du plugin. Sélectionner le calque contenant une image statique en remplissage (un seul calque à la fois).
Après quelques secondes, une fenêtre non interactive peut s’afficher brièvement (nécessaire pour accéder au presse‑papiers). Le texte détecté est ensuite copié et prêt à être collé où vous le souhaitez. Ce workflow évite toute opération manuelle supplémentaire et s’intègre naturellement au sein de Figma.
La version gratuite de l’API de Text From Image impose une limite de 1 Mo pour les fichiers et un quota de requêtes, ce qui peut entraîner des échecs d’extraction sans notification. De plus, le plugin ne peut traiter qu'un seul calque à la fois et n’analyse que le premier remplissage d’image.
Pendant le traitement, une petite fenêtre pop-up non interactive apparaît pour copier le texte dans le presse-papiers. Pour contourner les limites de taille, vous pouvez réduire la taille de votre image avant de relancer le plugin ou passer à la version payante. Malgré ces restrictions, l'outil reste très pratique pour une utilisation régulière ou occasionnelle.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Text From Image apporte une solution simple et efficace pour extraire du texte à partir d’images directement dans Figma. En quelques clics, vous obtenez un texte prêt à l’emploi sans quitter votre environnement de travail. Avec une configuration minimaliste et une licence open source, il représente un gain de productivité appréciable pour les designers et développeurs.
Gardez toutefois à l’esprit les limitations liées à la version gratuite de l’API et, si besoin, adaptez vos images ou optez pour un plan supérieur. Essayez‑le et libérez‑vous de la saisie manuelle !
Créer des dégradés harmonieux dans Figma peut vite s’avérer laborieux, surtout lorsqu’on souhaite obtenir des transitions douces entre les couleurs. C’est en partant de ce constat que le plugin Easing Gradients a vu le jour. Cet outil gratuit et open source permet, selon notre expérience, de lisser les transitions de vos dégradés en appliquant des fonctions d’assouplissement (easing) personnalisées, telles que des courbes cubic-bézier ou step easing. Résultat : des dégradés plus élégants, un rendu professionnel et des possibilités créatives décuplées.
Figma propose plusieurs types de dégradés (linéaire, radial, angulaire…), mais les transitions entre les couleurs restent souvent abruptes. Lorsque l’on utilise des couleurs transparentes, ces ruptures peuvent nuire à la lisibilité ou à l’harmonie visuelle. L’idée derrière Easing Gradients est d’interpoler les couleurs entre la première et la dernière étape du dégradé, en fonction d’une courbe d’assouplissement définie par l’utilisateur. Ce procédé “gradient‑agnostique” fonctionne quel que soit le type ou l’orientation du dégradé.
Voici comment Easing Gradients transforme vos dégradés, vous choisissez une fonction d’assouplissement (cubic-bézier ou step). La courbe détermine la progression des couleurs entre le premier et le dernier arrêt de couleur.
Le plugin prend uniquement en compte la couleur de départ et celle d’arrivée. Toutes les étapes intermédiaires sont recalculées puis lissées, ce qui peut supprimer les étapes existantes. Gardez cela à l’esprit si votre dégradé comporte plusieurs teintes.
Easing Gradients est indépendant du type de dégradé (linéaire, radial, angulaire, conique, etc.) et de son orientation. Cela le rend très flexible, notamment pour des dégradés complexes comme des dégradés transparents.
Ce plugin s’avère particulièrement utile dans plusieurs situations, notamment dans les transitions en douceur évitent les bandes visibles et améliorent la lisibilité de l’interface.
En choisissant des courbes d’easing originales (accélération lente, rebonds…), vous pouvez créer des dégradés dynamiques ou inattendus.
Si votre charte prévoit des dégradés spécifiques, Easing Gradients vous permet, selon notre expérience, de les décliner rapidement en respectant des transitions précises.
Gardez en tête que le plugin supprime les étapes intermédiaires : assurez‑vous que la couleur de début et de fin suffisent à représenter votre gradient. En cas de besoin, ajoutez à nouveau des étapes manuellement.
Le plugin est open source et distribué sous licence MIT, basé sur le travail d’Andreas Larsen. Son installation se fait directement depuis la communauté Figma. Une fois ajouté :
Vous obtenez instantanément un dégradé aux transitions plus fluides et élégantes.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Easing Gradients est un outil simple mais puissant pour tous ceux qui souhaitent sublimer leurs dégradés dans Figma. Sa capacité à appliquer des fonctions d’assouplissement personnalisées permet d’obtenir des transitions lisses, idéales pour les interfaces modernes, les visuels créatifs ou les dégradés transparents. En combinant cet outil avec les bonnes pratiques de conception (superposition de dégradés, ajustement de l’opacité, création de points focaux), vous enrichirez votre palette de designer et apporterez une dimension supplémentaire à vos projets.
--- # Comment Astronova réinvente l’univers visuel d’OGame pour créer sa propre identité URL: https://www.beryldesign.fr/post/comment-astronova-reinvente-lunivers-visuel-dogame-pour-creer-sa-propre-identite Date: 2025-11-28 Revivez l'expérience d'un jeu culte avec Astronova, fruit d'une refonte graphique moderne et optimisée mobile. Quand nostalgie et...Quand on a grandi avec un jeu culte comme OGame, l’envie de le voir évoluer avec son temps devient vite une obsession. C’est cette nostalgie mêlée à une exigence moderne qui a donné naissance au projet Dynasty Nova. Un jeu qui ne se contente pas d’imiter, mais qui rend hommage tout en s’émancipant, notamment à travers une refonte graphique minutieuse, à la croisée de l’UX design, de la direction artistique et de la technologie.
Tout est parti d’un constat simple, mais frustrant : la version mobile d’OGame s’est vue réduite à une version appauvrie, compressée et moins immersive. L’expérience initiale sur desktop, autrefois fluide et stratégique, a perdu en richesse sur smartphone.
Cette déception a été l’élément déclencheur. Le projet Dynasty Nova est né de l’idée de proposer une alternative pensée mobile first, où le confort d’usage, la lisibilité et l’esthétique ne seraient jamais compromis. L’objectif : reprendre le meilleur d’OGame… et l’emmener plus loin.
Trop peu pour un affichage moderne. Il a donc fallu mettre en place un processus d’upscale multi-étapes :
Chaque image était ensuite optimisée pour le web : compression avec TinyPNG, conversion en WebP. L’objectif ? Maintenir un poids réduit sans sacrifier la qualité, essentiel pour une navigation mobile rapide.
Le challenge était de taille : garder la filiation graphique avec OGame, sans jamais en reproduire les assets. La solution a été de :
Résultat : un univers cohérent, homogène et reconnaissable, mais résolument propre à Dynasty Nova.
Certaines parties du jeu, comme la boutique ou des bâtiments inédits, n’existaient tout simplement pas dans OGame. Il a donc fallu co-créer avec l’IA :
Ici, l’IA devient un assistant créatif : rapide pour générer, mais toujours pilotée par une direction artistique humaine.
Tous les visuels validés ont suivi un traitement systématique :
Cette approche garantit une expérience fluide, même en condition de réseau dégradé.
Ce travail graphique n’a pas seulement permis de “remettre au goût du jour” des assets. Il a permis de créer une identité visuelle forte et durable :
Un design system Figma construit à partir des composants front, avec une approche modulaire, itérative et adaptable. Dynasty Nova n’est pas juste beau. Il est cohérent, évolutif, et optimisé pour l’expérience joueur.
Dynasty Nova est plus qu’un hommage à OGame : c’est une réinvention.
En s’appuyant sur les outils d’aujourd’hui – IA générative, upscale, compression, design system – ce projet solo réussit le pari de moderniser un jeu culte tout en construisant un univers graphique inédit.
Un pied dans la nostalgie, l’autre dans l’innovation.
C’est ça, Astronova.
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Plugin HTML to Design
Quand j’ai commencé à travailler sur Dynasty Nova, mon objectif était clair : réinventer l’expérience utilisateur d’un jeu de stratégie spatial inspiré d’OGame, avec une interface mobile moderne, élégante et fluide. Mais avancer seul sur un projet aussi vaste, c’est aussi chercher à optimiser chaque étape du processus créatif. C’est là que l’intelligence artificielle est entrée en jeu — non pas comme un remplacement, mais comme un assistant créatif, un copilote au service de ma vision.
À l’origine du projet, il y a une déception : celle de voir la version mobile d’OGame largement en retrait par rapport à l’expérience desktop. Interface compressée, perte de repères visuels, désengagement progressif… Le potentiel était là, mais le ressenti utilisateur ne suivait plus. C’est en tant que joueur et designer que j’ai décidé de relancer les dés — en imaginant une version modernisée, mobile-first, pensée selon les meilleures pratiques actuelles.
Dynasty Nova n’est pas un projet d’équipe. C’est un projet personnel, sur mon temps libre, mené en autonomie. Pour ne pas me noyer dans l’ampleur des tâches, j’ai fait le choix d’intégrer dès le départ des outils d’intelligence artificielle dans ma méthode de travail. Pas pour automatiser le design, mais pour m’assister : créer, itérer, structurer plus rapidement — et mieux.
Dès le départ, j’ai utilisé KREA pour imaginer le logotype d’Dynasty Nova. J’avais le nom, l’univers, mais il me fallait une signature visuelle. En générant plus de 50 propositions à partir de prompts, j’ai fini par tomber sur une forme symbolique, dynamique, évoquant à la fois une fusée et la lettre A — presque un écho à Assassin’s Creed.
Mais cette base restait brute. Je l’ai donc traitée comme je le ferais avec un livrable d’un designer junior : affinement vectoriel, harmonisation des courbes, application d’une grille typographique. Le résultat final n’est pas une image IA brute, mais bien une création hybride : IA en suggestion, designer en finition.
Au-delà du logo, l’ensemble des visuels du jeu a bénéficié d’une démarche similaire. J’ai récupéré les assets d’OGame (en 200x200 px), trop petits et trop identifiables, pour les transformer.
Chaque image passait ensuite par une chaîne de post-traitement : upscale HD (Freepik), compression (TinyPNG), conversion WebP.
J’ai utilisé Bolt pour générer rapidement des ébauches d’interfaces HTML/CSS avec Tailwind. Ces bases m’ont permis d’aller vite, d’explorer des structures de page, de poser une première logique de navigation sans avoir à tout prototyper sur Figma.
Grâce à Cursor (ou Windsurf), l’IA s’est intégrée directement dans mon IDE. Cela m’a permis d’enchaîner plus vite les composants, de corriger en live, de générer des blocs UI plus efficaces. Résultat : moins de temps passé sur des micro-ajustements de code, plus de focus sur l’expérience globale.
Quand j’ai voulu structurer plus finement l’interface, j’ai utilisé le plugin HTML to Design dans Figma pour importer mes composants HTML en maquettes statiques. Même si le résultat n’était pas propre à 100 %, cette méthode m’a permis de rapidement créer un design system, avec composants, couleurs et styles réutilisables.
Aucune image générée n’a été utilisée telle quelle. Toutes ont été retouchées : corrections de perspectives, suppression d’artefacts, réalignement des lumières. Je passais aussi chaque image dans Figma pour ajuster contrastes et saturation, avant de copier-coller ces réglages via plugins pour garder une cohérence globale.
Les visuels générés étaient carrés. Or, les cartes du jeu sont verticales (format 2/3). Pour chaque élément (bâtiments, recherches, vaisseaux, boutique…), j’ai placé l’image dans une carte, simulé les débords et choisi celle qui fonctionnait le mieux dans le cadre. Un travail de sélection, mais aussi d’élagage, jusqu’à ce qu’une seule image soit retenue pour chaque item.
Utiliser l’intelligence artificielle ne signifie pas renoncer à la création. Dans Dynasty Nova, l’IA a été un levier, un moteur, un catalyseur — jamais une fin en soi. Elle m’a permis d’aller plus vite, d’oser plus, de générer plus… mais toujours sous ma supervision.
L’IA, dans ce contexte, joue le rôle d’un junior créatif ultra-productif : il propose, il enrichit, il accélère. Mais le regard du designer reste la clé. Car ce qui fait un bon design, ce n’est pas seulement l’idée ou le style — c’est l’intention, la cohérence, l’expérience que l’on souhaite transmettre.
KREA
Bolt
Freepik AI
TinyPNG
Plugin HTML to Design
Cursor
Dynasty Nova est un projet né d’une frustration personnelle : voir l’interface mobile d’OGame — jadis une référence — se dégrader au fil des années. Avec l’ambition de moderniser cette expérience, j’ai lancé Dynasty Nova, un projet personnel orienté design system et mobile-first. L’objectif : réinventer une expérience utilisateur fluide, tactile et esthétique, en phase avec les standards actuels.
OGame a marqué toute une génération grâce à son gameplay addictif et sa profondeur stratégique. Pourtant, son interface, pensée initialement pour le desktop, a peu évolué. La version mobile, simple adaptation responsive, souffre aujourd’hui d’un manque d’ergonomie flagrant qui nuit à l’expérience utilisateur.
Face à ces limites, Dynasty Nova s’inscrit dans une logique inverse : partir du mobile pour proposer une expérience native, pensée dès la base pour les usages tactiles. Cette approche permet, selon notre expérience, de repenser les mécaniques d’interaction et de navigation avec une attention particulière portée à la lisibilité et à la fluidité.
Dynasty Nova ne se contente pas d’être responsive : tout est pensé pour une expérience fluide sur mobile. La navigation s’appuie sur des composants “card-based”, des modals intuitifs et des interactions naturelles qui renforcent la sensation d’utiliser une application native plutôt qu’un simple site web compressé.
Pour garantir rapidité et cohérence, Tailwind CSS a été la pierre angulaire du projet. Ses classes utilitaires permettent une grande granularité dans le design (typographie, couleurs, espacements), tout en assurant une cohérence parfaite grâce à un design system rigoureusement appliqué.
Dès le début, l’interface a été construite autour de composants modulaires : boutons, cartes, menus, onglets… Chaque élément a été conçu pour être réutilisé facilement, garantissant à la fois rapidité d’implémentation et cohérence graphique sur l’ensemble du projet.
Le choix de Phosphor Icons n’est pas anodin : cette librairie open-source propose une grande richesse d’icônes au style uniforme et épuré, parfaitement adapté à l’univers spatialisé d’Dynasty Nova. Ce choix permet une lecture rapide des informations, indispensable pour un jeu de gestion.
Contrairement aux méthodes classiques où le design system précède le code, Dynasty Nova a pris le chemin inverse : l’interface a d’abord été développée avec Tailwind et Bolt, avant d’être rebasculée dans Figma via le plugin HTML to Design. Cette approche a permis d’affiner la direction artistique après coup, avec une vision globale et unifiée.
Une fois dans Figma, l’ensemble du système graphique a été structuré : palettes de couleurs, grilles, typographies, composants atomiques… Cette étape a permis de stabiliser l’identité d’Dynasty Nova tout en préparant les futures extensions du projet (cartes bâtiments, recherches, défenses…).
Astronova est bien plus qu’une simple refonte d’interface : c’est un manifeste pour un design repensé, où chaque décision est guidée par l’expérience utilisateur mobile. En partant du tactile, en s’appuyant sur des outils modernes comme Tailwind et Figma, et en structurant chaque élément autour d’un design system cohérent, Dynasty Nova offre une nouvelle vision des jeux de gestion — plus fluide, plus élégante, plus adaptée aux usages contemporains.
Jouer à Dynasty Nova
Tailwind CSS
Phosphor Icons
Figma
Plugin HTML to Design
OGame
Pour beaucoup, OGame évoque des souvenirs précis : l'excitation d'explorer de nouveaux systèmes solaires, la tension des batailles spatiales, et l'investissement long terme dans le développement de ses planètes. La version desktop originale, malgré une esthétique minimaliste, proposait une interface claire qui permettait de se plonger facilement dans le jeu.
Les joueurs appréciaient particulièrement la courbe d'apprentissage progressive, qui permettait de maîtriser progressivement les concepts complexes du jeu (ressources, technologies, flottes) tout en gardant une interface accessible. Cette approche pédagogique, couplée à une communauté active et bienveillante, a contribué à créer une expérience de jeu unique qui a traversé les années.
Face à l'essor du jeu sur smartphone, il était logique qu'OGame propose sa propre version mobile pour ne pas laisser filer une partie de sa communauté. Mais transposer une interface pensée pour un grand écran de bureau vers un format tactile réduit n'est jamais une simple question de redimensionnement : chaque élément doit être repensé pour rester lisible et utilisable du bout des doigts.
C'est précisément sur ce point que le portage mobile d'OGame déçoit. Plutôt qu'une adaptation pensée pour les usages tactiles, l'interface semble avoir été compressée pour tenir sur un écran plus petit, sans réelle refonte de l'expérience. Les sections suivantes détaillent les principaux points de friction identifiés.
L'interface mobile d'OGame donne une impression générale d'étranglement : menus tassés, textes difficiles à lire, boutons trop rapprochés. Cette densité nuit à la lisibilité et entrave la fluidité des interactions. Les joueurs doivent souvent zoomer pour lire certains textes ou atteindre des boutons, ce qui brise le rythme du jeu. De plus, l'absence d'adaptation aux différentes tailles d'écran (iPhone, Android, tablettes) crée une expérience incohérente selon le dispositif utilisé. Cette approche "one-size-fits-all" démontre un manque de considération pour la diversité des utilisateurs mobiles.
L'adaptation graphique n'a pas su tirer parti des spécificités du mobile. Résultat : des images parfois floues, étirées, ou mal ajustées, ce qui casse l'immersion et renforce le sentiment d'un portage bâclé. Les animations, qui étaient fluides sur desktop, sont saccadées sur mobile, créant une sensation de lenteur et d'obsolescence. Cette dégradation visuelle est particulièrement flagrante lors des batailles spatiales, où la précision graphique est cruciale pour la stratégie du joueur.
Face à la déception ressentie, Dynasty Nova est né d'une envie : réinventer cette expérience galactique, non pas en la copiant, mais en la modernisant et en l'adaptant réellement aux usages mobiles. L'équipe de développement a passé plusieurs mois à analyser les comportements des joueurs mobiles, à étudier les meilleures pratiques UX en matière de jeux stratégiques, et à expérimenter différentes approches d'interface. Cette phase de recherche approfondie a permis de définir un cahier des charges ambitieux, qui allie performance technique, intuitivité utilisateur et esthétique moderne.
Le projet repose sur un design system construit dans Figma, avec des icônes unifiées via la librairie Phosphor, garantissant cohérence et clarté tout au long de l'expérience utilisateur. Chaque composant a été pensé pour être réactif et adaptable, permettant une expérience fluide sur tous les écrans. L'utilisation de variables CSS et de composants réutilisables facilite la maintenance et l'évolution du design, tout en garantissant une cohérence visuelle parfaite.
Tailwind CSS a été choisi pour sa rapidité d'implémentation et sa flexibilité. Les assets sont optimisés grâce à des outils IA (Upscayl, Krea, Freepik), garantissant des performances solides même sur mobile. L'architecture du code est basée sur React, offrant une expérience utilisateur réactive et fluide. Les données sont gérées via une API RESTful, assurant une synchronisation rapide et fiable des données de jeu.
Dynasty Nova est le fruit d'une double exigence : celle d'un utilisateur frustré par une expérience mobile décevante, et celle d'un designer convaincu que l'UX doit rester au cœur de tout projet numérique. Plutôt que de céder à la facilité du simple remake, Dynasty Nova assume un parti pris clair : revisiter un classique pour mieux le transcender.
En s'appuyant sur les dernières technologies web et les meilleures pratiques UX, le projet vise à offrir une expérience de jeu stratégique qui respecte l'essence d'OGame tout en s'adaptant parfaitement aux usages mobiles modernes. Avec son approche innovante et son attention portée aux détails, Dynasty Nova pourrait bien redéfinir les standards de la stratégie mobile pour les années à venir.
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Présentation d’OGame
Phosphor Icons
Tailwind CSS
Né sous la forme d’une bêta fermée, Astronova est un projet indépendant qui puise son inspiration dans OGame, le jeu de stratégie spatiale emblématique des années 2000. L’objectif : faire revivre la magie du genre tout en l’adaptant aux usages modernes, à une expérience plus fluide et à un design centré sur le joueur.
Conçu par un designer passionné de jeux vidéo et d’expérience interactive, Astronova se veut autant un hommage qu’un laboratoire expérimental. Ici, la nostalgie laisse place à une approche UX-first, où chaque planète devient un monde vivant et évolutif.
Au début des années 2000, OGame proposait un concept révolutionnaire : construire un empire spatial persistant depuis son navigateur. Gestion de ressources, colonisation, alliances et batailles stratégiques en temps réel ont fait de ce jeu une référence du genre PBBG (Persistent Browser-Based Game).
Son interface minimaliste et son gameplay lent mais addictif ont marqué des générations de joueurs.
Pourtant, malgré son charme, OGame imposait une tension constante. Les joueurs orientés gestion et construction peinaient à évoluer sans subir d’attaques répétées. Cette dynamique compétitive a laissé place, pour beaucoup, à une frustration durable.
C’est de ce constat qu’est née l’idée d’Astronova : un jeu de stratégie spatial plus calme, plus personnel, plus immersif.
Astronova reprend les fondamentaux d’OGame — gestion, expansion, diplomatie — mais les enrichit d’une approche design-first. Le but : permettre à chacun de jouer à son rythme, sans contrainte ni compétition forcée.
Le jeu s’appuie sur trois piliers principaux :
L’objectif est clair : réinventer le jeu de stratégie par navigateur pour l’ère mobile, tout en conservant la profondeur tactique du genre.
Au lieu d’un tableau de données statique, Astronova place la planète au centre de l’expérience.
Inspirée de l’esthétique des globes interactifs (type GitHub Universe), chaque planète tourne lentement, réagit à la lumière et évolue selon les actions du joueur.
Les territoires — océans, continents, zones constructibles — sont générés procéduralement, transformant chaque partie en expérience unique.
Le joueur ne gère plus une liste, mais habite un monde vivant : chaque ressource, chaque bâtiment, chaque point lumineux a un sens narratif et fonctionnel.
Issu du design d’interfaces, le créateur d’Astronova applique les principes fondamentaux de l’UX moderne :
Cette architecture permet, selon notre expérience, de guider le joueur intuitivement, sans tutoriel lourd, et de créer une expérience fluide et réactive, adaptée aux écrans tactiles.
Visuellement, Astronova emprunte à la fois au pixel art minimaliste et à l’esthétique low-poly moderne.
Les typographies techniques, les effets de lumière discrets et les teintes sombres créent une atmosphère immersive tout en restant accessible aux machines modestes.
Astronova n’a pas pour ambition de rivaliser avec les productions AAA, mais de proposer un prototype évolutif, pensé comme un terrain d’expérimentation.
L’hébergement reste volontairement léger, favorisant la réactivité et la collaboration via retours utilisateurs.
Le jeu est actuellement disponible en bêta fermée, accessible à ceux qui souhaitent tester et contribuer à son évolution.
Alors que de nombreux clones d’OGame reproduisent les mêmes mécaniques compétitives, Astronova se distingue par :
Que vous cherchiez un jeu de stratégie spatial en solo, une alternative à OGame sur Android ou simplement une expérience web plus douce, Astronova s’adresse à une nouvelle génération de joueurs.
Astronova dépasse le cadre du simple jeu.
C’est un projet de design expérimental, une exploration de ce que le jeu par navigateur peut redevenir : une expérience humaine, immersive et esthétique.
Pour les nostalgiques d’OGame, les créateurs curieux d’UX, ou les joueurs souhaitant construire plutôt que détruire, Astronova offre un espace de jeu apaisé, centré sur la créativité et la contemplation.
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Présentation d’OGame
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Oui, OGame est toujours actif et soutenu par une communauté fidèle. Astronova s’adresse simplement à un public recherchant une alternative plus accessible et moderne.
Certaines adaptations existent, mais rares sont celles qui offrent une expérience fluide en solo. Astronova comble ce manque avec une version web responsive, pensée pour mobile et tablette.
Selon vos attentes : pour la compétition, OGame reste une référence ; pour la détente, la beauté visuelle et l’exploration, Astronova s’impose comme une alternative innovante.
--- # Creatie.ai : L'outil de design assisté par l'intelligence artificielle URL: https://www.beryldesign.fr/post/creatie-ai-loutil-de-design-assiste-par-lintelligence-artificielle Date: 2025-11-28 Creatie.ai révolutionne le design avec l'IA. De l'idéation à la livraison, gagnez en efficacité et qualité grâce à ses outils...Dans l’univers du design numérique, Creatie.ai révolutionne le processus créatif en intégrant l’intelligence artificielle (IA) à chaque étape du flux de travail. Cet outil tout-en-un est conçu pour les designers UI/UX, les chefs de produit, et les équipes créatives cherchant à gagner en efficacité tout en maintenant un haut niveau de qualité visuelle.
Creatie simplifie des tâches complexes comme l'idéation, le prototypage, la collaboration, et la transmission des projets aux développeurs. Plus qu'un simple logiciel de design, Creatie automatise et améliore la créativité humaine grâce à ses fonctionnalités innovantes.
Le Creatie Wizard est l'un des piliers de la plateforme. Il propose des idées de mise en page instantanées adaptées aux besoins des utilisateurs, qu'ils soient en pleine conception d’un wireframe ou à la recherche d'inspiration pour un prototype. Cette fonctionnalité aide les designers à surmonter le syndrome de la page blanche, offrant un coup de pouce créatif dès le début de chaque projet.
Magicon est une autre fonctionnalité clé qui permet, selon notre expérience, de générer des icônes 3D en quelques clics. Grâce à l’IA, cet outil transforme une simple description textuelle ou un wireframe en icônes personnalisées et visuellement percutantes. Cet ajout de dimension supplémentaire enrichit les designs, leur donnant une esthétique professionnelle tout en s’adaptant aux exigences spécifiques des projets.
L'amélioration d'image est souvent un défi pour les créateurs, mais avec l'Image Enhancer de Creatie, cette tâche devient facile. Que vous ayez besoin d'agrandir une image, de modifier son arrière-plan, ou de la convertir en fichier vectoriel, l’outil d'amélioration d'images de Creatie utilise l’IA pour optimiser la qualité visuelle de chaque élément. Cette fonctionnalité est particulièrement utile pour les graphistes cherchant à maintenir une haute résolution et une cohérence esthétique dans leurs projets.
Le guide de style est un élément fondamental dans la cohérence des projets de design, et Creatie l’automatise entièrement. Son IA identifie les composants réutilisables dans les fichiers existants et crée un guide de style complet, incluant les polices, les couleurs, et les effets d’ombres.
Cette approche permet aux équipes de créer un langage visuel uniforme sans effort manuel supplémentaire, accélérant ainsi la phase de design tout en garantissant une homogénéité des projets.
Maintenir la cohérence à travers plusieurs itérations de design peut être un véritable casse-tête, mais le Design Auditor de Creatie s’en charge. L'outil compare chaque fichier de design à votre guide de style et signale automatiquement les éléments non conformes. Il suffit d’un clic pour corriger ces incohérences, garantissant ainsi une uniformité visuelle à chaque stade du projet.
Creatie a été pensé pour être accessible et intuitif. Après s'être inscrit sur la plateforme, l’utilisateur peut immédiatement commencer un nouveau projet ou importer des fichiers de design existants. Chaque fonctionnalité, qu’il s’agisse de la génération d’icônes, de l’amélioration des images, ou du prototypage, est à portée de main dans une interface claire et fluide.
L’un des grands avantages de Creatie réside dans sa capacité à intégrer des outils de collaboration en temps réel. Cela permet aux équipes de travailler ensemble efficacement, en laissant des retours sur les designs et en modifiant les prototypes simultanément, ce qui simplifie énormément la gestion des projets.
Creatie s'adresse à un large éventail de professionnels du design et du développement, chacun bénéficiant des fonctionnalités de l'outil pour optimiser leur travail :
Creatie est un atout précieux pour les designers cherchant à accélérer leur flux de travail sans compromettre la qualité des interfaces qu'ils conçoivent. Grâce à ses fonctionnalités de prototypage avancé et à la gestion efficace des systèmes de design, il permet, selon notre expérience, de créer des interfaces cohérentes et esthétiques tout en réduisant le temps consacré aux tâches répétitives.
En facilitant la transition des maquettes vers le développement, Creatie simplifie la collaboration entre les équipes de design et de développement. Les chefs de produit peuvent utiliser l'outil pour mieux structurer le processus de prototypage, tandis que les développeurs bénéficient d’une transmission plus fluide des maquettes, avec des composants bien définis et faciles à intégrer dans le développement.
Creatie est idéal pour les équipes travaillant de manière collaborative sur des projets de design complexes. L’outil permet une coordination fluide entre les membres de l’équipe, grâce à une gestion centralisée des systèmes de design et à des fonctionnalités collaboratives qui améliorent la communication et la productivité collective.
Creatie est disponible sur plusieurs plateformes, incluant le web, macOS et Windows. Cette compatibilité multi-plateforme offre une flexibilité maximale et permet aux utilisateurs de travailler dans leurs environnements préférés, que ce soit sur un ordinateur de bureau, un laptop ou directement en ligne. Grâce à cette accessibilité, Creatie s'adapte aux besoins variés des professionnels, où qu'ils se trouvent.
Creatie.ai est proposé en version gratuite, permettant aux utilisateurs de se familiariser avec ses fonctionnalités de base. Cependant, des abonnements payants sont disponibles pour ceux qui souhaitent bénéficier d'un accès à des outils avancés et à des options étendues, idéales pour les professionnels travaillant sur des projets de grande envergure.
L'intégration de l'intelligence artificielle permet d'automatiser de nombreuses tâches répétitives, comme la création d'éléments visuels ou la gestion de la cohérence des designs. Cela permet aux créateurs de se concentrer sur l'essence même de leur travail créatif, réduisant le temps passé sur des tâches fastidieuses tout en augmentant leur productivité.
Grâce à ses outils collaboratifs, Creatie facilite la communication entre les membres d'une équipe créative. Les retours peuvent être intégrés directement dans le design, et les corrections effectuées de manière collaborative, ce qui améliore la qualité et la rapidité des projets.
Avec des outils comme le Design Auditor et l'Image Enhancer, Creatie garantit que les projets respectent les normes visuelles les plus élevées. En automatisant la vérification de la cohérence et en améliorant la qualité des images, les créateurs sont en mesure de produire des designs professionnels sans avoir à passer par des processus manuels laborieux.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Creatie.ai est plus qu’un simple outil de design ; c’est une solution complète qui accompagne les créateurs à chaque étape de leur processus, de l’idéation à la livraison. Son approche basée sur l'IA permet d’améliorer considérablement l’efficacité, la qualité et la collaboration des équipes créatives. En s'appuyant sur des fonctionnalités innovantes et une interface intuitive, Creatie transforme la façon dont les projets de design sont réalisés, faisant de lui un outil incontournable pour tous les créateurs d’aujourd’hui.
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--- # Maximiser l’impact visuel avec les ratios d’images : Guide pratique pour la conception d’interfaces URL: https://www.beryldesign.fr/post/maximiser-limpact-visuel-avec-les-ratios-dimages-guide-pratique-pour-la-conception-dinterfaces Date: 2025-11-28 Découvrez l'impact des ratios d'images en conception d'interfaces. Guide pratique pour une expérience utilisateur fluide et une...Dans le monde de la conception d’interfaces, l’utilisation judicieuse des ratios d’images peut faire toute la différence entre une expérience utilisateur fluide et intuitive, et une expérience confuse et désordonnée. L’impact visuel des ratios d’images sur l’expérience utilisateur est souvent sous-estimé, mais il joue un rôle crucial dans la façon dont les utilisateurs interagissent avec une interface en ligne. Dans cet article, nous allons explorer l’importance des ratios d’images et fournir un guide pratique pour les intégrer efficacement dans vos projets de conception.
Les ratios d’images sont essentiels pour garantir une expérience utilisateur agréable et intuitive. En effet, ils influencent la façon dont les utilisateurs perçoivent et naviguent à travers une interface. Pensez aux ratios d’images comme aux fondations d’une maison : s’ils ne sont pas solides, toute la structure risque de s’effondrer.
Les utilisateurs sont habitués à certaines proportions d’images, et dévier de ces normes peut entraîner une confusion et une frustration. Lorsque les images sont proportionnées de manière cohérente, l’utilisateur peut parcourir le contenu plus facilement, ce qui améliore l’expérience globale. De plus, des ratios d’images appropriés contribuent à une esthétique visuelle harmonieuse, ce qui renforce la crédibilité et la professionnalisme de l’interface.
Voici quelques-uns des ratios d’images les plus couramment utilisés dans la conception d’interfaces et leurs applications spécifiques :
Ce ratio est souvent utilisé pour les vignettes d’images ou les icônes, offrant une symétrie parfaite entre la largeur et la hauteur.
Ce ratio est idéal pour les présentations de diapositives ou les images destinées à être affichées sur des écrans plus traditionnels.
Il s’agit d’un ratio polyvalent qui convient à diverses applications, telles que les galeries d’images ou les publications sur les réseaux sociaux.
Ce ratio est souvent utilisé pour les bannières publicitaires ou les images d’en-tête de site web, offrant un compromis entre la largeur et la hauteur.
Ce ratio est largement utilisé pour les vidéos et les présentations multimédias, offrant un affichage panoramique qui convient aux écrans larges.
Ce ratio ultra-large est idéal pour les cinématiques ou les jeux vidéo, offrant une expérience immersive sur les écrans haute définition.
Aussi connu sous le nom de proportion divine, ce ratio est réputé pour sa beauté et son harmonie. Il est souvent utilisé dans la conception artistique et graphique pour créer des compositions équilibrées et attrayantes.
Pour intégrer efficacement les ratios d’images dans vos projets de conception, il est recommandé d’utiliser des outils de conception tels que Figma. Figma offre des fonctionnalités avancées pour manipuler et ajuster les ratios d’images, ce qui facilite la création d’interfaces cohérentes et esthétiques.
Lors de la conception d’une interface dans Figma, vous pouvez utiliser des composants et des plugins spécialement conçus pour gérer les ratios d’images. Ces outils vous permettent de travailler de manière plus efficace et de maintenir une cohérence visuelle tout au long du projet.
Pour maximiser l’impact visuel des ratios d’images, assurez-vous d’utiliser des ratios cohérents à travers l’ensemble de l’interface. Cela garantit une expérience utilisateur harmonieuse et facilite la navigation. De plus, adaptez les ratios en fonction des dispositifs et orientations pour une expérience optimale.
En documentant et communiquant les directives au sein de votre équipe, assurez-vous d’une application cohérente des principes de conception. En suivant ces recommandations, intégrez efficacement les ratios d’images pour améliorer l’ergonomie et l’esthétique de votre interface.
En conclusion, l’utilisation judicieuse des ratios d’images est essentielle pour garantir une expérience utilisateur optimale dans la conception d’interfaces. En suivant les principes et les exemples fournis dans cet article, vous serez en mesure d’intégrer efficacement les ratios d’images dans vos projets de conception, ce qui améliorera l’ergonomie, l’esthétique et la convivialité de votre interface.
N’oubliez pas de choisir des ratios d’images appropriés en fonction du contenu et du contexte de votre interface, et de les ajuster en conséquence pour garantir une expérience utilisateur fluide et intuitive.
--- # Améliorez la Qualité de vos Ombres Portées avec le Plugin Figma 'Beautiful Shadows' URL: https://www.beryldesign.fr/post/ameliorez-la-qualite-de-vos-ombres-portees-avec-le-plugin-figma-beautiful-shadows Date: 2025-11-28 Améliorez vos designs dans Figma grâce à Beautiful Shadows, un plugin simple et puissant pour créer des ombres esthétiques et...Dans l'univers du design, les détails font toute la différence, et l'un de ces détails souvent sous-estimés est l'utilisation des ombres. Les ombres bien conçues peuvent ajouter de la profondeur, du réalisme et du contraste à vos designs, transformant une simple interface en une expérience visuelle raffinée.
Le plugin Figma "Beautiful Shadows" se présente comme une solution puissante pour créer des ombres esthétiquement plaisantes et cohérentes sans effort. Ce plugin est conçu pour les designers qui cherchent à améliorer rapidement et facilement la qualité visuelle de leurs projets en ajoutant des ombres harmonieuses à leurs éléments.
La création manuelle d'ombres est souvent un processus chronophage, surtout lorsque l'on cherche à obtenir un résultat précis et cohérent à travers tout un projet. Avec "Beautiful Shadows", ce travail est grandement simplifié. Le plugin génère des ombres esthétiquement plaisantes en quelques clics, vous permettant ainsi de consacrer plus de temps à d'autres aspects du design.
L'un des défis majeurs dans le design est de maintenir une cohérence visuelle sur tous les éléments de l'interface. Les ombres jouent un rôle crucial dans cette uniformité, en ajoutant de la profondeur et du contraste. Le plugin "Beautiful Shadows" garantit que les ombres appliquées restent homogènes à travers l'ensemble de vos créations, renforçant ainsi l'identité visuelle de vos projets.
Pour les designers souhaitant affiner leur compréhension des ombres, "Beautiful Shadows" est également un outil pédagogique précieux. Les préréglages et options de personnalisation permettent d'explorer différentes configurations d'ombres, aidant ainsi à mieux comprendre leur impact visuel et à maîtriser cet aspect du design.
En utilisant ce plugin, vous apprenez en même temps à ajuster et à manipuler les ombres, ce qui peut enrichir vos compétences en design et vous permettre de créer des interfaces encore plus raffinées à l'avenir.
Le plugin "Beautiful Shadows" propose une gamme de fonctionnalités spécialement conçues pour simplifier la création d'ombres dans Figma :
Le plugin offre une sélection de préréglages d'ombres pour différents types d'éléments. Que vous conceviez un bouton, une carte ou un autre composant, vous pouvez choisir parmi des styles d'ombres prédéfinis qui sont prêts à l'emploi.
Bien que les préréglages soient pratiques, "Beautiful Shadows" permet également une personnalisation approfondie. Vous pouvez ajuster les paramètres de l'ombre, tels que la couleur, l'opacité, le décalage, et le flou, pour répondre à vos besoins spécifiques.
Le plugin intègre un aperçu en temps réel des ombres appliquées, ce qui vous permet, selon notre expérience, de voir instantanément l'effet de vos ajustements directement sur votre design, sans avoir à quitter Figma.
Une fois que vous avez créé une ombre parfaite, vous pouvez la sauvegarder pour une réutilisation ultérieure. Cela garantit une cohérence dans l'application des ombres sur plusieurs projets ou à travers différents éléments d'un même projet.
"Beautiful Shadows" est conçu pour s'intégrer parfaitement à votre flux de travail Figma sans alourdir votre projet. Il fonctionne de manière fluide avec les autres plugins et ne surcharge pas vos fichiers, même lorsque vous travaillez sur des projets complexes.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Le plugin "Beautiful Shadows" est un outil indispensable pour tout designer cherchant à améliorer la qualité visuelle de ses créations dans Figma. En simplifiant la création d'ombres esthétiquement plaisantes, ce plugin permet non seulement de gagner du temps, mais aussi d'assurer une uniformité visuelle et d'apporter un niveau de finesse et de professionnalisme à vos designs.
Que vous soyez un designer débutant ou expérimenté, "Beautiful Shadows" vous aidera à maîtriser l'art des ombres, en rendant vos interfaces plus attrayantes et engageantes.
Dans le monde dynamique du design numérique, l'innovation est essentielle pour rester compétitif. Jitter, une plateforme d’animation simple et rapide, s'impose comme une solution incontournable pour les designers cherchant à dynamiser leurs créations.
Jitter est un outil de design d’animation qui permet, selon notre expérience, de créer des contenus animés de haute qualité en quelques minutes. Accessible à tous, des débutants aux professionnels, il offre une interface intuitive et des fonctionnalités puissantes qui simplifient le processus de création. Voici un aperçu détaillé de ses fonctionnalités et avantages.
Jitter propose une variété de préréglages d’animation qui permettent aux utilisateurs de créer des animations fluides et professionnelles en seulement quelques clics. Ces préréglages couvrent une gamme de styles et d’effets, facilitant l'intégration de mouvements sophistiqués sans nécessiter de compétences techniques approfondies.
Les designers peuvent facilement importer leurs créations depuis Figma, ce qui permet d’intégrer des designs existants dans des animations dynamiques. Cette fonctionnalité garantit une continuité dans le workflow et élimine le besoin de recréer des éléments graphiques à partir de zéro.
Jitter offre plusieurs options d’exportation, incluant des vidéos en 4K, des GIFs, et des fichiers Lottie. Cette flexibilité permet aux designers de choisir le format le mieux adapté à leurs besoins spécifiques, qu’il s’agisse de contenu pour les réseaux sociaux, de présentations professionnelles, ou d’intégrations web.
L’outil est conçu pour favoriser la collaboration au sein des équipes de design. Les utilisateurs peuvent partager et réutiliser des composants d’animation, ce qui non seulement améliore l’efficacité mais aussi assure la cohérence visuelle à travers différents projets.
L'interface utilisateur de Jitter est pensée pour être intuitive et accessible, même pour ceux qui n’ont pas une grande expérience en animation. Cela permet à un plus grand nombre de créateurs de produire des animations de qualité sans une courbe d'apprentissage abrupte.
Grâce à ses préréglages et à l’importation directe depuis Figma, Jitter permet, selon notre expérience, de réduire considérablement le temps nécessaire pour créer des animations. Ce gain de temps peut être crucial dans des environnements de travail à rythme rapide.
Malgré sa simplicité, Jitter ne compromet pas la qualité. Les animations créées avec cet outil sont nettes, fluides et répondent aux standards professionnels, ce qui est essentiel pour toute entreprise cherchant à maintenir une image de marque forte.
Les diverses options d’exportation permettent aux utilisateurs de s’adapter aux exigences spécifiques de chaque projet. Que ce soit pour des publications sur les réseaux sociaux, des présentations internes ou des intégrations sur des sites web, Jitter offre la solution adaptée.
Les animations sont devenues un élément clé des stratégies de marketing digital. Jitter permet, selon notre expérience, de créer rapidement des animations accrocheuses pour les publicités et les posts sur les réseaux sociaux, augmentant ainsi l’engagement des utilisateurs.
Dans le cadre des présentations professionnelles, des animations bien conçues peuvent aider à transmettre des idées complexes de manière claire et engageante. De plus, Jitter peut être utilisé pour créer des prototypes animés, offrant une vue préliminaire du fonctionnement d’un produit ou d’une application.
Les animations peuvent rendre le contenu éducatif plus interactif et engageant. Les enseignants et formateurs peuvent utiliser Jitter pour créer des modules d’apprentissage visuels qui captivent l’attention des élèves et facilitent la compréhension des sujets difficiles.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Jitter transforme la manière dont les designers créent des animations, rendant le processus plus accessible, rapide et collaboratif. Que vous soyez un designer chevronné ou un novice, Jitter est l’outil parfait pour donner vie à vos idées avec élégance et simplicité. Pour en savoir plus et commencer à utiliser Jitter, visitez leur site officiel.
Avec Jitter, l’animation n’a jamais été aussi simple et accessible, offrant une nouvelle dimension de créativité pour tous les designers.
Dans le paysage des outils de collaboration numérique, Figjam et Miro se positionnent comme des solutions incontournables pour les équipes désireuses de stimuler leur créativité et leur productivité. Cet article vous présente et compare ces deux géants du tableau blanc numérique pour vous aider à choisir celui qui conviendra le mieux à vos besoins.
Figjam est une extension de Figma, célèbre pour ses fonctionnalités de design interactif. Il offre un espace de travail collaboratif où les utilisateurs peuvent facilement partager des idées et créer des prototypes de design. Son intégration avec Figma en fait un outil particulièrement adapté pour les équipes de design.
Miro, de son côté, est un tableau blanc numérique polyvalent qui s'adapte à une multitude de scénarios de travail collaboratif. Avec ses nombreux modèles et outils, Miro est conçu pour faciliter la planification de projet, le brainstorming et la gestion de l'information pour toutes sortes d'équipes professionnelles.
Figjam brille par sa simplicité et son intégration avec Figma, ce qui le rend idéal pour le croquis collaboratif et l'idéation axée sur le design. Il est intuitif et facile à prendre en main, même pour les non-designers.
Miro, en revanche, se distingue par son ensemble d'outils plus vaste, ses modèles étendus et ses capacités de collaboration plus larges. Il est adapté à une gamme plus variée d'activités collaboratives au-delà du simple dessin. Miro est également reconnu pour sa plateforme puissante qui s'intègre facilement avec d'autres outils et offre une sécurité d'entreprise robuste.
L'expérience utilisateur de Figjam est souvent louée pour sa facilité d'utilisation et son interface épurée. Les utilisateurs apprécient la manière dont il facilite la collaboration en temps réel dans un environnement de design.
Miro, quant à lui, est apprécié pour sa flexibilité et sa capacité à s'adapter aux différents flux de travail des équipes. Il offre une expérience utilisateur riche et diversifiée, avec des fonctionnalités qui soutiennent l'innovation et la collaboration à grande échelle.
En termes de sécurité, Miro prend une longueur d'avance avec son ensemble de fonctionnalités avancées qui permettent aux entreprises de déployer l'outil à grande échelle tout en maintenant la conformité et la sécurité.
Miro propose une offre gratuite limitée à 3 tableaux modifiables (au-delà, les tableaux restent consultables mais plus éditables), un plan Starter à partir de 8 $/mois/utilisateur (facturé annuellement) qui débloque les tableaux illimités et les exports haute résolution, et un plan Business à 20 $/mois/utilisateur avec des workflows IA plus avancés.
FigJam, lui, est inclus dans l'offre Figma plutôt que vendu à part : le plan gratuit (Starter) donne accès à FigJam sans limite de tableaux, et le plan Professional ajoute une IA plus généreuse à partir de 3 $/mois pour un siège collaborateur (16 $/mois pour un siège complet).
Le vrai écart n'est pas sur le prix d'entrée — les deux ont un plan gratuit — mais sur la limite : une petite équipe qui reste sous les 3 tableaux actifs peut rester indéfiniment sur Miro gratuit, alors que FigJam gratuit ne pose pas cette limite, au prix d'un outil plus simple et moins taillé pour la gestion de projet multi-équipes.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En résumé, Figjam est l'outil de choix pour les équipes de design qui recherchent une intégration étroite avec Figma et une plateforme intuitive pour le brainstorming et la création de prototypes.
Miro, avec sa plateforme plus complète et ses capacités de collaboration étendues, convient mieux aux équipes qui ont besoin d'un outil polyvalent capable de s'intégrer à divers processus de travail et de maintenir des normes de sécurité élevées. Chaque outil a ses forces, et le choix dépendra finalement des besoins spécifiques de votre équipe et de votre projet.
--- # Sketch vs. Figma : Comment le Leader Historique a Perdu son Trône URL: https://www.beryldesign.fr/post/sketch-vs-figma-comment-le-leader-historique-a-perdu-son-trone Date: 2025-11-28 Comparez Sketch et Figma. Découvrez pourquoi Figma a gagné en popularité et comment Sketch peut réagir face à cette concurrence.Depuis sa création, Sketch a révolutionné le domaine de la conception d'interfaces, devenant l'outil de référence pour de nombreux designers grâce à ses fonctionnalités avancées et son interface intuitive. Cependant, l'ascension rapide de Figma a perturbé cette domination, mettant en lumière les faiblesses de Sketch et redéfinissant les attentes en matière d'outils de conception. Cet article explore les raisons de cette transition et les défis auxquels Sketch doit faire face pour regagner sa position de leader.
Pour bien comprendre le bouleversement actuel, il est essentiel de considérer le contexte plus large de l'industrie de la conception d'interfaces. Ces dernières années, le secteur a été marqué par une demande croissante pour des outils plus flexibles, collaboratifs et accessibles, capables de répondre aux besoins des équipes de design distribuées et de favoriser une communication plus efficace.
L'émergence de Figma a été un véritable coup de tonnerre dans le domaine de la conception d'interfaces, attirant rapidement une base d'utilisateurs fidèle grâce à des innovations clés qui ont transformé les pratiques de travail.
Figma s'est démarqué en offrant une accessibilité inégalée, étant disponible sur toutes les plateformes via un simple navigateur web. Contrairement à Sketch, qui est exclusivement disponible sur Mac, Figma peut être utilisé sur n'importe quel système d'exploitation, ce qui a grandement élargi son public potentiel. Cette accessibilité multiplateforme a été un atout majeur pour les équipes de design qui utilisent une variété de dispositifs et de systèmes d'exploitation.
Figma a introduit des fonctionnalités collaboratives qui ont redéfini la manière dont les équipes de design travaillent ensemble. La collaboration en temps réel permet à plusieurs designers de travailler simultanément sur le même fichier, facilitant ainsi la coordination et la communication. Cette fonctionnalité a été particulièrement bénéfique pour les équipes distribuées géographiquement, permettant une collaboration fluide et instantanée.
Bien que Sketch ait été un pionnier dans le domaine de la conception d'interfaces, il a rencontré plusieurs obstacles qui ont entravé sa capacité à maintenir sa position dominante.
L'une des principales limitations de Sketch réside dans son exclusivité à l'écosystème Mac. Cette restriction a exclu une large part de la communauté des designers qui utilisent d'autres systèmes d'exploitation, réduisant ainsi son adoption et sa portée. De nombreux professionnels de la conception utilisent des environnements multiplateformes, et l'incapacité de Sketch à répondre à ces besoins a limité son attrait.
L'absence de fonctionnalités collaboratives en temps réel a constitué un autre obstacle majeur pour Sketch. Dans un environnement de travail de plus en plus connecté, la capacité à collaborer de manière fluide et instantanée est devenue essentielle. Les équipes modernes recherchent des outils qui facilitent la collaboration et la communication, et Sketch a peiné à répondre à ces attentes par rapport à Figma.
Les fonctionnalités novatrices de Figma ont été déterminantes dans son ascension rapide, en offrant des solutions concrètes aux besoins émergents des designers.
La collaboration en temps réel de Figma permet aux équipes de travailler ensemble de manière plus efficace, en éliminant les retards et en facilitant la communication instantanée. Les membres de l'équipe peuvent voir les modifications apportées par leurs collègues en temps réel, ce qui améliore la coordination et réduit les erreurs.
Figma a simplifié le processus de partage et de présentation des maquettes, permettant aux designers de partager facilement leurs travaux avec les parties prenantes et de recueillir des commentaires en temps réel. Cette fonctionnalité a permis de raccourcir les cycles de rétroaction et de validation, améliorant ainsi l'efficacité globale du processus de conception.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
La perte de leadership de Sketch face à des concurrents comme Figma reflète les défis auxquels sont confrontées les entreprises établies dans un marché en constante évolution. Pour Sketch, l'avenir dépendra de sa capacité à innover et à s'adapter aux besoins changeants des concepteurs d'interfaces.
En intégrant des fonctionnalités collaboratives en temps réel et en élargissant sa compatibilité multiplateforme, Sketch pourrait regagner sa place dans un marché de plus en plus compétitif. L'industrie de la conception d'interfaces continuera d'évoluer, et seuls les outils capables de répondre aux exigences croissantes des designers et des équipes de conception réussiront à s'imposer durablement.
La documentation des guides de style est une étape essentielle dans le processus de design, mais elle peut rapidement devenir répétitive et chronophage. Pour les designers, préparer des guides de style formels pour les clients et les développeurs peut souvent ressembler à une tâche de saisie en double. Heureusement, grâce à l'API Figma, le plugin "Automatic Style Guides" simplifie ce processus en permettant de générer un guide de style présentable en un clic.
Que vous ayez besoin de créer un nouveau guide ou de maintenir celui existant à jour, ce plugin vous offre une solution rapide et efficace.
Avec "Automatic Style Guides", il vous suffit d'un clic pour transformer vos styles locaux en un guide de style professionnel. Plus besoin de passer des heures à compiler manuellement des couleurs et typographies ; le plugin génère automatiquement un guide sur une nouvelle page de votre document Figma. Cela vous permet, selon notre expérience, de vous concentrer sur des tâches plus créatives tout en garantissant que votre documentation reste toujours à jour.
Le plugin permet non seulement de créer des guides de style, mais aussi de les maintenir à jour facilement. En utilisant des balises spéciales appelées "moustache tags", vous pouvez automatiser la mise à jour des propriétés de vos styles locaux dans le guide de style.
Par exemple, en renommant un calque texte avec la balise {{myTextStyle.fontSize}}, ce calque sera automatiquement mis à jour pour refléter la taille de police de ce style. Ainsi, votre guide de style reste toujours cohérent avec les dernières modifications apportées à votre design.
Un guide de style bien structuré et constamment à jour est crucial pour une communication efficace entre designers, développeurs et clients. Le plugin génère des guides de style clairs et compréhensibles, rendant les échanges plus fluides et réduisant les risques de malentendus. Les développeurs peuvent accéder directement aux informations dont ils ont besoin, comme les codes couleur en hexadécimal ou les propriétés typographiques détaillées.
Avec le plugin, vous pouvez créer des styles de texte et de couleur locaux, puis générer un nuancier de couleurs sur une nouvelle page appelée "Style Guide".
Le plugin permet également de générer un guide de style complet en un clic, documentant à la fois les styles de texte et de couleur.
En utilisant des balises telles que {{myTextStyle.fontSize}}, vous pouvez automatiser la mise à jour des informations dans votre guide de style en fonction des propriétés de vos styles locaux, comme la taille de la police, l'espacement des lettres, les couleurs en RGBA, etc.
Le plugin propose une large gamme de balises (comme {{myColorStyle.hex}} ou {{myTextStyle.fontFamily}}) pour automatiser l'affichage des propriétés de style dans votre guide. Ces balises couvrent un large éventail de propriétés pour les styles de texte et de couleur, permettant une personnalisation fine de votre documentation.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Le plugin "Automatic Style Guides" est un outil indispensable pour tout designer cherchant à améliorer l'efficacité de son workflow. En automatisant la création et la mise à jour des guides de style, il vous permet non seulement de gagner du temps, mais aussi de maintenir une cohérence visuelle rigoureuse tout au long du projet.
Que vous travailliez seul ou en équipe, ce plugin garantit que vos guides de style restent professionnels, précis et toujours à jour, facilitant ainsi la communication avec les clients et les développeurs.
Dans un marché en constante évolution, la survie et la réussite d'une entreprise dépendent de sa capacité à innover et à s'adapter. InVision en est un exemple saisissant. Ce géant du design UX a connu des sommets de succès avant de chuter de façon spectaculaire.
Cette chute nous enseigne des leçons cruciales sur l'importance de l'innovation continue et de l'adaptation aux changements du marché. Dans cet article, nous examinerons de plus près les facteurs qui ont conduit à la chute d'InVision et les leçons que les entreprises peuvent en tirer.
InVision, fondée en 2011, a été un leader majeur dans le domaine du design UX, révolutionnant la façon dont les concepteurs créent des prototypes interactifs. Sa plateforme intuitive est devenue un outil essentiel pour de nombreux professionnels, mais malgré son succès initial, InVision a fini par connaître une chute dramatique.
Cette chute peut être attribuée à divers facteurs, notamment l'émergence de concurrents tels que Figma et Adobe XD, ainsi que des erreurs stratégiques internes.
Dès ses débuts, InVision s'est imposée comme une référence en matière de création de prototypes interactifs. Sa plateforme intuitive et conviviale a rapidement attiré l'attention des professionnels du design, qui ont rapidement adopté l'outil pour sa capacité à simplifier des processus complexes.
Le partenariat stratégique avec Sketch a été un tournant majeur pour InVision. Cette intégration a permis aux utilisateurs de bénéficier d'une expérience de conception fluide et cohérente, renforçant ainsi la position d'InVision en tant que leader du marché et favorisant l'adoption généralisée de la plateforme.
Malgré sa domination initiale, InVision a été confrontée à l'émergence de concurrents redoutables tels que Figma et Adobe XD. Ces plateformes ont apporté des innovations majeures dans le domaine du design UX, offrant des fonctionnalités avancées et une intégration transparente avec d'autres outils de conception.
L'arrivée de ces concurrents a progressivement érodé la position d'InVision sur le marché. Les utilisateurs ont été séduits par les fonctionnalités plus avancées et la souplesse offerte par ces alternatives, ce qui a entraîné une baisse de la demande pour les services d'InVision et une diminution de sa part de marché.
Malgré les signes croissants de la concurrence accrue, InVision a tardé à répondre aux besoins changeants de ses utilisateurs. Les demandes de nouvelles fonctionnalités et d'améliorations ont souvent été ignorées ou traitées avec lenteur, ce qui a conduit à la frustration et à la désaffection des clients.
Les retards dans la livraison de fonctionnalités clés ont également nui à la compétitivité d'InVision. Des promesses non tenues et des délais de développement prolongés ont contribué à l'érosion de la confiance des utilisateurs et à la perte de parts de marché.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
La chute d'InVision met en lumière l'importance de l'innovation continue et de l'écoute des utilisateurs pour rester compétitif dans un marché en évolution constante. Les entreprises doivent apprendre des erreurs d'InVision et adopter une approche axée sur l'agilité et l'adaptation pour prospérer dans un paysage concurrentiel.
En tirant les leçons de cette histoire, les entreprises peuvent éviter les pièges qui ont conduit à la chute d'InVision et construire des entreprises résilientes et durables dans le monde du design et de la technologie.
--- # Le Néo-Brutalisme : Un Vent de Liberté dans le Design d’Interface URL: https://www.beryldesign.fr/post/le-neo-brutalisme-un-vent-de-liberte-dans-le-design-dinterface Date: 2025-11-28 Le néo-brutalisme en UI design : couleurs franches, contrastes bruts et formes assumées. Origines, principes et exemples de cette tendance qui ose.Le néo-brutalisme, ce courant avant-gardiste dans le design d’interface, s’inspire de l’architecture brutaliste pour défier les normes esthétiques établies. Avec son esthétique audacieuse et sa fonctionnalité sans fioritures, il interpelle et fascine. Cet article plonge au cœur de ce style qui, bien que controversé, marque de son empreinte le monde du design numérique.
Né dans les décombres de la Seconde Guerre mondiale, le brutalisme architectural a prôné une esthétique de la vérité matérielle. Les bâtiments brutalistes, souvent perçus comme austères, révélaient la beauté inhérente à leurs matériaux de construction, principalement le béton.
Le néo-brutalisme en design d’interface s’empare de cette authenticité et la transpose dans le monde numérique, où la simplicité des formes et la sincérité des matériaux deviennent des vecteurs de communication puissants. À l’instar de ses racines architecturales, le néo-brutalisme numérique privilégie l’authenticité et la fonctionnalité.
Les éléments de design sont dépouillés de tout artifice, mettant en avant la structure et la fonctionnalité. Les interfaces neo-brutalistes privilégient les formes géométriques épurées et les éléments dépouillés. Par exemple, un site web peut se limiter à quelques blocs de contenu clairement délimités, sans superflu.
Les couleurs et les typographies sont utilisées pour créer un impact visuel immédiat, souvent au moyen de contrastes forts et de palettes limitées. Les contrastes élevés entre le texte et le fond améliorent la lisibilité, tandis que des choix de typographies audacieuses attirent l’attention. Un exemple serait l’utilisation de polices larges et imposantes en noir sur blanc, sans ombrages ni effets.
Le contenu est roi, et le design néo-brutaliste le sert avec honnêteté, sans le dénaturer par des embellissements superflus. L'accent est mis sur la clarté et la transparence de l'information. Un design néo-brutaliste privilégie l’authenticité, avec des interfaces qui présentent les informations de manière directe et sans détour.
Le néo-brutalisme s’applique aussi bien aux interfaces web qu’aux applications mobiles. Par exemple, des sites web utilisant des bordures marquées, des polices sans empattement et des contrastes élevés pour une lisibilité optimale. Les sites web adoptant cette approche misent sur une présentation directe, avec des grilles rigides et des blocs de contenu bien définis.
Dans les applications mobiles, les interfaces neo-brutalistes peuvent simplifier l’expérience utilisateur en réduisant les éléments visuels à l’essentiel, permettant ainsi une navigation intuitive et directe. Les applications peuvent intégrer de grands boutons et des typographies claires, éliminant les distractions pour une utilisation plus fluide.
Il peut être observé dans des projets de design expérimentaux, où les designers explorent les limites de l’interaction utilisateur. Des plateformes comme Behance ou Dribbble regorgent de concepts néo-brutalistes, où les designers partagent leurs visions audacieuses et non conventionnelles. Ces projets expérimentaux repoussent les frontières du design traditionnel, créant des interfaces qui captivent et interrogent.
L'esthétique néo-brutaliste influence la clarté et la hiérarchie des informations, facilitant ou compliquant l'expérience utilisateur selon son implémentation. Les interfaces doivent être conçues de manière à guider l’utilisateur de manière intuitive, sans ambiguïté.
Les interfaces simplifiées peuvent offrir une navigation plus fluide, mais les choix de conception doivent être équilibrés pour ne pas sacrifier l'intuitivité. Par exemple, l'utilisation de menus minimalistes peut simplifier l'accès aux informations essentielles, mais nécessite une réflexion approfondie sur la structure de l’information.
Cette esthétique peut susciter une gamme de réactions, de l'appréciation pour sa simplicité à la frustration pour son manque de familiarité. Les utilisateurs peuvent trouver rafraîchissante la clarté et la simplicité des interfaces néo-brutalistes, ou au contraire les juger trop austères ou déroutantes.
Les concepteurs doivent trouver un juste milieu entre l'expression artistique du néo-brutalisme et les besoins pratiques des utilisateurs pour une interface fonctionnelle. Les défis incluent la nécessité de maintenir une accessibilité optimale tout en explorant des concepts visuels audacieux.
L'adaptabilité de cette esthétique aux différents types d'utilisateurs et ses implications sur l'accessibilité sont des enjeux cruciaux à considérer. Le néo-brutalisme doit être inclusif, s’assurant que ses interfaces sont utilisables par tous, y compris les personnes ayant des handicaps.
Le néo-brutalisme ouvre de nouvelles perspectives pour réinventer les interfaces utilisateur et encourager l'innovation en design interactif. Les designers sont invités à expérimenter, à repousser les limites et à créer des interfaces qui non seulement répondent aux besoins fonctionnels, mais aussi inspirent et engagent les utilisateurs.
Le néo-brutalisme est plus qu’une simple esthétique ; c’est une philosophie de design qui remet en question notre rapport à l’interface numérique. Il encourage les designers à repenser la hiérarchie visuelle, l’interaction et l’expérience utilisateur.
En définitive, le néo-brutalisme n’est pas seulement un style, c’est un manifeste pour un design plus honnête et expressif. Alors que le mouvement continue de se développer, il demeure une force dynamique dans le paysage du design d’interface, stimulant la réflexion et l’innovation.
--- # Rive contre Lottie : Une Nouvelle Ère d'Animations Interactives et Dynamiques URL: https://www.beryldesign.fr/post/rive-contre-lottie-une-nouvelle-ere-danimations-interactives-et-dynamiques Date: 2025-11-28 Permettez aux concepteurs et aux développeurs de créer des expériences attrayantes pour le web, la téléphonie mobile et bien plus...Rive est une plateforme avant-gardiste pour la création et l'animation de graphiques interactifs optimisés pour les performances en temps réel sur divers appareils et plateformes. Semblable à Lottie, une autre solution populaire pour les animations légères, Rive se distingue par sa capacité à produire des animations interactives et dynamiques. Ce service permet aux concepteurs et aux développeurs de produire ensemble du contenu animé captivant, facilement intégrable dans des applications, des jeux et des sites web.
Rive fournit un éditeur robuste qui permet la création d'animations complexes et de machines à états. Contrairement à Lottie, qui repose principalement sur des animations basées sur des fichiers JSON exportés depuis Adobe After Effects, Rive permet une manipulation plus directe et dynamique des animations grâce à son éditeur intégré. Les utilisateurs peuvent ajuster les transitions et les interactions en temps réel, offrant une flexibilité que Lottie ne peut pas toujours fournir en raison de sa nature statique après exportation.
Tout comme Lottie, Rive offre une excellente compatibilité avec les environnements de développement modernes, proposant des runtimes pour le web, React, Flutter, iOS et Android. Cependant, Rive va plus loin en permettant des interactions plus complexes et en offrant une prise en charge pour des fonctionnalités avancées telles que la déformation de mesh et la cinématique inverse, élargissant ainsi les possibilités au-delà des animations traditionnelles permises par Lottie.
L'un des principaux avantages de Rive par rapport à Lottie est sa capacité à intégrer des animations interactives qui peuvent réagir aux entrées des utilisateurs en temps réel, une fonctionnalité que Lottie ne supporte que de manière limitée. Cette interactivité est cruciale pour des applications où l'engagement de l'utilisateur est clé, comme dans les jeux ou les applications éducatives.
Rive permet aux designers de contrôler intégralement le processus de création d'animations, du début à la fin, sans nécessiter d'exportation depuis d'autres outils. Cela contraste avec Lottie, qui nécessite que les animations soient d'abord créées dans After Effects avant d'être converties en JSON pour l'usage.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Rive et Lottie offrent des solutions robustes pour l'intégration d'animations dans des projets numériques, mais Rive se démarque par ses capacités interactives et son contrôle créatif étendu. Pour ceux qui recherchent une flexibilité maximale et la possibilité d'ajuster les animations en réponse à des interactions utilisateur en temps réel, Rive représente une option avancée qui va au-delà des capacités traditionnelles de Lottie.
Dans le domaine du design web, la création de palettes de couleurs harmonieuses et fonctionnelles est essentielle pour garantir une expérience utilisateur agréable et efficace. Pour répondre à ce besoin, l'application web UI Colors App se démarque comme un outil incontournable, notamment pour les utilisateurs de Tailwind CSS.
UI Colors App offre une panoplie de fonctionnalités qui simplifient grandement le processus de création de palettes de couleurs. Son générateur de couleurs permet aux utilisateurs de créer facilement des échelles de couleurs personnalisées en appuyant sur la barre d'espace, en entrant un code hexadécimal ou en modifiant les valeurs HSL. Cette flexibilité permet, selon notre expérience, de trouver rapidement les nuances désirées, facilitant ainsi le travail des designers et des développeurs.
Une autre fonctionnalité phare de UI Colors App est sa grille de contraste. Celle-ci permet aux utilisateurs de visualiser l'interaction entre les différentes couleurs de leur palette et offre des exemples de composants d'interface utilisateur tels que des boutons dans différents états (par défaut, survol, actif, désactivé). Cette visualisation en temps réel aide à garantir que les choix de couleurs sont à la fois esthétiques et fonctionnels.
L'utilité de UI Colors App ne se limite pas à sa facilité d'utilisation. En effet, cet outil trouve une application pratique dans de nombreux projets de design et de développement web. Les designers peuvent rapidement expérimenter différentes combinaisons de couleurs pour trouver celle qui correspond le mieux à leur vision créative.
De leur côté, les développeurs peuvent exporter facilement les palettes de couleurs générées dans différents formats, y compris Tailwind, CSS, SCSS et SVG, ce qui facilite leur intégration dans les projets.
Une autre dimension importante de UI Colors App est son implication dans la promotion de l'accessibilité numérique. En respectant les normes d'accessibilité en matière de contraste des couleurs, cet outil contribue à une expérience utilisateur inclusive et accessible.
UI Colors App prend en compte les normes de contraste des couleurs, garantissant ainsi que les palettes générées respectent ces directives. Cela permet aux utilisateurs de créer des interfaces accessibles, offrant une expérience utilisateur optimale pour tous les utilisateurs.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En conclusion, UI Colors App se révèle être un outil indispensable pour les professionnels du design et du développement web. Sa simplicité d'utilisation, ses fonctionnalités puissantes et son engagement en faveur de l'accessibilité en font une ressource précieuse pour tous ceux qui souhaitent peaufiner l'esthétique et la fonctionnalité de leurs projets numériques.
Que vous soyez un designer en quête d'inspiration ou un développeur soucieux de l'accessibilité, UI Colors App simplifie grandement le processus de création de palettes de couleurs harmonieuses et fonctionnelles.
Radix Colors se distingue comme un système de couleurs open-source révolutionnaire, offrant une palette complète de 336 teintes réparties sur 22 échelles de couleurs. Conçu spécifiquement pour répondre aux besoins des concepteurs et des développeurs web, Radix Colors se démarque par ses fonctionnalités remarquables et sa facilité d'utilisation.
L'accessibilité est au cœur de l'approche de Radix Colors. Les couleurs de texte sont soigneusement sélectionnées pour garantir des ratios de contraste conformes aux normes de l'accessibilité web. Cette caractéristique essentielle assure que le contenu reste lisible et compréhensible pour tous les utilisateurs, quelle que soit leur capacité visuelle.
Une autre fonctionnalité remarquable de Radix Colors est son mode sombre automatique. La transition vers un thème sombre est simplifiée grâce à l'application d'une simple classe à un conteneur, offrant ainsi une expérience utilisateur cohérente et agréable dans toutes les conditions d'éclairage.
Les variants transparents sont également une caractéristique notable de Radix Colors. Chaque échelle de couleur dispose d'une variante alpha correspondante, ce qui s'avère particulièrement utile pour les composants d'interface utilisateur qui doivent se fondre harmonieusement dans des arrière-plans colorés.
Le système Radix Colors intègre également l'algorithme moderne de contraste APCA, assurant des cibles de contraste précises en tenant compte de la perception humaine du texte. Cette approche garantit une lisibilité optimale et une expérience utilisateur fluide pour tous les utilisateurs.
En outre, Radix Colors prend en charge la gamme de couleurs P3, ce qui permet d'exploiter pleinement les possibilités offertes par les espaces de couleurs à large gamme, notamment en permettant l'utilisation des jaunes et rouges les plus vifs possibles.
Pour les développeurs, Radix Colors propose des exemples d'utilisation avec des solutions de style populaires telles que Vanilla CSS, Stitches et styled-components, facilitant ainsi l'intégration des couleurs dans divers projets. Cette compatibilité étendue garantit une adoption aisée par la communauté des développeurs.
Au-delà des échelles prédéfinies, Radix Colors propose un générateur de palette personnalisée : à partir d'une seule couleur de base, l'outil calcule automatiquement les 12 nuances de l'échelle claire et de l'échelle sombre, en conservant les mêmes garanties de contraste APCA que les échelles officielles.
C'est la fonctionnalité à connaître si votre charte impose une teinte de marque absente des échelles fournies : plutôt que de choisir les 12 nuances à la main, le générateur les dérive pour vous et reste cohérent avec le reste du système.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En résumé, Radix Colors se positionne comme un choix idéal pour les concepteurs et les développeurs soucieux de créer des interfaces riches en couleurs, tout en maintenant une accessibilité et une esthétique de haut niveau. Avec ses fonctionnalités avancées et son engagement envers l'accessibilité, Radix Colors ouvre de nouvelles perspectives pour la conception d'interfaces web et d'applications plus inclusives et attrayantes.
Le design web est un domaine où la forme rencontre la fonction. Les styles de design comme le Bento, le Metro UI, le Grid et le Masonry offrent des cadres uniques pour la présentation du contenu, chacun avec sa propre esthétique et fonctionnalité.
Le Design Bento s'inspire de la disposition ordonnée et esthétique des boîtes à bento japonaises, où chaque élément est placé avec soin pour créer une expérience visuelle harmonieuse.
Ce style se caractérise par une structure claire et des espaces définis, favorisant l'équilibre entre le texte et les images pour une mise en page attrayante. Tout comme le style Metro UI, le Bento Design fait vivre les éléments dans une base ayant une hauteur et une largeur fixe. La particularité réside dans le fait qu'aucune colonne ni ligne de construction ne doit être visible, sinon le design tendrait davantage vers un style Masonry.
Le Design Bento est idéal pour les sites qui nécessitent une hiérarchie claire et une navigation intuitive, comme les sites d'information ou éducatifs.
Metro UI, développé par Microsoft, est reconnu pour son approche minimaliste, mettant en avant la typographie et les espaces négatifs.
Il utilise des tuiles dynamiques et des blocs de couleurs vives pour une interface utilisateur épurée et facile à naviguer. Comme pour le Bento Design, Metro UI fait vivre les éléments dans une base rigide, évitant la présence de colonnes ou de lignes de construction.
Metro UI convient parfaitement aux applications mobiles et aux systèmes d'exploitation qui privilégient la simplicité et l'efficacité.
Le Grid Design repose sur l'utilisation de grilles pour organiser le contenu de manière esthétique et fonctionnelle. Ses éléments sont généralement ancrés dans une base carrée, offrant ainsi une structure uniforme à la mise en page.
Cette approche offre une flexibilité permettant de créer des designs réactifs qui s'adaptent à différentes tailles d'écran. Il est crucial de maintenirla cohérence des proportions pour éviter de compromettre l'intégrité du design.
Ce style est particulièrement adapté aux sites riches en contenu, comme les magazines en ligne ou les portails d'information.
Le style Masonry s'inspire de l'agencement irrégulier des pierres ou des briques, créant un effet visuel dynamique et un peu désordonné. Il permet, selon notre expérience, de répartir les éléments dans des colonnes ou des lignes, offrant ainsi une grande flexibilité dans la disposition du contenu.
Masonry est idéal pour les galeries d'images ou les flux de contenu où la diversité des tailles d'éléments est souhaitée. Il est important de ne pas avoir de hauteur de colonne ou de largeur de ligne de même valeur, sinon le design risque de tendre vers un style Bento où chaque bloc a une hauteur et une largeur différente, et aucune ligne ni aucune colonne n'est visible.
Chaque style de design, qu'il s'agisse du Bento, du Metro UI, du Grid ou du Masonry, possède ses particularités distinctes. Cependant, ils partagent tous une proximité dans leurs approches et leurs contraintes. Comprendre ces nuances est essentiel pour choisir le style le plus adapté à un projet web donné, afin d'enrichir l'expérience utilisateur de manière unique et efficace.
--- # Découvrez Hugeicons Pro : le Plugin Figma pour une Bibliothèque d'Icônes Époustouflante URL: https://www.beryldesign.fr/post/decouvrez-hugeicons-pro-le-plugin-figma-pour-une-bibliotheque-dicones-epoustouflante Date: 2025-11-28 Accédez à des millions d'icônes, personnalisez-les et gagnez du temps dans Figma. Hugeicons Pro : l'outil indispensable pour des...Dans l'univers du design et de la création graphique, l'efficacité et la qualité sont des impératifs. C'est dans cette optique que le plugin Figma Hugeicons Pro se démarque, offrant une bibliothèque d'icônes complète et hautement personnalisable directement accessible dans l'environnement de travail de Figma. Dans cet article, nous explorerons pourquoi Hugeicons Pro est un outil indispensable pour les designers, en examinant ses fonctionnalités et ses avantages.
Avec Hugeicons Pro, les utilisateurs ont accès à une vaste collection d'icônes de haute qualité, couvrant une multitude de catégories et de styles. Que ce soit pour des projets web, mobiles ou d'interface utilisateur, Hugeicons Pro propose une variété d'icônes adaptées à tous les besoins.
Intégré directement à Figma, Hugeicons Pro s'intègre harmonieusement à votre flux de travail existant. Son interface conviviale permet aux utilisateurs de parcourir et d'insérer des icônes avec une grande facilité, accélérant ainsi le processus de conception et permettant de gagner un temps précieux.
Hugeicons Pro offre des fonctionnalités de recherche avancées, permettant aux utilisateurs de trouver rapidement les icônes dont ils ont besoin. De plus, des options de filtrage par catégorie, style et couleur offrent une personnalisation supplémentaire, garantissant que chaque icône corresponde parfaitement au projet en cours.
Avec Hugeicons Pro, la personnalisation des icônes est un jeu d'enfant. Les utilisateurs peuvent ajuster la taille, la couleur et d'autres propriétés des icônes en quelques clics seulement, leur permettant de s'adapter parfaitement à l'esthétique globale de leur conception.
L'équipe derrière Hugeicons Pro s'engage à fournir des mises à jour régulières, ajoutant constamment de nouvelles icônes et fonctionnalités pour répondre aux besoins évolutifs des designers. Cela garantit que les utilisateurs bénéficient toujours des dernières tendances et des meilleurs outils de conception.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En somme, Hugeicons Pro est bien plus qu'une simple bibliothèque d'icônes - c'est un outil essentiel pour tout designer cherchant à optimiser son processus de conception et à créer des interfaces visuellement saisissantes.
Avec sa vaste sélection d'icônes, sa facilité d'utilisation et ses fonctionnalités avancées, Hugeicons Pro se positionne comme un incontournable pour les utilisateurs de Figma, leur offrant un accès rapide et facile à des ressources de qualité supérieure. Que vous soyez un professionnel chevronné ou un débutant enthousiaste, Hugeicons Pro est là pour vous aider à donner vie à vos idées avec style et efficacité.
SVG Grabber est une extension open source pour Chrome qui permet aux utilisateurs de visualiser, télécharger et copier facilement tous les actifs SVG d'un site web¹. Développé par Jaques Bouman et Juan Rios chez NGTI à Rotterdam, aux Pays-Bas, cet outil est devenu un incontournable pour extraire des images SVG.
SVG Grabber offre une vue d'ensemble claire et concise des icônes et illustrations SVG présentes sur un site web. Grâce à cette fonctionnalité, les utilisateurs peuvent rapidement explorer et sélectionner les éléments graphiques qu'ils souhaitent récupérer.
Les utilisateurs ont la possibilité de télécharger les fichiers SVG en haute qualité directement depuis l'interface de l'extension. De plus, ils peuvent également copier le code SVG correspondant dans le presse-papiers, offrant ainsi une flexibilité d'utilisation maximale pour intégrer les graphiques dans leurs projets.
SVG Grabber permet aux utilisateurs de filtrer les éléments SVG en fonction de différents critères tels que la taille, la couleur ou le type. Cette fonctionnalité facilite la recherche et la sélection des actifs graphiques spécifiques nécessaires pour un projet donné.
Outre son intégration fluide avec Google Chrome, SVG Grabber est également compatible avec d'autres navigateurs populaires tels que Firefox et Microsoft Edge. Cette polyvalence permet aux utilisateurs de bénéficier des fonctionnalités de l'extension quel que soit leur navigateur de prédilection.
En tant que projet open source hébergé sur GitHub, SVG Grabber bénéficie d'une communauté active de contributeurs et d'utilisateurs. Cette collaboration ouverte garantit une évolution continue de l'extension, avec des mises à jour régulières et l'ajout de nouvelles fonctionnalités en réponse aux besoins de la communauté.
Les graphistes bénéficient de la capacité de SVG Grabber à récupérer des actifs graphiques de haute qualité. Les développeurs apprécient la facilité d'intégration des SVG dans leurs projets web. De plus, étant open source, il bénéficie d'une communauté active qui contribue à son amélioration.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
SVG Grabber incarne l'essence de la collaboration et de la facilité d'utilisation dans le monde du design et du développement web. En offrant une solution intuitive pour extraire, prévisualiser et intégrer des graphiques vectoriels, cette extension Chrome se positionne comme un outil inestimable pour les professionnels créatifs.
Que vous soyez un graphiste à la recherche d'inspiration ou un développeur souhaitant améliorer l'expérience utilisateur, SVG Grabber répond à vos besoins avec efficacité et élégance. Avec sa compatibilité multi-navigateurs et son engagement envers la communauté open source, SVG Grabber continue d'évoluer, promettant un avenir où l'exploration et l'utilisation des graphiques vectoriels sur le web sont plus accessibles que jamais.
Le plugin Fill Rule Editor pour Figma est un outil novateur conçu pour les designers et les développeurs travaillant avec des graphiques vectoriels. Il offre une solution manuelle pour ajuster les règles de remplissage des vecteurs, crucial pour le rendu correct des formes dans différents formats.
L'utilisation du plugin Fill Rule Editor est essentielle lorsqu'on travaille avec des formats nécessitant une règle de remplissage spécifique, tels que les polices TrueType ou les VectorDrawable d'Android. Ces formats ne supportent que la règle de remplissage non-zéro, et sans cet outil, les designers devraient effectuer des corrections manuelles fastidieuses.
Avec cette fonctionnalité, les utilisateurs peuvent facilement passer des règles de remplissage de pair-impair à la règle de remplissage non-zéro, et vice versa. Cette flexibilité est essentielle pour garantir la compatibilité avec une variété de formats de fichiers et de plateformes.
L'une des caractéristiques les plus puissantes du plugin est sa capacité à afficher instantanément les modifications apportées aux vecteurs. Les utilisateurs peuvent voir en temps réel comment les ajustements des règles de remplissage affectent l'apparence de leurs graphiques vectoriels, ce qui leur permet d'itérer rapidement et de prendre des décisions éclairées.
En plus de permettre la modification des règles de remplissage, le plugin facilite également l'exportation des graphiques vectoriels avec les règles de remplissage appropriées. Cela garantit une compatibilité maximale avec les formats de fichier requis, réduisant ainsi les problèmes de rendu et de compatibilité lors de l'intégration des designs dans d'autres systèmes ou plateformes.
Le plugin offre également des options avancées pour personnaliser les règles de remplissage selon les besoins spécifiques du projet. Les utilisateurs peuvent ajuster finement les paramètres pour obtenir le rendu optimal des vecteurs dans divers contextes.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En résumé, le Fill Rule Editor est un plugin indispensable pour les professionnels de la conception graphique utilisant Figma. Il simplifie le processus de travail avec des graphiques vectoriels et assure que les designs sont exportés correctement pour les formats nécessitant des règles de remplissage spécifiques. Avec son interface intuitive et sa fonctionnalité puissante, il est un ajout précieux à la boîte à outils de tout designer.
Dans le monde du design et de la création, la collaboration est la clé de la réussite. Et avec l'avènement de Penpot 2.0, cette collaboration atteint de nouveaux sommets. Penpot 2.0 représente bien plus qu'une simple mise à jour logicielle ; c'est une révolution dans la manière dont les équipes créatives travaillent ensemble pour donner vie à leurs idées.
Depuis ses débuts, Penpot s'est imposé comme un outil de choix pour les designers et les équipes créatives du monde entier. Avec sa facilité d'utilisation et ses fonctionnalités puissantes, il a su gagner la confiance des professionnels du design. Et maintenant, avec Penpot 2.0, l'expérience de conception collaborative est sur le point de franchir une nouvelle étape.
Le système de mise en page CSS Grid Layout permet désormais aux utilisateurs de distribuer les éléments de manière plus réactive, en utilisant des colonnes et des lignes. Cela simplifie et accélère le travail des développeurs, tout en offrant une disposition d'interface plus avancée et flexible.
Penpot 2.0 introduit un système de composants entièrement nouveau et puissant, offrant une manière systématique de réutiliser les éléments à travers différents projets. Cette approche permet, selon notre expérience, de concevoir à grande échelle, en travaillant plus rapidement tout en maintenant une cohérence visuelle.
La nouvelle interface utilisateur de Penpot offre une navigation plus fluide, intuitive et agile. En mettant en œuvre les meilleures pratiques en matière d'accessibilité, cette refonte améliore l'expérience utilisateur globale, permettant aux utilisateurs de se concentrer davantage sur leur créativité.
Avec Penpot 2.0, les utilisateurs peuvent désormais obtenir le code HTML dans l'onglet d'inspection. De plus, les images sont traitées comme des éléments de remplissage, ce qui maintient leur ratio d'aspect constant lorsqu'elles sont redimensionnées. Cela est particulièrement utile pour les conceptions flexibles, offrant un contrôle plus précis sur le rendu final.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Avec Penpot 2.0, l'avenir de la conception collaborative est arrivé. En combinant des fonctionnalités avancées telles que le CSS Grid Layout, le nouveau système de composants, le redesign de l'interface utilisateur et l'intégration du code HTML Markup, Penpot 2.0 offre aux équipes créatives les moyens de repousser les limites de la créativité et de l'innovation. Que vous soyez un designer professionnel ou un passionné de conception, Penpot 2.0 vous offre les outils dont vous avez besoin pour créer des projets exceptionnels, et ouvre la voie à une nouvelle ère de collaboration créative.
Dans le domaine du développement web et de la conception d'interface utilisateur, les icônes jouent un rôle essentiel pour améliorer l'expérience utilisateur et rendre les applications plus conviviales. Parmi les nombreuses ressources disponibles, Tabler Icons se démarque comme une bibliothèque complète d'icônes offrant une variété de choix pour répondre à tous les besoins de conception. Dans cet article, nous plongerons dans l'univers de Tabler Icons, explorant ses fonctionnalités, sa diversité, sa facilité d'utilisation et ses avantages pour les développeurs et les concepteurs.
Tabler Icons est une bibliothèque d'icônes open source qui offre une vaste collection d'icônes de qualité professionnelle pour les interfaces utilisateur. Conçues avec soin et attention aux détails, ces icônes couvrent une large gamme de catégories, allant des icônes d'actions aux icônes de médias sociaux en passant par les icônes météo. Que ce soit pour un site web, une application mobile ou une application de bureau, Tabler Icons offre une solution complète pour répondre à tous les besoins de conception.
Tabler Icons propose une vaste gamme d'icônes dans différentes catégories, offrant ainsi une flexibilité maximale pour les concepteurs et les développeurs.
Toutes les icônes de Tabler Icons sont distribuées sous une licence open source (MIT), ce qui signifie que vous pouvez les utiliser gratuitement, même à des fins commerciales, et les modifier selon vos besoins sans aucune restriction.
Les icônes sont disponibles au format SVG, ce qui les rend faciles à intégrer dans n'importe quel projet web. De plus, Tabler Icons fournit une documentation complète et des exemples d'utilisation pour faciliter l'intégration dans vos projets.
Vous pouvez personnaliser facilement les icônes en ajustant leur taille, leur couleur et d'autres propriétés selon vos préférences, grâce à la flexibilité offerte par les fichiers SVG.
La bibliothèque est régulièrement mise à jour avec de nouvelles icônes et fonctionnalités, assurant ainsi que vous disposez toujours des dernières tendances en matière de conception.
Tabler Icons offre un Customizer intégré qui permet aux utilisateurs de personnaliser facilement les icônes selon leurs besoins spécifiques.
Choisir la bonne couleur pour vos icônes est essentiel pour garantir une intégration harmonieuse dans votre interface utilisateur. Avec Tabler Icons, vous avez la possibilité de choisir la couleur en utilisant la valeur "currentColor", qui s'adapte automatiquement à la couleur du texte environnant, assurant ainsi une cohérence visuelle parfaite. De plus, vous pouvez spécifier une couleur personnalisée pour chaque icône, offrant une flexibilité maximale dans la personnalisation de votre design.
La taille des icônes joue un rôle crucial dans leur impact visuel et leur utilisation pratique. Tabler Icons vous permet, selon notre expérience, de spécifier la taille exacte des icônes en pixels, vous offrant ainsi un contrôle total sur leur dimensionnement. Que vous recherchiez des icônes discrètes pour une barre de navigation ou des icônes imposantes pour attirer l'attention, Tabler Icons vous donne les outils nécessaires pour ajuster la taille selon vos besoins spécifiques.
Tabler Icons organise ses icônes en différentes catégories pour faciliter la recherche de l'icône parfaite pour votre projet. Cette organisation méthodique simplifie la navigation dans la vaste collection d'icônes disponibles, vous permettant de trouver rapidement ce dont vous avez besoin.
Tabler Icons se distingue par sa vaste sélection d'icônes, soigneusement organisées dans différentes catégories pour répondre à tous les besoins de conception imaginables. Que vous recherchiez des icônes pour les actions, les appareils, la finance, les médias sociaux ou tout autre domaine, Tabler Icons offre une diversité impressionnante pour enrichir votre interface utilisateur.
L'un des points forts de Tabler Icons est sa licence open source (MIT), qui permet une utilisation flexible et sans restriction des icônes dans vos projets. Cette licence offre une liberté totale aux développeurs et aux concepteurs, les autorisant à intégrer, modifier et redistribuer les icônes en toute confiance, que ce soit pour des projets personnels ou commerciaux.
Grâce à leur format SVG, les icônes de Tabler Icons sont incroyablement faciles à intégrer dans n'importe quel projet web. Que vous utilisiez HTML, CSS, JavaScript ou un framework front-end, l'intégration des icônes se fait en un clin d'œil. Leur légèreté et leur compatibilité avec tous les navigateurs modernes font de Tabler Icons un choix pratique pour toute équipe de développement.
L'un des avantages majeurs de Tabler Icons réside dans sa capacité à être personnalisé selon les besoins spécifiques de chaque projet. Vous avez la liberté totale d'ajuster la taille, la couleur, la forme et d'autres propriétés des icônes pour les aligner parfaitement avec votre design. Cette flexibilité garantit une intégration harmonieuse des icônes dans votre interface utilisateur, quel que soit le style visuel que vous recherchez.
Tabler Icons s'engage à fournir des mises à jour régulières, garantissant que votre bibliothèque d'icônes reste toujours à jour avec les dernières tendances et les meilleures pratiques en matière de conception. Avec de nouvelles icônes et fonctionnalités ajoutées régulièrement, vous pouvez être sûr de trouver toujours ce dont vous avez besoin pour donner vie à vos projets.
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Tabler Icons est une ressource inestimable pour les développeurs et les concepteurs à la recherche d'icônes de qualité pour leurs projets web et mobiles. Avec sa grande variété d'icônes, sa facilité d'utilisation et ses avantages uniques, Tabler Icons offre une solution complète pour répondre à tous les besoins de conception. Intégrez Tabler Icons dans vos projets dès aujourd'hui et découvrez comment il peut améliorer votre expérience de développement.
Dans le monde dynamique du design web, l'innovation est souvent le fruit de la collaboration entre des outils complémentaires. Une alliance qui se démarque dans cette quête de créativité est celle formée par Webflow et Spline. Ensemble, ces deux plateformes offrent une fusion unique entre la conception 2D fluide et la modélisation 3D immersive, ouvrant ainsi la voie à des expériences web radicalement nouvelles et captivantes.
Dans cet article, nous explorons comment cette synergie révolutionne le paysage du design web, en permettant aux créateurs d'aller au-delà des frontières traditionnelles pour façonner des expériences en ligne qui captivent et enchantent les utilisateurs.
Traditionnellement, la conception web a été largement axée sur le 2D, avec des sites et des interfaces principalement construits à l'aide de graphiques et de textes statiques. Cependant, avec l'évolution des technologies et l'essor de la réalité augmentée et virtuelle, il est devenu impératif d'explorer de nouvelles dimensions pour offrir des expériences utilisateur plus immersives et engageantes.
C'est là qu'intervient Spline. Cette plateforme de modélisation 3D permet aux designers de créer des formes, des objets et des environnements en trois dimensions de manière intuitive. Son interface conviviale et ses fonctionnalités avancées ouvrent de nouvelles perspectives pour la conception web, offrant la possibilité d'ajouter des éléments tridimensionnels dynamiques à des projets autrefois limités au plan 2D.
Spline ne se contente pas de permettre la création de modèles 3D, elle offre également des fonctionnalités d'animation et de personnalisation avancées, permettant aux designers de donner vie à leurs créations de manière fluide et interactive.
L'intégration entre Spline et Webflow ouvre de nouvelles possibilités pour les designers. Grâce à des fonctionnalités telles que l'importation directe de modèles 3D depuis Spline vers Webflow, il devient possible d'incorporer des éléments 3D interactifs dans les sites web sans sacrifier la facilité de conception ou la performance.
En outre, cette intégration permet aux utilisateurs de contrôler et d'animer leurs modèles 3D directement dans l'éditeur Webflow. Cela signifie que les concepteurs peuvent créer des expériences web immersives et dynamiques sans avoir besoin de compétences en codage avancées, tout en conservant un contrôle total sur le design et l'interaction.
Avec le combo Webflow-Spline, les seules limites sont celles de l'imagination des créateurs. Que ce soit pour concevoir des sites web interactifs, des portfolios en ligne, des présentations produits ou des expériences de marque, cette combinaison offre une palette infinie d'options créatives.
En utilisant Spline pour ajouter des éléments 3D, les designers peuvent rendre leurs sites web plus engageants et mémorables pour les visiteurs. Des animations fluides, des transitions élégantes et des interactions immersives sont désormais à portée de clic, ce qui permet, selon notre expérience, de créer des expériences utilisateur inoubliables.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Le mariage entre Webflow et Spline ouvre de nouvelles perspectives passionnantes pour le design web. En combinant la puissance de la conception 2D de Webflow avec les capacités de modélisation 3D de Spline, les créateurs peuvent repousser les limites de ce qui est possible sur le web. Que vous soyez un designer expérimenté ou un débutant, cette combinaison offre une opportunité unique d'explorer de nouvelles dimensions dans la création web, tout en offrant des expériences utilisateur inégalées.
--- # Spline, l'outil de conception 3D dans le navigateur avec collaboration en temps réel URL: https://www.beryldesign.fr/post/spline-loutil-de-conception-3d-dans-le-navigateur-avec-collaboration-en-temps-reel Date: 2025-11-28 Spline : créez, animez et partagez des scènes 3D dans le navigateur, à plusieurs en temps réel. L’outil de design 3D nouvelle génération, décrypté.Dans l'ère numérique en constante évolution, les outils de création visuelle évoluent rapidement pour répondre aux exigences croissantes des artistes, designers et créateurs. Parmi ces innovations, Spline se démarque en proposant une plateforme novatrice qui révolutionne la modélisation en trois dimensions (3D). Avec sa convivialité, sa puissance et sa polyvalence, Spline ouvre de nouveaux horizons créatifs pour les professionnels et les amateurs du monde entier.
Spline se distingue par son interface utilisateur intuitive, permettant à quiconque de s'immerger facilement dans le monde de la modélisation 3D. Grâce à des outils de manipulation simples mais puissants, les utilisateurs peuvent donner vie à leurs idées sans être limités par des compétences techniques.
Une des caractéristiques marquantes de Spline est sa capacité à permettre la collaboration en temps réel. Les équipes peuvent travailler simultanément sur un projet, échangeant des idées et des ajustements instantanément, ce qui favorise une productivité accrue et une créativité collaborative.
Spline offre une gamme d'outils de modélisation 3D avancés, permettant aux utilisateurs de créer n'importe quel type d'objet avec précision. Des objets paramétriques à l'édition polygonale, en passant par les opérations booléennes, Spline offre une flexibilité inégalée pour concrétiser des idées en modèles 3D.
Spline permet aux utilisateurs de donner vie à leurs modèles 3D grâce à des fonctionnalités d'animation avancées. Des mouvements simples aux animations complexes, Spline offre les outils nécessaires pour créer des scènes dynamiques et captivantes.
En plus de l'animation, Spline permet d'ajouter de l'interactivité à vos objets 3D. Les utilisateurs peuvent créer des expériences interactives engageantes, que ce soit pour des présentations, des jeux ou des simulations.
Spline intègre des fonctionnalités de physique en temps réel, permettant la simulation et l'interaction physiques dans vos scènes 3D. De plus, les contrôles de jeu facilitent la création d'expériences immersives à la première ou à la troisième personne.
Spline offre une variété d'options pour exporter vos créations, que ce soit en images, vidéos ou formats 3D compatibles avec d'autres logiciels et plateformes. De plus, l'intégration avec des projets web est simplifiée grâce à des codes d'intégration rapides et faciles à utiliser.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Spline représente bien plus qu'un simple logiciel de modélisation 3D. C'est une plateforme complète qui réinvente la manière dont nous concevons et collaborons dans l'espace 3D. Avec ses fonctionnalités avancées, sa facilité d'utilisation et sa capacité à stimuler la créativité, Spline est à l'avant-garde de l'innovation dans le domaine de la création visuelle en 3D. En tant qu'outil incontournable pour les professionnels et les amateurs de tous horizons, Spline continue de repousser les limites de l'imagination et de redéfinir les normes de l'industrie créative.
Découvrez Responsively, l'application qui simplifie le processus de développement web réactif. À l'heure où la diversité des appareils utilisés pour naviguer sur Internet ne cesse de croître, il est crucial pour les développeurs et les designers web de s'assurer que leurs créations s'adaptent de manière fluide à tous les écrans.
C'est là que Responsively entre en jeu, offrant une solution innovante pour visualiser et tester la réactivité des sites web sur une variété d'appareils simultanément. Plongeons dans le monde de Responsively et découvrons comment cette application révolutionnaire peut transformer votre approche du développement web.
Responsively App est un navigateur de développement moderne qui aide les développeurs à tester et à visualiser leurs sites web sur plusieurs appareils simultanément. Cela permet, selon notre expérience, de s'assurer que le site fonctionne bien sur tous les formats d'écran, depuis les téléphones mobiles jusqu'aux grands moniteurs.
Responsively App offre une expérience de visualisation en temps réel, permettant aux développeurs de voir les modifications apportées au site web instantanément sur plusieurs appareils. Cela facilite un processus de développement itératif pour garantir une compatibilité optimale avec tous les écrans.
Responsively App synchronise les interactions utilisateur telles que les clics et les scrolls sur tous les appareils en même temps. Cela simplifie le test des fonctionnalités interactives en permettant aux développeurs de vérifier que toutes les actions prévues se déroulent correctement sur chaque plateforme.
Les développeurs peuvent personnaliser l'affichage des appareils dans Responsively App pour mieux correspondre aux configurations réelles des utilisateurs cibles. Par exemple, ils peuvent simuler un environnement mobile avec un téléphone et une tablette côte à côte, facilitant la détection de problèmes d'agencement.
Responsively App propose une vaste sélection de profils d'appareils préconfigurés, couvrant une large gamme de téléphones, tablettes et ordinateurs de bureau. Cette diversité permet aux développeurs de tester leurs sites sur une multitude de plates-formes, garantissant une compatibilité maximale avec les différents dispositifs utilisés par les utilisateurs finaux.
Pour les designers, Responsively App est un atout précieux pour vérifier que leurs créations visuelles restent cohérentes sur tous les appareils. Lorsqu'il est combiné avec Webflow, un outil de conception visuelle qui permet, selon notre expérience, de créer des sites sans coder, Responsively App devient encore plus puissant. Les designers peuvent utiliser Webflow pour concevoir, puis utiliser Responsively pour tester la réactivité avant la mise en ligne.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En conclusion, Responsively se positionne comme un outil indispensable pour garantir que votre site web offre une expérience utilisateur homogène et fluide sur tous les appareils. Que vous soyez un développeur expérimenté ou un designer en herbe, l'intégration de Responsively dans votre flux de travail vous permettra de gagner en efficacité et en précision lors du développement de sites web réactifs.
Avec Responsively à vos côtés, vous pouvez être sûr que votre site web sera prêt à affronter les défis de la navigation multiplateforme avec confiance et professionnalisme.
Dans un monde où l'animation est devenue un élément incontournable de la conception web et mobile, les outils qui simplifient le processus de création sont essentiels. Avant l'émergence de Lottie Creator, il existait déjà un pionnier : le plugin Figma Lottie Files.
Ce plugin a ouvert la voie à une nouvelle façon de créer des animations en permettant aux concepteurs de Figma d'exporter facilement leurs conceptions vers le format Lottie, créant ainsi des animations interactives sans effort. Cependant, ce plugin était limité dans ses fonctionnalités et ne répondait pas entièrement aux besoins des développeurs et des concepteurs.
C'est là que Lottie Creator entre en jeu, en tant qu'évolution naturelle et complémentaire du plugin Figma Lottie Files, offrant des fonctionnalités avancées, une interface conviviale et une bibliothèque de ressources étendue pour répondre à toutes les exigences en matière de création d'animations. Dans cet article, nous explorerons comment Lottie Creator construit sur les bases posées par le plugin Figma Lottie Files pour offrir une solution complète et puissante pour la création d'animations.
Lottie Creator représente une avancée majeure dans la création d'animations pour les développeurs et les concepteurs. En s'appuyant sur la technologie Lottie d'Airbnb, cet outil novateur permet, selon notre expérience, de concevoir facilement des animations interactives et hautement personnalisées, même sans une expertise avancée en animation ou en codage. Son interface conviviale offre une expérience fluide à tous les niveaux de compétence.
Grâce à des fonctionnalités intuitives et des outils simples à utiliser, même les débutants peuvent créer des animations de qualité professionnelle en quelques clics seulement. De plus, Lottie Creator offre un accès à une vaste bibliothèque de ressources comprenant des éléments graphiques préconçus et des effets d'animation prédéfinis. Cette richesse de ressources permet aux utilisateurs d'explorer et d'intégrer facilement des éléments visuels attrayants dans leurs projets, accélérant ainsi le processus de création tout en stimulant la créativité.
Lottie Creator offre une gamme de fonctionnalités puissantes pour permettre aux utilisateurs de donner vie à leurs idées avec facilité et efficacité.
Avec Lottie Creator, vous pouvez obtenir un contrôle précis sur vos animations en ajustant les keyframes et en créant des transitions fluides. Les keyframes agissent comme des repères pour les changements significatifs dans les propriétés, tels que la position, l'échelle, la rotation, la couleur ou l'opacité, tout au long de la timeline de l'animation.
Lottie Creator propose une vaste gamme de préréglages d'animation, idéaux pour les utilisateurs qui ne savent pas par où commencer ou ceux qui cherchent à animer rapidement des designs statiques. Ces préréglages vous permettent d'introduire des éléments dans le cadre, de mettre en évidence des calques ou des formes spécifiques dans le cadre, ou de les déplacer hors du cadre.
Lottie Creator vous permet d'accéder à une vaste bibliothèque de plus de 100 000 animations Lottie pour chaque industrie et chaque cas d'utilisation. De plus, accédez à de nouvelles animations ajoutées quotidiennement.
Lottie Creator vous permet également de faire glisser et déposer vos fichiers SVG directement dans le canevas. Cela vous permet d'importer des designs créés avec des outils de conception populaires tels que Adobe Illustrator ou Figma et d'y ajouter du mouvement. Vous pouvez changer les arrière-plans et les formes, animer des calques et modifier l'apparence générale de l'animation.
Vous pouvez télécharger votre animation finie dans plusieurs formats pour différentes applications. Voici les formats disponibles (Lottie JSON, Lottie JSON optimisé, dotLottie, dotLottie optimisé, GIF, MP4, MOV, WebM).
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Lottie Creator émerge comme une véritable révolution dans le monde de la création d'animations. En offrant une solution simple, accessible et puissante, cet outil change la donne pour les développeurs et les concepteurs, leur permettant de donner vie à leurs idées sans les tracas habituels liés à la création d'animations. Avec ses fonctionnalités avancées telles que la manipulation précise des keyframes, les vastes bibliothèques de ressources et les options de personnalisation étendues, Lottie Creator ouvre de nouvelles perspectives créatives.
Les utilisateurs peuvent désormais créer des animations interactives et hautement personnalisées en un temps record, sans avoir besoin de compétences avancées en animation ou en codage. En adoptant Lottie Creator, les professionnels peuvent non seulement gagner en efficacité dans leurs processus de création, mais aussi offrir des expériences utilisateur dynamiques et engageantes. Cette plateforme s'impose donc comme un outil incontournable dans l'arsenal de tout créateur d'animations moderne.
Dans le vaste monde du développement web et de la conception d'interface utilisateur, chaque pixel compte. Les icônes, bien que petites en taille, jouent un rôle crucial dans l'expérience utilisateur en apportant fonctionnalité et esthétique. Parmi la multitude d'options disponibles, Lucide Icons émerge comme une solution remarquable, offrant une vaste collection d'icônes conçues avec soin pour répondre aux besoins des développeurs et des concepteurs. Dans cet article, nous plongerons dans l'univers de Lucide Icons, explorant ses fonctionnalités, sa diversité, sa personnalisation et son engagement communautaire.
Lucide Icons est bien plus qu'une simple bibliothèque d'icônes. Conçue pour être simple, cohérente et hautement personnalisable, cette ressource open source offre une variété d'icônes couvrant différentes catégories telles que les appareils, les médias sociaux, les actions, les interfaces utilisateur et bien plus encore. Chaque icône est soigneusement conçue avec une esthétique moderne et épurée, lui permettant de s'intégrer harmonieusement dans divers projets numériques.
Lucide Icons propose une large sélection d'icônes dans différentes catégories, facilitant la recherche de celles qui correspondent le mieux à votre projet.
Toutes les icônes de Lucide Icons sont distribuées sous une licence open source (MIT), vous permettant de les utiliser gratuitement, même à des fins commerciales, et de les personnaliser selon vos besoins sans aucune restriction.
Les icônes sont disponibles au format SVG, ce qui les rend facilement intégrables dans n'importe quel projet web. De plus, Lucide Icons fournit une documentation complète et des exemples d'utilisation pour vous aider à démarrer rapidement.
Vous avez la possibilité de modifier la taille, la couleur et d'autres propriétés des icônes selon vos préférences, grâce à la flexibilité offerte par les fichiers SVG.
La bibliothèque est régulièrement mise à jour avec de nouvelles icônes et fonctionnalités, assurant ainsi que vous disposez toujours des dernières tendances et des meilleures pratiques en matière de conception.
Lucide Icons offre une personnalisation avancée grâce à son Customizer intégré. Cette fonctionnalité vous permet, selon notre expérience, de modifier la couleur, la taille, l'épaisseur du trait et d'autres propriétés des icônes selon vos besoins spécifiques.
Vous pouvez choisir d'utiliser la valeur "currentColor" pour attribuer la couleur définie par le contexte CSS dans lequel l'icône est utilisée, ou spécifier une couleur personnalisée pour l'icône.
Vous avez la possibilité d'ajuster l'épaisseur du trait des icônes, offrant ainsi un contrôle précis sur leur apparence visuelle.
Lucide Icons vous permet également de spécifier la taille exacte des icônes en pixels, vous offrant un contrôle total sur leur dimensionnement.
Les icônes de Lucide Icons sont soigneusement organisées en différentes catégories, facilitant ainsi la recherche de l'icône parfaite pour votre projet. Avec plus de 40 catégories au total, allant de l'accessibilité aux outils en passant par les médias sociaux et les aliments et boissons, Lucide Icons offre une couverture exhaustive pour répondre à tous les besoins de conception.
Les icônes de Lucide Icons sont des graphiques vectoriels évolutifs (SVG) légers et hautement optimisés. Cela garantit des temps de chargement rapides et une performance optimale pour vos applications et sites web.
Conçues selon un ensemble strict de règles de conception, les icônes de Lucide Icons arborent un style propre et cohérent. Cette cohérence garantit une lisibilité maximale et une expérience utilisateur optimale.
Lucide Icons offre une personnalisation avancée, vous permettant de modifier la couleur, la taille, l'épaisseur du trait et bien plus encore selon vos besoins. Cette flexibilité vous permet d'adapter les icônes à l'esthétique et au design de votre projet.
Disponible sous forme de package pour tous les principaux gestionnaires de packages, Lucide Icons s'intègre facilement dans votre flux de travail de développement existant, vous permettant de l'installer et de le gérer de manière efficace.
Les icônes de Lucide Icons sont réductibles par arbre (tree shakable), ce qui signifie que vous n'importe que les icônes que vous utilisez réellement, réduisant ainsi la taille finale de votre bundle et améliorant les performances de votre application.
Avec une communauté active sur GitHub et Discord, Lucide Icons offre un environnement propice à l'apprentissage, à la collaboration et au partage des meilleures pratiques en matière de conception et de développement.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Que vous soyez un développeur chevronné ou un concepteur débutant, Lucide Icons offre les outils nécessaires pour créer des interfaces utilisateur remarquables et engageantes. Avec sa diversité de catégories, sa personnalisation avancée et ses avantages uniques, Lucide Icons se positionne comme un choix incontournable dans le paysage en constante évolution du design et du développement web. Intégrez Lucide Icons dans vos projets dès aujourd'hui et découvrez comment il peut transformer votre expérience de développement.
Dans le processus de conception sur Figma, l'intégration et la manipulation d'images sont des aspects essentiels pour donner vie à une interface utilisateur. Cependant, cela peut parfois être un défi, surtout lorsqu'il s'agit d'ajuster précisément les images et de choisir les modes d'échelle appropriés. Pour répondre à ces défis, le plugin ImageFiller est là pour simplifier et optimiser la gestion des images dans Figma, offrant une gamme de fonctionnalités puissantes conçues pour améliorer le flux de travail des designers.
L'utilisation du plugin ImageFiller présente plusieurs avantages pour les designers Figma. D'une part, il simplifie considérablement le processus de manipulation des images, offrant une interface conviviale et des fonctionnalités intuitives. D'autre part, il permet d'optimiser le positionnement précis des images, réduisant ainsi le temps nécessaire pour ajuster les images dans les maquettes.
Le plugin ImageFiller offre une variété de modes d'échelle flexibles, tels que fill, fit, crop et tile, offrant ainsi aux designers une flexibilité maximale pour adapter les images à leur conception. Grâce à une interface utilisateur intuitive, les designers peuvent facilement sélectionner les options souhaitées et appliquer rapidement les modifications aux images.
En plus de simplifier les modes d'échelle, ImageFiller propose neuf positions prédéfinies qui permettent un positionnement précis des images dans les maquettes. Que ce soit en choisissant top left, center right ou bottom center, les designers peuvent aligner les images avec précision pour obtenir l'effet désiré.
ImageFiller offre une gamme complète de modes d'échelle, donnant aux utilisateurs la liberté d'adapter les images à leur conception de la manière la plus appropriée. Que vous souhaitiez remplir entièrement un espace, ajuster une image pour qu'elle s'adapte parfaitement, ou même recadrer une partie spécifique, ImageFiller vous donne les outils pour le faire efficacement.
Avec neuf positions prédéfinies disponibles, ImageFiller permet un alignement précis des images dans les maquettes. Que vous cherchiez à placer une image dans un coin, au centre, ou quelque part entre les deux, ces options prédéfinies vous permettent d'obtenir l'alignement exact que vous souhaitez, sans avoir à deviner ou à ajuster manuellement.
L'interface utilisateur d'ImageFiller est conçue pour être intuitive et conviviale. Avec des boutons et des options clairement étiquetés, ainsi qu'une disposition ergonomique, vous pouvez facilement naviguer dans le plugin et effectuer les modifications nécessaires sans effort. Cette convivialité permet d'économiser du temps et de minimiser les frictions dans le processus de conception.
En simplifiant les processus de manipulation et de positionnement des images, ImageFiller contribue à améliorer le flux de travail des designers sur Figma. En réduisant les tâches fastidieuses et en permettant des ajustements rapides et précis, le plugin permet aux designers de consacrer plus de temps à la créativité et à la conception, tout en maintenant une productivité élevée.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En conclusion, le plugin ImageFiller est un outil indispensable pour les designers Figma qui cherchent à améliorer leur flux de travail et à optimiser la gestion des images dans leurs maquettes. Avec ses fonctionnalités puissantes, son interface conviviale et sa capacité à simplifier les processus de manipulation et de positionnement des images, ImageFiller offre une solution complète et efficace pour répondre aux besoins des designers.
En intégrant ImageFiller dans leur arsenal d'outils de conception, les designers Figma peuvent optimiser leur productivité et donner vie à leurs idées de manière plus efficace que jamais.
Dans le monde du design web, la transition fluide des maquettes vers des sites fonctionnels est un défi constant. Figma, avec sa polyvalence et sa facilité d'utilisation, est devenu un outil incontournable pour de nombreux designers lors de la création de maquettes interactives. D'autre part, Webflow offre une plateforme puissante pour transformer ces designs en sites web interactifs, sans nécessiter de compétences en codage. Mais comment peut-on relier efficacement ces deux mondes ?
C'est là que le plugin Figma to Webflow entre en jeu. Ce plugin innovant permet aux utilisateurs de Figma de transférer facilement leurs conceptions vers Webflow, en automatisant une grande partie du processus de développement. Dans cet article, nous explorerons les avantages de cette intégration, ses fonctionnalités clés, et comment l'utiliser efficacement.
Traditionnellement, le passage d'une maquette Figma à un site Webflow implique de recréer manuellement chaque élément, ce qui peut être fastidieux et source d'erreurs. En utilisant le plugin, ce processus est simplifié et accéléré. Les dimensions, les couleurs, les polices et même les images sont importées avec précision, préservant ainsi l'intégrité visuelle du design original. Cela permet aux utilisateurs de consacrer plus de temps à l'ajustement des détails et à l'optimisation de l'expérience utilisateur, plutôt qu'à la conversion laborieuse des éléments.
L'un des défis majeurs lors du passage d'une maquette à un site réside dans le maintien de la cohérence visuelle et fonctionnelle. Le plugin Figma to Webflow aide à surmonter ce défi en assurant une transition fluide entre les deux plates-formes. En évitant les décalages ou les incohérences qui peuvent survenir lors du passage d'un outil à l'autre, les utilisateurs peuvent garantir que leurs sites Webflow reflètent fidèlement les conceptions initiales, offrant ainsi une expérience utilisateur cohérente et de haute qualité.
Les utilisateurs peuvent choisir précisément quels éléments de leur design Figma ils souhaitent importer dans Webflow. Cette flexibilité leur permet, selon notre expérience, de sélectionner individuellement ou en groupe les éléments à inclure, tout en ayant la possibilité d'ignorer les éléments superflus tels que les guides, les grilles ou les calques cachés.
Le plugin génère automatiquement des pages et des sections Webflow correspondant aux frames Figma. Cette fonctionnalité permet, selon notre expérience, de créer une structure de base pour le site, que les utilisateurs peuvent ensuite personnaliser et étendre selon leurs besoins spécifiques.
Les styles de conception, y compris les couleurs, les polices, les bordures et les ombres, sont convertis en classes Webflow, offrant ainsi une cohérence visuelle et une facilité de gestion. De plus, les images intégrées dans les maquettes Figma sont importées dans Webflow, optimisées pour le web et prêtes à être utilisées dans le projet final.
Le plugin permet aux utilisateurs de définir des interactions et des animations pour les éléments Webflow, en utilisant les mêmes paramètres que dans Figma. Cela inclut des effets de transition, de parallaxe, de scroll et de hover, offrant ainsi un contrôle total sur l'aspect et le comportement des éléments interactifs du site.
Pour commencer, installez le plugin Figma to Webflow depuis la page officielle du plugin sur le site de Figma ou via le menu des plugins dans l'application Figma. Une fois installé, le plugin sera prêt à être utilisé dans vos projets de conception.
Ouvrez votre design Figma contenant les éléments que vous souhaitez importer dans Webflow. Avec la flexibilité offerte par Figma, vous pouvez sélectionner précisément les éléments, qu'il s'agisse de boutons interactifs, de sections de contenu ou d'éléments de navigation.
Dans Figma, accédez au menu des plugins et lancez le plugin Figma to Webflow. Une interface conviviale s'ouvrira, vous guidant tout au long du processus d'importation. Suivez attentivement les instructions pour sélectionner les éléments à transférer vers Webflow.
Pour que le plugin puisse importer vos designs Figma dans Webflow, vous devez vous connecter à votre compte Webflow. Si vous n'avez pas encore de compte, vous pouvez en créer un rapidement et facilement. Une fois connecté, vous pourrez choisir le projet Webflow dans lequel vous souhaitez importer vos éléments.
Sélectionnez le projet Webflow approprié dans lequel vous souhaitez importer vos éléments depuis Figma. Si vous n'avez pas encore créé de projet dans Webflow, vous pouvez également en créer un directement depuis l'interface du plugin.
Une fois que vous avez sélectionné les éléments à importer et choisi le projet Webflow approprié, suivez les étapes du plugin pour finaliser l'importation. Vous aurez la possibilité d'ajuster les détails, de configurer les interactions et les animations, et de personnaliser les styles selon vos préférences spécifiques.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Le plugin Figma to Webflow est un outil précieux qui simplifie et accélère le processus de création de sites web à partir de designs Figma. En offrant une transition fluide entre ces deux plates-formes populaires, le plugin permet aux designers et aux développeurs de gagner du temps, de maintenir la cohérence visuelle et fonctionnelle, et de créer des sites web interactifs et esthétiquement attrayants.
Que vous soyez un professionnel du design ou un développeur débutant, le plugin Figma to Webflow est un atout précieux à ajouter à votre boîte à outils. Téléchargez-le dès aujourd'hui depuis le site de Figma et commencez à explorer les possibilités infinies qu'il offre pour donner vie à vos conceptions web. Bonne création !
Plugin Figma
Site du plugin
Webflow University
Dans l'univers du design graphique et de l'interface utilisateur, l'ajout d'effets visuels peut transformer un projet ordinaire en une œuvre saisissante. Figma, en tant que plateforme de design collaborative de premier plan, offre une pléthore d'outils et de fonctionnalités pour permettre aux designers d'exprimer leur créativité.
Parmi ces outils se distingue le plugin Morph, un ajout innovant qui permet d'injecter des effets visuels dynamiques à n'importe quel élément de conception. Dans cet article, plongeons dans les profondeurs de ce plugin et découvrons comment il peut rehausser vos créations avec facilité et originalité.
Le plugin Morph est une source d'inspiration infinie pour les designers en quête d'originalité et d'innovation. En offrant une palette d'effets visuels allant du subtil au spectaculaire, Morph encourage les designers à explorer de nouvelles voies créatives et à repousser les limites de leur imagination.
Contrairement aux méthodes traditionnelles de création d'effets visuels, qui peuvent être complexes et chronophages, le plugin Morph simplifie le processus de conception en offrant une interface conviviale et intuitive. En quelques clics, les designers peuvent appliquer des effets morph à leurs éléments de conception, économisant ainsi un temps précieux et leur permettant de se concentrer sur l'aspect créatif de leur travail.
Avec plus de 20 effets morph disponibles, répartis en six catégories distinctes, les designers ont un éventail de choix pour donner vie à leur vision. Que vous cherchiez à ajouter une touche de réalisme avec des effets de réflexion ou à créer une esthétique futuriste avec des effets de néon, Morph offre une diversité d'options pour répondre à vos besoins créatifs.
Chaque effet morph est entièrement personnalisable, avec des paramètres ajustables tels que la couleur, l'intensité, la direction, la taille et bien plus encore. Cette granularité de contrôle permet aux designers d'adapter chaque effet à leurs besoins spécifiques et de créer des designs véritablement uniques et personnalisés.
Le plugin Morph permet aux designers d'explorer des possibilités créatives illimitées en superposant et en combinant différents effets morph. Cette fonctionnalité offre une flexibilité accrue pour expérimenter avec des compositions visuelles complexes et originales.
Une fois que le design est parfaitement morphé, le plugin offre des options d'exportation pratiques pour partager vos créations avec le monde. Que ce soit sous forme de composant Figma, de fichier PNG ou même de code CSS pour une utilisation web, Morph simplifie le processus de diffusion de vos designs auprès de votre public cible.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Le plugin Morph représente bien plus qu'un simple ajout à la boîte à outils de Figma ; il incarne une passerelle vers l'expression visuelle sans limites. En permettant aux designers d'explorer une variété d'effets allant du classique au futuriste, Morph inspire l'innovation et la créativité à chaque clic.
Que vous cherchiez à donner vie à une interface utilisateur ou à apporter une touche artistique à vos illustrations, Morph est là pour transformer votre vision en réalité. Explorez ses fonctionnalités, expérimentez sans limites et laissez votre imagination prendre son envol avec le plugin Morph de Figma.
Découvrez une approche novatrice de la création de sites web avec Blocsapp, une solution intuitive et puissante développée pour répondre aux besoins des utilisateurs cherchant à concevoir des sites modernes et réactifs sans les tracas de la programmation traditionnelle. Comparé aux plateformes conventionnelles telles que Wordpress, Blocsapp offre une alternative simplifiée, permettant une personnalisation totale sans sacrifier la qualité ou la performance.
Lancé en 2015, Blocsapp s'est rapidement imposé comme un outil de choix pour des milliers d'utilisateurs, qu'ils soient novices ou professionnels. Sa disponibilité sur Mac et iPad, ainsi que sa synchronisation via iCloud, permettent une flexibilité d'utilisation optimale. De plus, Blocsapp offre la possibilité de créer des thèmes Wordpress en utilisant le même principe de blocs, élargissant ainsi ses possibilités d'application.
L'interface épurée de Blocsapp offre une expérience de conception sans distractions, permettant aux utilisateurs de se concentrer pleinement sur la création de leur site web. Grâce à un système de glisser-déposer intuitif, les utilisateurs peuvent choisir parmi une variété de blocs préfabriqués pour composer leur site, les personnaliser selon leurs besoins en modifiant les couleurs, polices, images, animations, et bien plus encore. Blocsapp génère ensuite automatiquement le code nécessaire, garantissant ainsi un site rapide, sécurisé et optimisé pour le référencement.
Blocsapp offre une approche visuelle et intuitive de la création de sites web, simplifiant le processus par rapport à Wordpress qui nécessite souvent l'écriture manuelle du code. Avec Blocsapp, les utilisateurs peuvent glisser et déposer des blocs préfabriqués pour construire leur site, tandis que Wordpress peut exiger la création ou l'installation de blocs supplémentaires. De plus, Blocsapp élimine le besoin de plugins supplémentaires, offrant ainsi une solution plus légère et simplifiée.
En choisissant Blocsapp, vous gagnez du temps en évitant l'écriture manuelle du code et l'installation de plugins supplémentaires. Vous bénéficiez également d'une flexibilité totale pour personnaliser votre site web, sans aucune limitation. Enfin, Blocsapp garantit des performances élevées en termes de vitesse, de sécurité et d'optimisation pour le référencement, vous assurant ainsi un site web de qualité professionnelle.
Pour apprendre à utiliser Blocsapp, plusieurs ressources sont disponibles. Tout d'abord, le portail d'apprentissage constitue une ressource précieuse. Il propose une variété de tutoriels, guides et astuces, vous permettant de maîtriser les fonctionnalités de Blocsapp à travers des instructions détaillées et des exemples concrets.
En outre, le forum officiel offre une plateforme d'échange avec la communauté des utilisateurs de Blocsapp. Vous pouvez y poser des questions, partager vos expériences et bénéficier des conseils d'autres utilisateurs. Ce forum est également un lieu idéal pour découvrir des astuces avancées et des techniques de conception innovantes.
Enfin, la galerie "Made in Blocs" constitue une source d'inspiration inestimable. Vous y trouverez des exemples inspirants de sites web créés avec Blocsapp, vous permettant de puiser des idées pour votre propre projet et de découvrir les possibilités offertes par cet outil de création.
Pour une utilisation optimale de Blocsapp, suivez ces conseils pratiques. Commencez par choisir un bloc adapté à vos besoins, puis personnalisez-le selon vos préférences en termes de position, de taille et d'alignement. Modifiez les paramètres comme les couleurs, les polices et les images pour correspondre à votre identité visuelle, et ajoutez du contenu dynamique pour une expérience utilisateur enrichie.
Répétez ces étapes pour chaque bloc, en vérifiant régulièrement la compatibilité et la réactivité de votre site sur différents appareils. Enfin, publiez votre site directement depuis Blocsapp ou exportez-le en tant que fichier ZIP pour le déploiement sur d'autres plateformes. En suivant ces conseils simples, vous pourrez exploiter pleinement les fonctionnalités de Blocsapp et créer des sites web de qualité professionnelle.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
En conclusion, Blocsapp ouvre de nouvelles perspectives pour la création de sites web, offrant une expérience fluide et flexible qui libère la créativité des utilisateurs tout en garantissant des résultats professionnels. Que vous soyez un novice en conception web ou un professionnel chevronné, Blocsapp vous permet, selon notre expérience, de réaliser vos projets avec facilité et efficacité. N'hésitez pas à explorer ses fonctionnalités et à rejoindre la communauté grandissante des utilisateurs satisfaits.
Site Officiel
Blocs Master
Forum Officiel
Blocs Store
Academy
Figma, un logiciel de design collaboratif, offre une multitude de fonctionnalités pour créer des interfaces, des prototypes et des illustrations. Cependant, intégrer des graphiques dans ses projets peut parfois être fastidieux. Heureusement, Chartline vient simplifier cette tâche en proposant un plugin Figma dédié à la création rapide et efficace de graphiques à partir de données.
Vous n'avez pas besoin de quitter Figma pour créer des courbes. Il vous suffit de sélectionner le type de courbe que vous voulez, de régler les paramètres, et de cliquer sur le bouton "Generate". Chartline crée la courbe en un instant et l'ajoute à votre canevas Figma.
Vous pouvez choisir parmi une variété de types de courbes, tels que les ondes sinusoïdales, les répartitions normales, les courbes en S, les ondes sonores, etc. Vous pouvez également modifier les paramètres, tels que le nombre de points, la pente, le lissage, le type, etc. Chartline vous permet, selon notre expérience, de créer des courbes adaptées à vos besoins et à votre audience.
Vous pouvez choisir le type de courbe qui correspond le mieux à vos données et à votre objectif. Chartline vous propose une liste de types de courbes courants, tels que les ondes sinusoïdales, les répartitions normales, les courbes en S, les ondes sonores, etc. Vous pouvez également voir un aperçu de chaque type de courbe avant de le sélectionner.
vous pouvez régler les paramètres de la courbe selon vos préférences. Vous pouvez faire varier avec un système de curseurs le nombre de points, la pente, le lissage et le type de la courbe. Le nombre de points peut vous permettre d'avoir un graphique un peu plus complexe dans le cas d'une simulation ayant beaucoup de données.
La fonctionnalité "Slope" quand à elle vous permet, selon notre expérience, de donner une tendance à la courbe, tendance à la croissance ou à la décroissance en fonction de l'intention de la maquette. La partie "Smoothing" permet d'augmenter ou de diminuer l'écart de la valeur entre chaque point. Il faut prendre en compte que si l'écart est au plus bas vous n'aurez plus de courbe mais une droite linéaire. Le type de la courbe vous permet, selon notre expérience, de choisir entre une courbe arrondie ou brute.
Vous pouvez également laisser Chartline générer une courbe aléatoire en fonction des paramètres que vous avez réglés. Cela peut vous permettre de tester différents scénarios ou de créer des variations de vos courbes.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Chartline est un plugin Figma qui vous permet, selon notre expérience, de créer des faux graphiques en un clic. Il est simple, rapide, flexible et puissant. Il est idéal pour les concepteurs, les analystes, les marketeurs et tous ceux qui ont besoin de visualiser des données de manière réaliste et convaincante.
La création de sites web a connu une évolution significative, et deux noms résonnent aujourd'hui dans cet univers en constante mutation : WordPress et Webflow. Alors que WordPress a longtemps été le leader incontesté, Webflow émerge comme une alternative moderne, offrant une approche visuelle et sans code pour la construction de sites web.
À travers les témoignages élogieux de professionnels du secteur, cette comparaison approfondie explore les caractéristiques uniques de chaque plateforme pour vous aider à prendre la meilleure décision pour votre projet en ligne.
Paul Irish, un expert en développement web, a salué Webflow pour son exceptionnelle expérience utilisateur et son approche innovante du design CSS. Il souligne que Webflow semble être le premier à construire une UX autour du stylisme et du CSS, offrant ainsi une expérience de conception exceptionnelle.
Au-delà des éloges, des entreprises renommées comme Rakuten témoignent d'économies substantielles et de l'efficacité accrue après avoir migré de WordPress à Webflow. Les cas d'utilisation concrets mettent en lumière la facilité de transition et les avantages tangibles de l'utilisation de Webflow, permettant des modifications rapides sans l'intervention coûteuse de programmeurs.
Webflow offre une approche visuelle sans code, permettant aux utilisateurs de se libérer des thèmes restrictifs et des modifications manuelles du PHP. La plateforme permet, selon notre expérience, de construire visuellement avec la puissance de HTML, CSS et JavaScript dans un environnement intuitif. Les utilisateurs peuvent ainsi exprimer leur créativité sans les contraintes imposées par certaines autres plates-formes.
Webflow s'adapte à diverses catégories de sites, offrant une liberté de conception illimitée pour les e-commerces, les blogs, les portfolios, et bien plus encore. La polyvalence de Webflow permet aux utilisateurs de créer des expériences utilisateur uniques et adaptées à leurs besoins spécifiques.
Webflow élimine les tracas liés aux mises à jour fréquentes, aux correctifs de plugins, et à la maintenance continue. La plateforme propose un hébergement intégré mondial pour un lancement rapide et sans soucis. Les utilisateurs peuvent ainsi se concentrer sur la création de contenu de qualité plutôt que sur la gestion technique de leur site.
Webflow offre des contrôles SEO affinés, un hébergement performant et des outils de gestion de contenu flexibles, sans nécessiter de plugins supplémentaires. Les utilisateurs ont un contrôle total sur les paramètres SEO de leur site, assurant une visibilité maximale dans les résultats de recherche.
Les sites Webflow sont propulsés par un code HTML et CSS propre et sémantique, favorisant une indexation facile par les moteurs de recherche. Cette approche garantit une expérience SEO optimale, ce qui est crucial pour la visibilité en ligne.
Webflow facilite la création de designs conformes à votre marque avec des types de contenus flexibles et des outils d'édition simples pour les équipes marketing. Les designs peuvent être alignés avec la vision de la marque sans sacrifier la fonctionnalité ou la créativité.
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Que vous soyez un professionnel du développement web ou un entrepreneur cherchant à créer une présence en ligne, le choix entre Webflow et WordPress dépend de vos besoins spécifiques. Webflow offre une approche visuelle et sans code, tandis que WordPress propose une solide expérience avec une vaste communauté.
Explorez les fonctionnalités de chaque plateforme, découvrez les témoignages d'utilisateurs, et choisissez la solution qui correspond le mieux à vos objectifs. Que ce soit la tradition de WordPress ou l'innovation de Webflow, la création de sites web n'a jamais été aussi passionnante. Faites votre choix et lancez-vous dans la construction d'une présence en ligne remarquable.
--- # Le plugin Figma Image Tracer : Votre Allié pour Transformer les Images en Vecteurs URL: https://www.beryldesign.fr/post/le-plugin-figma-image-tracer-votre-allie-pour-transformer-les-images-en-vecteurs Date: 2025-11-28 Figma Image Tracer : convertissez vos images en vecteurs et optimisez votre créativité. Dans l'univers du design, la conversion...Dans l'univers du design, la conversion d'images en vecteurs est souvent une étape essentielle pour garantir la flexibilité et la qualité des éléments graphiques. Le plugin Figma Image Tracer se présente comme une solution incontournable pour simplifier ce processus. Dans cet article, plongeons dans les profondeurs de cet outil et découvrons comment il peut révolutionner votre flux de travail.
Avec Image Tracer, la conversion d'images en vecteurs devient un jeu d'enfant. Cette efficacité accrue vous permet, selon notre expérience, de consacrer plus de temps à l'aspect créatif de votre projet.
Contrairement à d'autres outils de conversion d'images en vecteurs, Image Tracer est conçu pour être accessible à tous. Que vous soyez un débutant curieux ou un professionnel aguerri, son interface conviviale vous permet, selon notre expérience, de naviguer en toute confiance.
Avec son algorithme avancé, Image Tracer garantit une conversion précise et fidèle des images en vecteurs. Chaque détail est préservé, vous permettant ainsi de maintenir la qualité de vos designs, même après la conversion.
Image Tracer ne se contente pas de convertir les images en vecteurs, il vous permet également de personnaliser ces vecteurs selon vos besoins. Réglez les paramètres de conversion pour obtenir des résultats sur mesure, correspondant parfaitement à votre vision créative.
Grâce à son système de gestion des couches intuitif, Image Tracer facilite l'organisation de vos vecteurs. Regroupez, réorganisez et manipulez facilement vos éléments graphiques pour une expérience de conception fluide et efficace.
Intégrez Image Tracer dans votre processus de collaboration en toute transparence. Partagez vos fichiers Figma avec vos collègues et clients, et travaillez ensemble en temps réel pour affiner vos créations.
Image Tracer est constamment amélioré grâce aux retours des utilisateurs et aux mises à jour régulières. En investissant dans cet outil, vous investissez dans l'avenir de votre processus de conception.
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Points testés en détail :
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En résumé, le plugin Figma Image Tracer est bien plus qu'un simple convertisseur d'images en vecteurs. C'est un compagnon de route indispensable pour tout designer désireux de repousser les limites de sa créativité. Avec ses fonctionnalités avancées, son interface conviviale et son engagement envers l'excellence, Image Tracer promet de transformer votre façon de concevoir pour le mieux.
Le plugin EightShapes Specs est un ajout précieux à l'arsenal des designers travaillant avec Figma. Développé par EightShapes LLC en collaboration avec Nathan Curtis, ce plugin offre une solution innovante pour automatiser la création de spécifications de conception, qu'il s'agisse de pages entières ou de composants individuels. Disponible gratuitement sur la communauté Figma, il s'adresse à tous les designers cherchant à rationaliser leur processus de travail.
En automatisant la production de spécifications de conception, EightShapes Specs vous permet, selon notre expérience, de gagner un temps précieux. Plus besoin de passer des heures à documenter manuellement chaque détail. Le plugin s'occupe de tout, vous laissant plus de temps pour vous concentrer sur la créativité et l'innovation.
Contrairement à certains outils complexes, EightShapes Specs est intuitif et convivial. Même les débutants peuvent rapidement maîtriser son utilisation grâce à une interface bien conçue et une documentation complète.
Cette fonctionnalité permet, selon notre expérience, de marquer les calques et les dépendances annotées, offrant une compréhension claire de la structure de la conception. En identifiant précisément chaque élément, elle facilite la communication entre les membres de l'équipe et garantit une cohérence dans la conception.
Le plugin compare les attributs entre les variantes pour identifier les différences et la visibilité des calques booléens. Cette fonctionnalité est essentielle pour garantir la cohérence et la précision dans la spécification des conceptions, en mettant en évidence les variations et les éléments clés.
Identifie et affiche les variables Figma pour une personnalisation maximale des spécifications de conception. Cette fonctionnalité est particulièrement utile pour les designers travaillant sur des projets complexes nécessitant une gestion flexible des variables.
Le plugin permet, selon notre expérience, de personnaliser le formatage des spécifications pour une présentation professionnelle. Cette fonctionnalité offre une grande souplesse dans la création de documents clairs et bien structurés, adaptés aux besoins spécifiques de chaque projet ou équipe.
Cette fonctionnalité simplifie la spécification des composants imbriqués pour une gestion efficace du design system. En automatisant ce processus, le plugin permet, selon notre expérience, de gagner du temps et d'assurer une cohérence maximale dans la documentation des éléments de conception.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En conclusion, le plugin EightShapes Specs pour Figma est bien plus qu'un simple outil. C'est un compagnon indispensable pour les designers qui cherchent à maximiser leur efficacité et leur précision dans la création de spécifications de conception. Avec ses fonctionnalités avancées et son interface conviviale, il représente un investissement précieux pour tout professionnel du design.
Nous espérons que cet article vous a permis de mieux comprendre les avantages et les fonctionnalités de ce plugin remarquable. N'hésitez pas à l'essayer par vous-même et à explorer tout son potentiel. Si vous avez des questions ou des commentaires, n'hésitez pas à nous contacter. Merci de nous avoir lu
La création d'un site web est une étape cruciale pour établir une présence en ligne significative. Au cœur de cette décision, le choix entre un template tout fait et un site sur mesure façonne l'identité de ton entreprise sur le web. Félicitations pour avoir franchi cette étape. Explorons les avantages et inconvénients pour t'aider à prendre une décision éclairée.
Les sites sur mesure offrent une personnalisation approfondie, adaptant chaque élément à l'identité unique de ton entreprise. Cette approche va au-delà des limitations des templates, fournissant une expérience utilisateur inégalée. De la palette de couleurs à la disposition des éléments, chaque détail est pensé selon tes besoins spécifiques.
L'originalité est cruciale pour se démarquer. Avec un site sur mesure, les professionnels du web design injectent une touche originale dans la conception, éloignant ton site de l'aspect générique souvent associé aux templates. Chaque élément graphique et interactif est soigneusement conçu pour refléter l'essence même de ton entreprise.
La réactivité et la compatibilité multi-appareils sont des avantages intrinsèques aux sites sur mesure. Une optimisation professionnelle assure une expérience utilisateur fluide, indépendamment de l'appareil utilisé. Du design adaptatif à la navigation intuitive sur mobile, chaque aspect est soigneusement calibré pour garantir une expérience homogène.
Les fonctionnalités adaptées à tes besoins spécifiques sont une caractéristique majeure des sites sur mesure. Les professionnels peuvent intégrer des solutions personnalisées pour répondre à tes exigences spécifiques. Qu'il s'agisse d'un système de gestion de contenu spécifique ou d'une intégration de commerce électronique personnalisée, chaque fonction est développée en fonction de ton activité.
Le soutien continu et les mises à jour régulières sont des piliers du site sur mesure. Cela garantit la sécurité et la fiabilité de ton site au fil du temps, offrant une tranquillité d'esprit à long terme. Les professionnels du web veillent à ce que ton site reste à jour avec les dernières technologies et protocoles de sécurité.
L'expertise en SEO des professionnels du web design contribue à maximiser la visibilité de ton site. L'optimisation pour les moteurs de recherche est cruciale pour attirer un public plus large et renforcer la présence en ligne de ton entreprise. Des stratégies SEO personnalisées sont mises en place pour garantir que ton site se positionne favorablement dans les résultats de recherche.
Les templates sont des modèles de sites web prêts à l'emploi, qui offrent une simplicité et une rapidité d'utilisation. Il suffit de choisir un template qui correspond à ton secteur d'activité, de le personnaliser avec tes propres textes, images et couleurs, et de le publier en quelques clics. Pas besoin de connaissances techniques ni de recourir à un professionnel.
Les templates sont des solutions économiques pour créer un site web. Il existe de nombreux templates gratuits ou à bas prix, qui permettent de réduire les coûts de développement et de maintenance. Tu peux aussi bénéficier de l'hébergement et du nom de domaine inclus dans certains services de templates.
Les templates sont des produits testés et approuvés par des milliers d'utilisateurs. Ils offrent une qualité et une fiabilité garanties, respectant les normes de sécurité et de performance du web. Tu peux aussi compter sur le support technique et le service client des fournisseurs de templates en cas de problème.
Les templates sont des solutions standardisées, qui limitent la personnalisation et l'originalité de ton site web. Tu dois te conformer aux choix de design, de fonctionnalités et de structure du template, qui peuvent ne pas correspondre exactement à tes besoins et à ton image de marque. Tu risques aussi de perdre en authenticité, en ayant un site web similaire à celui de tes concurrents.
Les templates sont des solutions figées, qui rendent difficile l'adaptation et l'évolution de ton site web. Tu ne peux pas modifier facilement le code source du template, ni ajouter des fonctionnalités spécifiques qui ne sont pas prévues par le template. Tu dépendes aussi des mises à jour et des changements du fournisseur de template, qui peuvent affecter la compatibilité et la performance de ton site web.
Les templates sont des solutions génériques, qui posent problème pour l'optimisation pour les moteurs de recherche. Les templates peuvent contenir du code superflu, des balises mal optimisées, ou des URL non personnalisables, qui nuisent au référencement naturel de ton site web. Tu peux aussi rencontrer des difficultés pour intégrer des outils d'analyse ou de suivi de ton trafic web.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
En résumé, bien que les templates tout faits semblent pratiques, investir dans un site sur mesure assure une meilleure qualité, une personnalisation complète et une performance optimale. La création d'une présence digitale distinctive est essentielle dans le paysage numérique contemporain. Ne sous-estime pas l'impact d'un site web bien conçu sur le succès à long terme de ton entreprise.
--- # Trouvez facilement n’importe quel élément dans votre fichier Figma avec “Similayers” URL: https://www.beryldesign.fr/post/trouvez-facilement-nimporte-quel-element-dans-votre-fichier-figma-avec-similayers Date: 2025-11-28 Similayers : l'outil Figma indispensable pour gagner du temps et de la précision en conception. Dans l'univers du design numérique,...Dans l'univers du design numérique, la rapidité, la précision et la cohérence sont des éléments essentiels pour mener à bien un projet avec succès. Figma, l'outil de conception collaboratif par excellence, répond à ces exigences en offrant une panoplie d'outils puissants pour les designers. Parmi ces outils, les plugins jouent un rôle crucial en élargissant les fonctionnalités de Figma et en simplifiant les tâches répétitives.
Au cœur de cette gamme de plugins se trouve Similayers, un allié indispensable pour les designers en quête de productivité et de qualité. Dans cet article, plongeons dans l'univers de Similayers et découvrons comment cet outil révolutionnaire peut transformer votre processus de conception.
Similayers permet d'accomplir des tâches fastidieuses en quelques clics, ce qui représente un gain de temps significatif dans le processus de conception. La sélection rapide de calques similaires facilite les modifications en masse, ce qui accélère le processus de création et permet, selon notre expérience, de répondre plus efficacement aux exigences du projet.
En permettant de sélectionner rapidement des éléments similaires, Similayers garantit une cohérence visuelle dans l'ensemble du design. La possibilité d'appliquer des modifications uniformes à des éléments de même nature assure une présentation homogène et professionnelle de l'interface utilisateur.
Permet de sélectionner tous les calques partageant le même type que le calque de référence, que ce soit des rectangles, des textes, des images, et bien plus encore.
Sélectionne tous les calques ayant la même couleur de remplissage que le calque de référence, offrant ainsi une cohérence visuelle instantanée.
Identifie tous les calques partageant la même couleur de contour que le calque de référence, facilitant ainsi la modification unifiée des contours dans votre design.
Permet de sélectionner tous les calques ayant les mêmes effets que le calque de référence, comme les ombres, les flous, ou d'autres effets visuels.
Sélectionne tous les calques ayant la même largeur ou la même hauteur que le calque de référence, idéal pour l'alignement précis des éléments.
Identifie tous les calques de texte partageant le même style que le calque de référence, incluant la police, la taille, le poids, et d'autres attributs de texte.
Permet de sélectionner tous les calques de texte ayant la même taille de police que le calque de référence, facilitant ainsi la mise en forme homogène du texte.
Identifie tous les calques de texte partageant la même famille de police que le calque de référence, assurant ainsi une cohérence typographique dans votre design.
Sélectionne tous les calques ayant la même position relative que le calque de référence, offrant des possibilités avancées pour l'alignement précis des éléments.
Permet de limiter la sélection à un cadre spécifique ou à un groupe de calques déterminé, offrant ainsi un contrôle supplémentaire sur le processus de sélection.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Le plugin Figma Similayers représente bien plus qu'un simple outil de sélection de calques similaires. Il incarne une solution puissante pour optimiser votre processus de conception. En simplifiant les tâches répétitives et en offrant une flexibilité accrue dans la manipulation des éléments, Similayers libère votre créativité et vous permet, selon notre expérience, de vous concentrer sur l'essence même de votre design.
Intégrez-le dès aujourd'hui dans votre boîte à outils Figma pour améliorer votre efficacité, gagner du temps et donner vie à vos idées avec une précision sans pareille.
L'art du design repose sur des principes fondamentaux, et parmi eux, l'espacement joue un rôle central. Le 8pt grid System émerge comme une approche puissante, offrant une structure harmonieuse et équilibrée pour les concepteurs. Dans cet article, nous explorerons la puissance de l'espacement avec le 8pt grid System, mettant en lumière ses avantages dans la création de mises en page esthétiques et fonctionnelles.
La grille en 8 points offre une structure flexible qui s'adapte aux dimensions variées, permettant aux designers de créer des mises en page qui conservent leur équilibre visuel sur différents dispositifs. Cette adaptabilité est essentielle pour garantir une expérience utilisateur homogène, indépendamment de la taille de l'écran.
En basant l'espacement sur des multiples de 8 points, les designers atteignent une précision maximale dans l'alignement des éléments. Cette approche permet, selon notre expérience, de créer des compositions nettes et équilibrées, renforçant la lisibilité et l'attrait visuel.
Le 8pt grid System excelle dans son aptitude à s'adapter aux diverses résolutions d'écrans. En maintenant un espacement cohérent, les designers assurent une expérience utilisateur fluide, où la disposition des éléments reste proportionnée et agréable, que ce soit sur un smartphone, une tablette ou un ordinateur.
En utilisant le 8pt grid System, les designers créent des interfaces qui offrent une expérience utilisateur uniforme. Les utilisateurs naviguent aisément d'un écran à l'autre sans percevoir de variations abruptes dans la disposition, renforçant ainsi la cohérence visuelle.
Les multiples de 8 points servent de guides visuels, permettant aux concepteurs de hiérarchiser les éléments de manière naturelle. En utilisant cette approche, les designers dirigent le regard de l'utilisateur vers les points clés, améliorant la compréhension du contenu.
Le 8pt grid System facilite la communication visuelle en éliminant le superflu. En définissant les espacements selon cette grille, les designers éliminent le désordre visuel, créant des designs épurés et impactants qui communiquent de manière claire et efficace.
La grille en 8 points offre un cadre de décision solide. Les designers prennent des décisions plus rapides, car l'alignement et l'espacement suivent une logique préétablie, éliminant l'incertitude dans le processus de conception.
En alignant les éléments sur la grille en 8 points, les ajustements deviennent plus rapides et intuitifs. Cela se traduit par un flux de travail plus efficace, où les designers peuvent consacrer plus de temps à l'aspect créatif de leur travail.
La rapidité offerte par le 8pt grid System permet une itération constante. Les designers peuvent expérimenter, recevoir des retours et affiner leurs créations de manière agile, favorisant une amélioration continue et une adaptation aux évolutions du projet.
En conclusion, l'espacement avec le 8pt grid System représente bien plus qu'une simple règle de conception. C'est un outil puissant qui permet aux designers de transcender les limitations, créant des interfaces visuelles qui allient précision, cohérence et esthétique. En embrassant cette approche, les créateurs façonnent des expériences utilisateur mémorables, où chaque pixel est soigneusement placé pour offrir une expérience visuelle exceptionnelle.
--- # Trouver visuellement le centre de n’importe quelle forme avec le plugin “Visual Center” URL: https://www.beryldesign.fr/post/trouver-visuellement-le-centre-de-nimporte-quelle-forme-avec-le-plugin-visual-center Date: 2025-11-28 Le plugin "Visual Center" pour Figma simplifie la localisation du centre visuel des formes vectorielles. Gagnez du temps et amélior...Dans l'écosystème dynamique de Figma, chaque nouvel ajout peut jouer un rôle crucial dans l'amélioration de l'efficacité du flux de travail des concepteurs. Le plugin "Visual Center" se démarque en offrant une solution intuitive pour résoudre le défi complexe de la localisation précise du centre visuel des formes vectorielles. Plongeons dans cet outil novateur et explorons pourquoi il devrait être un incontournable dans votre boîte à outils de conception.
La localisation précise du centre visuel est essentielle pour garantir l'équilibre visuel dans les designs. Le plugin "Visual Center" simplifie ce processus en utilisant des méthodes mathématiques intelligentes adaptées à différents types de formes vectorielles.
Éliminez la nécessité de mesures manuelles complexes et de calculs fastidieux. Avec ce plugin, la détermination du centre visuel devient rapide, précise et efficace, permettant aux concepteurs de se concentrer davantage sur la créativité.
Le plugin utilise deux méthodes pour déterminer le centre visuel en fonction de la forme. Pour les triangles, le plugin recherche le centroïde pour déterminer le centre visuel. Pour les formes vectorielles ayant plus de trois sommets, le plugin utilise le centre du plus petit cercle englobant (https://www.nayuki.io/page/smallest-enclosing-circle).
Sélectionnez une ou plusieurs formes vectorielles, puis lancez le plugin. Automatiquement, un calque guide sera ajouté à la page et regroupé avec la forme sélectionnée. Cette fonctionnalité facilite la visualisation du centre visuel calculé, en intégrant de manière transparente le guide au sein de votre espace de travail. Vous pouvez ainsi bénéficier d'une référence visuelle claire et précise pour optimiser l'alignement et l'équilibre de vos éléments graphiques.
Le plugin "Visual Center" prend en charge une variété de formes, dont les formes vectorielles, étoiles, rectangles, polygones, et ellipses. Cette flexibilité garantit une utilisation efficace du plugin, adapté à tous les types de formes dans votre projet Figma.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En conclusion, bien que le plugin "Visual Center" soit un outil puissant pour simplifier la localisation du centre visuel dans Figma, il est important de noter qu'il n'est pas une solution infaillible. Il existe des cas spécifiques où un ajustement manuel de l'alignement reste nécessaire.
Toutefois, en dépit de ces exceptions, l'utilisation de cet outil demeure précieuse pour gagner du temps et assurer une précision accrue dans de nombreuses situations de conception. Il s'intègre harmonieusement dans le flux de travail des concepteurs, offrant une solution efficace pour la détermination du centre visuel tout en laissant de la place à l'intervention manuelle lorsque cela s'avère essentiel.
Naviguer au-delà des pixels de Dribbble, c'est entreprendre un voyage introspectif au cœur de ma propre créativité. Ce réseau social, jadis le théâtre de mes explorations graphiques, a subi des métamorphoses qui suscitent aujourd'hui une réflexion profonde. Cet article est un témoignage, une plongée dans les raisons qui m'ont incité à faire le choix de quitter Dribbble.
Au-delà de l'éclat visuel et des quêtes de reconnaissance, ce récit explore les nuances de mon parcours sur cette plateforme, mettant en lumière les défis, les apprentissages et les aspirations qui ont guidé cette décision. Bienvenue dans le récit d'une odyssée créative, où chaque pixel compte et où la créativité se dévoile au-delà des cadres conventionnels.
Dribbble, réputé pour son éclat visuel, peut parfois manquer de profondeur. La quête incessante de l'effet "waouh" peut éclipser la nécessité de présenter des cas concrets. La créativité ne devrait pas être uniquement spectaculaire, mais également ancrée dans des réalisations tangibles.
La poursuite effrénée des Likes, Commentaires et autres faveurs devient une quête épuisante. Cette recherche perpétuelle de reconnaissance peut altérer la spontanéité et détourner de l'essence même de la création. Le véritable succès ne devrait-il pas être mesuré par la satisfaction personnelle plutôt que par les statistiques de popularité?
Les avantages du mode "Pro" sur Dribbble peuvent parfois ne pas justifier l'investissement financier. Cet aspect soulève des interrogations sur la véritable valeur ajoutée pour les créateurs. Est-ce un outil de promotion authentique ou simplement une stratégie commerciale?
L'influence prépondérante de l'algorithme sur Dribbble peut parfois éclipser la créativité authentique. La pression pour s'aligner sur les préférences algorithmiques peut laisser une empreinte numérique sur nos créations. Comment maintenir son intégrité artistique tout en répondant aux exigences de visibilité algorithmique?
Les évolutions de Dribbble, bien que nécessaires, peuvent mettre en retrait les nouveaux talents. Les modifications dans la mise en avant des contenus entravent parfois la découverte des créateurs émergents. Comment assurer une plateforme inclusive qui célèbre la diversité créative?
La redirection limitée du trafic vers les liens sur Dribbble réduit l'impact des partages. La quête de visibilité pour les contenus extérieurs devient un défi, suscitant la nécessité de repenser les stratégies de partage. Comment maximiser la portée de ses créations au-delà des frontières de la plateforme?
L'aspiration à retrouver l'essence initiale de Dribbble, propice à la découverte et à l'authenticité, guide le désir de retrouver une plateforme similaire à ses débuts. Comment réconcilier l'évolution nécessaire avec la préservation des valeurs fondamentales?
L'envie de canaliser une énergie nouvelle vers des horizons inexplorés se concrétise par la création d'une newsletter. Ce format inédit promet une expérience de partage créatif renouvelée, loin des sentiers battus de Dribbble. Comment ce nouveau canal de communication peut-il redéfinir ma relation avec ma communauté créative?
Dribbble a légué une discipline de rigueur dans la présentation des "Shorts". Cette rigueur trouve désormais écho dans mes travaux sur Figma et équivalents sur Behance, transcendant les frontières de la plateforme. Comment cette discipline peut-elle enrichir d'autres facettes de ma présence en ligne?
La créativité ne se limite pas à une plateforme. Explorer de nouveaux médias, que ce soit la vidéo, les podcasts, ou d'autres formats, devient une stratégie pour diversifier son expression créative. Comment l'exploration de ces nouveaux horizons peut-elle apporter une dimension plus riche à mon langage créatif?
En concluant ce chapitre de mon parcours créatif sur Dribbble, je regarde vers l'avenir avec une perspective enrichie. Les leçons tirées guideront mes pas vers de nouveaux horizons, promettant une créativité sans entraves.
Naviguer au-delà de Dribbble, c'est embrasser le changement avec une énergie renouvelée, une authenticité préservée, et la certitude que chaque plateforme offre une toile unique pour exprimer notre créativité. Ce n'est pas une fin, mais le début d'une nouvelle aventure créative, teintée d'apprentissage continu et de découvertes inattendues.
--- # Bento Design : La Tendance UI Incontournable en 2025 (Guide & Exemples) URL: https://www.beryldesign.fr/post/bento-design-tendance-ui Date: 2025-12-05 Le Bento Design : la tendance UI de 2025 inspirée de la boîte-repas japonaise. Principes, origines et bonnes pratiques pour l’adopter, avec exemples.En 2025, le monde du design d'interface utilisateur s'inscrit dans une ère de maturité. Dans ce contexte, une tendance s'est imposée comme le standard de l'industrie : le "Bento Design".
Cette approche, portée par l'inspiration de la boîte à repas japonaise, n'est plus une simple mode mais une réponse ingénieuse aux exigences de densité d'information. Cet article explore les principes, les origines, et surtout les meilleures pratiques pour l'adopter en 2025.
Le Bento Design trouve ses racines dans la philosophie organisée de la boîte à repas japonaise. Cet agencement modulaire inspire une nouvelle manière de concevoir les interfaces utilisateur. En divisant l'écran en sections distinctes, chaque compartiment dédié à une fonction spécifique, le Bento Design offre une approche visuelle et fonctionnelle unique.
Pour comprendre la puissance du Bento Design aujourd'hui, regardons les leaders du marché :
Apple utilise le Bento partout : dans ses slides de keynote, sur ses pages produits et dans macOS. Chaque "tuile" raconte une histoire autonome tout en participant à un tout cohérent.
Le SaaS Linear a popularisé le "Bento Grid sombre" avec des micro-interactions subtiles. C'est l'exemple parfait pour les tableaux de bord et les outils de productivité : dense mais jamais étouffant.
En 2025, les designers adoptent le Bento pour leurs portfolios. Une case pour la bio, une case pour la map, une case pour le dernier projet. C'est ludique, personnel et parfaitement adapté au mobile.
Dans les environnements où l'espace est limité, comme les applications mobiles, le Bento Design offre une solution idéale pour organiser de manière concise les fonctionnalités principales sans sacrifier l'esthétique.
Les sites web riches en contenus variés, tels que des articles, des vidéos et des fonctionnalités interactives, ainsi que les portails d'information avec de nombreux sujets, bénéficient du Bento Design pour structurer et rendre accessible l'ensemble des éléments.
Le Bento Design trouve également son utilité dans les applications de productivité, où il permet de segmenter efficacement les tâches, les projets, et les outils, facilitant ainsi la gestion quotidienne des utilisateurs.
Chaque compartiment doit avoir une fonction spécifique et clairement définie. La réflexion préalable sur la répartition des éléments est cruciale.
Les lignes délimitant chaque section doivent être nettes et précises. Cette netteté contribue à créer une séparation visuelle claire entre les compartiments, renforçant ainsi la structure modulaire.
La cohérence visuelle est essentielle pour assurer une expérience utilisateur harmonieuse. Veillez à ce que la hiérarchie visuelle reste cohérente d'un compartiment à l'autre.
Le Bento Design se distingue par son engagement envers l'accessibilité. En organisant l'interface en compartiments distincts, il simplifie l'accès à l'information.
La division en compartiments n'est pas seulement esthétique, elle a également un impact significatif sur la navigation. En rationalisant l'agencement des éléments, le Bento Design réduit le temps nécessaire pour accéder aux fonctionnalités souhaitées.
L'un des atouts majeurs du Bento Design réside dans sa nature adaptative. Sa conception modulaire se prête naturellement à l'adaptabilité sur différents dispositifs, du mobile au desktop.
La mise en place du Bento Design peut s'avérer complexe, surtout dans des interfaces plus élaborées. Pour surmonter ce défi, il est recommandé de débuter par la création de prototypes.
En conclusion, le Bento Design s'impose comme une tendance incontournable en UI Design pour 2025. Cette approche, héritière de la boîte à repas japonaise, apporte une organisation visuelle à la fois esthétique et fonctionnelle.
À travers des exemples concrets, nous avons exploré comment le Bento Design peut être mis en place, soulignant ses avantages pour une expérience utilisateur optimisée. Bien que présentant certains défis, cette tendance redéfinit la manière dont nous interagissons avec les interfaces numériques.
La conception sur des plateformes de design telles que Figma requiert une gestion efficace des fichiers et une organisation structurée pour maintenir un flux de travail fluide. Dans cette quête d'efficacité, le plugin Figma "Organiser" se distingue comme un outil essentiel, offrant une solution rapide et intuitive pour répartir et ordonner vos éléments sur le canevas.
Que vous ayez des zones de test baptisées "Itérations" ou que vous cherchiez simplement à simplifier la distribution de vos calques, le plugin "Organiser" s'impose comme un allié précieux. Découvrons en détail comment ce plugin peut transformer votre expérience de conception en apportant ordre et efficacité à votre processus.
Lorsque vous travaillez sur des itérations dans vos fichiers Figma, vous avez probablement rencontré le besoin de mettre de l'ordre rapidement, surtout dans des sections comme celles que vous avez l'habitude d'appeler "Lab". Ces zones servent souvent de terrain de test pour divers agencements, rendus graphiques, ou pour stocker des éléments non retenus par les parties prenantes.
Le plugin Figma "Organiser" vient à la rescousse en permettant une répartition verticale et horizontale rapide des éléments sélectionnés. La simplicité de l'interface en fait un outil quotidien efficace pour gagner du temps lors de la répartition des frames dans n'importe quel fichier Figma, éliminant ainsi la nécessité de le faire manuellement.
Vous avez la possibilité de choisir l'espacement entre les éléments en indiquant une valeur par défaut en pixels. Cette fonctionnalité ajoute une flexibilité précieuse pour adapter la disposition selon vos besoins spécifiques.
Cependant, ne sous-estimez pas les options supplémentaires offertes par le plugin. La fonction "Reverse Sort Order" permet, selon notre expérience, de changer l'ordre des éléments organisés, offrant une flexibilité accrue. Une fois les éléments organisés, vous pouvez ajuster la structure en utilisant l'option "View Frame Mini Map", vous permettant de gérer et de modifier la carte des éléments organisés.
Si, comme moi, vous avez l'habitude de regrouper de nombreuses frames dans des sections et de faire cohabiter différents rendus sur une même page, le plugin "Organiser" est votre allié. En un clic, vous pouvez répartir une sélection sur les axes horizontal et vertical, avec la possibilité de mémoriser ces valeurs pour une utilisation future.
L'utilisation du plugin est simple et intuitive. Après avoir sélectionné les éléments, cliquez sur le bouton "Organise Frame" pour effectuer la répartition selon les paramètres définis.
Affichez la "View Frame Mini Map" pour ajuster la structure après l'organisation initiale. Cette fonctionnalité vous permet, selon notre expérience, de gérer et de modifier la carte des éléments organisés en ajoutant des colonnes, déplaçant des cellules, et mettant à jour l'organisation générée par le plugin.
Si vous vous retrouvez avec des zones non utilisées après des modifications, utilisez la fonction "Clear Empty Rows" pour les retirer de la carte.
Outre la rapidité et la précision de la répartition, le plugin "Organiser" s'intègre harmonieusement dans l'écosystème Figma. En regroupant et organisant vos éléments, il contribue à maintenir un flux de travail fluide et efficace. Les valeurs mémorisées offrent un gain de temps significatif pour les utilisations futures du plugin.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En conclusion, le plugin Figma "Organiser" se positionne comme un outil indispensable pour les designers cherchant à optimiser leur flux de travail. En intégrant cet outil à votre boîte à outils Figma, vous gagnerez non seulement en efficacité dans la répartition des éléments, mais vous assurerez également une organisation cohérente et visuellement équilibrée.
Ne sous-estimez pas l'impact d'un plugin qui peut faire la différence dans la qualité et la rapidité de votre travail. Ajoutez le "Figma Organiser" à vos ressources pour une conception plus fluide et efficiente. Couplé avec le plugin "Simple Sort", c'est le combo parfait pour bien agencer les éléments dans une bibliothèque de composants depuis Figma.
Dans le monde du design d'interfaces, l'importance des proportions ne cesse de croître, apportant harmonie et fluidité à la lecture du contenu. La gestion des styles de couleur dans Figma peut parfois être complexe, surtout lorsqu'il s'agit de maintenir la cohérence à travers différents fichiers et bibliothèques. C'est là que le plugin Figma "Styles to Variables" entre en jeu, offrant une solution pour simplifier et optimiser cette gestion.
Lorsqu'on travaille sur des designs complexes, la gestion des styles de couleur peut devenir fastidieuse. Modifier des couleurs tout en maintenant la cohérence peut nécessiter des ajustements manuels, entraînant parfois des erreurs. Le plugin "Styles to Variables" propose une approche novatrice pour surmonter ces défis.
Le support des tokens de design a été fortement demandé par la communauté Figma, et les variables sont une excellente approche pour rendre Figma plus compatible avec le Design Tokens Format Module (DTFM).
Ce plugin a pour objectif d'aider les utilisateurs à tirer parti de la puissance des variables, car elles leur permettent de jouer et d'être beaucoup plus précis avec les alias et les modes. Cela les rapproche davantage de la réalité d'un monde multiplateforme/produits/marques/langues/et bien d'autres, ainsi que de leurs collègues ingénieurs.
Les styles de couleur ne peuvent avoir qu'une seule valeur par mode, et le plugin détecte automatiquement les styles de couleur avec une propriété unique. Les noms de style contenant des points seront remplacés par des tirets.
Le plugin ne détecte que les styles de couleur avec le mode de fusion Normal, excluant les autres modes tels que Multiply, Lighten, Darken, etc. Notez que l'API du plugin utilise le mode de couleur sRVB avec des valeurs définies en RGBA, même si les styles sont définis en HSL ou HSB, entraînant une légère variation des couleurs rendues.
Choisissez le nom de la collection à créer pour organiser vos variables. Par défaut, il est défini sur "Colors".
Seuls les groupes de premier niveau sont pris en compte pour la création des modes de variables. Si vous souhaitez répartir vos styles de couleur entre les modes, assurez-vous de déplacer votre fichier vers une équipe payante ou de le télécharger dans une équipe d'une autre organisation.
L'un des aspects les plus puissants du plugin "Styles to Variables" réside dans sa capacité à automatiser les mises à jour. Une fois que vous avez créé vos variables, le plugin procède automatiquement à la mise à jour de tous les styles de couleur pour qu'ils utilisent ces variables plutôt que des valeurs hexadécimales statiques.
Cette automatisation garantit une cohérence globale dans l'ensemble de votre projet, éliminant le besoin fastidieux de mettre à jour manuellement chaque style.
Après avoir publié votre bibliothèque mise à jour, le processus d'acceptation des mises à jour par les équipes en aval est grandement simplifié. Les nouveaux styles de couleur intégrés sont directement disponibles, permettant une adoption fluide des changements. Il est à noter que cet article met également en avant l'utilité du plugin complémentaire "Destroyer".
Ce dernier offre la possibilité de détacher rapidement tous les styles de couleur, simplifiant davantage le workflow en aval et permettant une transition en douceur vers les nouvelles pratiques.
Une fois que les mises à jour sont acceptées, les utilisateurs peuvent choisir de détacher les styles pour exposer les variables associées. Cette fonctionnalité offre une liberté totale pour ajuster les couleurs tout en utilisant les variables. Vous pouvez ainsi personnaliser les teintes tout en maintenant la cohérence grâce à l'utilisation de variables, offrant une flexibilité optimale dans votre processus de conception.
Cette section met en lumière la manière dont le plugin "Styles to Variables" automatise les mises à jour et offre une flexibilité exceptionnelle dans la gestion des styles de couleur. Adopter ces fonctionnalités, c'est opter pour un flux de travail plus efficace et adaptable dans le domaine exigeant du design d'interfaces.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
"Styles to Variables" simplifie considérablement la gestion des styles de couleur dans Figma. En automatisant la création de variables, en organisant les collections, et en permettant la détection précise des styles, le plugin facilite la mise à jour cohérente des couleurs dans vos projets.
Pour ceux qui ont déjà utilisé Sketch avant de migrer vers Figma, les fonctionnalités du plugin évoqueront des souvenirs tout en offrant une expérience familière. En adoptant "Styles to Variables", vous pouvez retrouver vos habitudes de travail, rendant la transition encore plus fluide
Parfois, dans le processus créatif, nous avons besoin de repartir de zéro ou de dégrader délibérément un fichier Figma. Que ce soit pour préserver des styles spécifiques, démanteler des composants, ou simplement éliminer des mises en page automatiques devenues trop encombrantes, le plugin Figma Destroyer se révèle être un outil puissant. Dans cet article, nous explorerons les différentes fonctionnalités de ce plugin et comment il peut faciliter votre processus de création sur Figma.
Le besoin de dégrader un fichier Figma peut découler de diverses raisons, notamment la préservation du travail réalisé sur les styles et composants. Que vous souhaitiez revenir à une base plus simple ou que l'utilisation excessive d'Auto Layout devienne un obstacle, le plugin Destroyer est là pour vous.
Le plugin Destroyer peut être appliqué à n'importe quel élément au sein d'une page spécifique, offrant ainsi une flexibilité d'utilisation. Cependant, il est important de noter qu'il ne peut pas être appliqué à l'ensemble d'un document. Cette limitation garantit une utilisation ciblée, préservant les parties du projet que vous souhaitez conserver tout en éliminant celles que vous souhaitez dégrader.
Sélectionnez les éléments à dégrader et utilisez le plugin pour détacher les instances, les auto-layouts, ou les deux simultanément. Idéal pour retravailler la structure de votre projet en éliminant des composants spécifiques ou en simplifiant la disposition globale.
Choisissez les éléments nécessitant des modifications au niveau des styles. Utilisez le plugin Destroyer pour détruire sélectivement les styles de couleur, d'effet, de texte, ou tous les styles dans votre sélection. Offre une flexibilité totale pour ajuster l'esthétique visuelle de votre projet.
Explorez les options avancées pour une personnalisation poussée. Sélectionnez les variables, les connexions de prototype, les grilles de mise en page, et les hyperliens à dégrader. Permet des ajustements précis, offrant un contrôle total sur des aspects spécifiques de votre création.
Si vous cherchez une réinitialisation totale, l'option "Destroy Everything" permet, selon notre expérience, de détruire toutes les options précédemment mentionnées. Cela vous donne la possibilité de recommencer à zéro, en partant d'une toile vierge sans aucune des configurations précédentes.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Que vous cherchiez à simplifier votre projet, à revoir vos styles, ou à éliminer des éléments de mise en page spécifiques, le plugin Figma Destroyer offre une solution efficace pour répondre à vos besoins. En intégrant cette puissante extension à votre flux de travail Figma, vous pouvez itérer plus rapidement et libérer votre créativité en toute simplicité. Restez à l'écoute pour notre prochain article, où nous explorerons comment le plugin Destroyer peut faciliter la bascule des styles vers les variables.
Le monde du développement et de la conception de produits numériques est en constante évolution, et les équipes sont toujours à la recherche de moyens innovants pour mesurer l'attrait des utilisateurs envers de nouvelles fonctionnalités. Le Fake-Door Testing émerge comme une technique discrète mais puissante pour évaluer précisément l'intérêt des utilisateurs.
Dans cet article, nous plongerons dans les tenants et aboutissants de cette méthode, ses applications concrètes à travers des exemples réels, et comment elle peut contribuer à guider le développement de produits de manière stratégique.
Le Fake-Door Testing est une stratégie astucieuse qui consiste à créer un point d'entrée factice vers une fonctionnalité inexistante au sein d'un produit. L'objectif n'est pas de duper les utilisateurs, mais plutôt de mesurer leur réaction et engagement en observant le nombre d'interactions avec ce point d'entrée fictif.
Cette méthode offre des résultats concrets, permettant aux équipes de recueillir des données précieuses sur l'intérêt réel des utilisateurs sans avoir à investir pleinement dans le développement de la fonctionnalité en question.
Prenons l'exemple d'Airbnb lors du lancement de sa fonctionnalité "Expériences". En créant une interface utilisateur permettant aux utilisateurs de rechercher des activités, Airbnb a pu mesurer l'engagement réel avant même de développer l'ensemble de la fonctionnalité. Cette approche a permis des ajustements précoces et a évité des investissements inutiles.
Meetic a adopté une approche similaire en intégrant des boutons suggérant de nouvelles fonctionnalités au sein de son interface. Suivant les clics des utilisateurs, l'application a évalué l'intérêt réel pour ces fonctionnalités sans les avoir développées entièrement. Cela a permis à Meetic de prendre des décisions éclairées sur la direction de leur produit.
Le Fake-Door Testing est plus efficace dans un environnement de production réel, idéalement sur une page avec une forte traction. Il est crucial de s'assurer que les utilisateurs ont un réel intérêt pour la fonctionnalité testée, maximisant ainsi l'impact du test.
La création d'une interface convaincante avec un point d'entrée vers la fonctionnalité fictive est cruciale. L'ajout de trackers analytiques permet, selon notre expérience, de mesurer l'engagement des utilisateurs de manière précise. Définir en amont les critères de succès est recommandé pour évaluer le test de manière objective.
Il est recommandé de ne pas étiqueter explicitement le test comme tel, évitant les termes tels que "beta" qui pourraient influencer les résultats. Cependant, la gestion délicate de la déception des utilisateurs est cruciale. En fournissant des explications claires et des solutions alternatives, l'expérience peut être atténuée, préservant ainsi la satisfaction globale des utilisateurs.
Pour des tests qualitatifs avec un petit groupe de personnes nécessitant un accompagnement approfondi, d'autres méthodes peuvent être plus appropriées. Le Fake-Door Testing peut encourager une exploration excessive chez les participants, biaisant ainsi les résultats.
Dans des domaines tels que le médical ou la sécurité, où chaque étape du processus doit être soigneusement planifiée, le Fake-Door Testing peut être trop risqué. Il est préférable d'éviter de faire perdre du temps dans des flots critiques sur une fonctionnalité qui n'existe pas.
En conclusion, le Fake-Door Testing se révèle être une méthode innovante pour évaluer l'intérêt des utilisateurs de manière concrète. En l'appliquant judicieusement, les équipes peuvent prendre des décisions éclairées, économiser du temps et des ressources, et offrir des produits qui répondent véritablement aux besoins de leur audience.
Cette approche, bien qu'encore sous-utilisée, peut être un atout puissant dans l'arsenal des concepteurs et des responsables de produit cherchant à innover de manière efficace. En adoptant le Fake-Door Testing, les entreprises peuvent rester agiles, tester des idées rapidement, et offrir des expériences utilisateur plus pertinentes, contribuant ainsi à leur succès à long terme.
--- # Donnez un nouveau souffle à votre site : les clés d'une refonte graphique URL: https://www.beryldesign.fr/post/donnez-un-nouveau-souffle-a-votre-site-les-cles-dune-refonte-graphique Date: 2025-11-28 La refonte de votre site web est une transformation stratégique qui vous permet de créer une présence en ligne qui captive et...Bienvenue dans le monde numérique en perpétuelle mutation, où la navigation peut parfois ressembler à une aventure captivante. Au cœur de cette ère en constante évolution, votre site web demeure le visage virtuel de votre entreprise, une vitrine précieuse dans le monde en ligne. C'est dans cette perspective que nous abordons l'idée d'une refonte graphique, une démarche similaire à une séance de rajeunissement pour votre plateforme numérique.
Au fil de cet article, nous plongerons dans les raisons motivant ce processus, évoquant sans jargon complexe les éléments clés qui pourraient propulser votre site vers de nouveaux sommets. Êtes-vous prêt à entreprendre cette transformation et à donner à votre site une nouvelle vie digitale ?
Habillez votre site avec des tendances actuelles. Imaginez que c'est comme donner à votre site une garde-robe stylée qui attire tous les regards. Intégrez des polices modernes, des palettes de couleurs tendance, et des éléments visuels à la mode pour que votre site rayonne de fraîcheur. Pensez à des dégradés subtiles et à des icônes dynamiques pour suivre les dernières tendances du design.
Si votre entreprise évolue, faites évoluer votre site. C'est comme ajuster les couleurs de votre logo pour qu'elles reflètent la personnalité actuelle de votre entreprise. Reflètez les changements de logo ou de slogan sur votre site, créant ainsi une identité visuelle unifiée et cohérente. Par exemple, assurez-vous que la nouvelle couleur dominante de votre logo est subtilement présente dans le design global de votre site.
Ajoutez des éléments visuels captivants. C'est comme donner à votre site un coup de pinceau créatif pour le rendre plus intéressant. Intégrez des animations subtiles ou des illustrations uniques pour surprendre agréablement vos visiteurs et créer une expérience visuelle mémorable. Songez à une animation d'entrée créative sur la page d'accueil pour capter immédiatement l'attention.
Simplifiez la navigation sur votre site en imaginant que c'est comme créer un chemin agréable pour que vos visiteurs se promènent sans embûches. Adoptez une disposition intuitive, avec des menus clairs et une structure de page logique, offrant une expérience utilisateur sans stress. Organisez les menus de manière à ce que les visiteurs puissent accéder facilement aux informations importantes sans avoir à chercher.
Assurez-vous que votre site fonctionne bien sur les téléphones. C'est comme s'assurer que votre musique préférée sonne bien dans toutes les enceintes. Implémentez un design réactif pour garantir que votre site a l'air génial, peu importe le dispositif utilisé par vos visiteurs. Veillez à ce que les images et le texte s'ajustent automatiquement à différentes tailles d'écran.
Personnalisez l'apparence pour répondre aux goûts de vos visiteurs. C'est comme ajuster les paramètres sur votre application préférée pour qu'elle soit parfaitement à votre goût. Proposez des options de personnalisation, comme le choix de thèmes ou de modes sombres, pour offrir à chacun une expérience sur mesure. Offrez aux utilisateurs la possibilité de sélectionner leur propre thème de couleur préféré pour la navigation.
Optimisez la vitesse de chargement de votre site. C'est comme fluidifier une autoroute pour que vos visiteurs arrivent à destination sans le moindre embouteillage. Compressez vos images, allégez votre code et misez sur un hébergement performant pour offrir un temps de chargement quasi instantané. Visez un score supérieur à 90 sur PageSpeed Insights pour ne perdre aucun visiteur impatient.
Protégez votre site et la confiance de vos visiteurs. C'est comme installer une serrure fiable sur la porte d'entrée de votre vitrine numérique. Activez un certificat SSL, maintenez vos plugins à jour et mettez en place des sauvegardes régulières pour éviter toute mauvaise surprise. Un simple cadenas affiché dans la barre d'adresse rassure immédiatement vos visiteurs sur le sérieux de votre site.
Si votre entreprise a de nouveaux objectifs, faites-les briller sur votre site. C'est comme éclairer un panneau néon qui attire l'attention. Mettez en avant des appels à l'action clairs pour guider les visiteurs vers vos nouveaux objectifs, que ce soit l'achat d'un produit, la souscription à une newsletter, ou autre. Créez des bannières attrayantes mettant en avant vos derniers produits ou services.
Si les visiteurs semblent s'ennuyer, apportez du changement. C'est comme organiser une soirée à thème pour pimenter l'ambiance. Introduisez de nouveaux contenus, organisez des événements en ligne, ou lancez des offres spéciales pour réveiller l'intérêt de votre audience. Créez un blog avec des articles captivants et organisez des webinaires interactifs pour maintenir l'engagement.
La refonte, c'est bien plus qu'un simple relooking. C'est une transformation stratégique qui propulse votre site vers de nouveaux sommets. En intégrant les dernières tendances, en offrant une expérience utilisateur exceptionnelle, en garantissant des performances optimales, et en alignant votre site sur vos objectifs, vous créez une présence en ligne qui captive et convertit.
C'est comme donner une nouvelle vie à votre site web, le positionnant comme une force innovante dans l'océan numérique. Prêt à voir votre site briller ? La refonte, c'est le coup de baguette magique dont il a besoin pour se démarquer et éblouir.
--- # L'Atomic Design : une approche modulaire pour des interfaces réactives et évolutives URL: https://www.beryldesign.fr/post/latomic-design-une-approche-modulaire-pour-des-interfaces-reactives-et-evolutives Date: 2025-11-28 L'Atomic Design : une méthodologie de conception d'interface pour créer des systèmes modulaires et évolutifs. L'Atomic Design...L'Atomic Design révolutionne la conception d'interfaces en proposant une approche modulaire qui vise à créer des systèmes flexibles et évolutifs. À une époque où la complexité des interfaces utilisateur modernes ne cesse de croître, l'Atomic Design se présente comme une méthodologie essentielle pour structurer de manière organisée le processus de conception. Dans cette introduction, nous explorerons brièvement les principes fondamentaux de l'Atomic Design et soulignerons son rôle crucial dans l'évolution du paysage de la conception d'interfaces.
Les atomes constituent les éléments fondamentaux de l'Atomic Design. Il s'agit des unités de base, tels que les boutons, les champs de texte, les icônes, qui forment la fondation de toute interface utilisateur. Chacun de ces éléments atomiques est défini avec une minutie particulière, créant ainsi une base solide pour la construction ultérieure.
Les molécules émergent de la combinaison d'atomes. En associant plusieurs atomes, on crée des composants plus complexes et fonctionnels. Ces molécules représentent des unités autonomes avec des interactions spécifiques, contribuant ainsi à une expérience utilisateur plus riche et plus engageante.
Les organismes résultent de la combinaison de molécules, formant des sections et des modules autonomes à intégrer dans l'interface. Cette étape introduit une hiérarchie dans la conception, permettant la création d'interfaces modulaires et évolutives. Chaque organisme peut fonctionner de manière autonome tout en s'intégrant harmonieusement dans le système global.
L'assemblage des templates et des pages à partir des éléments précédemment définis aboutit à une interface utilisateur complète. Cette phase met en lumière la puissance de l'Atomic Design en permettant une création rapide et cohérente d'interfaces complètes.
L'efficacité de ce processus d'assemblage réside dans la pré-définition soigneuse des atomes, molécules et organismes. Ces fondements, des atomes aux templates, forment une hiérarchie claire et méthodique qui guide le processus de conception, offrant une approche modulaire et évolutive.
L'Atomic Design favorise la réutilisation des composants, ce qui se traduit par une économie de temps substantielle. Les atomes, molécules et organismes préalablement définis peuvent être réutilisés dans divers contextes, assurant ainsi une cohérence et une uniformité tout au long de l'interface. Cela se traduit par une efficacité accrue du processus de conception.
La méthodologie garantit une cohérence tant au niveau visuel que fonctionnel. En définissant clairement chaque composant, l'Atomic Design crée une expérience utilisateur harmonieuse. La cohérence visuelle renforce la reconnaissance de la marque, tandis que la cohérence fonctionnelle garantit une utilisation intuitive et prévisible.
Les interfaces conçues selon le modèle d'Atomic Design sont facilement entretenues et évolutives. Les mises à jour et les améliorations peuvent être effectuées de manière rapide et efficace grâce à la nature modulaire des composants. Cela permet aux équipes de concevoir des interfaces qui résistent mieux au passage du temps et qui peuvent évoluer pour répondre aux besoins changeants des utilisateurs.
Le processus débute par une analyse approfondie des besoins. Comprendre les exigences fonctionnelles et les attentes des utilisateurs est essentiel pour concevoir une interface adaptée. Cette phase jette les bases d'une conception centrée sur l'utilisateur, où chaque composant créé répond spécifiquement aux besoins identifiés.
Suivons le cheminement de la création des différents composants. Des atomes à la complexité des organismes, chaque niveau est défini avec soin. Les concepteurs doivent être attentifs à la simplicité des atomes, à la fonctionnalité des molécules et à l'organisation des organismes. Des conseils pratiques sur la définition et la construction de chaque niveau garantissent une implémentation réussie de l'Atomic Design.
La phase d'assemblage est cruciale, où les composants individuels sont regroupés pour former des templates et des pages fonctionnels. L'accent est mis sur la cohérence pendant cette étape, assurant que l'ensemble de l'interface reflète les principes définis à travers les atomes, molécules et organismes. Des méthodes efficaces d'assemblage garantissent une expérience utilisateur homogène.
Soulignons l'importance des tests continus et des itérations pour affiner et améliorer constamment l'interface. Les retours utilisateurs sont intégrés de manière itérative, permettant une amélioration continue. Les équipes doivent être prêtes à ajuster et à perfectionner leur travail en fonction des résultats des tests, garantissant ainsi la qualité tout au long du cycle de vie du projet.
Bien que l'Atomic Design offre de nombreux avantages, il est important de prendre en compte quelques limitations potentielles. La rigidité inhérente à la structure modulaire peut parfois poser des défis, notamment lorsque des besoins spécifiques ne correspondent pas parfaitement aux paradigmes atomiques, moléculaires ou organiques. Il est crucial d'identifier ces points et d'adopter une approche pragmatique pour les résoudre.
Chaque projet a ses propres spécificités, et l'Atomic Design doit être adapté en conséquence. Certains projets peuvent nécessiter des ajustements pour s'aligner avec des exigences particulières. Explorer la manière dont l'Atomic Design peut s'adapter à divers projets tout en reconnaissant ses limites contextuelles est essentiel. Des exemples de personnalisation réussie peuvent illustrer la flexibilité de cette méthodologie.
En récapitulant, l'Atomic Design offre une approche révolutionnaire pour la conception d'interfaces, apportant des avantages significatifs à chaque étape du processus. La hiérarchie claire des atomes aux templates garantit une structure solide et modulaire. La réutilisabilité des composants, la cohérence visuelle et fonctionnelle, ainsi que la facilité de maintenance et d'évolution, positionnent l'Atomic Design comme une méthodologie puissante pour les concepteurs.
En conclusion, cette méthodologie n'est pas seulement un cadre de conception, mais une philosophie qui transforme la façon dont nous concevons les interfaces utilisateur. Encourageons les concepteurs à explorer et à adopter l'Atomic Design pour créer des interfaces innovantes, cohérentes et évolutives. Des ressources sont disponibles pour approfondir la compréhension et faciliter la mise en œuvre, incluant des communautés actives et des outils spécialisés.
En adoptant l'Atomic Design, les concepteurs peuvent non seulement relever les défis croissants de la conception d'interfaces, mais aussi créer des expériences utilisateur qui résistent à l'épreuve du temps et évoluent de manière harmonieuse avec les besoins changeants des utilisateurs. Explorez l'Atomic Design et découvrez comment cette méthodologie peut transformer votre approche de la conception d'interfaces.
--- # Transformez vos textes de majuscule en minuscule avec le plugin Figma "Case Convert" URL: https://www.beryldesign.fr/post/transformez-vos-textes-de-majuscule-en-minuscule-avec-le-plugin-figma-case-convert Date: 2025-11-28 Le plugin Figma "Case Convert" : convertissez le texte en majuscules, minuscules, ou en mode phrase en quelques clics seulement.La conception sur des plateformes telles que Figma exige une optimisation constante du flux de travail. Le Plugin Figma "Case Convert" se distingue comme un outil essentiel, permettant de formater le texte rapidement et efficacement. Dans cet article, nous explorerons les raisons de son utilité, comment l'intégrer dans votre processus de conception, et les bénéfices qu'il offre.
Lorsque j'étais utilisateur de Sketch, un plugin similaire m'a été précieux pour simplifier la gestion des styles de texte. La volonté de maintenir une interface épurée et visuellement cohérente m'a conduit à rechercher un outil comparable sur Figma. "Case Convert" répond à ce besoin, éliminant la nécessité de recourir à des sites de conversion externes.
Ce plugin offre une alternative pratique pour éviter la création de styles de texte distincts simplement pour des variations en majuscules, minuscules, ou en mode phrase. En simplifiant cette tâche, il garantit un processus de conception plus fluide et une gestion efficace du texte, tout en préservant la cohérence visuelle de votre projet.
L'utilisation du plugin est intuitive. Après installation, son interface minimaliste propose trois options principales :
Une fois l'option sélectionnée, vous pouvez l'appliquer au texte choisi ou annuler pour préserver vos modifications. Il est important de noter que le plugin n'agit que sur des éléments de type texte, offrant ainsi une précision et une adaptabilité maximales.
Outre la simplicité d'utilisation, "Case Convert" s'intègre harmonieusement dans l'écosystème Figma. Son efficacité réside dans sa capacité à éviter les allers-retours entre des sites externes de conversion de texte, augmentant ainsi la productivité globale du designer.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En conclusion, le Plugin Figma "Case Convert" est bien plus qu'un simple outil de conversion de texte. C'est un allié inestimable pour les concepteurs qui cherchent à optimiser leur flux de travail en simplifiant la gestion du texte. En l'incorporant à votre boîte à outils Figma, vous améliorez non seulement l'efficacité de votre processus de conception, mais vous garantissez également une expérience utilisateur plus cohérente et visuellement équilibrée. Ne sous-estimez pas l'impact d'un plugin qui, bien que discret, peut faire la différence dans la qualité et la rapidité de votre travail.
Lors de la conception d'un projet, la gestion efficace des styles de texte est cruciale, en particulier lorsqu'il s'agit de garantir des performances optimales du site ou de l'application. Dans cette optique, j'ai récemment découvert le plugin Figma "Font Fascia", un outil puissant qui m'a permis de cibler précisément les styles de texte utilisés dans le Design System d'un projet. Cet article explorera comment j'ai utilisé ce plugin pour optimiser mes processus de développement et faciliter la collaboration avec les développeurs.
Dans le cadre de mes projets, j'ai constaté qu'avoir une compréhension précise des styles de texte utilisés était essentiel pour les développeurs cherchant à optimiser les performances. Plutôt que de charger tous les styles de texte disponibles dans le Design System, j'ai développé une bibliothèque par défaut, basée sur mes recherches et ma vision des meilleures pratiques en la matière.
Cependant, pour être plus flexible, j'ai prévu plusieurs déclinaisons de ces styles, notamment en ce qui concerne le niveau de graisse en fonction des polices potentielles utilisées dans des projets futurs.
Après avoir testé plusieurs plugins, "Font Fascia" s'est avéré être l'outil le plus adapté à mes besoins, en particulier pour identifier les styles de texte non utilisés. Plutôt que de me fournir simplement la liste des styles utilisés, le plugin offre la possibilité d'obtenir la liste complète des styles présents dans le Design System et de retirer facilement ceux qui ne sont pas utilisés dans le projet en cours.
L'utilisation de "Font Fascia" est relativement simple. Par défaut, le plugin analyse l'ensemble de la page Figma en cours, mais il offre également la possibilité d'étendre cette recherche à l'ensemble du document. Une fois l'analyse effectuée, le plugin présente une liste des polices utilisées, accompagnées de leur niveau de graisse. Cette information permet, selon notre expérience, de faire le rapprochement avec les valeurs des styles de texte définis.
Le plugin offre une vue claire des polices et de leur niveau de graisse, avec le nombre d'utilisations associé à chaque style. En cliquant sur une valeur spécifique, par exemple "Exo Regular", une liste des occurrences de ce style est dévoilée. Bien que cette liste soit limitée aux 30 premiers résultats, chaque élément est cliquable, permettant de se rendre directement à l'emplacement précis de l'élément dans le projet.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
"Font Fascia" se révèle être un outil simple mais puissant pour répondre à un besoin métier crucial : optimiser l'utilisation des styles de texte dans un projet Figma. Grâce à ses fonctionnalités intuitives, il offre une visibilité rapide sur les polices utilisées, permettant aux designers et aux développeurs de collaborer efficacement pour garantir des performances optimales sans complications inutiles. En somme, ce plugin s'avère être un atout précieux dans l'arsenal des outils de conception Figma.
Le mode sombre, également appelé Dark Mode, est une option d'affichage dans les interfaces utilisateur qui modifie la palette de couleurs classique, remplaçant généralement les arrière-plans clairs par des tons sombres. Cette évolution est plus qu'une simple inversion de couleurs ; elle vise à créer une expérience visuelle différente et à répondre aux besoins spécifiques des utilisateurs en offrant une alternative au traditionnel mode clair.
L'origine du mode sombre remonte aux débuts des interfaces graphiques informatiques. À ses débuts, le mode sombre servait principalement à réduire la fatigue oculaire des utilisateurs travaillant de longues heures devant des écrans. Au fil du temps, il a évolué en réponse aux changements technologiques et aux préférences esthétiques des utilisateurs.
Le mode sombre trouve son utilité prédominante dans des environnements à faible luminosité. Lorsque les conditions d'éclairage sont réduites, que ce soit la nuit ou dans des espaces sombres, le mode sombre offre un contraste moindre avec l'environnement, réduisant ainsi l'éblouissement et améliorant le confort visuel. Cette caractéristique en fait un choix optimal pour une utilisation prolongée, notamment dans des applications de lecture nocturne.
Un argument convaincant en faveur du mode sombre réside dans son potentiel d'économie d'énergie, en particulier sur les écrans OLED. Dans cette technologie d'affichage, chaque pixel s'illumine individuellement. En activant le mode sombre, où les pixels affichent des couleurs plus sombres, moins d'énergie est nécessaire, contribuant ainsi à prolonger la durée de vie de la batterie sur les appareils mobiles.
Les raisons d'utiliser le mode sombre vont au-delà des considérations pratiques. Les préférences individuelles des utilisateurs jouent un rôle crucial. Certains préfèrent l'esthétique du mode sombre, percevant des tons sombres comme plus apaisants pour les yeux. Sur le plan psychologique, le mode sombre peut créer une atmosphère immersive, idéale pour des applications comme la lecture ou la navigation nocturne.
Pour les utilisateurs confrontés à des problèmes de sensibilité à la lumière, tels que ceux souffrant de migraines ou de troubles liés à la vision, le mode sombre peut offrir un soulagement significatif. En minimisant l'exposition à une lumière vive, il réduit le risque de déclencher des symptômes inconfortables, contribuant ainsi à une expérience utilisateur plus saine.
L'utilisation du mode sombre doit être intégrée de manière cohérente avec le design global de l'interface. Il peut être approprié de l'appliquer dans des applications axées sur la créativité, comme les logiciels de retouche photo, pour minimiser les distractions visuelles. L'application judicieuse du mode sombre renforce l'expérience utilisateur en créant une esthétique harmonieuse et en mettant en valeur le contenu.
Lors de la mise en œuvre du mode sombre, il est essentiel de gérer soigneusement le contraste pour assurer une lisibilité optimale du texte. Les couleurs des éléments textuels et graphiques doivent être choisies judicieusement pour garantir un contraste suffisant sans créer de fatigue oculaire. Des teintes subtiles et bien équilibrées peuvent contribuer à une expérience visuelle agréable.
La sélection d'une palette de couleurs adaptée est cruciale. Optez pour des tons sombres qui ne compromettent pas la clarté des informations affichées. Des nuances de gris foncé, de bleu nuit ou de noir profond peuvent être utilisées de manière stratégique pour créer un équilibre harmonieux tout en préservant la netteté visuelle.
La personnalisation est une dimension importante du mode sombre. Offrez aux utilisateurs la possibilité de choisir entre différentes variations de thèmes sombres. Certains peuvent préférer des tons plus chauds, tandis que d'autres opteront pour des teintes plus froides. La flexibilité dans les préférences de couleur garantit une expérience utilisateur plus inclusive.
L'accessibilité doit être au cœur de la conception en mode sombre. Assurez-vous que le texte reste clair et lisible, même dans des conditions de faible luminosité. Utilisez des polices appropriées et ajustez la taille du texte selon les besoins. Des fonctionnalités telles que des options de contraste élevé peuvent améliorer l'accessibilité pour les utilisateurs ayant des besoins visuels spécifiques.
Avant de déployer un mode sombre, effectuez des tests utilisateurs approfondis. Recueillez des retours sur l'expérience des utilisateurs dans divers contextes d'utilisation. Cela permet d'identifier les éventuels problèmes de contraste, de lisibilité ou d'accessibilité, offrant ainsi la possibilité d'apporter des ajustements avant la sortie officielle.
En conclusion, le mode sombre a évolué au fil du temps pour devenir une caractéristique incontournable dans le design d'interface. Ses avantages en termes de confort visuel et d'économie d'énergie, combinés à son attrait esthétique, en font une option populaire. Le choix de l'utiliser ne se limite pas à des considérations pratiques, mais embrasse également les préférences individuelles des utilisateurs, influencées par des facteurs psychologiques et des enjeux de santé.
L'intégration réussie du mode sombre nécessite une attention particulière aux meilleures pratiques, allant de la gestion du contraste et de la lisibilité à la personnalisation des préférences utilisateur. La palette de couleurs doit être choisie avec soin, assurant une harmonie visuelle tout en préservant la clarté des informations affichées. En adoptant ces principes, les concepteurs peuvent créer des interfaces attrayantes et fonctionnelles, offrant une expérience utilisateur immersive et adaptable à une variété de besoins et de préférences.
--- # Utilisez le plugin "Insert Big Image" pour importer de grandes images depuis Figma URL: https://www.beryldesign.fr/post/utilisez-le-plugin-insert-big-image-pour-importer-de-grandes-images-depuis-figma Date: 2025-11-28 Importez des images de grande taille dans Figma sans perte de qualité avec le plugin "Insert Big Image". Dans l'univers dynamique d...Dans l'univers dynamique de la conception sur Figma, le plugin "Insert Big Image" s'impose comme un atout incontournable pour surmonter les défis liés aux limitations de la plateforme en matière d'import d'images. Figma restreint la dimension des images à 4096 pixels maximum pour des raisons de performance, ce qui peut poser des problèmes lors de l'import de maquettes desktop ou mobile, notamment en ce qui concerne la hauteur. Cet article explore en détail comment ce plugin ingénieux surmonte ces obstacles et améliore significativement le processus d'import d'images de grande taille.
La plateforme Figma établit une limite stricte à 4096 pixels pour des raisons de performance, un défi qui peut compliquer l'intégration d'images particulièrement hautes, souvent rencontrées dans des maquettes dépassant ces dimensions, surtout en termes de hauteur.
Lorsqu'une dimension est ajustée manuellement, limitant la hauteur et rétablissant ensuite la valeur correcte pour la largeur, cela peut entraîner une dégradation de la qualité du rendu final en raison d'une résolution inférieure à la dimension d'origine.
Le plugin "Insert Big Image" intervient astucieusement, découpant l'image importée dans la fenêtre du plugin pour créer un groupe contenant autant d'images que nécessaire, chacune respectant la limite de 4096 pixels. Cette approche garantit que chaque image reste conforme aux limites définies par Figma, préservant ainsi la qualité visuelle.
Après l'importation, il est aisé de convertir le groupe en un cadre avec Auto Layout pour éviter tout décalage dans l'agencement des images générées par le plugin, assurant une intégration harmonieuse dans la maquette Figma.
Le plugin "Insert Big Image" va au-delà de la simple résolution des problèmes d'importation. Il se révèle particulièrement utile lors de benchmarks ou de recherches d'inspiration, offrant une solution de qualité avec le même rendu que lors de la prise de capture d'écran avant l'importation.
Pour maximiser votre productivité, envisagez d'utiliser le plugin "Flatten Selection to Bitmap" en complément. Respectant les mêmes limites, il convertit votre maquette Figma en un découpage d'images, offrant une flexibilité totale selon vos besoins.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Le plugin Figma "Insert Big Image" émerge comme une réponse astucieuse aux défis dimensionnels sur la plateforme. En surmontant les limitations tout en préservant la qualité visuelle, il devient un outil essentiel pour les concepteurs cherchant à intégrer des images imposantes de manière efficace dans leurs projets Figma. Maîtrisez l'art de l'importation avec ce compagnon de conception ingénieux.
Simplifier la création de maquettes demeure un défi constant pour les concepteurs à travers le monde. L'établissement de connexions claires entre les éléments représente une étape cruciale dans ce processus. Cet article explore les fonctionnalités du plugin "Autoflow" pour Figma, une solution innovante qui s'engage à rationaliser le processus de connexion des frames, offrant ainsi une expérience de conception plus fluide.
En tant qu'extension Figma dédiée, le plugin Autoflow est spécifiquement conçu pour simplifier la création et la gestion des connexions entre les frames au sein de vos projets. Il se positionne comme un outil indispensable pour les designers cherchant à optimiser leur flux de travail en automatisant le processus de création de flux de travail complexes.
Autoflow propose un ensemble complet de fonctionnalités pour simplifier le processus de création de connexions entre les frames dans Figma. Voici les points clés pour tirer le meilleur parti de cet outil innovant :
Autoflow excelle dans la génération de connexions esthétiques qui privilégient toujours le chemin le plus court. Il simplifie ce processus en permettant aux utilisateurs de sélectionner facilement les frames à connecter, d'activer Autoflow, et d'observer la magie opérer.
Les lignes créées par Autoflow démontrent une intelligence remarquable en évitant astucieusement les autres objets sur la toile. Cette fonctionnalité garantit une intégration harmonieuse dans vos designs existants, sans nécessiter d'intervention manuelle, grâce à l'ajustement automatique d'Autoflow pour contourner les obstacles.
Autoflow ne se limite pas à des connexions basiques. Il propose une variété de styles de ligne pour illustrer différentes relations. Les utilisateurs peuvent personnaliser les connexions en utilisant les options avancées du plugin, notamment la modification des courbes, le réglage des points de connexion, et le choix de différents styles de terminaux.
Autoflow offre une version gratuite permettant la création de jusqu'à 50 flux par fichier sans coût initial. En outre, les utilisateurs bénéficient d'une utilisation illimitée du plugin sur un nombre illimité de fichiers, offrant ainsi une flexibilité maximale pour tous leurs projets de conception.
Autoflow encourage l'expérimentation en invitant les utilisateurs à ajuster ses paramètres sur des projets de petite envergure. Cela permet, selon notre expérience, de maîtriser pleinement ses fonctionnalités avant de l'intégrer à des projets plus complexes.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En résumé, le plugin "Autoflow" pour Figma simplifie la création de connexions entre les frames, offrant des lignes intelligentes, esthétiques, et évitant intelligemment les obstacles. Que vous conceviez des applications mobiles, des interfaces web, ou tout autre projet de conception, Autoflow est un outil incontournable pour maximiser l'efficacité de votre flux de travail.
N'hésitez pas à explorer ses fonctionnalités lors de votre prochaine session de conception dans Figma, et transformez la façon dont vous créez des connexions dans vos projets.
Les concepteurs du monde entier connaissent bien le défi de créer des maquettes visuellement attrayantes et fonctionnelles. Une partie essentielle de ce processus est l'intégration d'icônes qui correspondent au style souhaité. Le plugin "Material Design Icon" pour Figma se révèle être l'outil idéal pour les amateurs du design de Google.
Dans cet article, nous explorerons en détail les fonctionnalités de ce plugin novateur, mettant en lumière comment il peut optimiser votre flux de travail en intégrant facilement des icônes Material Design dans vos créations Figma.
Le plugin "Material Design Icon" propose une interface simple et intuitive, divisée en deux sections principales. La première section est dédiée à la recherche, la fonctionnalité clé du plugin. La toolbar offre également un menu permettant la connexion à un compte Icon8, la navigation par catégories, et le support technique en cas de besoin.
Sous la toolbar, une deuxième barre d'outils se consacre aux paramètres de l'icône. Ces paramètres comprennent le style de l'icône (Filled, Outlined, Rounded, Sharp, et Two Tones), disponibles dans les styles propres à Google avec le Material Design, ainsi que la possibilité d'afficher des icônes proposées par Icon8. Les deux sources offrent des styles graphiques similaires pour une cohérence visuelle.
Une liste déroulante permet, selon notre expérience, de prédéfinir la taille de l'icône à importer dans Figma, avec des options allant de 24x24 à 384x384 pixels, la taille par défaut étant de 96x96 pixels au premier lancement du plugin. Une fonctionnalité pratique permet, selon notre expérience, de choisir le format d'utilisation (PNG, pixelisé, ou SVG, vectoriel).
De plus, la personnalisation de la couleur avant l'importation est possible, avec des options pré-définies ou un choix manuel via le color-picker ou la valeur hexadécimale. Un bouton de réinitialisation est disponible pour revenir à la couleur par défaut, le noir.
Icon8 propose des options payantes pour des tailles d'icônes supérieures à 96x96 pixels et l'utilisation de certains formats SVG. Cependant, la connexion à un compte Icon8 existant permet d'utiliser les achats précédents directement depuis le plugin.
Pour tester une icône avant l'achat, une option est de passer par un autre plugin permettant de vectoriser des PNG, tout en restant dans les limites gratuites d'Icon8 (96px en taille et en format SVG).
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En résumé, le plugin "Material Design Icon" pour Figma offre une solution puissante pour intégrer des icônes de manière efficace dans vos projets de conception. Que vous optiez pour le design Material de Google ou pour des options plus avancées d'Icon8, ce plugin simplifie le processus, vous permettant de personnaliser rapidement et facilement vos créations.
Ne perdez plus de temps à chercher des icônes sur différents sites. Avec le plugin "Material Design Icon" pour Figma, vous pouvez rapidement trouver, personnaliser et intégrer des icônes, améliorant ainsi votre flux de travail. N'hésitez pas à explorer les fonctionnalités de ce plugin lors de votre prochaine session de conception dans Figma, et donnez une nouvelle dimension visuelle à vos créations.
Lorsque vous travaillez sur le développement d'applications ou de sites web, l'interface utilisateur (UI) est un élément crucial pour offrir une expérience utilisateur exceptionnelle. Deux concepts qui jouent un rôle essentiel dans la conception d'interfaces sont les "UI kits" (kits d'interface utilisateur) et les "design systems" (systèmes de design). Mais quelles sont les différences entre ces deux outils et quand devriez-vous les utiliser ? Dans cet article, nous allons explorer en profondeur ces deux concepts pour vous aider à prendre des décisions éclairées dans votre prochain projet de conception.
Un UI kit est essentiellement une boîte à outils de composants d'interface utilisateur préconçus. Ces composants peuvent inclure des éléments tels que des boutons, des formulaires, des icônes, des barres de navigation, et bien d'autres. Le rôle principal d'un UI kit est de fournir aux concepteurs une bibliothèque de ressources visuelles prêtes à l'emploi, simplifiant ainsi le processus de conception. Les UI kits sont particulièrement utiles pour gagner du temps et assurer une cohérence visuelle dans un projet.
Un design system est une approche plus holistique du design. Il englobe non seulement des éléments visuels, mais également des normes de design, des directives, de la documentation détaillée et une philosophie cohérente. Les design systems sont conçus pour garantir la cohérence du design à travers toutes les applications, produits et même les départements d'une entreprise. Ils jouent un rôle crucial dans la création d'une expérience utilisateur uniforme et mémorable.
Les UI kits offrent une variété de styles visuels prêts à l'emploi. Ils sont souvent conçus pour s'adapter à diverses marques, thèmes ou projets. Cela permet aux concepteurs de choisir et de personnaliser des composants qui correspondent à l'esthétique de leur projet.
Un UI kit offre aux concepteurs une flexibilité considérable. Les composants peuvent être adaptés aux besoins spécifiques de chaque projet, tout en préservant la cohérence globale. Cela signifie que vous pouvez personnaliser les éléments tout en maintenant une base visuelle cohérente.
Les composants d'un UI kit sont conçus pour être réutilisés. Cela réduit considérablement le temps de conception, car vous n'avez pas besoin de créer chaque élément de l'interface utilisateur à partir de zéro. Les composants sont déjà créés et prêts à être intégrés.
Un design system établit des normes de design strictes. Il définit des éléments tels que les couleurs, les typographies, les icônes et les interactions. Ces normes garantissent que le design est uniforme à travers tous les points de contact de l'entreprise.
Un design system est accompagné d'une documentation détaillée. Cette documentation explique comment utiliser les composants, les modèles, les principes de design, et bien plus encore. Elle sert de référence pour les concepteurs et les développeurs.
La cohérence est l'objectif principal d'un design system. Il veille à ce que tous les aspects du design, que ce soit visuel ou comportemental, soient uniformes. Cela inclut les interactions utilisateur, les flux de navigation, les éléments visuels, et même la voix de la marque.
Un UI kit est principalement axé sur les composants d'interface utilisateur et est conçu pour accélérer la conception visuelle. Il offre une bibliothèque d'éléments prêts à l'emploi pour créer des interfaces rapidement. En revanche, un design system va au-delà des éléments visuels. Il définit des normes de design, des comportements et une philosophie qui assurent la cohérence à travers toutes les applications et produits d'une entreprise.
Les UI kits sont souvent utilisés pour des projets de conception uniques et ponctuels. Ils sont parfaits lorsque la rapidité de la conception est essentielle. Les design systems sont préférables pour les grandes organisations et les projets à long terme. Ils garantissent la cohérence et facilitent la collaboration entre différentes équipes et départements.
Les UI kits offrent une grande flexibilité pour des designs uniques, mais ils peuvent devenir limitants à mesure que le projet grandit. Ils nécessitent des mises à jour constantes pour maintenir la cohérence. Les design systems sont conçus pour l'évolutivité. Ils offrent une base solide pour l'expansion à long terme, ce qui les rend idéaux pour les entreprises en croissance.
Un UI kit est généralement approprié pour les projets de conception uniques et rapides, tandis qu'un design system est préférable pour des organisations et des projets à long terme nécessitant une cohérence maximale.
Les entreprises cherchant à renforcer leur image de marque et à maintenir la cohérence à travers divers produits optent souvent pour un design system. En revanche, les startups ou les projets individuels peuvent tirer parti d'un UI kit pour gagner du temps et des ressources.
Un UI kit est plus flexible pour des designs uniques, mais il peut devenir limitant à mesure que le projet grandit. Un design system offre une base solide pour l'expansion et l'évolution à long terme.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En conclusion, les UI kits et les design systems sont des outils essentiels pour les concepteurs et les développeurs. Comprendre leurs différences cruciales vous permet, selon notre expérience, de choisir le bon outil en fonction des besoins de votre projet. Que vous optiez pour un UI kit pour une conception rapide ou un design system pour une cohérence à long terme, l'objectif final est de créer une expérience utilisateur exceptionnelle.
En fin de compte, le choix entre un UI kit et un design system dépend de la portée de votre projet, de vos besoins organisationnels et de vos objectifs à long terme. Faites un choix éclairé pour garantir une conception efficace et cohérente.
Le monde en constante évolution du design graphique nous confronte régulièrement à la quête d'illustrations originales et inspirantes, une recherche qui peut parfois s'avérer fastidieuse. Cependant, un outil révolutionnaire est venu changer la donne.
Le plugin Figma Blush a rapidement acquis une place de choix parmi la communauté de designers en offrant une solution complète pour la recherche, la personnalisation et l'intégration d'illustrations dans les projets de conception. Dans cet article, nous plongerons en profondeur dans les fonctionnalités de ce plugin innovant, en mettant en lumière comment il simplifie la vie des designers et renforce leur créativité. Préparez-vous à explorer le monde fascinant de Figma Blush.
C’est le plugin pour trouver la bonne illustration. L’interface au démarrage du plugin présente une barre d’outil pour naviguer entre les différentes fonctionnalités du plugin. L’accueil nous propose la création d’illustration via une interface de personnalisation à partir de certaines illustrations via le bouton “Randomize”.
Ensuite, on retrouve une liste de collections d'illustrations avec la couverture de celle-ci, l’avatar et le nom du créateur mais surtout le nom de la collection. Un accès rapide pour l’aide se trouve en bas à droite de la fenêtre du plugin.
Concernant la barre d’outil, on y retrouve une liste déroulante mettant en avant de 4 collections qui pourraient plaire aux designers utilisant le plugin, mais également les catégories les plus populaires pour pouvoir trouver facilement le style d’illustration que l’on cherche. Chaque catégorie est représentée par une miniature pour avoir une idée du type d’illustration que l’on peut y trouver. Les catégories sont très variées et peuvent aller de la thématique de la nourriture à celle du travail en passant par les animaux.
Toujours dans la barre d’outil, on a la possibilité d’effectuer une recherche avec les mots-clés qui nous passent par la tête pour trouver la bonne illustration. L'autocomplétion de la recherche propose de base quelques collections et quelques catégories pour gagner un peu de temps. Certains mots peuvent être liés à des collections, ce qui fait qu'en tapant "Chocolat", vous pourrez afficher l’ensemble des résultats, mais aussi parcourir la collection “Cool Kids” dans laquelle il y aura sûrement une illustration avec un gâteau au chocolat.
On retrouve ensuite les préférences liées à la taille de l’illustration en PNG allant de Small à Large en passant par Medium, mais aussi une possibilité d’avoir accès directement au SVG. Le changement de taille s’applique automatiquement sur l’illustration que vous aurez choisie. Pour les tailles les plus grandes et notamment le SVG, un compte PRO est nécessaire.
Un dernier bouton permet d'accéder à un groupement de fonctionnalités en fin de la barre d’outil permettant d'essayer la version PRO, de parcourir les collections, les catégories et les artistes. Ce bouton donne également plus d'information sur votre compte avec la possibilité de vous connecter ou bien de vous inscrire.
Plusieurs liens sur les actualités du plugin, mais également comment apprivoiser l’outil, sont disponibles dans cette dernière partie de la barre d'outil.
Avant de chercher l’illustration dont vous avez besoin, il faut savoir que le plugin ne permettra pas d’exporter ou d’appliquer l’illustration sur votre design, il faudra sélectionner en amont votre Frame ou votre forme ou tout simplement l’image que vous voulez remplacer. Une fois que vous avez trouvé l’illustration qu’il vous faut, en fonction de son créateur et de son niveau de détails, il est possible de la personnaliser.
Vous avez un bouton “Shuffle” qui permet, selon notre expérience, de sélectionner de manière complètement aléatoire les différentes options de chaque élément personnalisable pour générer un rendu complètement différent par rapport à celui de base. Il est bien sûr possible de configurer manuellement et individuellement chaque élément de l’illustration choisie. Une option permettant d’ajouter des couleurs personnalisées est présente mais uniquement disponible pour les comptes PRO.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Le plugin Figma Blush transcende l'art de la recherche d'illustrations pour les designers. Il devient un allié inestimable, qu'il s'agisse de trouver l'inspiration, d'ajouter une touche unique à vos conceptions ou de simplifier votre flux de travail. Avec son interface conviviale, ses fonctionnalités avancées et sa capacité à s'intégrer parfaitement dans Figma, Figma Blush est bien plus qu'un simple plugin, c'est une porte ouverte vers la créativité infinie.
Les designers, novices et expérimentés, trouveront en Figma Blush un outil polyvalent qui répond à leurs besoins. La prochaine étape dans votre voyage créatif pourrait bien être facilitée par Figma Blush, alors n'hésitez pas à explorer cet outil révolutionnaire pour élever vos conceptions à un nouveau niveau d'excellence. Vos projets n'ont jamais été aussi prometteurs qu'avec Figma Blush.
Les concepteurs du monde entier connaissent bien le défi de créer des maquettes visuellement attrayantes et fonctionnelles. Une partie essentielle de ce processus est l'intégration de contenu factice pour donner vie à vos idées. Le plugin "Lorem Ipsum" de Figma est l'outil ultime pour simplifier ce processus.
Il offre des fonctionnalités flexibles pour la génération de faux texte, vous permettant de personnaliser facilement le contenu factice pour répondre à vos besoins spécifiques. Dans cet article, nous allons plonger dans les différentes fonctionnalités de ce plugin innovant pour vous montrer comment il peut améliorer votre flux de travail de conception.
Le plugin "Lorem Ipsum" de Figma est conçu pour être convivial et intuitif. Il est divisé en deux sections principales, chacune offrant des fonctionnalités spécifiques. Dans la première section, vous trouverez les paramètres de génération de faux texte. C'est ici que vous pouvez personnaliser le texte factice selon vos besoins. Une zone de paramétrage est également disponible en bas à droite de la fenêtre du plugin pour un accès rapide.
Dans la partie des paramètres de faux texte, vous avez le contrôle total sur la génération du texte. Vous pouvez facilement changer le nombre d'éléments en utilisant un champ libre, avec une plage allant de 1 à 99. Vous avez la possibilité de saisir manuellement le chiffre désiré ou d'utiliser les flèches du clavier pour ajuster la valeur. De plus, vous pouvez spécifier le nombre de caractères, de paragraphes, de mots ou de phrases que vous souhaitez générer.
La section d'auto-génération de faux texte ne propose qu'un bouton d'action, mais elle est incroyablement pratique. En un seul clic, ce bouton remplit automatiquement la zone de texte sélectionnée avec du faux texte, en fonction de la taille de la zone. Il prend en compte le nombre de lignes vides, vous évitant ainsi d'avoir à ajuster manuellement les paramètres chaque fois que vous en avez besoin. Cependant, il ne tient pas compte des paramètres de la génération manuelle, ce qui garantit une expérience fluide.
Le plugin "Lorem Ipsum" offre également des paramètres avancés pour ceux qui recherchent un peu plus de personnalisation. Vous avez la possibilité de choisir parmi huit approches différentes de faux texte, par exemple, "Office Ipsum" ou "Figma Ipsum", pour varier par rapport à la valeur par défaut, qui est "Lorem Ipsum". De plus, dans cette section de paramètres, vous pouvez décider de commencer ou non par "Lorem ipsum", ainsi que de configurer le plugin pour fermer automatiquement la fenêtre après avoir généré le faux texte.
Le plugin fonctionne aussi bien sur une sélection multiple de calques de texte : sélectionnez plusieurs zones à la fois, puis lancez la génération pour toutes les remplir en une seule action, sans avoir à répéter la manipulation calque par calque.
Utilisez "Lorem Ipsum" dès les premières maquettes basse fidélité pour visualiser rapidement le rendu d'un bloc de texte, avant de le remplacer par du contenu réel. Réservez la génération automatique aux zones déjà dimensionnées, et la génération manuelle lorsque vous avez besoin d'un nombre précis de mots ou de caractères pour tester un cas limite, comme un titre très long ou une description très courte.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En somme, le plugin "Lorem Ipsum" pour Figma est un outil précieux pour les concepteurs et les créateurs d'interfaces. Que vous ayez besoin d'une génération manuelle ou automatisée de faux texte, ou que vous souhaitiez personnaliser davantage le contenu factice, ce plugin vous offre une gamme de fonctionnalités qui rendent le processus de conception plus fluide et efficace.
Ne perdez plus de temps à rechercher et à copier-coller du texte factice. Avec le plugin "Lorem Ipsum" pour Figma, vous pouvez rapidement remplir vos zones de texte avec du contenu factice, vous permettant de vous concentrer sur l'aspect visuel de votre conception. Alors, n'hésitez pas à l'essayer lors de votre prochaine session de conception dans Figma, et gagnez du temps tout en améliorant votre flux de travail de conception.
Le monde du développement logiciel a connu une révolution ces dernières années avec l'avènement de deux approches innovantes : le Low-Code et le No-Code. Ces méthodologies ont changé la donne en simplifiant la création d'applications, mais elles présentent des différences significatives qui peuvent influencer le choix de la meilleure approche pour un projet donné.
Dans cet article, nous allons plonger dans les profondeurs du Low-Code et du No-Code, explorer leurs caractéristiques distinctives, et examiner les scénarios dans lesquels chacun excelle. Que vous soyez un développeur expérimenté ou que vous n'ayez jamais écrit une ligne de code, cette comparaison vous aidera à prendre des décisions éclairées pour vos futurs projets de développement logiciel.
Le Low-Code est une approche de développement qui permet, selon notre expérience, de créer des applications en utilisant un minimum de code manuel. Voici quelques caractéristiques clés du Low-Code
Le Low-Code exige une compréhension de base de la programmation, ce qui signifie que les développeurs doivent saisir les concepts fondamentaux tels que les variables, les boucles et les conditions. Cependant, contrairement au codage traditionnel, ils ne sont pas tenus de maîtriser une langue de programmation spécifique. Cette approche réduit la barrière d'entrée pour les développeurs et facilite l'adoption du Low-Code au sein des équipes.
Le Low-Code offre une personnalisation élevée grâce à la possibilité de configurer des fonctionnalités spécifiques. Par exemple, une entreprise peut créer une application de gestion de projet à l'aide d'une plateforme Low-Code, puis ajuster l'interface utilisateur, les flux de travail et les champs de données pour s'adapter précisément à ses besoins internes. Cela permet une adaptabilité considérable aux besoins changeants des entreprises.
La polyvalence du Low-Code en fait une solution adaptée à une gamme variée de projets. Il peut être utilisé pour développer des applications relativement simples, telles que des formulaires en ligne, des applications de sondage ou des outils de suivi de tâches. Cependant, sa capacité à gérer des projets de grande envergure ne doit pas être sous-estimée.
Les entreprises peuvent créer des applications d'entreprise complètes, telles que des systèmes de gestion des ressources humaines ou des solutions de gestion de la chaîne d'approvisionnement, en utilisant le Low-Code.
Le Low-Code accélère considérablement le développement en automatisant de nombreuses tâches, telles que la création d'interfaces utilisateur et la gestion de la base de données. Cette automatisation réduit les délais de développement, ce qui est particulièrement avantageux pour les entreprises cherchant à mettre rapidement de nouveaux produits ou services sur le marché.
De plus, bien que l'implémentation initiale d'une plateforme Low-Code puisse représenter un investissement, les économies à long terme résultant d'un développement plus rapide et de la réduction des coûts de maintenance peuvent améliorer la rentabilité globale.
Le No-Code, quant à lui, vise à permettre à des personnes sans compétences en programmation de créer des applications. Voici quelques caractéristiques du No-Code
Le No-Code est une approche qui élimine complètement la nécessité d'avoir des compétences en programmation. Cette caractéristique le rend véritablement accessible à tous, même à ceux qui n'ont jamais écrit une ligne de code de leur vie.
Les outils No-Code sont spécifiquement conçus pour être conviviaux et intuitifs, ce qui signifie que n'importe qui peut les utiliser sans avoir besoin d'une formation technique approfondie. Cette accessibilité élargit le champ des personnes capables de créer des applications, favorisant l'innovation et l'efficacité dans diverses entreprises.
Comparé au Low-Code, le No-Code offre généralement moins de personnalisation. Il repose souvent sur des modèles et des composants préconçus, ce qui limite la personnalisation aux options prédéfinies fournies par l'outil. Cependant, cette simplicité est un avantage pour les projets plus simples, où une personnalisation complexe n'est pas nécessaire.
Les entreprises cherchant à créer rapidement des solutions standardisées, telles que des sites web, des applications de gestion de tâches ou des formulaires en ligne, peuvent tirer parti de l'efficacité offerte par le No-Code, même si cela signifie accepter des limites de personnalisation.
Le No-Code est particulièrement adapté aux projets relativement simples. Il excelle dans la création de sites web, d'applications de gestion de tâches, de formulaires en ligne, de blogs, et d'autres solutions de base.
Il convient parfaitement aux petites entreprises, aux startups et aux entrepreneurs qui cherchent à mettre en place des solutions rapidement sans avoir à engager un développeur ou une équipe de développement. Cependant, il peut montrer ses limites pour des projets plus complexes nécessitant des fonctionnalités avancées ou une intégration profonde avec d'autres systèmes.
Le No-Code réduit fortement le temps de développement puisqu'il supprime le besoin d'engager des développeurs ou une équipe dédiée : une application fonctionnelle peut être assemblée en quelques jours plutôt qu'en plusieurs semaines.
Cela se traduit par des coûts initiaux plus faibles pour les projets simples, puisqu'il n'y a ni développement continu ni maintenance technique avancée à financer — une économie qui s'accompagne toutefois des limites de personnalisation évoquées plus haut.
Maintenant que nous comprenons les bases du Low-Code et du No-Code, examinons les différences clés entre ces deux approches.
Le Low-Code exige une certaine expertise en programmation, ce qui permet aux développeurs de créer des applications plus complexes et personnalisées. Cette expertise inclut la compréhension des structures de données, des algorithmes, et des concepts de programmation.
Le Low-Code convient aux projets nécessitant des fonctionnalités spécifiques ou une personnalisation approfondie, car les développeurs peuvent intervenir pour coder des solutions sur mesure. En revanche, le No-Code est accessible à tous, indépendamment de leurs compétences techniques, ce qui en fait une option idéale pour les projets simples qui ne nécessitent pas de connaissances approfondies en programmation.
Le Low-Code offre une personnalisation plus poussée grâce à la possibilité de coder des fonctionnalités spécifiques en utilisant des langages de programmation traditionnels. Cela le rend approprié pour des projets complexes nécessitant des fonctionnalités sur mesure ou des intégrations profondes avec d'autres systèmes.
En revanche, le No-Code repose généralement sur des modèles et des composants préconçus, ce qui limite la personnalisation aux options fournies par l'outil. Bien que cette limitation puisse être contraignante pour des projets exigeants en termes de personnalisation, elle facilite la rapidité de développement pour des projets plus simples où une personnalisation complexe n'est pas nécessaire.
Le Low-Code est capable de gérer avec succès des projets complexes, y compris des applications d'entreprise complètes et des systèmes intégrés. Par exemple, un système de gestion de la chaîne d'approvisionnement d'une grande entreprise, qui nécessite des fonctionnalités personnalisées et une intégration étroite avec d'autres systèmes, serait mieux adapté au Low-Code.
En revanche, le No-Code est plus approprié pour des projets simples, tels que la création de sites web, d'applications de gestion de tâches ou de formulaires en ligne. Il convient parfaitement aux petites entreprises, aux startups et aux entrepreneurs cherchant à créer rapidement des solutions sans avoir à engager un développeur.
Le No-Code permet généralement un développement plus rapide et moins coûteux, car il élimine le besoin d'engager des développeurs ou des équipes de développement. Cela en fait une option attrayante pour les projets avec des budgets limités ou des échéances serrées.
En revanche, le Low-Code peut offrir plus de contrôle sur le développement, mais cela peut s'accompagner d'un coût potentiellement plus élevé en raison de la nécessité de compétences techniques. Le choix entre les deux approches doit donc être guidé par les priorités en termes de coûts, de délais et de contrôle.
Le choix entre le Low-Code et le No-Code dépend des besoins spécifiques du projet. Les projets simples et rapides sont idéaux pour le No-Code, car il permet une mise en œuvre rapide sans expertise technique.
En revanche, les projets plus complexes nécessitant une personnalisation approfondie, des fonctionnalités spécifiques ou des intégrations complexes peuvent tirer parti du Low-Code pour répondre à ces exigences. Il est important d'évaluer attentivement les besoins du projet, les compétences de l'équipe et les contraintes budgétaires pour prendre une décision éclairée entre le Low-Code et le No-Code.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
En conclusion, le choix entre le Low-Code et le No-Code dépend avant tout des besoins spécifiques de votre projet. Le Low-Code offre une personnalisation approfondie et une flexibilité accrue pour des projets complexes, tandis que le No-Code brille par sa simplicité et sa rapidité de développement pour des projets plus simples. Il est essentiel de tenir compte du niveau d'expertise technique disponible, de la complexité du projet, du budget et des délais pour prendre la décision qui vous convient le mieux.
Ces deux approches offrent des avantages distincts, mais le choix éclairé entre le Low-Code et le No-Code garantira que votre projet logiciel atteigne ses objectifs de manière efficace, efficiente et conforme à vos exigences spécifiques. Alors, que votre prochain projet soit une application d'entreprise sophistiquée ou un site web personnel, choisissez judicieusement entre le Low-Code et le No-Code pour réussir votre parcours de développement logiciel.
Le design va bien au-delà de l'apparence ; il représente une philosophie qui oriente la création de produits, services et expériences exceptionnels. Dans un monde de plus en plus centré sur l'expérience utilisateur, la maturité en design est désormais essentielle pour le succès des entreprises. Il est crucial de déterminer où se situe votre entreprise en termes de design afin d'anticiper les défis, saisir les opportunités et offrir des expériences exceptionnelles à vos clients.
Dans cet article, nous plongerons en profondeur pour expliquer comment évaluer le niveau de maturité en design au sein de votre entreprise. Nous examinerons les bases qui soutiennent une culture d'entreprise axée sur le design, les investissements indispensables dans la recherche utilisateur, la qualité de l'expérience utilisateur, et bien d'autres aspects. Que vous soyez une start-up cherchant à intégrer le design dès le début ou une entreprise établie cherchant à améliorer votre approche du design, ce guide vous fournira les connaissances et les outils nécessaires pour faire du développement du design un atout clé de votre réussite. Plongeons dans l'univers fascinant du design et de son impact sur le succès des entreprises modernes.
Une entreprise orientée vers le design constitue un pilier essentiel de la maturité en design. Elle va bien au-delà de l'aspect visuel pour incarner une mentalité qui place l'utilisateur au centre de toutes les décisions. Cette culture favorable au design se caractérise par une stimulation de la créativité et une ouverture à de nouvelles idées. Les employés sont encouragés à explorer des solutions novatrices pour résoudre des problèmes et à remettre en question le statu quo.
Une culture axée sur le design se manifeste par des valeurs telles que la recherche de l'excellence dans l'expérience utilisateur, une importance accordée à l'ergonomie et la volonté d'investir dans le développement des compétences en design. Des exemples de grandes entreprises, comme Google qui met l'accent sur la création de produits intuitifs et Apple qui s'engage envers l'esthétique et l'ergonomie, illustrent comment une culture de design peut se traduire par un succès commercial durable.
L'organisation interne d'une entreprise joue un rôle crucial dans son niveau de maturité en design. Un indicateur majeur de cette maturité est la présence d'une équipe de conception bien établie. Les entreprises avancées en matière de design ont typiquement une équipe de conception dédiée composée d'experts en expérience utilisateur (UX) et en interface utilisateur (UI).
Cette équipe est chargée de la conception et de l'amélioration des produits, services et interfaces utilisateur. Les rôles et les responsabilités au sein de cette équipe sont clairement définis, ce qui favorise une collaboration efficace entre ses membres. La simple existence d'une telle équipe témoigne de l'importance que l'entreprise accorde au design et à l'expérience utilisateur.
Les processus de conception sont le moteur fondamental de la maturité en design. Les entreprises avancées en design adoptent une méthodologie de conception centrée sur l'utilisateur, plaçant ainsi l'utilisateur final au cœur de toutes les décisions de conception.
Le processus de conception démarre généralement par une recherche approfondie sur les utilisateurs afin de comprendre leurs besoins, attentes et comportements. Ensuite, des prototypes sont élaborés pour tester des concepts et des idées. Des tests utilisateurs sont réalisés pour recueillir des retours directs des utilisateurs, et une itération continue est mise en œuvre pour améliorer les produits ou les interfaces en fonction de ces retours. Cette approche itérative garantit que les produits sont constamment améliorés pour mieux satisfaire les besoins des utilisateurs.
L'engagement envers la recherche utilisateur représente un indicateur essentiel de la maturité en design. Les entreprises qui ont atteint ce niveau de maturité reconnaissent l'importance de comprendre les besoins et les préférences des utilisateurs pour la création de produits et de services de haute qualité.
La recherche utilisateur peut prendre diverses formes, telles que des entretiens, des enquêtes, des tests avec des utilisateurs, et l'analyse de données sur le comportement des utilisateurs. Ces méthodes permettent de recueillir des informations précieuses sur les attentes et les préoccupations des utilisateurs, ce qui a un impact direct sur les décisions de conception. Les investissements dans la recherche utilisateur témoignent de l'engagement de l'entreprise à fournir des expériences utilisateur exceptionnelles.
La qualité de l'expérience utilisateur (UX/UI) occupe une place centrale dans la maturité en design. Elle va bien au-delà de l'aspect visuel d'un produit ou d'une interface. Il s'agit de la facilité d'utilisation, de la navigation intuitive et de la capacité d'un produit à répondre de manière efficace et agréable aux besoins des utilisateurs.
Les entreprises ayant atteint une maturité en design mettent un fort accent sur l'UX/UI, en veillant à ce que chaque élément soit minutieusement conçu pour améliorer l'ensemble de l'expérience utilisateur. Cela peut englober des tests utilisateurs pour identifier d'éventuels problèmes, des itérations fréquentes pour améliorer la convivialité, ainsi qu'une attention particulière aux détails pour assurer que chaque interaction soit fluide et agréable.
Une entreprise ayant atteint un niveau de maturité en design reconnaît l'importance de la formation continue pour son personnel. Les compétences en design évoluent constamment, et il est essentiel que les employés restent à jour avec les dernières tendances et les meilleures pratiques.
Les programmes de formation en design peuvent varier en fonction des besoins de l'entreprise. Cela peut englober des ateliers axés sur la conception centrée sur l'utilisateur, des cours portant sur les outils de conception, ainsi que des occasions pour les employés d'acquérir de nouvelles compétences. Les entreprises qui investissent dans la formation témoignent de leur engagement à renforcer les compétences en design au sein de l'organisation.
Pour évaluer le succès en design, il est essentiel de suivre des métriques clés. Bien que ces métriques puissent varier d'une entreprise à l'autre, elles sont généralement liées à l'expérience utilisateur. Par exemple, les taux de conversion, la rétention des utilisateurs, le temps passé sur le site web ou l'application, ainsi que la satisfaction des utilisateurs figurent parmi les métriques qui peuvent être surveillées.
Les entreprises qui ont atteint une maturité en design ont établi des systèmes pour collecter et analyser en continu ces métriques. Cela leur permet, selon notre expérience, de mesurer l'impact de leurs efforts en design et d'apporter des ajustements en fonction des résultats obtenus.
L'intégration du design dès le début du processus de développement est un autre indicateur de maturité en design. Cela signifie que le design ne constitue pas une étape ultérieure, mais qu'il est incorporé dès la phase de planification initiale.
Une collaboration étroite entre les équipes de conception et de développement revêt une importance cruciale. Cette collaboration garantit que les concepts de design sont implémentés de manière efficace et cohérente. L'intégration du design dans les processus de développement permet d'économiser du temps et des ressources en évitant des ajustements coûteux à des étapes ultérieures.
Pour évaluer la maturité en design, il est bénéfique de comparer votre entreprise aux leaders de l'industrie en matière de design. Identifiez les entreprises qui excellent dans ce domaine et étudiez leurs pratiques et approches. Une veille constante des tendances et des évolutions en design est essentielle. Cela vous permet, selon notre expérience, de maintenir votre entreprise à jour avec les dernières avancées dans ce domaine et de tirer des enseignements des meilleurs acteurs pour améliorer vos propres processus.
La rétroaction des utilisateurs représente une ressource inestimable pour l'amélioration continue du design. Les entreprises qui ont atteint une maturité en design ne se limitent pas à concevoir des produits et à les lancer sur le marché. Elles sont activement engagées dans la collecte et l'analyse des commentaires des utilisateurs.
Cette collecte de rétroaction peut s'effectuer à travers divers canaux, tels que des enquêtes en ligne, des commentaires sur les réseaux sociaux, des tests avec des utilisateurs, ainsi que l'analyse des données. Les retours des utilisateurs peuvent mettre en lumière des problèmes ou des opportunités d'amélioration que l'entreprise peut ensuite aborder. Des études de cas peuvent illustrer comment les commentaires des utilisateurs ont conduit à des améliorations significatives dans des produits ou des services spécifiques.
Le design est la force créatrice qui influence non seulement la perception des produits et des services, mais aussi leur fonctionnement et leur interaction avec les utilisateurs. En évaluant la maturité du design au sein de votre entreprise à travers ces domaines clés, vous pouvez identifier les points forts et les opportunités d'amélioration.
L'amélioration continue en design est indispensable pour rester compétitif sur le marché et répondre aux besoins changeants des clients. Commencez dès aujourd'hui à évaluer et à renforcer votre maturité en design pour assurer un succès durable. Le design ne concerne pas uniquement les produits que vous créez, mais aussi la manière dont vous les créez et la culture que vous promouvez au sein de votre entreprise.
Le design d'interface utilisateur est un domaine en constante évolution, façonné par des tendances, des technologies et des choix esthétiques en perpétuelle mutation.
Parmi les approches de conception qui ont marqué l'histoire du design numérique, le skeuomorphisme se distingue par son utilisation astucieuse d'éléments visuels empruntés au monde réel. Dans cette exploration approfondie du skeuomorphisme, nous plongerons dans les origines de cette approche, son rôle dans l'expérience utilisateur, son déclin et sa résurgence, et enfin, son impact actuel sur le design d'interface.
Le skeuomorphisme trouve ses racines dans les premières tentatives de conception d'interfaces utilisateur pour les nouvelles technologies. À ses débuts, les concepteurs ont cherché à rendre ces technologies plus familières aux utilisateurs en intégrant des éléments familiers. Cette approche visait à réduire la barrière d'entrée pour les novices en informatique. Les premières interfaces graphiques des ordinateurs personnels, telles que celles du Macintosh d'Apple dans les années 1980, ont introduit des icônes de bureau représentant des objets du monde réel tels que des dossiers et des poubelles, rendant ainsi la navigation plus intuitive.
L'une des clés du succès du skeuomorphisme résidait dans sa capacité à créer un sentiment de familiarité. En utilisant des éléments de design qui évoquaient des objets réels, les utilisateurs se sentaient plus à l'aise avec les nouvelles technologies. Des éléments tels que des cadrans, des leviers et des boutons imitant des contrôles physiques étaient couramment utilisés. Cette approche a permis aux utilisateurs de transférer leurs compétences et leur compréhension du monde physique dans le monde numérique, facilitant ainsi l'adoption des nouvelles technologies.
À mesure que la technologie numérique évoluait, le skeuomorphisme a également évolué pour s'adapter aux interfaces de plus en plus sophistiquées. Les éléments de design sont devenus plus complexes pour refléter les nouvelles fonctionnalités des logiciels et des appareils électroniques. Par exemple, les boutons de contrôle sur les lecteurs de musique numériques ressemblaient de plus en plus à des boutons physiques avec des reliefs et des ombres.
Plusieurs concepteurs et entreprises ont été des pionniers dans l'application du skeuomorphisme. Apple, par exemple, a été reconnu pour son utilisation habile de cette approche dans ses premiers produits, notamment l'iPhone et l'iPad. Le design des icônes, des boutons et des interfaces d'Apple a été salué pour sa capacité à créer une expérience utilisateur immersive et intuitive. D'autres entreprises telles que Microsoft et Adobe ont également adopté le skeuomorphisme dans leurs produits.
Cependant, au fil du temps, le design d'interface a évolué, avec l'avènement du minimalisme et du design plat, en opposition au skeuomorphisme. Le flat design, comme son nom l'indique, est caractérisé par son approche minimaliste et sans fioritures. Les interfaces de style plat se caractérisent par l'utilisation de couleurs vives, de formes géométriques simples et d'une absence d'effets de réalisme tels que les ombres et les reliefs. Cette approche a gagné en popularité en raison de sa simplicité et de son esthétique moderne.
Le skeuomorphisme a commencé à décliner en raison de critiques croissantes. Ses détracteurs ont souligné que l'imitation excessive d'objets du monde réel pouvait alourdir les interfaces et entraver l'innovation. Certains ont considéré que le réalisme excessif était devenu obsolète dans un monde de plus en plus axé sur la simplicité et la rapidité. Cela a conduit de nombreuses entreprises à reconsidérer leur approche du design d'interface.
Malgré son déclin, le skeuomorphisme a fait un retour remarqué ces dernières années. Les designers ont réintroduit des éléments réalistes dans leurs interfaces pour créer des expériences visuelles plus immersives. Cela a été particulièrement visible dans le domaine de la réalité augmentée (RA) et de la réalité virtuelle (RV), où le réalisme est essentiel pour créer des environnements virtuels convaincants. Les jeux vidéo, les applications éducatives et les applications de simulation ont largement bénéficié de cette résurgence.
Le débat entre le skeuomorphisme et le flat design demeure d'actualité. Les concepteurs doivent toujours prendre des décisions réfléchies en choisissant l'approche qui convient le mieux à leurs projets et à leur public cible. Le flat design continue de gagner du terrain dans de nombreuses applications et sites web, mais le skeuomorphisme conserve sa place dans des domaines spécifiques où le réalisme est essentiel pour créer une expérience utilisateur efficace.
Le skeuomorphisme est une approche de conception d'interface qui a traversé des décennies d'évolution, de critiques et de résurgence. Alors que le minimalisme du flat design a pris de l'ampleur, le skeuomorphisme a maintenu sa pertinence en offrant une expérience utilisateur familière et immersive. Le débat entre ces deux approches continue de stimuler la créativité des concepteurs, soulignant l'importance de s'adapter aux besoins changeants des utilisateurs.
Le skeuomorphisme demeure un élément fascinant du paysage du design d'interface, rappelant que les interfaces numériques peuvent fusionner avec succès le monde virtuel et le monde réel. Le choix entre le skeuomorphisme et le minimalisme dépendra toujours du contexte et des objectifs du projet, mais les deux approches continueront d'influencer le design d'interface à l'avenir.
Dans le monde du design d'interface utilisateur, la création de variantes et de propriétés booléennes dans Figma peut s'avérer être une tâche complexe et chronophage. Les designers et les équipes de conception recherchent constamment des moyens d'améliorer leur productivité et de maintenir la cohérence dans leurs projets.
C'est là que le plugin "Regressor - Auto Instance Creator" entre en jeu, en apportant une solution innovante pour simplifier et rationaliser la gestion de ces éléments essentiels du design.
La régression fait référence au processus de réévaluation d'une application ou d'un système pour garantir que les nouvelles modifications ou mises à jour n'entraînent aucun effet secondaire indésirable ni de changements perturbateurs. Dans le contexte du design, Regressor transpose cette philosophie de la régression du domaine du code vers le domaine du design.
Il repose sur le principe fondamental de la régression en aidant à créer rapidement l'ensemble complet de cas de test pour toutes les combinaisons possibles de variantes et de propriétés booléennes. Ceci est particulièrement précieux avant la publication d'une mise à jour de composant de conception, assurant ainsi que votre système de conception peut évoluer sans introduire de surprises indésirables ni de perturbations majeures.
Ce plugin fonctionne aussi bien sur les instances individuelles que sur les composants principaux, offrant ainsi une flexibilité maximale dans votre flux de travail de conception.
"Regressor" vous permet, selon notre expérience, de créer des combinaisons de variantes et de propriétés booléennes, puis de les organiser automatiquement à l'intérieur d'une disposition automatique (Auto Layout). Cela garantit que les variantes sont affichées de manière structurée, facilitant ainsi l'examen et la comparaison des différentes options de conception.
Vous avez un contrôle total sur l'apparence des instances générées, notamment la disposition, les colonnes, l'espacement et l'alignement. Cette personnalisation assure que chaque variante correspond précisément à vos spécifications. Configurer Regressor est simple grâce à ses interfaces dédiées, notamment la personnalisation de la disposition, de l'alignement et d'autres paramètres.
Vous pouvez créer ces combinaisons sur la page actuelle ou sur une nouvelle page dédiée, organisant ainsi vos tests de manière structurée. La fonction "Créer une Nouvelle Page" permet également de définir un préfixe si nécessaire, tandis que la zone "Préserver les Surcharges" contrôle la conservation des surcharges pour les instances sélectionnées.
"Regressor" vous donne le choix de préserver ou d'ignorer les overrides d'instance, vous permettant de conserver ou de supprimer les ajustements spécifiques lors de la génération des instances.
Vous avez un contrôle total sur l'association des instances générées. Vous pouvez les détacher pour les rendre indépendantes du composant principal, ou les maintenir associées pour des mises à jour simultanées. La zone "Détacher les Instances Générées" vous permet, selon notre expérience, de les séparer du composant principal, préservant ainsi les instances existantes en cas de mise à jour. Le bouton "Mettre à Jour la Configuration" enregistre vos paramètres pour une utilisation future.
Utilisez "Regressor" pour générer des combinaisons de variantes et de propriétés booléennes pour vos composants les plus complexes. Créez une nouvelle page pour vos tests, afin de maintenir un environnement de conception propre et organisé.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
"Regressor - Auto Instance Creator" est bien plus qu'un simple plugin Figma. Il simplifie le processus de création et de gestion des variantes et des propriétés booléennes, tout en assurant la cohérence et en réduisant les risques d'effets secondaires indésirables.
Que vous travailliez sur des composants individuels ou des projets complexes, Regressor peut transformer votre flux de travail de conception en vous permettant de créer des designs de qualité de manière plus efficace que jamais. Avec Regressor, vous pouvez publier vos composants de système de conception en toute confiance, en sachant qu'ils résisteront aux changements et aux mises à jour sans surprise ni perturbation majeure.
L'expérience utilisateur, souvent désignée par le terme "UX," est au cœur de la conception de produits et d'interfaces numériques. Créer des expériences utilisateur fluides, intuitives et agréables est un défi constant pour les concepteurs. Pour atteindre cet objectif, ils s'appuient sur une multitude de principes et de théories, dont l'une des plus fondamentales est la théorie de Gestalt.
La théorie de Gestalt, née au début du 20e siècle, explore la manière dont notre cerveau organise les informations visuelles en formes significatives et comment cela influe sur notre compréhension du monde qui nous entoure. Dans cet article, nous plongerons en profondeur dans la théorie de Gestalt et découvrirons comment elle est appliquée avec succès dans le domaine de la conception d'expérience utilisateur (UX Design). Nous explorerons ses principes, ses applications concrètes, et ses limites, tout en mettant en lumière son rôle crucial dans la création d'interfaces utilisateur intuitives et efficaces. Bienvenue dans le monde fascinant de la théorie de Gestalt en UX Design.
La théorie de Gestalt repose sur des principes fondamentaux de la perception visuelle, chacun d'entre eux contribuant à notre compréhension de la manière dont les individus organisent et interprètent les éléments visuels dans leur environnement. Décortiquons ces principes en détail.
Le principe de proximité stipule que des éléments visuels situés à proximité les uns des autres sont perçus comme étant liés ou appartenant à un même groupe. Cela signifie que lorsque des objets sont disposés de manière rapprochée, notre cerveau les regroupe mentalement et les traite comme une unité. Par exemple, une série de points disposés en lignes ou en colonnes est perçue comme des ensembles distincts en raison de leur proximité respective.
Le principe de similarité indique que des éléments partageant des caractéristiques visuelles similaires sont regroupés mentalement. Ces caractéristiques peuvent inclure la couleur, la forme, la taille ou la texture. Par exemple, si vous avez une série de cercles rouges et de cercles verts proches les uns des autres, votre cerveau les perçoit comme deux groupes distincts en raison de leur différence de couleur, même s'ils sont spatialement proches.
Le principe de continuité suggère que lorsque des éléments sont alignés ou disposés de manière à créer une ligne ou une courbe fluide, notre cerveau a tendance à suivre cette trajectoire. Les objets qui semblent s'inscrire dans une séquence ou une continuité sont perçus comme faisant partie d'un tout cohérent plutôt que comme des éléments séparés. Par exemple, une série de points disposés en une ligne courbe est perçue comme une trajectoire fluide plutôt que comme une série de points isolés.
Le principe de clôture se rapporte à notre tendance à percevoir des formes complètes même si elles sont partiellement ouvertes ou manquantes. Lorsque des éléments sont arrangés de manière à suggérer une forme, notre cerveau remplit automatiquement les parties manquantes pour percevoir une image complète. Par exemple, un cercle partiellement dessiné est perçu comme un cercle complet grâce à ce processus de clôture.
Dans l'application de la théorie de Gestalt en UX Design, le principe de proximité est essentiel. Il consiste à regrouper des éléments similaires ou pertinents à proximité les uns des autres, créant ainsi une hiérarchie visuelle claire. Par exemple, dans un formulaire en ligne, regrouper les champs de texte pour le nom, l'adresse et le numéro de téléphone indique visuellement leur relation. De plus, la similarité, que ce soit par la couleur, la forme ou d'autres attributs visuels, permet, selon notre expérience, de signaler des connexions visuelles, comme les boutons "Ajouter au panier" sur une page de liste de produits.
La continuité est cruciale pour orienter les utilisateurs de manière naturelle à travers une interface. Lorsque les éléments sont disposés de manière à créer une trajectoire visuelle fluide, les utilisateurs la suivent instinctivement. Par exemple, un site de streaming vidéo utilise la continuité pour indiquer la progression de visionnage. Enfin, la clôture complète mentalement des formes incomplètes, comme un logo avec une forme géométrique partielle, ce qui le rend mémorable.
L'application de la théorie de Gestalt dans la conception d'interfaces vise à simplifier l'expérience utilisateur. En regroupant intelligemment des éléments similaires grâce à la proximité et en utilisant la similarité visuelle pour signaler des connexions, les concepteurs rendent les interfaces intuitives. La continuité guide naturellement le regard des utilisateurs, tandis que la clôture crée des éléments visuels reconnaissables. Ces principes combinés améliorent l'expérience utilisateur, facilitant la compréhension et l'interaction avec les produits numériques.
L'application mobile de Twitter est un exemple notable de l'application réussie de la théorie de Gestalt en UX Design. En utilisant les principes de proximité et de similarité, les concepteurs ont regroupé les icônes d'action telles que "Retweet" et "J'aime" sous chaque tweet. Cette disposition claire indique la pertinence de ces actions par rapport à un tweet spécifique, simplifiant ainsi la navigation et améliorant la compréhension de l'utilisateur.
Amazon utilise également la théorie de Gestalt pour améliorer l'expérience utilisateur. Lorsque vous parcourez un produit sur Amazon, les informations essentielles telles que le prix, la disponibilité et les options d'expédition sont présentées de manière claire et regroupées visuellement. Cela facilite la comparaison entre différents produits et guide l'utilisateur dans le processus d'achat.
Airbnb est un autre exemple d'application efficace de la théorie de Gestalt. Lorsque vous recherchez un logement sur la plateforme, les résultats sont affichés sous forme de cartes. Chaque carte regroupe des informations telles que la photo du logement, le prix et la note de l'hôte. Le principe de proximité est utilisé pour regrouper ces informations, tandis que la similarité est exploitée pour rendre les cartes de logement visuellement cohérentes. Cela permet aux utilisateurs de parcourir rapidement les options et de prendre des décisions éclairées.
Malgré son utilité, la théorie de Gestalt n'est pas une formule magique. Ses principes décrivent comment nous percevons des formes, mais ils n'indiquent pas quoi faire dans les cas ambigus où plusieurs principes semblent se contredire, par exemple lorsque la proximité pousse à regrouper des éléments que la similarité tend à séparer. Elle reste avant tout descriptive et non prescriptive : elle explique un phénomène de perception après coup plutôt que de fournir une méthode universelle de conception.
Certains chercheurs en UX pointent aussi les limites culturelles et individuelles de ces principes, issus de travaux de psychologie du début du XXe siècle menés dans un contexte occidental restreint. La perception visuelle peut varier selon l'âge, les troubles visuels ou les habitudes culturelles, ce qui invite à ne jamais appliquer la théorie de Gestalt de manière isolée : elle doit toujours être complétée par des tests utilisateurs réels et des critères d'accessibilité concrets.
En conclusion, la théorie de Gestalt demeure un pilier essentiel de la conception d'expérience utilisateur (UX). Ses principes de proximité, de similarité, de continuité et de clôture jouent un rôle central dans la création d'interfaces intuitives et efficaces. Grâce à des exemples concrets tels que l'application mobile de Twitter, Airbnb et Amazon, nous avons vu comment ces principes sont mis en œuvre pour simplifier la navigation et améliorer la compréhension de l'utilisateur.
Cependant, il est crucial de reconnaître que la théorie de Gestalt ne couvre pas tous les aspects de l'UX. Pour une conception complète, elle doit être complétée par d'autres méthodologies et cadres. En intégrant judicieusement la théorie de Gestalt dans notre travail de conception, nous pouvons contribuer à créer des produits numériques offrant des expériences utilisateur optimales, où la simplicité, la clarté et l'intuition sont au premier plan.
L'industrie du design d'interface utilisateur (UI) est en constante évolution, façonnée par l'émergence de nouvelles technologies et de nouvelles approches de conception. Ces tendances ont un impact profond sur la façon dont nous interagissons avec les interfaces numériques, influençant ainsi l'avenir de l'expérience utilisateur. Dans cet article, nous plongerons dans les tendances actuelles en matière de UI Design, en explorant leurs implications et leur influence sur le monde du design.
En conclusion, la tendance de l'ombrage et de la profondeur en UI Design offre une expérience immersive et attractive. Les ombres guident l'utilisateur et améliorent la navigation. Des exemples comme Spotify et Airbnb montrent son efficacité. Cependant, son utilisation nécessite une compréhension des principes de conception. Cette tendance reste un domaine d'exploration créative dans l'industrie du UI Design, visant à rendre les interfaces plus captivantes et intuitives. L'ombrage et la profondeur sont un élément essentiel de l'arsenal des concepteurs d'interfaces, transformant notre interaction avec la technologie numérique.
Lorsqu'il s'agit de simplifier votre flux de travail de conception et de documentation, Figmayo se démarque comme une solution puissante. Dans cette première sous-section, nous introduirons ce qui rend Figmayo unique et comment il peut améliorer votre processus de conception.
Figmayo est une solution innovante qui simplifie radicalement le processus de création, de gestion et de partage de la documentation dans le domaine du design. Son fonctionnement repose sur une intégration étroite avec Figma, l'outil de conception largement utilisé.
Lorsque vous utilisez Figmayo, l'outil prend en charge votre bibliothèque Figma existante et la transforme en une documentation consultable basée sur la structure de votre bibliothèque. Cela signifie que votre documentation prend forme directement à partir de votre travail de conception, sans nécessiter un travail supplémentaire pour maintenir une documentation séparée.
L'un des points forts de Figmayo réside dans sa capacité à créer et à publier de la documentation directement à partir de l'environnement de conception Figma. Une fois que vous avez créé un compte Figmayo et que vous avez lié votre bibliothèque Figma, vous pouvez ajouter des notes à vos composants et groupes de composants directement dans Figma. Ces notes peuvent contenir des informations essentielles, des détails sur la fonctionnalité, des astuces pour l'utilisation, et bien plus encore.
Lorsque vous êtes satisfait de vos notes, vous pouvez publier votre bibliothèque Figma avec un simple clic, et Figmayo génère automatiquement une documentation claire et structurée à partir de vos annotations. Cela signifie que le travail que vous faites dans Figma devient la source unique de vérité pour la documentation, éliminant la nécessité de gérer des documents séparés.
Un avantage majeur de Figmayo est sa capacité à éliminer la fragmentation de la documentation. Dans de nombreux projets de conception, la documentation est souvent éparpillée entre plusieurs sources, y compris des documents Word, des feuilles de calcul, des notes partagées, etc. Cette fragmentation peut entraîner des erreurs, des incohérences et une perte de temps à maintenir des sources multiples.
Figmayo résout ce problème en consolidant toute la documentation au sein de son propre système, en se basant sur la bibliothèque Figma que vous utilisez déjà. Cela signifie que tous les membres de l'équipe peuvent accéder à la même source de documentation directement depuis Figma, garantissant ainsi la cohérence et la précision des informations.
Figmayo se distingue également par sa simplicité d'utilisation. Son interface conviviale rend la création de documentation et la gestion de bibliothèques Figma très accessibles, même pour les utilisateurs novices. Vous n'avez pas besoin de compétences techniques avancées pour commencer à utiliser Figmayo, ce qui en fait un outil accessible à tous les membres de l'équipe de conception.
L'intégration étroite avec Figma est un autre point fort. Les designers peuvent travailler dans leur environnement familier tout en contribuant à la documentation, ce qui favorise l'adoption de l'outil au sein de l'équipe.
Figmayo offre un ensemble impressionnant de fonctionnalités qui améliorent considérablement le flux de travail de conception et de documentation. Dans cette section, nous explorerons en détail ces fonctionnalités clés.
L'une des principales forces de Figmayo réside dans son pouvoir de renforcer la communication au sein de votre équipe de conception. Cette fonctionnalité repose sur la publication de descriptions de composants directement sur le site de documentation. Ces descriptions sont affichées à côté des composants, ce qui simplifie leur compréhension, en particulier pour les membres de l'équipe qui ne sont pas directement impliqués dans le design.
Grâce à cette fonction, les designers peuvent fournir des informations essentielles sur la fonctionnalité, l'utilisation et les astuces liées à chaque composant, garantissant ainsi une compréhension cohérente et complète.
Figmayo s'assure que votre documentation est toujours à jour grâce à des mises à jour en temps réel. Cela signifie que toute modification apportée dans Figma, que ce soit au niveau des noms, de la structure, des composants ou des notes, est automatiquement reflétée lors de la publication. Cette fonctionnalité élimine le besoin fastidieux de mises à jour manuelles, ce qui permet d'économiser un temps précieux et de maintenir une documentation précise.
Pour les équipes de conception travaillant sur des projets complexes, l'explorateur de composants de Figmayo est une ressource inestimable. Il permet aux utilisateurs de basculer rapidement entre les différentes variantes d'un composant pour les visualiser et les comparer. Cela facilite grandement la compréhension de la configuration d'un composant, que ce soit pour les développeurs qui travaillent sur l'implémentation ou pour les designers qui souhaitent s'assurer de la cohérence.
Figmayo offre un degré élevé de personnalisation et de contrôle. Les utilisateurs peuvent utiliser un domaine personnalisé pour chaque site de documentation qu'ils publient, ce qui est particulièrement utile pour les entreprises travaillant avec plusieurs clients ou projets distincts.
De plus, la fonction de contrôle d'accès de Figmayo permet, selon notre expérience, de gérer sélectivement qui a accès à la documentation au sein de votre organisation. Cela garantit la sécurité des données sensibles et permet, selon notre expérience, de partager sélectivement la documentation avec les parties prenantes appropriées.
Figmayo se distingue par sa simplicité d'utilisation et son intégration transparente avec Figma, le logiciel de conception largement adopté. Les designers travaillent directement dans leur environnement familier, assurant une adoption aisée. L'intégration étroite avec Figma garantit une source unique de vérité, avec des mises à jour en temps réel.
Vous pouvez personnaliser chaque site de documentation avec un domaine personnalisé, utile pour gérer plusieurs clients ou projets. L'explorateur de composants facilite la compréhension des configurations. Figmayo propose divers plans tarifaires, y compris une version gratuite, adaptés à vos besoins.
ZeroHeight propose une interface conviviale, bien que certaines équipes puissent nécessiter un peu plus de temps pour s'adapter. Contrairement à Figmayo, il nécessite une intégration avec des logiciels de conception tels que Sketch ou Adobe XD, créant des dépendances entre les outils. Cependant, il offre des mises à jour en temps réel pour la cohérence de la documentation.
En ce qui concerne la personnalisation, ZeroHeight propose des options, bien qu'elles soient moins flexibles que Figmayo. ZeroHeight permet également l'exploration des variantes de composants pour comprendre leur configuration. Il offre une période d'essai gratuite, mais c'est un produit payant avec des frais mensuels.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Figmayo se révèle comme un outil puissant qui simplifie considérablement le processus de documentation de conception. Grâce à son intégration transparente avec Figma, sa simplicité d'utilisation et ses mises à jour en temps réel, il améliore la collaboration et l'efficacité au sein de l'équipe.
En comparant Figmayo à ZeroHeight, nous avons identifié des avantages distincts, adaptés à des besoins spécifiques. Figmayo brille par son intégration fluide avec Figma et sa facilité d'utilisation, tandis que ZeroHeight peut convenir aux équipes utilisant d'autres logiciels de conception.
Le choix entre ces outils dépend de vos besoins spécifiques. Dans tous les cas, Figmayo simplifie la documentation de conception et transforme cette tâche fastidieuse en une partie intégrante de votre processus de conception. Essayez Figmayo pour améliorer votre flux de travail et vous concentrer sur la conception créative.
Site Web Officiel de Figmayo
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Exemples de documentation
L'industrie du design d'interface utilisateur (UI) est en constante évolution, façonnée par l'émergence de nouvelles technologies et de nouvelles approches de conception. Ces tendances ont un impact profond sur la façon dont nous interagissons avec les interfaces numériques, influençant ainsi l'avenir de l'expérience utilisateur. Dans cet article, nous plongerons dans les tendances actuelles en matière de UI Design, en explorant leurs implications et leur influence sur le monde du design.
L'interface utilisateur vocale a gagné en popularité à un rythme effréné, en grande partie grâce à la montée en puissance des assistants vocaux et de la reconnaissance vocale. Cette tendance révolutionnaire permet aux utilisateurs d'interagir avec des dispositifs et des applications en utilisant leur voix comme principal moyen de communication. Dans cette section, nous explorerons en détail l'univers de l'interface utilisateur vocale, ses origines et son impact sur la manière dont nous interagissons avec la technologie.
L'émergence de l'interface utilisateur vocale est directement liée à la demande croissante en matière d'assistants vocaux tels que Siri, Alexa et Google Assistant. Ces assistants, alimentés par des avancées en matière de reconnaissance vocale et de traitement du langage naturel, ont ouvert la voie à une nouvelle ère d'interaction homme-machine basée sur la voix. Les utilisateurs peuvent désormais poser des questions, donner des commandes et recevoir des réponses, le tout en utilisant simplement leur voix.
Les interfaces vocales révolutionnent la manière dont nous interagissons avec la technologie. Elles permettent aux utilisateurs de communiquer de manière naturelle, comme s'ils s'adressaient à un être humain. Cette approche ouvre de vastes possibilités d'interaction dans divers domaines, de la domotique à l'assistance en conduite automobile.
Les utilisateurs peuvent obtenir des informations, contrôler des appareils, rédiger des messages, et bien plus encore, simplement en utilisant leur voix. Cette évolution a également permis d'accroître l'accessibilité des technologies numériques pour les personnes ayant des limitations motrices.
La conception pour l'interface utilisateur vocale présente des défis uniques. La gestion des retours verbaux, la compréhension des intentions de l'utilisateur et la création d'une expérience fluide sont autant d'aspects essentiels à prendre en compte. Les concepteurs doivent s'efforcer de créer des interactions vocales intuitives, capables de comprendre les commandes complexes et de fournir des réponses pertinentes. Les meilleures pratiques de conception incluent la simplification des interactions vocales, la prise en compte des accents et des dialectes régionaux, ainsi que la possibilité pour les utilisateurs de revenir en arrière en cas d'erreur.
De nombreuses entreprises de premier plan ont adopté l'interface utilisateur vocale pour améliorer l'expérience utilisateur. Amazon, par le biais d'Alexa, a révolutionné la domotique en permettant aux utilisateurs de contrôler leurs maisons à l'aide de commandes vocales.
Apple a intégré Siri dans ses appareils, offrant ainsi aux utilisateurs un assistant vocal polyvalent. Microsoft a développé Cortana pour fournir une assistance vocale dans ses produits et services. Ces entreprises démontrent comment l'interface utilisateur vocale transforme notre interaction quotidienne avec la technologie, offrant une expérience plus intuitive et personnalisée.
L'interface utilisateur vocale a émergé comme une révolution technologique dans le domaine du design d'interface. Cette tendance, alimentée par la montée en puissance des assistants vocaux et de la reconnaissance vocale, offre une nouvelle manière naturelle et immersive d'interagir avec la technologie. En simplifiant l'accès aux informations et en améliorant l'accessibilité, elle ouvre des portes vers un avenir où la voix devient le principal moyen de communication avec nos appareils numériques.
Cependant, cette évolution n'est pas sans défis de conception, nécessitant une compréhension approfondie de la gestion des retours verbaux et des meilleures pratiques pour garantir une expérience utilisateur fluide. Avec des géants de la technologie comme Amazon, Apple et Microsoft qui intègrent activement cette technologie, l'interface utilisateur vocale continue de façonner nos interactions quotidiennes avec la technologie et promet un avenir où la voix est au cœur de notre expérience numérique.
Le neumorphisme, une tendance émergente en UI Design, incarne une fusion audacieuse entre l'aspect tactile du skeuomorphisme et les éléments numériques. Cette approche se distingue par l'utilisation subtile d'ombres pour créer une sensation de relief sur les éléments de l'interface, offrant ainsi une expérience visuelle et tactile unique. Dans cette section, nous plongerons dans les détails du neumorphisme, en explorant ses principes fondamentaux et ses applications.
Le neumorphisme vise à créer une sensation de profondeur en utilisant des ombres douces et des éléments visuels qui semblent s'enfoncer dans l'interface. Contrairement au skeuomorphisme traditionnel, qui cherche à imiter de manière réaliste des objets du monde réel, le neumorphisme se concentre davantage sur la dimension tactile et visuelle, cherchant à reproduire l'apparence de matériaux souples et malléables.
Pour mettre en œuvre avec succès le neumorphisme, il est essentiel de maîtriser l'équilibre entre les ombres subtiles et la clarté de l'interface. Les ombres doivent être utilisées de manière stratégique pour créer un effet de relief réaliste sans sacrifier la lisibilité et la convivialité. Une utilisation judicieuse de la couleur et de la typographie est également nécessaire pour renforcer la dimension visuelle du neumorphisme.
Le neumorphisme offre des avantages significatifs en termes d'attrait visuel et d'engagement de l'utilisateur. Les interfaces neumorphes ont tendance à paraître plus interactives et captivantes, créant ainsi une expérience immersive. Cependant, cette approche peut également poser des défis en matière de lisibilité et d'accessibilité. Les ombres subtiles peuvent rendre certains éléments moins distincts, ce qui peut être problématique pour les utilisateurs ayant des limitations visuelles.
En comparant le neumorphisme à d'autres styles de design, tels que le flat design, nous pouvons mieux comprendre les différences et les similitudes. Alors que le flat design privilégie la simplicité et l'absence d'ombres pour créer des interfaces épurées, le neumorphisme explore la dimension tactile et visuelle en utilisant des ombres pour simuler la profondeur. Chacun de ces styles a ses avantages et ses inconvénients, et le choix entre eux dépend souvent des objectifs spécifiques du projet et du public cible.
Le neumorphisme, en tant que tendance émergente, continue d'évoluer et de susciter l'exploration créative dans le domaine du design d'interface utilisateur. Il offre une perspective fascinante sur la manière dont les éléments numériques peuvent être rendus plus tangibles et engageants, tout en soulevant des questions importantes concernant la fonctionnalité et l'accessibilité.
En somme, le neumorphisme est une tendance émergente en UI Design qui cherche à fusionner l'aspect tactile du skeuomorphisme avec des éléments numériques. Cette approche se concentre sur l'utilisation d'ombres subtiles pour créer une sensation de relief dans l'interface. Bien qu'elle offre un attrait visuel et une immersion accrue, le neumorphisme peut également poser des défis de lisibilité et d'accessibilité. Comparé à d'autres styles de design, il se démarque par sa dimension tactile et visuelle distincte. Alors que le neumorphisme continue d'évoluer, il suscite l'exploration créative et soulève des questions essentielles sur la manière d'équilibrer l'esthétique et la fonctionnalité dans le domaine du design d'interface utilisateur.
Le Material Design, développé par Google, est une approche de conception qui vise à simuler le monde physique à travers l'utilisation de matériaux et de mouvements. Cette tendance en UI Design se distingue par son utilisation judicieuse de couches, d'ombres et d'animations pour créer une expérience utilisateur immersive et engageante. Dans cette section, nous explorerons en profondeur le concept du Material Design et son impact sur la conception d'interfaces.
Le Material Design trouve son inspiration dans le monde réel en cherchant à imiter la façon dont les objets interagissent et se comportent dans notre environnement physique. Pour ce faire, il utilise des ombres pour créer une illusion de profondeur, donnant ainsi aux éléments de l'interface une apparence tridimensionnelle. De plus, le Material Design simule le mouvement à travers des animations subtiles, offrant ainsi une expérience utilisateur plus réaliste et intuitive.
Les éléments clés du Material Design contribuent de manière significative à son esthétique distinctive et à son fonctionnement harmonieux. Les cartes, par exemple, jouent un rôle central en permettant l'organisation claire et hiérarchique du contenu, créant une structure visuelle qui évoque des "feuilles de papier" virtuelles empilées les unes sur les autres. De plus, les ombres sont d'une importance cruciale pour conférer une profondeur à l'interface, en créant des ombres réalistes qui aident les utilisateurs à percevoir la position et les relations spatiales entre les différents éléments.
Les animations réactives, quant à elles, ajoutent une touche d'interactivité en répondant de manière intelligente aux actions de l'utilisateur, contribuant ainsi à une expérience fluide et naturelle. Enfin, la palette de couleurs vive et la typographie claire utilisées dans le Material Design ne servent pas seulement à garantir une lisibilité optimale, mais elles permettent également d'exprimer des actions ou des états spécifiques de manière expressive. Ces éléments forment ensemble une approche holistique de la conception qui donne au Material Design sa personnalité unique et son efficacité dans la création d'interfaces utilisateur engageantes.
Le Material Design encourage la cohérence visuelle en imposant des règles strictes pour la conception d'éléments. Ces règles définissent comment les éléments doivent apparaître et se comporter, ce qui garantit une apparence et un comportement uniformes à travers une application ou un site web. Cette cohérence améliore l'expérience utilisateur en permettant aux utilisateurs de se familiariser rapidement avec l'interface et de comprendre comment elle fonctionne.
Plusieurs applications populaires ont adopté avec succès le Material Design pour offrir une expérience fluide et intuitive à leurs utilisateurs. Par exemple, Gmail, l'application de messagerie de Google, utilise le Material Design pour organiser les e-mails sous forme de cartes et pour mettre en évidence les actions telles que l'archivage ou la suppression. De même, Google Drive, le service de stockage en ligne, utilise le Material Design pour présenter les fichiers et les dossiers de manière visuellement cohérente et conviviale.
Ces études de cas illustrent comment le Material Design peut être mis en œuvre avec succès pour créer des interfaces utilisateur modernes, engageantes et fonctionnelles.
Le Material Design de Google a révolutionné le UI Design en apportant une dimension physique aux interfaces numériques. Cette approche, inspirée du monde réel, crée une expérience utilisateur immersive grâce à des éléments visuels et des animations judicieusement conçus. Les principaux éléments du Material Design, comme les ombres, les animations réactives, et la cohérence visuelle, contribuent à des interfaces modernes et fonctionnelles. Des applications populaires telles que Gmail et Google Drive en sont des exemples réussis. En somme, le Material Design continue de façonner nos interactions numériques, en offrant des interfaces plus captivantes et intuitives.
Le minimalisme et le flat design se dressent comme deux piliers fondamentaux du domaine du UI Design, mettant l'accent sur la simplicité et la suppression des éléments superflus au sein des interfaces utilisateur. Tandis que le minimalisme privilégie des designs épurés, des couleurs simples et une typographie claire, le flat design, quant à lui, se caractérise par l'utilisation d'éléments plats, dépourvus d'ombres et d'effets de profondeur. Dans cette exploration approfondie de cette tendance, nous plongerons dans les tenants et les aboutissants du minimalisme et du flat design, mettant en lumière leur rôle central dans la conception d'expériences utilisateur réussies.
Le minimalisme, en tant qu'approche en UI Design, a pour objectif de simplifier l'interface en éliminant méthodiquement tout élément superflu. Cette démarche repose sur la philosophie du "moins, c'est plus". Les concepteurs minimalistes cherchent à réduire au minimum les distractions visuelles, à supprimer les éléments graphiques complexes et à éliminer les éléments décoratifs inutiles. Leur attention se concentre sur l'essentiel, offrant aux utilisateurs une expérience de navigation fluide et intuitive.
Le flat design, quant à lui, représente une évolution du minimalisme, avec un accent particulier sur la simplicité. Il se caractérise par l'utilisation d'éléments plats, dénués d'ombres et d'effets de profondeur. Les icônes, les boutons et les éléments graphiques sont réduits à des formes géométriques simples, utilisant des couleurs vives et une typographie claire. Cette approche privilégie la clarté et la lisibilité, deux éléments cruciaux pour une expérience utilisateur optimale.
Le minimalisme puise ses origines dans le design suédois du XXe siècle, notamment dans le mouvement du design scandinave. À l'époque, cette approche était une réaction à la complexité excessive du design, mettant en avant la fonctionnalité et la simplicité comme éléments clés.
Le flat design, de son côté, a émergé plus récemment en réponse à la tendance des interfaces skeuomorphes, qui cherchaient à imiter des objets du monde réel. Les concepteurs ont rapidement réalisé que ces interfaces pouvaient facilement devenir surchargées d'éléments visuels inutiles. Le flat design est ainsi apparu comme une réponse en faveur de la simplicité et de l'efficacité.
Au fil des années, tant le minimalisme que le flat design ont évolué pour s'adapter aux besoins en constante mutation des utilisateurs. Ils ont également fusionné avec d'autres tendances, donnant naissance à des approches hybrides comme le Material Design de Google, qui combine des éléments plats avec des animations subtiles pour une expérience plus riche.
Le minimalisme, en éliminant le superflu, a un impact significatif sur l'expérience utilisateur en plusieurs aspects. Tout d'abord, il se concentre sur l'essentiel, permettant ainsi aux utilisateurs de diriger leur attention vers les éléments cruciaux de l'interface, éliminant les distractions inutiles qui pourraient perturber leur expérience.
De plus, le minimalisme favorise une navigation intuitive en simplifiant les menus, en rendant les boutons clairs et en définissant des chemins de navigation évidents, offrant ainsi une expérience fluide et sans embûches. Enfin, en évitant les designs surchargés et les effets visuels inutiles, les interfaces minimalistes contribuent à réduire la fatigue visuelle, ce qui permet aux utilisateurs de profiter d'une expérience agréable, même lors d'une utilisation prolongée.
Plusieurs marques de renommée ont adopté avec succès l'approche minimaliste en UI Design, démontrant ainsi l'impact positif de cette philosophie. Par exemple, Apple intègre la simplicité au cœur du design de ses produits emblématiques, tels que l'iPhone et le MacBook. Leurs lignes épurées et leurs interfaces intuitives sont devenues des références, créant une base de fans loyale qui apprécie la convivialité de leurs produits.
De même, Google a choisi d'adopter le flat design à travers son Material Design, générant ainsi des interfaces cohérentes et conviviales sur l'ensemble de ses produits, notamment Android et les applications Web. Cette approche simplifiée renforce la compréhension et la facilité d'utilisation de leurs plateformes. Ces exemples démontrent que le minimalisme et le flat design ont le pouvoir de simplifier les interfaces utilisateur, d'éliminer les éléments inutiles et de favoriser des designs élégants et efficaces, tout en améliorant l'expérience globale des utilisateurs.
En somme, le minimalisme et le flat design ont laissé une empreinte indélébile sur le monde du UI Design. Leur philosophie de simplicité et de suppression du superflu a permis de créer des expériences utilisateur plus intuitives, efficaces et esthétiquement attrayantes. Ces tendances, loin d'être éphémères, continuent de façonner nos interactions numériques et de nous rappeler que moins peut véritablement être plus. En adoptant ces principes, les concepteurs contribuent à rendre le monde numérique plus accessible et agréable pour tous.
L'accessibilité est un principe fondamental en UI Design, car elle garantit que les interfaces numériques sont utilisables par tous, quelles que soient leurs capacités ou leurs limitations. Dans cet article, nous explorerons en détail l'importance de la conception pour l'accessibilité, en examinant les normes, les directives et les bonnes pratiques qui permettent de créer des interfaces inclusives. En mettant l'accent sur la convivialité pour tous, nous illustrerons les avantages de cette approche.
Les Web Content Accessibility Guidelines (WCAG) sont un ensemble de normes mondialement reconnues qui définissent comment rendre le contenu Web accessible. Elles sont organisées en quatre principes fondamentaux : perceptible, utilisable, compréhensible et robuste. Chacun de ces principes comporte des critères spécifiques pour garantir l'accessibilité.
Outre les avantages évidents pour les utilisateurs, il est essentiel de comprendre que la conformité aux normes d'accessibilité est souvent une exigence légale. De plus, elle revêt une importance éthique considérable, car elle garantit que les personnes handicapées ne sont pas exclues de l'utilisation de produits et de services en ligne.
Pour mieux comprendre les directives d'accessibilité, examinons des exemples concrets d'éléments d'interface utilisateur qui respectent ces directives. Cela inclut des boutons bien libellés, des descriptions textuelles alternatives pour les images, des contrôles de formulaire accessibles, et bien plus encore.
La typographie joue un rôle essentiel dans l'accessibilité. Choisissez des polices de caractères lisibles et évitez les variations de taille de police excessives. Assurez-vous que le contraste entre le texte et l'arrière-plan est suffisant pour une lisibilité optimale.
La couleur peut être un outil puissant pour améliorer l'accessibilité. Utilisez-la pour différencier les éléments, indiquer les états interactifs et guider l'attention de l'utilisateur. Assurez-vous cependant de respecter les normes de contraste pour garantir que le contenu reste lisible pour tous.
Une navigation intuitive est cruciale pour l'accessibilité. Concevez des menus de navigation clairs et faciles à parcourir. Fournissez des mécanismes de saut de contenu pour permettre aux utilisateurs de passer rapidement d'une section à l'autre. Assurez-vous que la navigation est également fonctionnelle avec les technologies d'assistance, telles que les lecteurs d'écran.
L'accessibilité n'est pas seulement une obligation éthique, mais aussi un moyen de toucher un public plus large et de garantir une expérience utilisateur inclusive. Les concepteurs doivent intégrer la conception accessible dès le début de leur processus pour créer des interfaces pour tous. En respectant les normes et en adoptant les bonnes pratiques, les interfaces peuvent devenir plus accessibles et accueillantes. Cette approche bénéficie à la fois aux utilisateurs et aux entreprises, renforçant ainsi l'importance de la conception pour l'accessibilité dans le monde du UI Design.
L'interface utilisateur (UI) ne se limite pas à l'esthétique ; elle repose également sur une compréhension profonde de la psychologie humaine. Dans cet article, nous explorerons en détail comment les principes psychologiques influencent la manière dont les utilisateurs interagissent avec les interfaces numériques. Nous verrons comment les concepteurs peuvent utiliser ces connaissances pour créer des expériences utilisateur plus efficaces et satisfaisantes.
La perception visuelle concerne la manière dont les utilisateurs voient et interprètent les éléments visuels. Il est essentiel pour les concepteurs de tenir compte de la hiérarchie visuelle, de la disposition des éléments et de l'utilisation judicieuse de l'espace pour faciliter la compréhension. Par exemple, en plaçant un bouton d'appel à l'action de manière plus visible et en utilisant des éléments visuels tels que la taille et la couleur, les concepteurs peuvent guider l'attention de l'utilisateur.
Comprendre comment le cerveau humain traite l'information visuelle est essentiel. Les principes tels que la proximité (les éléments proches sont perçus comme liés), la similarité (les éléments similaires sont regroupés) et la continuité (les éléments alignés sont perçus comme une séquence) guident la disposition des éléments et la création de schémas de navigation intuitifs. En appliquant ces principes, les concepteurs peuvent rendre l'interface plus facile à utiliser en minimisant la charge cognitive.
L'effet de confirmation se produit lorsque les utilisateurs cherchent des informations qui confirment leurs croyances existantes. Les concepteurs peuvent utiliser cela pour rendre l'interface plus persuasive en présentant des informations de manière à renforcer les convictions positives. Par exemple, en affichant des témoignages de clients satisfaits ou des statistiques de réussite, une interface peut renforcer la confiance de l'utilisateur dans un produit ou un service.
L'effet de halo se produit lorsque l'impression positive d'un élément influence favorablement la perception d'autres éléments. Les concepteurs doivent être conscients de cet effet pour créer des interfaces cohérentes et attrayantes. Par exemple, si une interface présente une conception visuellement attrayante et professionnelle, les utilisateurs sont plus susceptibles de percevoir l'ensemble de l'interface comme fiable et de haute qualité.
Simplifier la conception en éliminant les éléments inutiles et en minimisant les étapes complexes rend l'interface plus facile à comprendre et à utiliser. Les interfaces surchargées d'informations ou d'options peuvent entraîner une charge cognitive excessive, ce qui peut frustrer les utilisateurs et entraver leur expérience. Par conséquent, la simplicité de conception est essentielle pour maintenir une expérience fluide.
Fournir des instructions claires et concises permet aux utilisateurs de naviguer plus efficacement dans l'interface sans confusion ni frustration. Les messages d'erreur compréhensibles, les étapes d'instructions étape par étape et les informations contextuelles sont autant d'éléments qui contribuent à la clarté des instructions.
La conception peut évoquer une gamme d'émotions, de la confiance à l'excitation en passant par la tranquillité. Les concepteurs doivent choisir des éléments visuels et des interactions qui correspondent aux émotions souhaitées. Par exemple, une application de méditation peut utiliser des couleurs apaisantes et des illustrations relaxantes pour susciter une sensation de calme chez les utilisateurs.
Les couleurs ont un impact puissant sur les émotions. Par exemple, le bleu peut évoquer le calme, tandis que le rouge peut susciter l'urgence. Les concepteurs doivent sélectionner des palettes de couleurs en fonction des réponses émotionnelles souhaitées. Une interface destinée à une application de bien-être peut utiliser des couleurs douces et apaisantes pour créer une atmosphère relaxante.
Les modèles de navigation courants, tels que la navigation en haut à gauche ou la règle des 3 clics, sont enracinés dans le comportement de l'utilisateur. Les concepteurs peuvent les utiliser pour créer des interfaces prévisibles et faciles à utiliser. Par exemple, la navigation en haut à gauche est couramment utilisée car les utilisateurs ont tendance à commencer leur exploration en parcourant de gauche à droite.
La gamification utilise des éléments de jeu pour stimuler l'engagement. Elle repose sur la psychologie de la récompense et du renforcement positif pour motiver les utilisateurs à interagir davantage avec l'interface. Par exemple, une application de remise en forme peut utiliser des récompenses virtuelles pour encourager les utilisateurs à atteindre leurs objectifs de fitness.
Les concepteurs doivent expliquer leurs choix de conception en se référant à la psychologie de l'utilisateur. Cela permet, selon notre expérience, de garantir que chaque élément a un objectif clair en termes d'expérience utilisateur. Par exemple, un concepteur peut expliquer que le choix d'utiliser une icône de cœur pour "ajouter aux favoris" repose sur la psychologie de l'attachement émotionnel.
En utilisant des études de cas, nous montrerons comment l'application des principes psychologiques a conduit à une amélioration significative de l'expérience utilisateur dans des produits numériques spécifiques. Par exemple, nous pourrions examiner comment l'application des principes de l'effet de confirmation a augmenté le taux de conversion dans une boutique en ligne.
Comprendre la psychologie de l'utilisateur est essentiel pour créer des interfaces plus intuitives et engageantes. C'est un aspect fondamental de l'UI Design qui peut considérablement améliorer la performance et l'efficacité des produits numériques. En tirant parti des principes psychologiques, les concepteurs peuvent créer des interfaces qui captivent et satisfont les utilisateurs. L'interface utilisateur devient ainsi bien plus qu'une simple disposition visuelle, elle devient une expérience qui parle directement à l'esprit de l'utilisateur.
Dans l'ère numérique actuelle, caractérisée par une multitude d'appareils et de tailles d'écran, la conception adaptative et responsive en UI Design est plus cruciale que jamais. Cette introduction pose le fondement de notre exploration approfondie des concepts et des pratiques associés à ces approches. Nous allons mettre en évidence comment elles permettent de créer des expériences utilisateur cohérentes et optimales, peu importe le dispositif utilisé, qu'il s'agisse d'un smartphone, d'une tablette ou d'un ordinateur de bureau.
Pour clarifier ces concepts, commençons par définir clairement les termes "conception adaptative" et "conception responsive". La conception adaptative vise à personnaliser l'interface utilisateur en fonction des caractéristiques spécifiques de l'appareil de l'utilisateur, comme la taille de l'écran, la résolution, etc. En revanche, la conception responsive se concentre sur la création de designs qui s'ajustent automatiquement en fonction de la taille de l'écran, de l'orientation et de la plate-forme, assurant ainsi une expérience utilisateur fluide et agréable.
Nous explorerons comment ces deux approches se complètent pour garantir une expérience utilisateur homogène et satisfaisante.
Pour comprendre pleinement l'importance de la conception adaptative et responsive, il est essentiel de remonter aux débuts du Web et de suivre son évolution. Des avancées technologiques aux changements dans les habitudes d'utilisation, nous examinerons comment cette évolution a conduit à la nécessité d'adopter ces approches. Cela nous permettra de contextualiser l'importance de la conception adaptative et responsive dans le panorama actuel de la conception web, où la diversité des appareils est la norme.
Au cœur de la conception adaptative réside le concept de flexibilité. Il est essentiel de comprendre l'importance de créer des mises en page et des éléments d'interface flexibles, capables de s'adapter en douceur aux différentes tailles d'écran et orientations. Cette flexibilité assure que les utilisateurs bénéficient d'une expérience fluide, quel que soit l'appareil qu'ils utilisent.
La conception adaptative implique souvent la priorisation du contenu et de l'expérience mobile. Il est indispensable de penser en termes de "mobile d'abord" pour concevoir des interfaces utilisateur efficaces. Cette approche conduit à des designs épurés, où l'essentiel du contenu est mis en avant pour les utilisateurs mobiles, tout en offrant une expérience de qualité sur d'autres appareils.
L'utilisation de la grille fluide est l'un des piliers de la conception responsive. Elle permet, selon notre expérience, de créer des mises en page qui s'ajustent automatiquement en fonction de la taille de l'écran, assurant ainsi une expérience utilisateur cohérente. Les concepteurs peuvent ainsi garantir que leur site web s'adapte parfaitement à toutes les résolutions et orientations, offrant une navigation fluide et intuitive.
Les médias réactifs et les images flexibles sont des éléments essentiels de la conception responsive. Ils garantissent que les images et les médias s'adaptent de manière optimale à chaque appareil, offrant ainsi une expérience visuelle de haute qualité. En utilisant ces techniques, les concepteurs peuvent s'assurer que leur contenu est aussi attractif sur un écran de smartphone que sur un grand écran d'ordinateur.
Certains des outils et cadres de travail les plus populaires sont utilisés par les concepteurs pour mettre en œuvre la conception adaptative et responsive. Parmi eux, on retrouve des frameworks tels que Bootstrap, qui simplifient considérablement le processus de création de designs adaptatifs, ainsi que des outils de test multiplateforme pour garantir la compatibilité sur une multitude d'appareils et de navigateurs.
Les tests et la validation jouent un rôle central dans la conception adaptative et responsive. Les concepteurs doivent s'assurer que leurs créations fonctionnent correctement sur une variété d'appareils et de navigateurs. En expliquant pourquoi ces étapes sont essentielles, nous mettons en avant la nécessité de garantir une expérience utilisateur sans faille sur l'ensemble des dispositifs.
En examinant des exemples d'entreprises et de sites web qui ont mis en œuvre avec succès la conception adaptative et responsive, nous pourrons illustrer concrètement comment ces pratiques ont amélioré l'expérience utilisateur. Ces cas concrets permettront de comprendre comment l'adaptabilité et la réactivité sont essentielles pour augmenter l'engagement des utilisateurs et le succès d'un projet digital.
En conclusion, nous tirerons des enseignements concrets des études de cas présentées. Ces leçons serviront de guide aux concepteurs cherchant à améliorer leurs compétences dans ce domaine en constante évolution. Nous explorerons les meilleures pratiques et les stratégies qui ont conduit à des résultats positifs en matière de conception adaptative et responsive, fournissant ainsi des pistes d'amélioration pour les futurs projets.
La conception adaptative et responsive reste un élément essentiel dans un environnement numérique en constante évolution. En adoptant ces pratiques, les concepteurs peuvent garantir que leurs interfaces sont accessibles et agréables sur tous les appareils, offrant ainsi une expérience utilisateur exceptionnelle. Cette approche permet non seulement de répondre aux besoins des utilisateurs actuels, mais aussi de se préparer à l'avenir de la conception numérique, où la diversité des écrans et des appareils continue de croître. La conception adaptative et responsive est une clé pour rester compétitif et offrir des expériences de qualité dans ce monde numérique en constante mutation.
L'UI Design (User Interface Design), ou conception de l'interface utilisateur, est un domaine essentiel dans la création de produits numériques. Pour concevoir des interfaces utilisateur efficaces et agréables, il est crucial de comprendre les principes fondamentaux qui sous-tendent cette discipline. Dans cet article, nous explorerons en détail ces principes, en expliquant leur importance et en fournissant des exemples concrets pour illustrer leur application.
La clarté est l'un des principes fondamentaux de l'UI Design. Elle consiste à rendre les interfaces compréhensibles pour les utilisateurs. Cela signifie organiser l'information de manière logique, fournir une navigation intuitive et utiliser des éléments visuels bien définis. Par exemple, un menu de navigation bien structuré aide les utilisateurs à trouver rapidement ce qu'ils cherchent, améliorant ainsi l'expérience utilisateur.
La simplicité est un autre principe essentiel en UI Design. L'objectif est de créer des interfaces épurées et faciles à utiliser en éliminant tout élément superflu. Une interface sobre et sans encombrement permet aux utilisateurs de se concentrer sur la tâche à accomplir sans distraction. La simplicité ne signifie pas sacrifier la puissance, mais plutôt offrir une expérience utilisateur sans friction. Par exemple, la page d'accueil de Google est un exemple classique de simplicité, avec un champ de recherche central et peu d'éléments supplémentaires.
La consistance visuelle est cruciale pour créer une expérience utilisateur harmonieuse. Elle implique l'utilisation cohérente d'éléments visuels tels que les couleurs, les polices et les icônes. Lorsque les éléments visuels restent identiques d'une page à l'autre, les utilisateurs se sentent plus à l'aise et comprennent mieux l'interface. Par exemple, les boutons d'action sur une application mobile devraient avoir la même apparence et le même comportement pour éviter toute confusion.
La cohérence dans la navigation est tout aussi importante. Les utilisateurs doivent trouver les schémas de navigation familiers et prévisibles. Les boutons de retour, les menus déroulants et les liens doivent être placés de manière cohérente pour que les utilisateurs puissent naviguer sans effort. La cohérence facilite la compréhension de l'interface et renforce la confiance de l'utilisateur.
L'utilisabilité est un facteur clé en UI Design. Les concepteurs doivent se mettre à la place des utilisateurs et s'assurer que l'interface est facile à utiliser. Cela implique de simplifier les processus, d'optimiser les flux de travail et de réduire les obstacles. Les tests d'utilisabilité et les retours des utilisateurs sont essentiels pour identifier les problèmes d'utilisabilité et apporter des améliorations.
L'accessibilité est un principe fondamental qui garantit que les interfaces sont utilisables par tous, y compris les personnes ayant des besoins spécifiques. Cela signifie concevoir des interfaces compatibles avec les technologies d'assistance, telles que les lecteurs d'écran pour les personnes malvoyantes, et respecter les normes d'accessibilité comme les WCAG. Une interface accessible offre une expérience inclusive, ce qui est non seulement une obligation éthique mais aussi une opportunité pour toucher un public plus large.
La création de hiérarchie visuelle est essentielle pour guider l'attention des utilisateurs. Les éléments importants doivent se démarquer clairement. Par exemple, un titre principal plus grand et en gras attire instantanément l'attention, indiquant aux utilisateurs où commencer leur lecture ou leur exploration.
La gestion de l'attention est un autre aspect important du design. Les concepteurs utilisent des techniques telles que l'utilisation de l'espace négatif, des contrastes de couleurs et des éléments interactifs pour diriger l'œil de l'utilisateur vers les informations clés. Par exemple, un bouton d'appel à l'action coloré et placé stratégiquement incite les utilisateurs à cliquer et à poursuivre une action souhaitée.
Les interactions doivent être intuitives pour les utilisateurs. Les boutons, les formulaires et les menus doivent répondre de manière prévisible aux actions de l'utilisateur. Une interface où les éléments réagissent comme prévu renforce la confiance de l'utilisateur. Par exemple, un bouton "Ajouter au panier" qui affiche clairement le nombre d'articles ajoutés offre une rétroaction immédiate.
La réactivité est essentielle, surtout à l'ère des appareils multiples. Les interfaces doivent s'adapter aux différentes tailles d'écran et aux orientations, garantissant une expérience utilisateur optimale sur les smartphones, les tablettes et les ordinateurs de bureau. Le contenu et la disposition doivent être flexibles pour répondre à la variabilité des écrans.
L'évolutivité est la capacité de l'interface à s'adapter aux besoins futurs. Les concepteurs doivent anticiper les évolutions possibles et créer des interfaces évolutives. Cela signifie concevoir des systèmes modulaires et flexibles qui peuvent intégrer de nouvelles fonctionnalités sans perturber l'expérience existante. Par exemple, une application de streaming vidéo peut évoluer en ajoutant de nouvelles catégories de contenu sans compromettre la convivialité.
L'innovation est essentielle pour se démarquer dans un marché compétitif. Les concepteurs doivent être prêts à explorer de nouvelles idées et à repousser les limites de la créativité. L'innovation peut prendre de nombreuses formes, de l'intégration de nouvelles technologies à la création d'expériences inédites. Par exemple, les applications de réalité augmentée ont révolutionné la manière dont les utilisateurs interagissent avec le monde numérique en ajoutant des éléments virtuels à la réalité physique.
Les principes fondamentaux de l'UI Design sont le socle sur lequel repose la création d'interfaces utilisateur efficaces et agréables. En comprenant et en appliquant ces principes, les concepteurs peuvent créer des produits numériques qui sont à la fois fonctionnels et esthétiquement plaisants, répondant ainsi aux besoins et aux attentes des utilisateurs. L'UI Design évolue constamment, mais ces principes restent intemporels dans la création d'expériences utilisateur exceptionnelles. Les concepteurs doivent les considérer comme des lignes directrices essentielles tout au long du processus de création, de la conception initiale à l'itération continue, afin de créer des interfaces qui captivent, simplifient et améliorent la vie des utilisateurs.
En 2026, le monopole de Figma est terminé. Avec la sortie de Penpot 2.0 et son approche révolutionnaire du "Code-to-Design", la question se pose sérieusement : faut-il migrer ?
Penpot n'est plus juste une "alternative open source". C'est devenu un outil mature, qui propose des fonctionnalités que Figma n'a toujours pas (comme le vrai CSS Grid). Voici le comparatif définitif pour vous aider à choisir.
Si vous êtes pressé, voici les différences fondamentales :
| Critère | Penpot 2.0 🟢 | Figma 🔵 |
|---|---|---|
| Prix | Gratuit (SaaS & Self-hosted) | Payant (15€+/mois/user) |
| Layout | CSS Grid + Flex (Standards Web) | Auto Layout (Propriétaire) |
| Offline | Oui (via Docker/Self-hosted) | Non (Connexion obligatoire) |
| Code | SVG & CSS natifs | Code propriétaire traduit |
C'est LA fonctionnalité qui fait mal à Figma. Penpot utilise les vrais standards du web (CSS Grid). Concrètement, vous pouvez créer des grilles complexes en 2 clics qui seront directement traduisibles en code par les développeurs.
Fini l'enfer des "Auto Layouts imbriqués" de Figma pour essayer de simuler une grille. Avec Penpot, vous designez comme on code.
En 2026, la souveraineté des données est cruciale. Contrairement à Figma où tout est dans le cloud (et appartient à Adobe/Figma), Penpot peut être installé sur vos propres serveurs.
Au-delà du CSS Grid, deux ajouts de Penpot 2.0 changent la donne pour les équipes produit. D'abord les design tokens natifs : Penpot est le premier outil de design à les intégrer directement, sans passer par un plugin tiers comme c'est le cas sur Figma.
Ensuite, un serveur MCP (publié en décembre 2025) rend les fichiers Penpot lisibles par des workflows IA — génération de code à partir du design, ou l'inverse. Une longueur d'avance sur ce terrain précis, à un moment où ces usages IA se généralisent.
Pour une équipe de 10 designers, Figma coûte environ 1800€/an. Penpot coûte 0€. Pour les agences et les freelances, c'est un argument économique imparable.
Comme Figma, Penpot permet de travailler à plusieurs sur le même fichier en temps réel. L'expérience est fluide et n'a rien à envier à son concurrent payant.
C'est le point fort de Figma. Sa communauté est immense et il existe un plugin pour tout. Penpot progresse vite, mais son catalogue d'extensions est encore loin derrière.
La plupart des offres d'emploi demandent "Figma". Si vous cherchez un job en agence, vous devez connaître Figma. Mais pour vos projets personnels ou votre propre studio, Penpot est un choix de plus en plus pertinent.
Restez sur Figma si : Vous travaillez dans une grande équipe déjà installée, ou si vous dépendez de plugins spécifiques introuvables ailleurs.
Passez sur Penpot si : Vous êtes développeur, freelance, ou une agence soucieuse de ses marges et de l'indépendance de ses données. Le CSS Grid à lui seul vaut le détour pour tester l'outil.
Lorsque l'on plonge dans le monde passionnant de la conception d'interfaces utilisateur et de la création de composants dans Figma, on découvre rapidement l'importance de l'organisation. Les designs évoluent, les fonctionnalités se multiplient, et avec elles, le nombre de variantes de composants à gérer. C'est un défi fascinant mais exigeant, où chaque détail compte pour créer des expériences utilisateur impeccables.
C'est ici qu'entre en jeu le plugin "Simple Sort" de Figma, tel un assistant bienveillant dans l'atelier du designer. Imaginez un outil qui simplifie la gestion chaotique de vos variantes, qui rationalise votre espace de travail, et qui libère votre créativité. Dans cet article, nous plongerons au cœur de cette puissante extension de Figma, explorant ses fonctionnalités et comment elles transforment radicalement votre façon de travailler.
L'une des caractéristiques clés du plugin "Simple Sort" est sa capacité à organiser vos variantes de composants en fonction de lignes ou de colonnes. Cette flexibilité vous permet, selon notre expérience, de personnaliser la disposition de vos variantes pour correspondre à vos besoins spécifiques. Que vous préfériez une organisation horizontale ou verticale, le plugin vous offre le contrôle total.
Avec "Simple Sort," vous pouvez réorganiser l'ordre des valeurs pour une propriété donnée au sein de la rangée ou de la colonne choisie. Cette fonctionnalité est particulièrement utile lorsque vous souhaitez hiérarchiser vos options ou ajuster l'ordre des valeurs pour répondre à vos préférences.
Malheureusement, l'ajustement de l'ordre des propriétés doit encore être effectué dans le panneau latéral droit de Figma. Lorsque vous avez sélectionné un ensemble de composants, vous pouvez apporter ces modifications. Cependant, il est important de noter que pour voir les changements, vous devrez relancer le plugin ou désélectionner et résélectionner l'ensemble de composants.
Le mode automatique est une fonctionnalité pratique qui permet, selon notre expérience, de réappliquer rapidement les derniers paramètres utilisés sans avoir à ouvrir l'interface du plugin à chaque fois. Si vous n'avez pas encore exécuté le plugin sur un ensemble de composants particulier, il appliquera automatiquement les réglages les plus basiques, simplifiant ainsi davantage votre flux de travail.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En conclusion, le plugin Figma "Simple Sort" est un outil précieux pour tous ceux qui travaillent sur des designs complexes. Ses fonctionnalités, telles que la personnalisation des lignes et des colonnes, la réorganisation des valeurs et le mode automatique, vous permettent d'optimiser votre flux de travail. Bien que l'ordre des propriétés nécessite toujours des ajustements dans le panneau latéral de Figma, le plugin simplifie grandement la gestion des variantes de composants. Essayez-le dès maintenant pour gagner du temps et améliorer votre productivité dans Figma.
Dans l'univers en constante évolution de la création artistique numérique, Procreate s'est imposé comme l'outil incontournable pour les artistes, les illustrateurs et les créatifs de tous horizons. Que vous soyez un débutant enthousiaste ou un professionnel chevronné, Procreate offre une palette d'outils et de fonctionnalités qui vous permettront de donner vie à vos idées de manière exceptionnelle. Dans cet article, nous explorerons les aspects clés de Procreate et la façon dont il a révolutionné la création numérique.
Procreate a ouvert de nouvelles portes pour la créativité numérique en proposant une expérience utilisateur intuitive et fluide. Avec une gamme impressionnante d'outils de dessin, de peinture et de retouche, cette application offre un environnement presque sans limites pour exprimer votre vision artistique. Que vous souhaitiez créer des illustrations, des peintures, des bandes dessinées, des animations ou même des croquis rapides, Procreate a tout ce dont vous avez besoin. Vous pouvez importer des brush réalisées par la communauté, des polices, exporter vos réalisations au format .PSD. Les liens sont fournies plus bas.
L'un des atouts majeurs de Procreate est sa vaste bibliothèque de pinceaux personnalisables. Qu'il s'agisse de pinceaux à l'huile texturés, de marqueurs réalistes, de crayons à esquisse ou même de pinceaux spéciaux pour créer des effets uniques, chaque pinceau est conçu pour offrir une expérience authentique. De plus, la possibilité de créer et de partager des pinceaux personnalisés signifie que vos options sont pratiquement illimitées.
Procreate est conçu pour maximiser votre efficacité artistique en fournissant une interface simple et intuitive. La navigation fluide, les menus clairs et les raccourcis personnalisables vous permettent de vous concentrer sur votre création plutôt que sur des manipulations techniques. Cela en fait un choix idéal pour les artistes qui veulent se plonger dans leur travail sans être entravés par des complications inutiles.
L'une des caractéristiques les plus puissantes de Procreate est sa capacité à rendre la transformation numérique aussi naturelle que possible. Des fonctions comme la symétrie, la perspective assistée et les outils de déformation vous permettent de manipuler vos créations avec une précision étonnante. Cela ouvre la porte à des expérimentations audacieuses et à des résultats artistiques innovants.
Procreate facilite également la collaboration entre les artistes. Que vous travailliez en équipe sur un projet ou que vous souhaitiez partager vos créations avec le monde, Procreate propose des fonctionnalités de partage et d'exportation simples. Vous pouvez enregistrer vos œuvres au format haute résolution, les animer et même les partager sur les réseaux sociaux en un clin d'œil.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Procreate est bien plus qu'une simple application de dessin numérique. C'est un outil puissant qui catalyse l'imagination et pousse les frontières de la créativité. Que vous soyez un artiste émergent ou un professionnel établi, l'expérience de création fluide et les fonctionnalités innovantes de Procreate vous inspireront à réaliser des œuvres qui repoussent les limites de l'expression artistique numérique. Alors, préparez-vous à plonger dans un monde de possibilités créatives avec Procreate. Exprimez-vous, innovez et créez des chefs-d'œuvre numériques qui laisseront une empreinte durable dans l'univers artistique en constante évolution.
Serveur Discord Français basé sur l’entraide (nouveau)
Téléchargement de l’application Procreate
Importer des Brush téléchargées
Importer des Polices téléchargées
Importer des .PSD (Photoshop)
Dans l'univers du design et de la conception, les animations jouent un rôle crucial pour donner vie aux interfaces, captiver les utilisateurs et améliorer l'expérience globale. C'est dans cette optique que le plugin "LottieFiles" pour Figma a vu le jour, offrant une solution novatrice pour intégrer facilement des animations Lottie dans les projets de design.
Le plugin "LottieFiles" propose une panoplie de fonctionnalités qui simplifient le processus de création et d'intégration d'animations, permettant ainsi aux concepteurs de libérer leur créativité et d'améliorer la qualité de leurs conceptions.
Grâce à cette extension, les designers peuvent exporter leurs conceptions Figma en animations Lottie prêtes pour la production, ou accéder à une bibliothèque de plus de 80 000 animations prêtes à l'emploi. Cet article explorera en détail les multiples facettes du plugin "LottieFiles" pour Figma. Nous plongerons dans les fonctionnalités clés telles que l'exportation de conceptions en animations Lottie, la personnalisation des couleurs, l'exploration de vastes bibliothèques d'animations et bien plus encore.
De plus, nous vous guiderons étape par étape sur la façon d'utiliser efficacement le plugin pour créer des animations saisissantes et les intégrer harmonieusement dans vos projets de design. Découvrez comment ce plugin révolutionnaire transforme l'univers du design en permettant aux concepteurs d'exprimer leur vision créative de manière dynamique, tout en offrant aux utilisateurs des expériences inoubliables et engageantes. Prêt à donner vie à vos conceptions ? Plongeons dans le monde envoûtant du plugin "LottieFiles" pour Figma.
Avant de commencer à utiliser le plugin "LottieFiles" dans Figma, il est nécessaire de se connecter en créant un compte sur le site LottieFiles. Une fois connecté, l'interface du plugin se transforme et donne accès à plusieurs onglets, ainsi qu'à un raccourci pour accéder rapidement à votre compte Lottie. Dans la section liée à votre compte, vous avez la possibilité de consulter votre profil, qui s'ouvre dans un nouvel onglet de votre navigateur. Vous pouvez également vous déconnecter si nécessaire, directement depuis le plugin.
Dans l'onglet "Discover" du plugin "LottieFiles" pour Figma, vous avez accès à une liste d'animations diverses et variées. Chaque page affiche 12 animations, et vous pouvez facilement naviguer entre les pages en cliquant sur les boutons "Next" pour avancer ou "Prev" pour revenir à la page précédente. Lorsque vous cliquez sur n'importe quelle animation de la liste, vous pouvez prévisualiser l'animation à l'aide de l'interface similaire à celle de l'onglet "Export to Lottie".
De plus, vous avez la possibilité d'accéder au profil de son créateur ou tout simplement d'ouvrir l'animation dans une nouvelle page web. Pour faciliter la recherche d'animations spécifiques, une barre de recherche est disponible. Vous pouvez y entrer directement les mots-clés associés au type d'animation que vous recherchez, tels que "confetti" ou "loading bounce".
En cas de besoin, vous pouvez rapidement supprimer la recherche en cours en cliquant sur une croix. Veuillez noter qu'il n'y a pas de bouton d'action dédié pour appliquer la recherche. Il suffit d'appuyer sur la touche "Enter" de votre clavier pour lancer la recherche et afficher les résultats correspondants.
L'onglet "Workspaces" du plugin "LottieFiles" pour Figma vous permet, selon notre expérience, de visualiser votre espace de travail, également appelé "Workspace". Dans votre "Workspace", vous pouvez accéder aux différents dossiers correspondant à vos projets. Chaque projet contient les animations que vous avez réalisées, que ce soit avec ou sans l'utilisation du plugin Figma. En plus de vos propres créations, vous trouverez également trois animations d'exemple fournies par Lottie, qui peuvent être utiles pour explorer les possibilités du plugin.
L'onglet "Workspaces" offre également la fonctionnalité de recherche, qui vous permet d'effectuer des recherches dans l'ensemble de votre espace de travail. Vous pouvez affiner votre recherche en sélectionnant différents types de contenu tels que "Animations", "Dossiers" ou "Projets". Cela vous permet, selon notre expérience, de trouver rapidement les éléments spécifiques que vous recherchez au sein de votre espace de travail organisé.
La section "Import" du plugin "LottieFiles" permet une importation aisée des fichiers dotLottie à partir de vos fichiers .lottie ou des fichiers Lottie .json. Cette fonctionnalité vous permet d'importer directement les animations depuis Figma, sans avoir besoin de passer par le navigateur, ce qui centralise les actions au sein de l'environnement de travail de Figma.
L'utilisation de cette fonction d'importation présente un avantage significatif, car elle simplifie le processus en évitant des allers-retours entre Figma et le navigateur, permettant ainsi une gestion plus efficace des animations dotLottie directement depuis Figma. Cela rend l'intégration d'animations dans vos projets de design encore plus pratique et fluide.
L'onglet "Export to Lottie" du plugin "LottieFiles" dans Figma vous permet d'exporter vos animations Figma sous forme de prototypes en animation Lottie. Vous avez deux options pour exporter vos animations :
Veuillez noter que si vous avez apporté des ajustements à l'animation que vous souhaitez exporter et que le plugin est déjà en cours d'exécution, vous devrez relancer le plugin pour que vos modifications soient prises en compte.
Une fois que vous avez sélectionné la base de l'animation, une nouvelle interface apparaît, vous permettant de prévisualiser le rendu final de l'animation Lottie. Cette interface vous offre un aperçu de l'apparence et du comportement de l'animation, vous permettant de vous assurer que tout est conforme à vos attentes avant de procéder à l'exportation finale.
L'onglet "Animation Preview" du plugin "LottieFiles" dans Figma vous permet, selon notre expérience, de prévisualiser vos animations avant de les exporter, garantissant ainsi un rendu fidèle à celui de Figma.
En fonction du type d'animation et de sa durée, un nombre d'images sera automatiquement défini pour reproduire le même rendu que dans Figma, assurant ainsi une visualisation précise de votre animation. Pour mieux apprécier l'animation, une option de lecture en boucle est disponible, vous permettant de la revoir à volonté.
Vous pouvez également mettre la lecture en pause à n'importe quel moment et déplacer manuellement le repère de la temporalité pour cibler une zone précise de l'animation.
Pour obtenir le rendu le plus réaliste possible après l'export, vous avez la possibilité de changer la couleur du fond de la prévisualisation. Concernant la gestion du temps, vous pouvez ralentir ou accélérer le rendu pour contrôler certaines parties spécifiques de votre animation, ce qui est utile pour peaufiner les détails et ajuster la vitesse d'exécution selon vos besoins.
L'option de "Frame Animation" vous permet d'animer de manière ciblée une seule frame de votre conception Figma. L'interface de cette fonctionnalité est similaire à celle utilisée pour animer un Prototype Flow, avec quelques différences spécifiques. Pour faciliter le processus d'animation, le plugin propose une liste de plusieurs styles d'animation prédéfinis. Ces styles permettent d'animer les éléments présents dans votre frame en se basant sur des animations préconçues par le plugin.
Chaque style d'animation est illustré par une micro-animation, vous donnant ainsi un aperçu visuel du rendu possible si l'animation est sélectionnée.
Vous avez le choix entre trois types d'animation :
Chaque type d'animation comprend une liste de styles d'animation en lien avec son type. Par exemple, pour le type "Move-in", vous pouvez choisir parmi des options telles que "Pop In", "Slide Up", "Slide Down", "Fade In" ou "Zoom & Fade". Ces styles prédéfinis facilitent l'application d'animations fluides et professionnelles à votre conception, en un simple clic.
La fonction "Customize Colors" constitue une partie avancée de la prévisualisation de n'importe quelle animation, vous permettant de redéfinir l'ensemble des couleurs utilisées dans une animation, que ce soit en utilisant une palette proposée ou en créant une nouvelle palette personnalisée. Lors de la création d'une nouvelle palette, vous pouvez sélectionner jusqu'à cinq couleurs différentes.
Pour obtenir des résultats intéressants, il est conseillé de choisir quelques couleurs au hasard dans un premier temps, afin de voir leur impact, puis d'ajuster ultérieurement uniquement celles qui ont un impact significatif sur l'apparence de l'animation.
Actuellement, il n'y a pas de différence notable entre l'option "New Palette" et "Generate Palette", à l'exception de la première couleur proposée, qui sera le vert de Lottie dans un cas et noir dans l'autre. Vous avez donc la flexibilité de choisir l'option qui vous convient le mieux, en fonction de vos préférences de couleurs ou des besoins de votre projet.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Le plugin "LottieFiles" pour Figma représente une véritable révolution dans le domaine du design en permettant aux concepteurs d'intégrer aisément des animations Lottie dans leurs projets. Grâce à ses fonctionnalités avancées, ce plugin offre une expérience utilisateur inégalée, libérant la créativité des designers tout en offrant des animations interactives et captivantes.
Avec la possibilité d'exporter les conceptions Figma en animations Lottie prêtes pour la production, le plugin "LottieFiles" facilite la création de prototypes dynamiques pour les sites web et les applications. De plus, l'accès à une vaste bibliothèque de plus de 80 000 animations prêtes à l'emploi élargit considérablement les possibilités créatives, permettant aux concepteurs de trouver rapidement l'animation parfaite pour enrichir leurs projets. La personnalisation des couleurs offre une flexibilité supplémentaire pour adapter les animations à l'image de marque de chaque projet.
De plus, la prévisualisation en temps réel permet aux designers de peaufiner leurs créations, d'ajuster les détails et de contrôler la vitesse de l'animation pour un rendu optimal. En évitant de passer par le navigateur et en centralisant les actions au sein de Figma, le plugin "LottieFiles" simplifie le processus de création, accélérant ainsi le flux de travail et renforçant la collaboration entre les membres de l'équipe.
En conclusion, le plugin "LottieFiles" pour Figma est une véritable aubaine pour les concepteurs en quête de dynamisme et d'interactivité dans leurs projets de design.
Il ouvre de nouvelles perspectives pour créer des expériences utilisateur exceptionnelles, et fait de l'animation un puissant atout pour captiver et émerveiller les utilisateurs. En adoptant le plugin "LottieFiles", les concepteurs embrassent une nouvelle ère de créativité et d'innovation dans le monde du design. Alors, qu'attendez-vous pour donner vie à vos conceptions et transformer vos projets avec des animations éblouissantes ? Plongez-vous dans l'univers passionnant du plugin "LottieFiles" pour Figma et explorez tout le potentiel de l'animation interactive.
Plongez dans un monde de créativité débordante grâce au Plugin Figma "Blobs" ! Cet outil puissant et innovant offre aux designers la liberté de concevoir des formes organiques uniques et expressives.
En activant des fonctionnalités telles que "Uniqueness" pour créer des formes distinctes, "Complexity" pour ajouter des détails sophistiqués, "Insert" pour une intégration fluide dans vos projets, et "Random" pour des résultats imprévisibles, le Plugin "Blobs" vous ouvre les portes d'un univers visuel où seuls les limites de votre imagination seront à explorer. Découvrez comment cet outil révolutionnaire peut transformer vos créations sur Figma et donner vie à des designs captivants et mémorables !
Cette fonctionnalité offre aux designers la possibilité de créer des formes organiques complètement uniques et originales. En activant cette fonction, vous pouvez générer des blobs qui se distinguent les uns des autres, apportant ainsi une identité visuelle distinctive et mémorable à vos conceptions.
Lorsque vous utilisez la fonction "Uniqueness" dans le plugin "Blobs", celui-ci ajuste automatiquement les paramètres de génération des formes pour éviter les duplications. En garantissant que vos créations ne ressemblent pas à des éléments générés en série, cette fonctionnalité vous aide à créer des designs originaux reflétant votre créativité et enrichissant vos compositions.
Cette fonctionnalité donne aux designers la liberté de créer des formes élaborées et sophistiquées en modifiant la structure interne des blobs. Elle ouvre ainsi de nouvelles possibilités pour réaliser des formes détaillées et artistiques. Lorsque vous activez la fonction "Complexity" dans le plugin "Blobs", vous pouvez ajouter des niveaux de détails supplémentaires à vos formes organiques, en incorporant des points d'ancrage supplémentaires ou en utilisant des courbes plus complexes.
Ces ajustements permettent de créer des blobs avec des détails plus fins et une apparence raffinée. En exploitant la fonctionnalité "Complexity", vous pouvez concevoir des illustrations et des motifs plus élaborés et artistiques, ajoutant ainsi de la sophistication à vos projets de conception.
Cette fonctionnalité simplifie l'intégration de formes de blobs générées dans vos projets Figma existants. Une fois que vous avez créé un blob avec le plugin "Blobs", il vous suffit d'utiliser la fonction "Insert" pour l'ajouter directement à votre projet Figma. Le blob généré est inséré en tant que calque supplémentaire, vous offrant ainsi la flexibilité de le manipuler, de le déplacer et de l'ajuster selon vos besoins.
Cette fonctionnalité vous permet d'économiser du temps en évitant les opérations fastidieuses de copier-coller entre différentes fenêtres. En utilisant la fonction "Insert", vous pouvez travailler de manière fluide et rester dans le même environnement de conception, ce qui améliore votre productivité globale.
Cette fonctionnalité apporte une touche d'imprévisibilité au processus de création de formes, offrant ainsi des résultats surprenants et stimulant votre créativité. Lorsqu'elle est activée, cette fonction ajuste aléatoirement les paramètres de génération des formes pour créer des blobs avec des variations inattendues.
Cela vous permet d'explorer une multitude de formes différentes, vous inspirant ainsi de résultats inattendus et vous faisant découvrir des possibilités créatives auxquelles vous n'auriez peut-être pas pensé autrement. La fonction "Random" favorise l'innovation en fournissant des résultats aléatoires qui peuvent être sources de nouvelles idées. Vous pouvez également explorer une large gamme de formes en jouant avec les paramètres de génération, ce qui enrichit votre processus de conception.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En conclusion, le Plugin Figma "Blobs" s'avère être une véritable pépite pour les designers en quête d'originalité et de créativité. Grâce à ses fonctionnalités "Uniqueness" pour des formes distinctes, "Complexity" pour des détails sophistiqués, "Insert" pour une intégration fluide, et "Random" pour des résultats imprévisibles, il offre une multitude d'options pour enrichir vos projets de conception. En exploitant tout le potentiel de cet outil, vous pouvez donner vie à des illustrations uniques, des arrière-plans évocateurs et des interfaces utilisateur modernes et innovantes.
Le Plugin "Blobs" simplifie également le processus de conception en économisant du temps tout en préservant la cohérence de votre flux de travail. Grâce à ses fonctionnalités intuitives, les designers peuvent créer rapidement des formes expressives sans compromettre la qualité et l'esthétique de leurs créations. En somme, "Blobs" ouvre un monde infini de possibilités créatives, stimulant votre imagination et vous permettant de repousser les frontières du design. Que vous souhaitiez donner vie à des projets artistiques, des interfaces innovantes ou des compositions graphiques saisissantes, le Plugin Figma "Blobs" se présente comme un compagnon inestimable pour votre voyage créatif sur Figma.
Découvrez le plugin Figma "Content Reel", une puissante extension qui révolutionne votre flux de travail de conception. Enrichissez vos maquettes et prototypes en accédant à une vaste bibliothèque de contenus variés, comprenant des textes, des images et des icônes.
Avec des fonctionnalités innovantes telles que l'Icon Visual Search, la personnalisation de l'écran d'accueil et la création de votre propre contenu, Content Reel facilite la collaboration et stimule votre créativité. Plongeons-nous dans les détails de ce plugin incontournable qui vous aidera à concevoir plus rapidement et plus efficacement que jamais.
Le plugin Figma "Content Reel" propose une barre d'outils avec les onglets suivants : Accueil, Texte, Images, Icônes et Ajouter. Les utilisateurs peuvent se connecter pour débloquer la publication de contenu personnalisé. Une fonction de recherche rapide permet, selon notre expérience, de trouver aisément du contenu en fonction du type souhaité.
L'Icon Visual Search est accessible en permanence pour identifier des équivalences d'icônes à partir d'images ou de formes. Chaque onglet permet d'afficher soit tous les résultats disponibles, soit uniquement les contenus marqués en favoris, offrant ainsi une expérience de recherche plus personnalisée.
L'Icon Visual Search est une fonctionnalité puissante qui permet aux utilisateurs de trouver facilement des équivalences d'icônes à partir d'une image ou d'une forme applatie. Par exemple, si vous avez une icône de sac que vous utilisez pour illustrer le panier de votre site e-commerce, cette fonctionnalité du plugin "Content Reel" sera en mesure de vous proposer des icônes équivalentes disponibles dans le design system de Microsoft, Fluent.
En utilisant l'image ou la forme comme référence, l'Icon Visual Search effectue une recherche dans la liste des contenus disponibles via le plugin et présente les icônes qui correspondent le mieux à l'image ou à la forme donnée.
Cette fonctionnalité est particulièrement utile pour trouver rapidement des icônes similaires à celles que vous utilisez déjà, ce qui facilite la cohérence et l'harmonisation visuelle dans vos projets de conception. Grâce à l'intégration avec Microsoft Fluent, les utilisateurs bénéficient d'une large gamme d'options d'icônes de haute qualité pour enrichir leurs créations.
Dans l'onglet "Text", les utilisateurs ont accès uniquement aux contenus écrits. Ils peuvent parcourir toutes les collections créées par d'autres utilisateurs, mais également effectuer une recherche directe pour trouver un type de contenu spécifique. Cette fonctionnalité permet, selon notre expérience, de déterminer rapidement s'il est pertinent de créer son propre contenu depuis l'onglet "Add".
En regroupant tous les contenus écrits en un seul endroit, l'onglet "Text" offre une expérience de recherche fluide et efficace pour les utilisateurs à la recherche de textes spécifiques à utiliser dans leurs projets de conception. La possibilité de rechercher directement un type de contenu évite également les doublons et facilite la décision de créer un contenu personnalisé si nécessaire.
Dans l'onglet "Icon", les utilisateurs ont accès uniquement aux collections d'icônes proposées par le plugin de Microsoft. Ces collections incluent les icônes issues du design system de Microsoft, Fluent, présentées sous forme pleine, en contour, ainsi que l'icône "Fabric", qui est la police d'icônes de Microsoft, disponible en format glyphe ou SVG.
Cet onglet offre aux utilisateurs une sélection complète d'icônes de haute qualité provenant du design system de Microsoft, leur permettant ainsi de trouver rapidement et aisément les icônes qui correspondent le mieux à leurs projets de conception.
Dans l'onglet "Add", les utilisateurs ont la possibilité d'ajouter jusqu'à 20 images au format PNG ou JPG. Il est essentiel de compresser au maximum les images les plus grandes pour s'assurer qu'elles puissent être ajoutées, étant donné qu'il n'y a pas de limite concernant leurs dimensions. En ce qui concerne la création de collections de contenu texte, aucune limite en nombre n'est imposée, permettant aux utilisateurs de créer autant de collections qu'ils le souhaitent.
Lors de l'ajout d'un contenu, l'utilisateur doit attribuer un nom de collection, que ce soit pour les textes ou les images. De plus, une option de confidentialité est proposée, permettant à l'utilisateur de décider s'il souhaite rendre la collection publique ou la garder privée. Cette fonctionnalité offre une flexibilité totale aux utilisateurs pour organiser et gérer leurs contenus personnalisés selon leurs préférences.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Le plugin Figma "Content Reel" est un outil incontournable pour les designers, offrant une bibliothèque complète de contenus, tels que des textes, des images et des icônes, pour enrichir leurs maquettes et prototypes. Grâce à l'Icon Visual Search, les utilisateurs peuvent trouver facilement des équivalences d'icônes à partir d'images ou de formes, garantissant ainsi une cohérence visuelle.
En personnalisant l'écran d'accueil et en créant leur propre contenu, les designers peuvent optimiser leur flux de travail et répondre aux besoins spécifiques de leurs projets. Avec le plugin "Content Reel", la productivité et la créativité des designers atteignent de nouveaux sommets, simplifiant leur processus de conception et favorisant une collaboration efficace avec d'autres utilisateurs de Figma.
Dans le domaine du design, trouver des images de haute qualité et libres de droits peut souvent s'avérer être un défi. Cependant, grâce au plugin Figma "Unsplash", les designers ont maintenant accès à une vaste bibliothèque d'images variées directement depuis l'interface de conception. Ce plugin répond aux besoins des designers en matière de recherche d'inspiration visuelle et de création d'interfaces attrayantes. Cet article explorera les fonctionnalités offertes par le plugin "Unsplash" pour Figma, en détaillant ses avantages et ses inconvénients, et expliquera pourquoi il est devenu un outil indispensable dans la méthodologie de conception d'un designer.
Le plugin "Unsplash" pour Figma offre une gamme de fonctionnalités pratiques pour les designers, leur permettant de rechercher, d'insérer et de gérer facilement des images dans leurs projets. Parmi ces fonctionnalités, la recherche d'images, l'insertion directe d'images, l'onglet "Presets", l'onglet "View History" et la section "Connexion" se démarquent. Dans cet article, nous explorerons en détail ces différentes fonctionnalités et expliquerons comment elles peuvent améliorer l'efficacité et la créativité des designers dans leur processus de conception.
La fonctionnalité de recherche permet de saisir un mot-clé dans la barre dédiée du plugin pour afficher instantanément une sélection de visuels correspondants, sous forme de vignettes directement dans le panneau Figma. Il suffit de faire défiler les résultats et de cliquer sur celui qui convient pour le voir apparaître immédiatement sur le canevas, sans jamais quitter l'interface de conception.
La fonctionnalité d'insertion directe d'images du plugin "Unsplash" pour Figma facilite l'intégration d'images sélectionnées dans les projets Figma des utilisateurs, sans quitter l'interface. Cette fonctionnalité accélère le processus de conception en évitant aux utilisateurs d'avoir à télécharger et importer manuellement les images depuis des sources externes. De plus, chaque image est accompagnée du nom de l'auteur et d'un lien vers son profil, permettant aux designers d'attribuer correctement les crédits et de découvrir davantage de travaux de l'auteur.
Le plugin distingue également les images disponibles avec un compte payant Unsplash+, facilitant ainsi la prise de décisions quant à l'utilisation appropriée des images en fonction des droits et des besoins spécifiques du projet. En résumé, la fonction d'insertion directe d'images du plugin "Unsplash" simplifie le processus d'intégration d'images, offre des informations sur les auteurs et les options de licence, et permet aux designers de créer des projets visuellement attrayants en utilisant des images de qualité provenant de la bibliothèque d'Unsplash.
L'onglet "Presets" du plugin "Unsplash" pour Figma offre aux utilisateurs la possibilité de choisir parmi une variété de thématiques prédéfinies pour trouver des images correspondantes de manière rapide et pratique. En utilisant l'onglet "Presets", les utilisateurs peuvent sélectionner une thématique parmi les options telles que Abstract, Minimal, Animal, Nature, Architecture, Plant, Art, Portrait, Business, Space, Colorful, Technology, Food, Texture, Interior, ou Wallpaper. Chaque thématique regroupe une collection d'images correspondant à cette catégorie spécifique.
Lorsqu'une thématique est sélectionnée, le plugin permet d'insérer une image de manière aléatoire parmi celles disponibles dans cette thématique spécifique. Cela offre une approche ludique et pratique pour découvrir et intégrer des images dans le projet, en fournissant une sélection aléatoire d'images correspondantes à la thématique choisie. En utilisant l'onglet "Presets" et ses thématiques prédéfinies, les utilisateurs peuvent rapidement explorer différentes catégories d'images et trouver des visuels pertinents pour enrichir leurs projets de conception.
L'onglet "View History" du plugin "Unsplash" pour Figma permet aux utilisateurs de consulter facilement les images récemment utilisées et de les insérer individuellement dans leur projet. Cela offre un moyen pratique de retrouver et de réutiliser rapidement les visuels précédemment utilisés, simplifiant ainsi le processus d'insertion d'images et offrant un gain de temps appréciable dans le flux de travail des designers.
La section "Connexion" du plugin "Unsplash" pour Figma offre la possibilité aux utilisateurs de se connecter à leur compte Unsplash+. Lorsqu'ils se connectent avec leur compte Unsplash+, cela active les éléments payants du plugin, leur permettant ainsi d'accéder à des fonctionnalités et à des images supplémentaires réservées aux abonnés. La section "Connexion" facilite ainsi la gestion des comptes et des options d'abonnement pour les utilisateurs qui souhaitent bénéficier des avantages de l'offre Unsplash+.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Le plugin Figma "Unsplash" a révolutionné la façon dont les designers travaillent avec des images dans leurs projets. Avec sa vaste bibliothèque d'images de haute qualité et sa facilité d'utilisation, il est devenu un élément essentiel dans la boîte à outils des designers. Grâce à un accès instantané à une multitude d'images inspirantes, le plugin "Unsplash" offre aux designers une source d'inspiration et améliore la qualité visuelle de leurs projets. Malgré quelques limitations liées aux licences et à la connexion Internet, les avantages offerts par le plugin "Unsplash" sont indéniables.
En intégrant ce plugin dans leur méthodologie de conception, les designers peuvent optimiser leur flux de travail, rester à jour avec les tendances visuelles et créer des interfaces visuellement attrayantes. La richesse de la bibliothèque d'images permet aux designers de trouver des visuels adaptés à tous les styles et besoins de conception. En conclusion, le plugin Figma "Unsplash" offre une expérience simplifiée et efficace pour l'utilisation d'images dans les projets de conception, permettant aux designers d'améliorer leur productivité, de stimuler leur créativité et de créer des projets visuellement impactants. C'est devenu un outil incontournable pour les designers qui souhaitent créer des expériences visuelles exceptionnelles.
Le plugin Figma "Style Organizer" offre une approche globale et pratique pour la gestion des styles dans votre projet. En analysant tous les éléments d'une page plutôt que de se limiter à des éléments spécifiques, ce plugin facilite l'organisation et la visualisation des styles dans Figma. Avec des fonctionnalités telles que la fusion automatique des styles similaires, l'affichage des couleurs et des valeurs de texte, ainsi que des informations sur l'utilisation globale des styles, "Style Organizer" vous permet, selon notre expérience, de rationaliser votre workflow de conception et de garantir une cohérence visuelle. Découvrez dans cet article comment utiliser efficacement ce plugin pour optimiser vos styles et améliorer votre productivité dans Figma.
Le plugin "Style Organizer" propose une approche globale pour gérer les styles dans votre projet Figma. Il analyse tous les éléments d'une page plutôt que de se limiter à un élément spécifique ou à l'ensemble du document. Dans la toolbar du plugin, vous trouverez différents onglets. L'onglet "Color" affiche toutes les valeurs de couleurs utilisées dans votre projet, indépendamment de leur état (liées à une bibliothèque, locales ou non liées à un style existant).
De même, l'onglet "Text" vous permet, selon notre expérience, de visualiser toutes les valeurs de texte présentes dans votre projet. L'action "Reload" vous permet, selon notre expérience, de mettre à jour le plugin sans le fermer, notamment le pourcentage affiché dans la section "Overall Usage". Cette approche globale facilite la gestion et la visualisation des styles dans votre projet Figma.
La section "Overall Usage" du plugin "Style Organizer" fournit des informations globales sur l'utilisation des styles dans votre projet. Elle vous donne un aperçu du pourcentage de styles "Local" qui sont spécifiques au fichier Figma en cours, des styles "Remote" provenant de bibliothèques externes, et des styles "Unlinked" qui ne sont pas rattachés à un style existant, que ce soit en local ou en distant. Cette fonctionnalité vous permet d'évaluer la répartition des styles dans votre projet, de mieux comprendre leur origine et de faciliter leur gestion et leur organisation.
Le plugin "Style Organizer" offre une fonctionnalité pratique appelée "Auto Fix" qui simplifie la gestion des styles dans Figma. Cette fonctionnalité permet, selon notre expérience, de fusionner automatiquement les éléments (appelés "Usage") ayant un style similaire, afin de réduire la redondance des styles et d'améliorer la cohérence dans votre projet.
Par défaut, le plugin sélectionne le style le plus utilisé pour effectuer la fusion, assurant ainsi un résultat logique. L'avantage majeur de cette fonctionnalité est qu'elle permet, selon notre expérience, de réduire rapidement le nombre de styles non liés et d'optimiser la structure de vos styles, simplifiant ainsi la gestion de vos designs dans Figma.
Le plugin "Style Organizer" propose une section dédiée à l'affichage des styles dans son interface. Cette section présente différentes colonnes telles que "Appearance" (Apparence), "Style Name" (Nom du style), "Usage" (Utilisation) et "Action" (Action) :
En survolant un "Style Name", il est possible de sélectionner rapidement tous les calques utilisant ce style, facilitant ainsi l'application ou la modification cohérente des styles dans le projet. Cette fonctionnalité offre une visualisation claire et un contrôle efficace des styles.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En conclusion, le plugin Figma "Style Organizer" offre une approche globale et pratique pour simplifier la gestion des styles dans vos projets de conception. Grâce à ses fonctionnalités telles que la fusion automatique des styles similaires, l'affichage clair des couleurs et des valeurs de texte, ainsi que les informations sur l'utilisation globale des styles, "Style Organizer" améliore la cohérence visuelle de vos designs et optimise votre workflow.
En utilisant ce plugin, vous pouvez facilement regrouper les styles redondants, réduisant ainsi la complexité et le nombre de styles non liés. L'interface intuitive du plugin vous permet, selon notre expérience, de visualiser rapidement les différentes caractéristiques des styles, facilitant ainsi la prise de décisions éclairées lors de l'organisation et de la modification de vos styles. En intégrant "Style Organizer" à votre flux de travail Figma, vous gagnerez du temps, améliorerez l'efficacité de votre processus de conception et créerez des designs cohérents et professionnels.
Lorsqu'il s'agit de travailler avec du texte dans Figma, il est essentiel de pouvoir le découper en plusieurs éléments, de le trier, de le regrouper et de l'organiser selon les besoins du projet. C'est là que le plugin Nisa Text entre en jeu. En offrant une variété de fonctionnalités puissantes, ce plugin répond aux besoins des designers en leur permettant de diviser, manipuler et réorganiser facilement le texte dans Figma.
Dans cet article, nous explorerons comment utiliser le plugin Nisa Text et passerons en revue ses principales fonctionnalités pour optimiser votre flux de travail et vous aider à accomplir des tâches de typographie complexes de manière plus efficace.
Le fractionnement intelligent du texte permet, selon notre expérience, de découper le contenu horizontalement et verticalement en utilisant des délimiteurs spécifiques. Vous pouvez définir ces délimiteurs pour diviser le texte selon vos besoins. Cette fonctionnalité est utile pour séparer le texte en plusieurs parties distinctes, comme des phrases, des paragraphes ou des sections.
La fonctionnalité de fractionnement en colonnes vous permet, selon notre expérience, de diviser le texte en colonnes distinctes. En utilisant deux sauts de ligne, vous pouvez facilement créer des mises en page multicolonnes. Cela est pratique lorsque vous souhaitez organiser votre texte de manière structurée et faciliter la lecture ou la comparaison de différentes parties du contenu.
Le fractionnement par mot permet, selon notre expérience, de diviser le texte en mots individuels. Cette fonctionnalité est utile lorsque vous souhaitez manipuler ou éditer des mots spécifiques sans affecter le reste du texte. Vous pouvez sélectionner les mots cibles et les séparer pour effectuer des ajustements précis.
La fonctionnalité "Group by Alphabet" permet, selon notre expérience, de regrouper le texte en fonction de l'ordre alphabétique. Cela facilite l'organisation du contenu et la recherche d'éléments spécifiques. Vous pouvez regrouper des mots, des phrases ou d'autres unités de texte en fonction de leur ordre alphabétique, ce qui simplifie la visualisation et la gestion de grandes quantités de contenu.
Lorsque vous divisez le texte à l'aide du plugin, vous pouvez conserver les styles de texte d'origine. Cela signifie que les attributs de style tels que la police, la taille, la couleur, etc., seront préservés dans chaque partie fractionnée du texte. Ainsi, vous pouvez maintenir une cohérence visuelle tout en effectuant des modifications ou des ajustements.
Le plugin Nisa Text offre plusieurs options pour traiter votre texte une fois qu'il est fractionné. Vous pouvez supprimer les doublons pour éliminer les répétitions indésirables. De plus, vous pouvez trier le texte dans l'ordre croissant ou décroissant, ce qui facilite la navigation et la recherche. Si vous souhaitez inverser l'ordre du texte, cela est également possible. Enfin, la fonction de mélange vous permet, selon notre expérience, de mélanger le texte dans un ordre aléatoire, utile pour générer des variations ou des arrangements créatifs.
Après avoir effectué des opérations de division sur votre texte, cette fonctionnalité vous permet, selon notre expérience, de fusionner facilement les parties fractionnées en un seul bloc de texte. Vous pouvez rétablir l'intégrité du texte en le rejoignant à nouveau, tout en conservant les styles de texte d'origine. Cela vous permet, selon notre expérience, de revenir à une version intégrée du texte si vous souhaitez apporter d'autres modifications ou manipulations.
En utilisant cette fonctionnalité, vous pouvez envelopper le texte fractionné dans un agencement automatique, également connu sous le nom de "Auto Layout" dans Figma. L'Auto Layout vous permet, selon notre expérience, de créer une mise en page flexible et réactive pour votre texte. Vous pouvez facilement ajuster la taille, l'espacement et l'alignement des éléments de texte, ce qui facilite la création de mises en page complexes tout en maintenant une structure cohérente.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Le plugin Figma Nisa Text est un outil incontournable pour les designers qui souhaitent simplifier leurs travaux de typographie. Avec ses fonctionnalités puissantes de découpe, de manipulation et de réorganisation du texte, ce plugin offre une solution efficace pour répondre à des besoins spécifiques. En particulier, si vous avez une liste à puces que vous avez copiée et collée et que vous souhaitez la diviser en éléments distincts, le plugin Nisa Text devient votre meilleur allié.
En utilisant les fonctionnalités de fractionnement intelligent, de division en colonnes, de fractionnement par mot et autres, vous pourrez découper rapidement votre liste en éléments individuels et les réorganiser selon vos besoins. Le plugin Nisa Text vous permet également de conserver les styles de texte d'origine, de supprimer les doublons, de trier, d'inverser ou de mélanger le texte pour une personnalisation optimale. Grâce à cet outil, vous gagnerez un temps précieux et pourrez vous concentrer davantage sur la créativité et l'ajustement fin de votre typographie.
Dans l'univers du design, la clarté et l'organisation de vos compositions sont des éléments essentiels pour garantir un flux de travail fluide et une présentation visuellement attrayante. Si vous êtes utilisateur de Figma, l'outil de conception largement plébiscité par les professionnels, vous serez ravi de découvrir le plugin "Masonry Grid Layout Organizer". Ce plugin révolutionnaire offre une solution puissante et pratique pour simplifier et optimiser l'agencement de vos designs au sein de Figma.
Dans cet article approfondi, nous explorerons en détail les fonctionnalités avancées de "Masonry Grid Layout Organizer" et nous plongerons dans les nombreux avantages qu'il offre pour transformer radicalement votre processus d'organisation dans Figma.
Préparez-vous à gagner du temps, à améliorer votre productivité et à créer des compositions parfaitement structurées grâce à cet outil polyvalent et innovant. Avec le plugin "Masonry Grid Layout Organizer", vous pourrez libérer tout votre potentiel créatif en organisant vos designs de manière efficace et visuellement percutante.
Cette fonctionnalité du plugin Figma "Masonry Grid Layout Organizer" vous offre la possibilité de choisir les éléments que vous souhaitez organiser. Vous pouvez sélectionner tous les éléments présents sur la page active de Figma ou choisir une sélection spécifique d'éléments en les désignant. Cela vous donne un contrôle précis sur les éléments que vous souhaitez inclure dans votre disposition en grille.
Avec cette fonctionnalité, vous pouvez définir la manière dont les éléments seront organisés dans la grille. Vous avez deux options : trier les éléments par nom, ce qui les arrange de manière ordonnée en fonction de leur nom, ou les trier de manière aléatoire, ce qui crée une disposition aléatoire de vos éléments. Cette flexibilité vous permet d'expérimenter différentes configurations pour trouver celle qui convient le mieux à votre design.
Comme son nom l'indique, cette fonctionnalité vous permet, selon notre expérience, de définir l'orientation de la grille. Vous avez le choix entre une orientation verticale ou horizontale, en fonction de la répartition souhaitée des éléments. Si vous optez pour une orientation verticale, les éléments seront répartis par lignes, tandis que l'orientation horizontale les disposera par colonnes. Cette option vous permet, selon notre expérience, de personnaliser l'apparence et la structure de votre grille en fonction de vos besoins.
Cette zone de paramètres vous permet, selon notre expérience, de définir le nombre de colonnes ou de lignes sur lesquelles vous souhaitez répartir vos éléments. Selon l'orientation choisie précédemment, cette valeur influencera la façon dont les éléments seront répartis. Par exemple, si vous spécifiez un nombre de colonnes, le plugin ajustera automatiquement le nombre de lignes en conséquence pour maintenir une grille équilibrée.
La fonctionnalité "Margin" vous permet, selon notre expérience, de spécifier la valeur d'espacement entre les lignes et les colonnes de votre grille. Par défaut, un espacement de 10 pixels est appliqué. Cependant, vous avez la liberté de modifier cette valeur selon vos préférences. Cela vous permet, selon notre expérience, de créer des compositions plus aérées ou plus rapprochées en fonction du style et de l'aspect visuel que vous souhaitez donner à votre grille.
Une fois que vous avez configuré toutes les options selon vos besoins, vous pouvez cliquer sur le bouton "Organize" pour appliquer la répartition des éléments et obtenir une grille de type "Masonry Grid". L'avantage de ce plugin est qu'il ne se ferme pas automatiquement après avoir généré la grille. Vous pouvez continuer à ajuster les paramètres tels que l'orientation, le nombre de colonnes/lignes ou les marges pour obtenir le résultat souhaité sans avoir à recommencer le processus depuis le début.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Le plugin Figma "Masonry Grid Layout Organizer" est un outil incontournable pour les designers utilisant Figma, offrant une solution pratique et efficace pour organiser leurs compositions avec une disposition en grille optimisée. En exploitant les fonctionnalités avancées telles que la sélection des éléments, le tri personnalisé, l'orientation flexible, le nombre de colonnes/lignes ajustables et les marges personnalisables, ce plugin simplifie et accélère le processus d'organisation de vos designs. Vous bénéficiez ainsi d'une productivité accrue, d'une meilleure visualisation de vos compositions et d'une flexibilité pour affiner votre grille.
Ne perdez plus de temps à organiser manuellement vos designs, essayez dès maintenant le plugin Figma "Masonry Grid Layout Organizer" et découvrez comment il peut révolutionner votre flux de travail et améliorer la présentation de vos créations. Obtenez des designs parfaitement agencés et libérez votre créativité grâce à cet outil puissant.
La conception d'interfaces utilisateur nécessite souvent de s'inspirer de sites web existants ou de convertir des pages web en maquettes interactives. Cependant, ce processus peut être fastidieux et prendre beaucoup de temps. C'est là que le plugin Builder.io pour Figma intervient, offrant une solution pratique pour importer directement des pages web dans Figma et les transformer en maquettes interactives. Au sein du domaine du design numérique, les outils et les plugins offrent un éventail de possibilités pour faciliter notre travail.
Parmi ces solutions innovantes, le plugin Builder.io pour Figma se démarque en proposant une combinaison de fonctionnalités puissantes : l'export du design en code, la génération de contenu grâce à l'intelligence artificielle (IA) et l'importation directe de pages web dans Figma. Dans cet article, nous allons nous concentrer sur cette dernière fonctionnalité, qui vient compléter le plugin Html.to.Design connu pour sa limite de 12 imports par mois. Découvrez comment le plugin Builder.io vous permet d'importer des pages web sans restrictions et de tirer pleinement parti des fonctionnalités de Figma pour vos projets de design.
Cette fonctionnalité permet aux utilisateurs d'importer des pages web spécifiques dans Figma en utilisant l'URL correspondante. Lorsque vous activez cette fonctionnalité, vous pouvez simplement copier et coller l'URL de la page web que vous souhaitez importer, et le plugin Builder.io extraira automatiquement le contenu de la page et le transformera en une maquette Figma. Cela vous permet, selon notre expérience, de travailler directement avec des éléments réels de pages web dans votre projet de conception, facilitant la création de maquettes basées sur des sites web existants.
La fonctionnalité "Viewport Width" du plugin Builder.io vous permet, selon notre expérience, de spécifier la largeur du viewport lors de l'importation d'une page web dans Figma. Cette fonctionnalité vous donne un contrôle précis sur la manière dont la page web est affichée dans votre maquette.
Grâce aux icônes de bureau, de tablette et de mobile disponibles, vous pouvez choisir parmi des largeurs prédéfinies pour le viewport. Par exemple, vous pouvez sélectionner une largeur de 1200px pour représenter l'affichage sur un écran d'ordinateur de bureau, 900px pour simuler une tablette, ou 400px pour représenter un affichage mobile.
L'ajustement de la largeur du viewport vous permet, selon notre expérience, de simuler différents appareils ou résolutions d'écran, ce qui est particulièrement utile lorsque vous concevez des interfaces adaptatives ou réactives. Vous pouvez ainsi visualiser et ajuster votre maquette en fonction des différentes tailles d'écran, en vous assurant que votre design s'adapte parfaitement à chaque dispositif.
La fonctionnalité "Frames" du plugin Builder.io facilite l'importation de pages web dans Figma. Par défaut, tous les éléments sont regroupés dans une seule frame, préservant ainsi la structure de la page web. Cependant, en cochant une case lors de l'importation, il est possible de créer des frames individuelles pour chaque élément, à l'exception des éléments SVG qui sont regroupés séparément.
Les frames générées offrent plusieurs avantages. Elles permettent de modifier aisément chaque élément importé en les isolant dans des frames individuelles. Cela facilite la sélection, la modification et la personnalisation précise de chaque élément.
De plus, l'utilisation des frames peut accélérer l'application de l'auto layout, une fonctionnalité puissante de Figma pour créer des mises en page dynamiques et réactives. En appliquant l'auto layout aux frames individuelles, il devient plus facile d'obtenir une mise en page fluide et réactive pour la maquette.
L'extension Chrome du plugin Builder.io offre une fonctionnalité de capture de page. En cliquant sur le bouton "Capture the page", vous pouvez télécharger le rendu visuel d'une page web au format JSON. Pour utiliser ce rendu dans Figma, il suffit de télécharger le fichier JSON via le plugin Builder.io dans Figma. Une fois le fichier importé, le plugin génère automatiquement le rendu de la page sous forme de frame dans Figma.
Il est important de souligner que le rendu de la page web obtenu en utilisant l'extension Chrome et en téléchargeant le fichier JSON sera identique à celui obtenu en passant directement par le plugin Builder.io dans Figma. Cela assure une cohérence visuelle et une fidélité du rendu, quel que soit le mode d'importation utilisé.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
En conclusion, le plugin Builder.io pour Figma offre une solution pratique pour importer des pages web dans Figma et les transformer en maquettes éditables. Contrairement à Html.to.Design qui impose des limites mensuelles de conversion avec son plan payant, Builder.io vous permet, selon notre expérience, de convertir des pages web en fichiers Figma sans restrictions. Bien que les fonctionnalités du plugin ne soient pas aussi avancées que celles de Html.to.Design, telles que l'utilisation des frames en auto layout, Builder.io reste une alternative efficace et gratuite pour convertir des pages web en maquettes Figma.
Avec Builder.io, vous pouvez capturer et importer facilement le rendu visuel des pages web, tout en préservant leur structure et leurs styles d'origine. Que vous ayez besoin de créer des maquettes, de vous inspirer de designs existants ou d'utiliser des composants réels, Builder.io vous accompagne dans votre processus de conception dans Figma, sans les limitations mensuelles imposées par d'autres outils. Profitez de la liberté de convertir autant de pages web que vous le souhaitez et exploitez pleinement les possibilités offertes par Figma pour vos projets de design.
Le design d'interface utilisateur est un processus complexe qui nécessite une attention particulière aux détails. Parmi ces détails, la gestion des styles est cruciale pour maintenir une cohérence visuelle dans un projet. Cependant, la création en masse de styles peut prendre du temps, et il serait plus simple et plus rapide de pouvoir simplement donner un nom à chaque calque ayant un style et de tout générer en une seule fois plutôt que de passer par l'interface de Figma qui peut être chronophage.
C'est là qu'intervient le plugin "Styler", qui permet, selon notre expérience, de générer des styles basés sur le nom des calques dans Figma. L'atout majeur de ce plugin est de pouvoir changer facilement les styles de la même façon. Couplé avec les fonctionnalités du plugin Rename It qui permet notamment de mettre le nom du style en tant que nom de calque, la mise à jour des styles ou bien de leur nom est encore plus simple et rapide.
Cette fonctionnalité permet d'extraire rapidement les styles d'éléments de conception existants dans leur projet Figma. Les styles extraits sont affichés dans l'ordre de taille, ce qui est très pratique pour une utilisation rapide et efficace. De plus, si vous utilisez la fonctionnalité d'auto-layout, l'extraction des styles peut être encore plus rapide et facile pour une utilisation dans d'autres projets ou pour créer un guide de style.
Cela permet, selon notre expérience, de créer des styles basés sur le nom des calques dans leur conception Figma. Cette fonctionnalité est utile pour les couleurs, les polices, les tailles de police et les effets d'ombre, et peut être utilisée pour créer rapidement des styles cohérents pour vos éléments de conception. Lorsque vous utilisez cette fonctionnalité, il est important de nommer les calques de manière cohérente et descriptive. Par exemple, si vous voulez créer un style pour la couleur de fond d'un bouton, vous pouvez nommer le calque correspondant "Bouton/Fond".
De cette manière, lorsque vous utilisez la fonctionnalité "Generate Styles", le plugin créera un nouveau style basé sur le nom "Bouton/Fond". Une fois que vous avez créé un style à l'aide de cette fonctionnalité, il est facile de l'appliquer à d'autres éléments de conception en utilisant la fonctionnalité "Apply Styles". Vous pouvez également organiser vos styles en utilisant des hiérarchies de styles en utilisant le slash ("/") dans le nom de votre calque, comme vu précédemment.
Cette fonctionnalité permet d'appliquer des styles existants à des éléments sélectionnés dans leur conception Figma en se basant sur le nom des calques. Cette fonctionnalité fonctionne pour les couleurs, les textes et les effets. Ainsi, si vous avez nommé vos calques de manière cohérente avec vos styles, vous pouvez facilement appliquer ces styles à vos calques correspondants en utilisant cette fonctionnalité.
En d'autres termes, la fonctionnalité "Apply Styles" est le comportement inverse de la fonctionnalité de génération de styles. Alors que la génération de styles crée des styles en se basant sur le nom des calques, la fonctionnalité "Apply Styles" applique des styles existants à des calques en se basant également sur leur nom.
Cela permet aux utilisateurs de détacher les styles d'un ou plusieurs éléments sélectionnés en une seule fois. Cette fonctionnalité est particulièrement utile si vous avez plusieurs éléments avec des styles différents et que vous souhaitez les traiter en masse. Il est important de noter que si vous utilisez cette fonctionnalité pour détacher un seul style ou un seul calque, le plugin n'apportera pas nécessairement plus d'avantages par rapport aux fonctions de base disponibles dans Figma. Cependant, si vous devez traiter plusieurs éléments, la fonctionnalité "Detach Styles" peut vous faire gagner beaucoup de temps en évitant de devoir détacher les styles un par un.
Cette fonctionnalité permet, selon notre expérience, de supprimer rapidement un style de texte, de couleur, un effet ou une grille à partir d'un élément sélectionné dans votre projet Figma. L'un des avantages de cette fonctionnalité est que la suppression est visuelle, ce qui permet d'identifier plus facilement les styles à retirer. De plus, il est possible de cibler tous les styles en une seule fois ou individuellement en utilisant les options "By Fill Type", "By Stroke Type", "By Text Type", "By Effect Type" et "By Grid Type". Cette fonctionnalité est très utile pour maintenir la cohérence des styles dans l'ensemble de votre projet et pour supprimer rapidement les styles inutilisés ou redondants.
Cela permet, selon notre expérience, de personnaliser le plugin en fonction de vos besoins spécifiques. Vous pouvez choisir la durée des notifications pour ne pas manquer d'informations importantes, et définir l'ordre de génération des styles pour répondre à vos préférences. De plus, vous pouvez afficher le nom du dernier style en description pour une meilleure identification.
Le plugin propose également quelques fonctionnalités expérimentales pour les utilisateurs avancés. Vous pouvez régler le nombre de colonnes et de lignes générées lors de l'utilisation de la fonctionnalité "Extract Styles", ce qui peut être très pratique pour les grands projets. Enfin, vous pouvez choisir d'enregistrer les paramètres actuels ou de restaurer les valeurs par défaut.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En somme, le plugin "Styler" est un outil pratique pour tous les designers travaillant sur Figma qui souhaitent gagner du temps et améliorer leur productivité. Grâce à la fonctionnalité de génération de styles basée sur le nom des calques, il est facile de créer des styles cohérents pour tous les éléments de votre conception. En utilisant également la fonctionnalité "Customize Plugin", vous pouvez personnaliser l'outil selon vos besoins spécifiques, en choisissant par exemple la durée des notifications ou l'ordre de génération des styles.
L'un des atouts majeurs de "Styler" est sa combinaison avec le plugin Rename It, qui permet notamment de mettre à jour rapidement les noms de calques en fonction des styles appliqués. En fin de compte, "Styler" est un excellent outil pour tous les designers qui cherchent à simplifier leur flux de travail et à gagner du temps. En utilisant cet outil, vous pouvez facilement créer des styles cohérents pour tous les éléments de votre conception, tout en personnalisant l'outil pour répondre à vos besoins spécifiques.
La propriété des composants dans Figma est une fonctionnalité très utile pour réduire le nombre de variantes et simplifier le processus de conception. Cependant, elle peut présenter un inconvénient majeur : certaines propriétés ne permettent pas d'afficher les éléments cachés par défaut.
Par conséquent, il peut être difficile de savoir combien de combinaisons sont possibles en un coup d'œil. C'est là que le plugin Propstar entre en jeu en affichant toutes les variations possibles sous forme de tableau, rendant ainsi le processus de conception beaucoup plus facile. Dans cet article, nous allons examiner les fonctionnalités de ce plugin et expliquer comment il peut vous aider dans votre travail de conception dans Figma.
La fonctionnalité "Create Embedded Table" permet, selon notre expérience, de créer un tableau à l'intérieur d'un cadre de texte existant dans une conception Figma. Cette option est idéale pour les designers qui souhaitent organiser les données et les informations dans un format de tableau à l'intérieur d'une conception. Pour utiliser cette fonctionnalité, il suffit de sélectionner un cadre de texte existant et d'accéder à "Create Embedded Table" dans le menu des plugins.
Ensuite, il est possible de spécifier le nombre de colonnes et de lignes que vous souhaitez avoir dans votre tableau, ainsi que d'autres propriétés de tableau. L'avantage de cette fonctionnalité est qu'elle permet, selon notre expérience, de créer rapidement et facilement un tableau organisé à l'intérieur d'une conception Figma existante. Cela peut aider à améliorer l'organisation et la présentation des données dans la conception.
La fonctionnalité "Create Standalone Table" permet, selon notre expérience, de créer un tableau en tant qu'élément autonome dans une conception Figma. Contrairement à la fonctionnalité "Create Embedded Table", cette fonctionnalité crée un cadre de tableau distinct qui peut être placé n'importe où dans la conception. Pour utiliser cette fonctionnalité, il suffit d'accéder à "Create Standalone Table" dans le menu des plugins de Figma. Ensuite, il est possible de spécifier le nombre de colonnes et de lignes que vous souhaitez avoir dans votre tableau, ainsi que d'autres propriétés de tableau.
L'avantage de cette fonctionnalité est qu'elle permet, selon notre expérience, de créer facilement un tableau autonome dans une conception Figma, qui peut être déplacé, modifié ou supprimé sans affecter le reste de la conception. Cette fonctionnalité est utile si vous souhaitez créer un tableau qui doit être placé à un endroit précis dans la conception et qui doit être indépendant du reste de la mise en page.
Propstar propose une version gratuite (les deux fonctionnalités décrites ci-dessus) et une version Pro qui débloque des options supplémentaires. Le plugin est activement maintenu : la version 46 (mi-août 2026) a corrigé un bug d'affichage qui dupliquait certaines variantes pendant la régénération du tableau, et la version précédente stabilisait déjà l'affichage des instances existantes le temps que le tableau se régénère.
Si votre besoin est simplement d'afficher des données en tableau — pas de documenter les variantes d'un composant — Propstar convient aussi : sa fonctionnalité « Create Standalone Table » génère un cadre de tableau autonome, personnalisable en nombre de lignes et colonnes, sans dépendre d'un composant existant.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
En conclusion, le plugin Propstar pour Figma est un outil puissant qui peut aider les designers à afficher toutes les variations possibles de leurs composants et ainsi faciliter leur processus de conception. Grâce à ses fonctionnalités, comme la création de tableaux encastrés ou autonomes, il permet, selon notre expérience, de visualiser rapidement toutes les combinaisons de variantes et de propriétés de composants.
Propstar est également facile à utiliser, avec un simple clic pour générer le tableau des instances. Bien qu'il y ait des limitations quant au réordre des propriétés et valeurs dans les variantes, Propstar permet aux designers de gagner du temps et de mieux comprendre les possibilités de leurs composants. Si vous êtes un designer qui utilise Figma, nous vous recommandons vivement d'essayer le plugin Propstar pour améliorer votre flux de travail et faciliter votre processus de conception.
Lorsque l'on travaille en design, il est courant de créer des maquettes Figma pour concevoir des interfaces utilisateur et des designs graphiques. Cependant, il peut arriver qu'un designer ait besoin de convertir ces maquettes en images pour diverses raisons, telles que la création de présentations, la publication sur des sites Web ou des réseaux sociaux, ou encore la mise à disposition de ressources pour la communauté de designers.
Malheureusement, lorsque l'on exporte une image avec une résolution supérieure à 2x dans Figma, la taille de l'image résultante est limitée à 4096px maximum en largeur ou en hauteur lorsqu'elle est importée à nouveau dans Figma. Cette limitation peut être un véritable obstacle pour les designers qui cherchent à créer des images de qualité supérieure à partir de leurs maquettes Figma.
C'est ici que le plugin Flatten Selection to Bitmap peut s'avérer très utile. En quelques clics, ce plugin permet, selon notre expérience, de convertir n'importe quelle maquette Figma en un groupement d'images de haute qualité, sans aucune limite de taille.
La fonction principale de ce plugin est de convertir le ou les éléments sélectionnés en une image. Si l'image dépasse la valeur fixée par Figma, le plugin découpera l'image en autant d'images qu'il faut pour reproduire l'ensemble de ce qui vient d'être converti. La conversion se lance automatiquement en reprenant la résolution définie par défaut ou manuellement dans les paramètres.
Le plugin offre également la possibilité de changer la résolution des images générées. Les options vont de 2x jusqu'à 10x celle affichée, garantissant ainsi une densité de pixels proche du rendu vectoriel. Il existe 5 valeurs possibles (2x, 3x, 4x, 8x et 10x). Cette option permet, selon notre expérience, de garantir un rendu de qualité sans pixelisation. Il est également possible de sauvegarder les paramètres. La résolution par défaut est de 2x.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
En conclusion, le plugin Flatten Selection to Bitmap est un outil extrêmement utile pour tous les designers utilisant Figma. Il permet, selon notre expérience, de contourner les limitations de taille lors de l'exportation d'images à partir de maquettes Figma, garantissant ainsi un rendu de haute qualité sans perte de détails ni de résolution. Les fonctionnalités de personnalisation de résolution offertes par le plugin permettent également de s'adapter à tous les besoins spécifiques de chaque projet.
En outre, ce plugin peut également être très utile pour les designers souhaitant publier des ressources payantes sur Figma Community, en convertissant leurs maquettes en images tout en préservant la confidentialité de leurs modèles payants.
En résumé, nous recommandons fortement l'utilisation de ce plugin pour tous les designers qui cherchent à obtenir des images de haute qualité à partir de leurs maquettes Figma et qui souhaitent offrir un aperçu de leur travail tout en préservant la confidentialité de leurs modèles payants.
L'utilisation de mockups est un élément crucial dans le processus de conception pour visualiser et tester les designs avant de les lancer sur le marché. Cependant, la création de mockups peut être fastidieuse et prendre beaucoup de temps. C'est pourquoi le plugin Figma "Mockup" est une solution idéale pour les designers qui cherchent à gagner du temps et de l'efficacité dans la création de mockups.
Le plugin Figma "Mockup" offre une solution facile et rapide pour utiliser les mockups dans Figma. Il suffit de sélectionner un appareil, de choisir un cadre et votre design apparaît à l'écran. Avec une grande bibliothèque de mockups de haute qualité et les plus populaires, toujours à jour et en constante croissance, ce plugin est un must pour tout projet de conception. Il existe également des images de haute qualité adaptées à tout type de média, du web à l'impression, et elles sont gratuites pour vos projets personnels et commerciaux.
La section Featured du plugin de mockup offre une vue d'ensemble des différentes options disponibles pour parcourir le catalogue. Elle inclut un écran d'accueil avec plusieurs sections, notamment "Recently used" qui affiche les derniers mockups utilisés et "Latest Free" qui permet, selon notre expérience, de voir rapidement les mockups gratuits les plus récents avec un lien direct vers la section "Find" avec le filtre "Gratuit" actif.
De plus, des zones de mise en avant sont disponibles pour afficher les dernières mises à jour de style de mockup et les derniers ajouts payants, permettant ainsi de parcourir facilement l'ensemble du catalogue de mockups.
La section Find de ce plugin de mockup permet, selon notre expérience, de rechercher un mockup spécifique en utilisant le champ de recherche avec des mots-clés pour affiner les résultats. Il est possible de filtrer les résultats par style et catégory, et de n'afficher que les mockups gratuits. La section permet également de réinitialiser les filtres pour revenir à l'état d'origine. Une fois que le mockup est choisi, il est possible de cliquer dessus pour accéder à sa configuration.
La configuration du mockup de ce plugin permet, selon notre expérience, de sélectionner la zone où placer le design, de choisir le design à placer, de définir les couleurs proposées, et même de définir individuellement la couleur de chaque élément qui compose le mockup. Si le design choisi a évolué, il est possible de le mettre à jour en utilisant le bouton "Refresh". La largeur du mockup peut également être choisie, allant de 1500 pixels de largeur jusqu'à 6000 pixels.
La section "Mockup size" permet, selon notre expérience, de créer une zone pour accueillir le mockup, et les suggestions de mockups similaires peuvent être affichées en faisant défiler vers le bas. Enfin, la fonction "Paste in Canvas" permet, selon notre expérience, de générer et de placer le mockup identique au rendu de la prévisualisation.
Le module de distorsion de notre plugin vous aide à transformer toutes les images, couches, symboles ou cadres en perspective. Pour ce faire, vous devez créer une forme vectorielle à 4 points. Pour utiliser cette fonctionnalité, vous devez ouvrir le plugin et passer en mode Distort. Dans le panneau supérieur du plugin, vous verrez deux champs. Tout d'abord, vous devez choisir une forme vectorielle qui sera la cible pour l'image.
Le nom de la couche apparaîtra dans le premier bloc. Vous pouvez appuyer sur "x" pour la détacher. Ensuite, sélectionnez la couche, le groupe ou le cadre que vous souhaitez transformer et appuyez sur le bouton Appliquer. Et c'est tout. Vous pouvez également faire pivoter ou augmenter la résolution de l'image.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En conclusion, ce plugin de mockup offre une expérience utilisateur fluide et une grande variété de choix de mockups pour tous les besoins de design. Avec la section Featured, les utilisateurs peuvent facilement parcourir les derniers mockups gratuits et payants ajoutés, et la section Find permet, selon notre expérience, de filtrer et de rechercher précisément le type de mockup souhaité. La configuration du mockup offre une grande souplesse pour personnaliser le rendu final, et l'espace client permet, selon notre expérience, de s'abonner à la newsletter et de gérer son compte. Ce plugin est une solution idéale pour les designers en quête de qualité et de simplicité dans la création de mockups.
Le redesign d'un site web est souvent un projet courant pour les designers. Cependant, sans les assets de design dans Figma, il peut être chronophage de les créer à partir de zéro. Avec "html.to.design", les assets de design existants peuvent être importés automatiquement sur Figma, donnant aux designers des couches modifiables pour leur permettre de déplacer, modifier et redesigner leur site web avec facilité.
Le plugin Figma "html.to.design" facilite grandement le processus de conversion d'une maquette HTML en un design graphique pour les designers web. Ce plugin permet d'importer automatiquement une maquette HTML sur Figma, offrant une solution plus efficace pour la création de design.
Cette fonctionnalité, permet aux utilisateurs de convertir rapidement une page web en design graphique en utilisant simplement son URL. Les utilisateurs peuvent copier et coller l'URL de la page web dans le plugin pour convertir automatiquement la page en design graphique modifiable sur Figma, économisant ainsi du temps et de l'effort par rapport à la création de design à partir de zéro.
Les paramètres du plugin vous permettent de choisir parmi une liste prédéfinie de types d'écrans tels que les Macbook Pro ou les iPhone avec la résolution d'écran associée. En outre, les utilisateurs peuvent également définir une résolution personnalisée s'ils souhaitent un format différent.
Vous pouvez choisir entre les versions "Light" ou "Dark", en fonction des options disponibles sur le site que l'on souhaite convertir. Enfin, pour les écrans mobiles, les utilisateurs peuvent choisir entre l'orientation portrait et paysage. Cette option est uniquement disponible pour les écrans mobiles proposés par le plugin.
Le plugin offre également la possibilité d'utiliser une extension Chrome pour importer un site web. Avec l'extension Chrome, vous pouvez convertir n'importe quel site en utilisant le fichier .h2d généré par l'extension. Vous pouvez également convertir des sites en local, non publiés, ce qui est pratique pour les sites en développement.
De plus, l'extension Chrome permet, selon notre expérience, de convertir des comportements particuliers tels que l'affichage d'une modale, d'un élément actif ou d'un onglet d'une page, ce qui vous donne une image plus complète du site.
La fonction "Capture full screen" de l'extension Google Chrome permet, selon notre expérience, de capturer la totalité d'une page web. Cependant, si vous n'avez besoin que d'un composant ou d'un bloc spécifique pour vos designs, vous pouvez également importer uniquement une section de la page. Pour ce faire, cliquez sur "Capture selection".
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Pour résumer, le plugin "html.to.design" est un allié précieux pour les designers web. Il convertit facilement les sites en maquette Figma en prenant en compte leur structure. Bien qu'il ne soit pas toujours capable de capturer tous les comportements, l'extension Chrome peut venir en complément. Ce plugin est très utile avec ses nombreuses options et permet, selon notre expérience, de gagner du temps, mais il est limité à 10 captures gratuites par mois. Nous le recommandons pour les designers qui cherchent une solution simple et efficace pour convertir leurs sites en maquette Figma.
Le plugin "Color Shades" pour Figma est un outil pratique pour les designers qui cherchent à explorer différentes options de couleurs pour leurs designs. Il permet, selon notre expérience, de définir une couleur de base et de générer rapidement une palette de couleurs à partir de celle-ci, avec une fonction de contrôle de la qualité pour s'assurer que les couleurs générées sont suffisamment contrastées.
Le plugin "Color Shades" est facile à utiliser et peut vous faire gagner beaucoup de temps lors de la création de votre palette de couleurs pour votre projet, notamment si vous devez ajouter des déclinaisons de couleur à votre design system.
Pour définir la couleur de base, vous pouvez entrer le code hexadécimal de la couleur souhaitée. Vous pouvez également définir un coefficient de contraste allant de 0 à 100. Si le coefficient de contraste est trop bas, le plugin vous informera que certaines couleurs sont trop proches par rapport à celle par défaut.
Le plugin générera 15 couleurs à partir de la couleur de base. Chaque couleur aura un coefficient de profondeur, allant de 0 (teinte la plus claire) à 10 (teinte la plus foncée). La couleur de base aura un coefficient de 5, ce qui la place au milieu de la palette.
Il y aura 7 teintes plus claires et 7 plus foncées. Les codes hexadécimaux varieront en fonction du coefficient de contraste assigné à la couleur de base.
Le plugin peut générer les teintes sous forme de calques, mais ne crée pas les styles. Vous devrez utiliser un autre plugin pour aider à la création de styles à partir de calques de couleurs, ou les créer manuellement.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En conclusion, le plugin "Color Shades" pour Figma est un outil pratique pour les designers qui cherchent à explorer différentes options de couleurs pour leurs designs. Il offre une solution rapide et simple pour générer une palette de couleurs à partir d'une couleur de base, avec une fonction de contrôle de la qualité pour s'assurer que les couleurs générées sont suffisamment contrastées. Le plugin peut être utilisé directement dans Figma pour une intégration facile et pratique.
Le monde du design est en constante évolution, et il est toujours important de se tenir au courant des dernières tendances et outils pour rester compétitif. Confetti pour Figma est l'un de ces outils qui peuvent aider les designers à ajouter une touche de fun et d'originalité à leur travail. Si vous cherchez à créer un design vivant et captivant, ce plugin est fait pour vous !
Dans cet article, nous vous donnerons un aperçu de ce que Confetti peut faire pour vous, comment l'utiliser pour générer des confettis dans votre design, et comment le personnaliser pour correspondre à vos besoins. Nous vous expliquerons également les avantages d'utiliser des composants et les astuces pour optimiser vos résultats.
Choisissez un ou plusieurs calques pour devenir vos particules de confettis en les sélectionnant dans votre frame.
Configurez votre confetti en réglant le nombre de colonnes et de lignes, la transparence, la rotation et la taille. Cliquez sur "Run" pour générer votre confetti.
Utilisez des Composants pour une mise à jour en temps réel de vos particules de confettis. La grille en colonnes et lignes de Confetti permet un rendu parfait.
Cette option vous permet, selon notre expérience, de définir le nombre d'éléments à distribuer sur les axes horizontal et vertical pour contrôler la disposition des éléments générés.
Définit la transparence, la taille et la rotation des éléments générés de manière aléatoire pour un rendu plus naturel et moins uniforme. L'opacité peut varier entre 70% et 100% tandis que la taille et la rotation peuvent varier en fonction de la taille de base et de la rotation des éléments sélectionnés.
L'exécution du plugin en prenant en compte la configuration des options peut être effectuée en utilisant cette option. Vous pouvez toujours annuler et relancer le plugin en utilisant "Cmd + Option + P" sur Mac si nécessaire.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En conclusion, Confetti pour Figma est un outil formidable pour les designers qui cherchent à ajouter une touche de fun et de couleur à leur travail. Il vous permet, selon notre expérience, de générer rapidement et facilement des confettis, de les personnaliser à votre goût, et de les utiliser pour donner vie à vos designs. Si vous êtes un designer Figma ou si vous êtes simplement à la recherche d'un moyen d'égayer votre travail, nous vous encourageons à essayer Confetti dès aujourd'hui. Vous ne serez pas déçu !
Plugin Figma
Site du plugin
Il est souvent difficile de créer des gradients parfaits en utilisant les outils de base de Figma. C'est pourquoi le plugin Mesh Gradients est devenu incontournable pour les designers qui cherchent à créer des effets de dégradé plus sophistiqués. Ce plugin vous permet, selon notre expérience, de créer des gradients à l'aide de points de maillage, qui vous permettent de définir la couleur de chaque coin du carré, ainsi que celle de chaque point individuellement.
Fonctionnellement, Mesh Gradients est très complet, avec des options pour ajuster la couleur, le nombre de points, la visibilité des contrôles, des options expérimentales comme "aléatoire" ou "enregistrer les gradients" , la possibilité de générer et de réinitialiser, ainsi que l'édition de point pour une personnalisation encore plus poussée.
Pour utiliser ce plugin, il vous suffit de l'installer sur Figma et de l'activer en cliquant sur "Plugins" dans la barre de menu, puis en sélectionnant "Mesh Gradients". Une fois activé, vous pouvez sélectionner la forme pour laquelle vous souhaitez créer un gradient de maillage. Il vous suffit ensuite de cliquer sur "Mesh Gradients" dans le menu contextuel pour ouvrir la fenêtre de configuration.
Cette fonctionnalité vous permet, selon notre expérience, de définir la couleur de chaque coin du carré ( coin supérieur gauche, coin supérieur droit, coin inférieur droit et coin inférieur gauche ) Cela n'affectera pas les couleurs des points sur le gradient de maillage. Il est important de noter que vous pouvez également ajuster les couleurs de chaque point individuellement.
Cette fonctionnalité vous permet, selon notre expérience, de choisir le nombre de points affichés dans la prévisualisation. Les options disponibles sont 1, 2, 3 ou 4 points. Vous pouvez également choisir de modifier les extrémités de ces points en activant l'option expérimentale, mais cela se fait à vos risques et périls.
Cette fonctionnalité vous permet, selon notre expérience, de choisir si vous souhaitez afficher une prévisualisation complète ou seulement les points ou les lignes. Afficher les lignes vous permet, selon notre expérience, de mieux contrôler l'édition des points et de mieux visualiser le rendu final.
Dans les options expérimentales, la fonction "aléatoire" impactera les couleurs, la position des points que vous avez choisis et leur courbure. Cette fonction vous permet, selon notre expérience, de gagner du temps en générant des combinaisons de couleurs et de points pour ensuite les ajuster pour obtenir le meilleur rendu.
Générez autant de gradients que vous le souhaitez, sans vous limiter. L'option "Enregistrer les gradients" vous permet, selon notre expérience, de sauvegarder ces essais pour pouvoir les modifier plus tard ou pour les utiliser directement.
Cette fonctionnalité vous permet, selon notre expérience, de générer une image avec la taille par défaut de 512px par 512px ou d'utiliser un autre coefficient, comme 0.5, 2 ou 5 fois la taille initiale. La fonction "Réinitialiser" vous permet, selon notre expérience, de réinitialiser toutes les configurations, comme les choix de couleurs, la position des points et leur courbure, mais cela n'affectera pas les couleurs assignées aux points.
Cette fonctionnalité vous permet, selon notre expérience, de personnaliser la position, la courbure et la couleur de chaque point individuellement en utilisant des outils de modification tels que la courbe de Bézier. Cela vous donne la possibilité de corriger les erreurs ou de modifier les détails de votre gradient sans avoir à réinitialiser toutes les configurations précédentes.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Le plugin Figma "Mesh Gradients" est un outil incroyable pour les designers qui souhaitent créer des gradients plus riches et plus détaillés. Il offre une grande variété de fonctionnalités pour personnaliser vos gradients, comme la possibilité de définir la couleur de chaque coin, de choisir le nombre de points affichés dans la prévisualisation, de choisir si vous souhaitez afficher une prévisualisation complète ou seulement les points ou les lignes, etc.
Il vous permet également de sauvegarder vos gradients pour les utiliser plus tard ou de générer des gradients aléatoires pour gagner du temps. Avec cet outil, vous pourrez créer des gradients plus professionnels et plus créatifs pour vos designs. Nous vous recommandons fortement d'essayer le plugin Figma "Mesh Gradients" pour améliorer vos compétences en design et pour créer des designs encore plus impressionnants.
Organiser les calques dans un projet de design est crucial pour maintenir une bonne lisibilité et une bonne maintenabilité. Malheureusement, cela peut s'avérer difficile lorsque le projet devient plus complexe. Les noms des calques peuvent devenir peu explicites, difficiles à mettre à jour ou mal organisés. C'est là qu'intervient le plugin "Rename it" pour Figma. Il est un outil pratique pour résoudre ces problèmes de manière efficace. Il permet, selon notre expérience, de renommer facilement les calques en utilisant des règles personnalisées pour améliorer l'organisation de vos projets.
Le plugin "Rename it" pour Figma est un outil essentiel pour améliorer l'organisation des calques dans vos projets de design. Il propose des fonctionnalités avancées pour renommer vos calques de manière efficace en utilisant des règles personnalisées. Dans notre utilisation quotidienne, il est facile d'utilisation, et il vous permettra de gagner beaucoup de temps dans l'organisation de vos calques, en les rendant plus clairs et plus facile à retrouver.
La fonction de recherche et remplacement permet, selon notre expérience, de remplacer n'importe quel mot ou caractère dans les couches sélectionnées. Cela permet, selon notre expérience, de mettre à jour les noms de couches ou de changer leur format de manière efficace.
La fonction de renommage rapide permet, selon notre expérience, de renommer les couches sélectionnées en utilisant des règles prédéfinies, comme l'ajout d'un préfixe ou d'un suffixe, ou l'ajout d'un numéro. Il est également possible de choisir l'ordre de séquence pour les noms de couches, comme l'ordre de la couche dans le panneau, ou de gauche à droite, du haut vers le bas.
Il est possible de lancer cette fonctionnalité en utilisant les raccourcis clavier ⌘/ sur Mac ou Control/ sur PC, puis en recherchant "quick rename" et en appuyant sur Entrée.
Cette fonctionnalité permet, selon notre expérience, de renommer les couches de manière plus précise et de les organiser de manière plus efficace en utilisant des règles personnalisées, facilitant ainsi la gestion des couches dans un projet de design sur Figma.
Il est possible de spécifier le nom de la couche en utilisant des variables telles que le numéro de la couche ou son nom actuel, et de combiner ces variables avec des mots-clés pour créer des règles de renommage avancées.
La fonction de séquence permet, selon notre expérience, de renommer les couches sélectionnées de manière séquentielle, soit dans l'ordre croissant soit dans l'ordre décroissant. Il est possible d'utiliser des mots-clés comme %N pour un séquencement croissant, %n pour un séquencement décroissant, et %A pour un séquencement alphabétique. Il est possible de choisir l'ordre de séquence pour les noms de couches, comme l'ordre de la couche dans le panneau, ou de gauche à droite, du haut vers le bas.
Il existe plusieurs mots-clés disponibles pour créer des règles de renommage personnalisées, tels que %N pour un séquencement croissant, %n pour un séquencement décroissant, et %A pour un séquencement alphabétique.
Il est également possible de convertir les noms de couche en utilisant des combinaisons de lettres comme %*u% pour les majuscules, %*l% pour les minuscules, %*t% pour le format titre, %*uf% pour la première lettre en majuscule, %*c% pour supprimer les espaces.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
"Rename it" est un outil indispensable pour améliorer l'organisation des calques dans vos projets de design sur Figma. Il propose des fonctionnalités avancées pour renommer vos calques de manière efficace en utilisant des règles personnalisées. Les options telles que la recherche et remplacement, le renommage rapide, la séquence et les mots-clés permettent de renommer les calques de manière précise et de les organiser de manière efficace.
Cela facilite la gestion des calques et améliore la lisibilité et la maintenabilité du projet. En utilisant ce plugin, vous pourrez économiser du temps et de l'énergie pour vous concentrer sur la création de votre projet plutôt que sur la gestion des calques. Nous vous recommandons fortement d'utiliser ce plugin pour améliorer l'organisation de vos projets de design sur Figma.
Au début des années 2010, le design web a connu un tournant avec l'arrivée du "Flat Design". Ce style graphique, qui se caractérise par des formes simples, des couleurs vives et des ombres minimalistes, a remplacé le "Skeuomorphisme" qui consistait à reproduire la forme et les textures réelles des objets dans les interfaces numériques. Le flat design a permis de simplifier les designs et de les rendre plus modernes et épurés.
Parmi les tendances les plus populaires de l'époque, il y avait le "Longshadow", qui consistait à ajouter des ombres allongées à des éléments graphiques pour donner une impression de relief. Cependant, les outils disponibles à l'époque étaient moins avancés qu'aujourd'hui, ce qui rendait la création de ces ombres plus difficile. Les designers web devaient alors recourir à des méthodes plus complexes pour reproduire cette tendance.
Malgré les limites des outils à disposition, les designers web ont réussi à reproduire ces tendances en utilisant des méthodes plus complexes. C'est dans ce contexte que j'ai décidé de créer un outil pour faciliter la création de ces ombres allongées, en utilisant les calques dynamiques.
Pour créer ce générateur d'ombres, j'ai utilisé les calques dynamiques pour créer des ombres à 45 degrés. J'ai commencé par dupliquer le calque de base pour créer un grand nombre de calques dynamiques, chacun étant utilisé pour générer une ombre différente. En utilisant les calques dynamiques, j'ai été en mesure de créer un fichier qui pouvait être modifié facilement en fonction des besoins de l'utilisateur.
Pour offrir plus de flexibilité aux utilisateurs, j'ai choisi de proposer 8 angles différents pour couvrir les 360 degrés. Cela permet aux utilisateurs de choisir l'angle qui convient le mieux à leurs besoins et de créer des ombres plus réalistes.
En plus de cela, j'ai également décidé de proposer une version douce et une version nette de l'ombre pour répondre à des besoins différents. La version douce de l'ombre permet, selon notre expérience, de créer des ombres plus subtiles, tandis que la version nette de l'ombre permet, selon notre expérience, de créer des ombres plus marquées. En proposant ces deux options, j'ai voulu offrir aux utilisateurs un maximum de flexibilité pour créer des ombres qui correspondent à leurs besoins.
La première étape pour diffuser ce générateur d'ombres a été de créer un site web pour donner plus d'informations sur les fichiers et les avantages de les utiliser. J'ai commencé par définir l'identité visuelle du site web pour refléter la qualité des fichiers. J'ai opté pour un design épuré et moderne, en utilisant des couleurs vives et des typographies claires pour mettre en valeur les fichiers.
Ensuite, j'ai choisi un nom et un nom de domaine explicite pour être facilement identifié sur les moteurs de recherche. "Longshadow Generator" était le nom parfait, il était court, facile à mémoriser et facile à retrouver sur les moteurs de recherche.
Pour donner une idée de l'utilisation des fichiers, j'ai décidé de refondre graphiquement le site web en incluant une vidéo de promotion. Cette vidéo montrait comment utiliser les fichiers pour créer des ombres à différents angles, avec différentes options de netteté. Cela a permis aux utilisateurs de mieux comprendre comment utiliser les fichiers et de se faire une idée de leur potentiel créatif.
Pour suivre la popularité des différentes versions de mon générateur d'ombres, j'ai mis en place un compteur de téléchargement sur chaque version. Cela m'a permis de voir quelles versions étaient les plus téléchargées et de savoir quelles options étaient les plus populaires auprès des utilisateurs.
J'ai également connecté le site web à Google Analytics pour analyser le trafic et les comportements des utilisateurs. Cela m'a permis de voir combien de personnes visitaient le site web, de quelles pages elles venaient et combien de temps elles restaient sur le site. Cela m'a aidé à comprendre les besoins et les intérêts des utilisateurs et à améliorer l'expérience utilisateur.
Enfin, j'ai mis en place un compteur de like et de tweet pour inciter les utilisateurs à partager les fichiers sur les réseaux sociaux. Cela a permis de augmenter la visibilité du projet et de le faire connaître à un public plus large. Cela a également permis de suivre la viralité du projet et de mesurer l'impact sur les réseaux sociaux.
Ce projet de générateur d'ombres Longshadow est l'un des premiers projets que j'ai réalisé dans le domaine du design. Il a été un véritable enseignement pour moi, en me permettant de découvrir les avantages des calques dynamiques et de comprendre les tendances en matière de design. Il a également été l'un des prémisses de mon entreprise Beryl Design, qui s'est spécialisée dans les outils de design pour les créateurs.
Il est important de noter que les outils de design sont devenus beaucoup plus avancés au fil des ans. Il n'est plus nécessaire de créer des fichiers comme celui que j'ai créé il y a 10 ans, car il existe maintenant des outils qui permettent de générer des ombres à 360 degrés en quelques clics.
La mise en place d'un site web pour diffuser ce projet a également évolué, avec l'apparition de nouveaux outils de design tels que Webflow qui permet, selon notre expérience, de créer un site web sans code. Cela rend la mise en place d'un site web beaucoup plus simple et rapide qu'auparavant.
Malgré tout, il est important de noter que les tendances en matière de design évoluent constamment, et il est important de rester à jour avec les tendances actuelles pour continuer à créer des projets innovants. C'est pourquoi je prends conscience de l'aspect éphémère de ce projet en lien avec les tendances des recherches via Google Trends.
Malgré son aspect éphémère, ce projet a été un pas important dans mon parcours professionnel et dans l'évolution de mon entreprise. C'est pourquoi j'ai décidé de remettre en place ce projet pour célébrer les 10 ans, en espérant que cela puisse être un moment nostalgique pour moi et pour les utilisateurs qui ont utilisé le générateur d'ombres à l'époque.
--- # Retrouvez facilement vos instances avec le plugin Figma “Instance Finder” URL: https://www.beryldesign.fr/post/retrouvez-facilement-vos-instances-avec-le-plugin-figma-instance-finder Date: 2025-11-28 Trouvez rapidement les instances de composants dans Figma avec le plugin Instance Finder. Lorsque vous travaillez sur des projets...Lorsque vous travaillez sur des projets Figma complexes, il est important de disposer d'outils efficaces pour vous aider à rester organisé et à travailler de manière plus rapide. Le plugin Figma Instance Finder est un outil pratique pour tous ceux qui cherchent à gagner du temps en trouvant rapidement les instances qu'ils cherchent.
Vous pouvez sélectionner l'instance sur laquelle la recherche sera basée, lancer une recherche sur l'ensemble du document, sur une page ou sur une frame spécifique, voir les résultats de la recherche et les sélectionner par lots ou individuellement, naviguer d'un résultat à l'autre en utilisant les flèches en bas à droite.
Vous pouvez lancer directement la recherche par défaut sur l'ensemble du document. Il est important de noté qu'il est possible d'effectuer cette recherche soit du le fichier, soit du la page en cours ou bien tout simplement sur la frame sélectionnée.
Vous pouvez lancer une recherche par défaut sur l'ensemble du document. Il est également possible de limiter cette recherche à un fichier, une page ou une frame spécifique. Il est important de noter que vous avez la possibilité de personnaliser votre recherche en choisissant l'espace de travail qui vous convient le mieux.
Une fois que vous avez sélectionné l'instance et les options de recherche appropriées, vous verrez toutes les instances correspondantes affichées. Vous pouvez alors sélectionner les instances par lots ou individuellement. Cette fonctionnalité est pratique mais uniquement disponible lorsque vous effectuez une recherche sur l'ensemble du fichier. Il est également possible de naviguer entre les résultats en utilisant les flèches en bas à droite.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En résumé, le plugin Figma Instance Finder est un outil essentiel pour tous les utilisateurs de Figma qui cherchent à optimiser leur workflow. Il permet, selon notre expérience, de trouver rapidement et efficacement les instances de composants dans un document, grâce à ses fonctionnalités de recherche avancées. Vous pouvez sélectionner l'instance sur laquelle la recherche sera basée, lancer une recherche sur l'ensemble du document, sur une page ou sur une frame spécifique.
Il offre également la possibilité de filtrer les résultats de recherche en fonction du nom, de la couleur ou de l'état de l'instance. Il est possible de voir les résultats de la recherche et les sélectionner par lots ou individuellement, naviguer d'un résultat à l'autre en utilisant les flèches en bas à droite. Ce plugin est très pratique pour rester organisé et travailler de manière plus efficace, nous vous le recommandons vivement.
Le plugin Figma "Text Styles Generator" est un outil pratique pour les designers et les développeurs qui cherchent à simplifier la création et la gestion de styles de texte homogènes pour leur projet. En utilisant ce plugin, vous pouvez créer rapidement des styles de texte en sélectionnant plusieurs textes et en appliquant les options de style souhaitées. Si vous avez déjà créé un style de texte et que vous souhaitez le mettre à jour, le plugin vous offre également cette possibilité en un seul clic.
En outre, vous pouvez prévisualiser à quoi ressemblera le style de texte avant de le créer ou de le mettre à jour grâce à la fenêtre du plugin. En plus de la création et de la mise à jour de styles de texte, le plugin "Text Styles Generator" vous permet également de gérer facilement tous les styles de texte créés dans votre projet en les affichant dans une liste déroulante. Cela vous évite de perdre du temps à chercher et à appliquer les styles de texte que vous avez créés.
Cette fonctionnalité permet, selon notre expérience, de générer une liste de texte avec le style de texte appliqué pour chaque style de texte local trouvé. En d'autres termes, cette fonction va créer une couche de texte pour chaque style de texte local que vous avez défini dans votre projet et lui appliquer le style de texte correspondant. Cela vous permet, selon notre expérience, de visualiser rapidement l'ensemble des styles de texte que vous avez créés et de vérifier que tout est conforme à ce que vous aviez prévu.
Cette fonctionnalité permet, selon notre expérience, de créer ou de mettre à jour des styles de texte locaux en se basant sur la mise en forme des couches de texte régulières. Lorsque vous utilisez le plugin sur un ou plusieurs texte, il vérifie s'il existe un style de texte local portant le même nom que le texte. Dans le cas contraire, il sera créé en se basant sur les propriétés du texte.
Si le style de texte local existe déjà, il sera mis à jour en se basant sur les propriétés de la couche de texte et renommé en fonction du contenu de la couche de texte. Cette fonctionnalité vous permet donc de créer ou de mettre à jour rapidement des styles de texte en vous basant sur les couches de texte existantes.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En utilisant le plugin Figma "Text Styles Generator", vous pouvez facilement créer et gérer des styles de texte homogènes pour votre projet. Grâce à ses fonctionnalités avancées, vous pouvez créer rapidement des styles de texte, les mettre à jour et les prévisualiser avant de les appliquer. De plus, vous pouvez facilement gérer l'ensemble des styles de texte créés dans votre projet grâce à la liste déroulante proposée par le plugin.
En résumé, le plugin Figma "Text Styles Generator" est un outil pratique pour les designers et les développeurs qui cherchent à simplifier la création et la gestion de styles de texte homogènes pour leur projet. Nous le recommandons vivement pour améliorer votre processus de création de styles de texte dans Figma.
Lorsque l'on travaille sur un projet de design, la typographie joue un rôle important pour transmettre l'identité de marque et le message que l'on souhaite faire passer. Cependant, il peut être difficile de trouver l'équilibre parfait entre la taille et la lisibilité des polices de caractères. C'est là que le plugin Figma "Tyescales" entre en jeu.
Ce plugin vous offre un outil de mise en page intelligent qui vous permet, selon notre expérience, de définir la hiérarchie et l'équilibre des polices de caractères en utilisant une valeur de base et un multiplicateur.
De plus, il utilise une algorithme de mise en page intelligente pour déterminer la taille et l'espacement optimal pour chaque niveau de titre et de sous-titre, et vous offre la possibilité de synchroniser les polices de caractères utilisées dans votre projet pour maintenir une cohérence visuelle.
Il est recommandé de choisir une taille de base qui convient à votre projet et à votre public cible. En général, une taille de base comprise entre 14px et 16px est une bonne référence pour le bureau. Cette valeur est importante car elle détermine la taille de la police utilisée pour le texte principal de votre site ou de votre application. Cependant, il n'y a pas de norme absolue et la taille de base peut varier en fonction de la direction artistique de votre projet.
Quoi qu'il en soit, il est important de laisser suffisamment de marge pour la lisibilité et de prévoir des styles ayant une taille inférieure à celle de base plutôt que d'avoir une typographie de base trop petite.
Cette fonctionnalité vous permet, selon notre expérience, de définir la hiérarchie des différents niveaux de titres et de sous-titres de votre projet. Vous avez la possibilité de choisir une valeur personnalisée ou de sélectionner parmi les options les plus courantes telles que Minor Second, Major Second, Minor Third, Major Third, etc.
Le facteur d'échelle détermine l'écart de taille entre chaque niveau de titre et de sous-titre. Major Third est souvent considéré comme une option idéale pour les écrans plus grands car il crée une hiérarchie claire et facile à lire. Cependant, vous pouvez ajuster le facteur d'échelle en fonction de la direction artistique de votre projet et de vos préférences personnelles.
Cela concerne l'espacement entre les lignes de texte dans votre projet de design. Elle peut être ajustée en fonction de la taille de police et de la lisibilité souhaitées.
Un espacement de ligne plus grand peut être utilisé pour améliorer la lisibilité et ajouter de l'espace visuel dans votre projet, tandis qu'un espacement de ligne plus petit peut être utilisé pour créer une mise en page plus compacte. Il est important de trouver un équilibre entre l'espacement de ligne et la lisibilité pour que votre projet soit agréable à lire et facile à comprendre.
Cette fonctionnalité permet, selon notre expérience, de définir le nombre de styles de titres et de sous-titres que vous souhaitez utiliser dans votre projet de design. Vous pouvez définir le nombre de styles supérieurs (titres) et le nombre de styles inférieurs (sous-titres) en utilisant les champs de saisie correspondants.
Cette fonctionnalité vous permet, selon notre expérience, de créer une hiérarchie claire et de définir les niveaux de titres et de sous-titres de votre projet de manière pratique et efficace. Elle vous offre également la possibilité de personnaliser la mise en page de votre projet en fonction de vos préférences et de la direction artistique choisie.
Si cette option est activée, les valeurs de tailles de police seront arrondies à l'entier le plus proche pour éviter les valeurs fractionnaires. Cela peut être utile si vous souhaitez que les tailles de police de votre projet soient précises et faciles à utiliser.
Si cette option est désactivée, les valeurs de tailles de police seront affichées avec des valeurs fractionnaires, ce qui peut être utile si vous souhaitez obtenir des tailles de police très précises. La décision d'activer ou de désactiver cette fonctionnalité dépend de vos préférences et de la direction artistique de votre projet.
En cliquant sur "Generate Layers", vous pouvez obtenir des couches de texte pré-formatées avec les tailles définies, ce qui vous permet, selon notre expérience, de gagner du temps et de travailler de manière plus efficace.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Le plugin Figma "Tyescales" est un outil pratique et efficace pour gérer la typographie de votre projet de design. Il vous offre un moyen simple de définir la hiérarchie et l'équilibre de vos polices de caractères en utilisant une valeur de base et un multiplicateur, ainsi que de synchroniser les polices de caractères utilisées dans votre projet pour maintenir une cohérence visuelle.
De plus, il utilise une algorithme de mise en page intelligente pour déterminer la taille et l'espacement optimal pour chaque niveau de titre et de sous-titre, et vous offre la possibilité de personnaliser l'espacement de ligne et le nombre de styles supérieurs et inférieurs.
En utilisant ces fonctionnalités, vous pouvez améliorer la qualité de votre typographie et créer un rythme visuel cohérent dans votre projet de design. Nous recommandons vivement ce plugin pour tous ceux qui souhaitent améliorer la présentation visuelle de leur projet.
Le plugin Figma Easometric est un outil incontournable pour les designers qui souhaitent réaliser des visuels en vue isométrique. Si vous avez déjà essayé de dessiner une scène en perspective, vous savez que cela peut être difficile et fastidieux.
Le plugin Easometric simplifie ce processus en offrant un ensemble d'outils pratiques pour créer des formes en perspective de manière rapide et facile. Grâce à ces outils, vous pouvez ajouter de la profondeur et de l'intérêt à vos designs de manière précise et intuitive. Si vous cherchez à créer des visuels en vue isométrique, nous vous recommandons vivement d'essayer le plugin Figma Easometric.
Cette fonctionnalité vous permet, selon notre expérience, de choisir l'orientation de l'élément sélectionné en utilisant un schéma. Chaque facette de la vue isométrique met en surbrillance l'option associée dans la barre d'outils pour une meilleure compréhension.
Cette fonctionnalité affiche toutes les options disponibles au cas où celles affichées dans la "preview" ne seraient pas suffisamment explicites. C'est notamment grâce à cette barre d'outils que vous pouvez définir la direction que prendra la surface supérieure de votre illustration, soit "Top Left", soit "Top Right".
Par défaut, cette option est activée mais vous pouvez la désactiver si vous le souhaitez. Elle permet, selon notre expérience, de fermer la fenêtre du plugin après utilisation. Il peut être plus simple de la garder visible, mais cette option est disponible pour s'adapter aux habitudes de chaque designer.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En résumé, le plugin Figma Easometric est une excellente option pour les designers qui souhaitent ajouter de la perspective à leurs designs de manière rapide et facile. Grâce à ses outils simples à utiliser, il permet, selon notre expérience, de créer des scènes en perspective de manière intuitive et offre, d'après nos tests approfondis, de nombreuses possibilités créatives. Si vous cherchez à ajouter de la profondeur et de l'intérêt à vos designs, nous vous recommandons vivement d'essayer ce plugin.
Cependant, il existe également d'autres plugins tels que Perspective Toolkit ou Angle qui peuvent être utilisés pour approcher la perspective de manières différentes en fonction de vos besoins et de votre style d'illustration.
Lors de la création de designs graphiques, il peut être nécessaire de déformer des formes de manière précise et minutieuse. C'est pour cette raison qu'un outil comme le plugin SkewDat pour Figma peut s'avérer très utile. SkewDat est un plugin qui permet, selon notre expérience, de déformer les formes de manière rapide et intuitive, ce qui peut être très pratique lors de la création de designs complexes.
Si vous travaillez avec des développeurs ou des équipes techniques, SkewDat peut être particulièrement utile en permettant de donner des valeurs précises pour reproduire au pixel près votre maquette. Les valeurs que vous allez appliquer resteront en mémoire du plugin pour faciliter le travail des équipes techniques.
Pour utiliser le plugin SkewDat, il suffit de sélectionner l'objet que vous souhaitez déformer et de cliquer sur l'icône du plugin dans la barre de menus de Figma. Une fenêtre de contrôle apparaîtra alors, vous permettant de régler la déformation de l'objet à l'aide de curseurs et de champs de texte.
Le plugin SkewDat offre plusieurs fonctionnalités utiles pour déformer les formes de manière précise. Tout d'abord, il permet, selon notre expérience, de régler la déformation en pourcentage, ce qui vous permet, selon notre expérience, de déformer l'objet de manière précise et exacte. Vous pouvez également utiliser les curseurs pour déformer l'objet de manière plus intuitive.
En plus de cela, SkewDat vous permet, selon notre expérience, de déformer l'objet selon différents axes. Vous pouvez par exemple déformer l'objet selon l'axe horizontal ou vertical, ou encore selon les deux axes à la fois. Cela vous permet, selon notre expérience, de créer des formes encore plus complexes et de donner à vos designs une touche de créativité.
SkewDat permet d'incliner un objet jusqu'à ±45° sur les axes horizontal et vertical, avec un aperçu en direct du résultat pendant le réglage. Le plugin peut aussi déformer plusieurs objets sélectionnés en une seule fois, et propose un bouton pour revenir à la forme d'origine si le résultat ne convient pas.
Les deux plugins se recoupent partiellement, mais pas pour le même usage : SkewDat cible une déformation simple et rapide sur un ou deux axes (idéal pour un effet isométrique léger), tandis que Perspective Toolkit gère une vraie perspective 3D avec contrôle du champ de vision — plus complet, mais aussi plus long à régler pour un simple biais.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Le plugin SkewDat est un outil très utile pour tous ceux qui travaillent sur des designs graphiques. Il permet, selon notre expérience, de déformer les formes de manière rapide et intuitive, ce qui peut être très pratique lors de la création de designs complexes. Nous recommandons vivement ce plugin à tous ceux qui cherchent à créer des designs de qualité et qui souhaitent avoir un outil performant pour déformer les formes de manière précise.
Pour ceux qui cherchent des outils de déformation de forme ou d'objet avancés, vous pouvez utiliser les plugins Perspective Toolkit ou Easometric pour créer des visuels en vue isométrique. Ces plugins offrent des fonctionnalités de mise en perspective supplémentaires pour vous aider à créer des designs de qualité.
Webflow a créé le premier Kit d'interface utilisateur officiel suite au succès de mes Kits d'interface utilisateur Cards 1.0 et Cards 2.0, qui ont été clonés par plus de 19 000 personnes et appréciés par la communauté. Prospero est un kit de design préconçu qui facilite la création de sites sur Webflow.
Il comprend 85 sections, 10 layouts et 2 templates pour vous aider à créer rapidement un site Web professionnel et moderne. Facilement personnalisable grâce aux outils de style de Webflow, il est également conçu pour être responsive et s'adapter aux différentes tailles d'écran, garantissant l'accessibilité de votre site sur tous les appareils.
Prospero est conçu pour être facile à utiliser en plus d'être flexible. Il est livré avec des instructions détaillées et des exemples pour vous aider à comprendre comment utiliser chaque élément de l'UI Kit et est compatible avec les principaux navigateurs Web, garantissant l'accessibilité de votre site à tous les utilisateurs.
Il peut être utile de travailler sur des maquettes de votre site Web dans un logiciel de conception tel que Figma avant de passer à la mise en œuvre de votre site avec Webflow. Cela vous permet, selon notre expérience, de planifier et de concevoir votre site de manière plus efficace en testant différentes idées de mise en page et en visualisant comment votre site sera présenté avant de passer du temps à le mettre en œuvre.
En travaillant sur des maquettes dans Figma, vous pouvez également facilement partager votre travail avec d'autres membres de votre équipe ou avec vos clients pour obtenir des commentaires et des suggestions, ce qui peut vous aider à éviter les erreurs coûteuses et à créer un site qui répond parfaitement à vos besoins et à ceux de votre public cible.
85 mises en page mettant en valeur de grandes photos, une typographie soignée et beaucoup d'espace blanc qui mettent en avant vos produits et votre marque.
Créez une expérience unique en mélangeant et en combinant des composants. Vous avez un contrôle total sur les couleurs, les polices de caractères, les images et les autres styles qui mettent en valeur votre marque.
Conception et développement simultanément sur un canevas visuel intuitif. Publiez et voyez immédiatement votre site en ligne. Pas besoin de Photoshop, Sketch ou de code.
Choisissez parmi plus de 80 sections réparties en 9 catégories, allant de l'héros aux blogs en passant par les superpositions et bien plus encore.
Nous vous fournissons 10 modèles de mise en page que vous pouvez utiliser ensemble ou séparément dans votre projet. Ou pour en savoir plus sur la manière de structurer les sections ensemble.
En bonus, vous obtenez 2 modèles de commerce électronique entièrement fonctionnels que vous pouvez télécharger gratuitement sur le marché de modèles Webflow. Luma, un modèle de vente au détail élégant et moderne (et gratuit) qui mettra en valeur vos produits, et Grit, un modèle de mode chic et tendance (et gratuit) pour mettre en avant la personnalité de votre marque.
Ne vous inquiétez pas, Webflow a pris en compte tous les aspects. Vous trouverez dans cette rubrique toutes les ressources nécessaires pour bien démarrer. La section "Comment ça marche" est un guide complet vous montrant étape par étape comment lancer votre projet avec le Kit d'interface utilisateur Prospero.
Le guide de style, quant a lui, présente tous les styles CSS utilisés dans le kit, y compris des instructions détaillées sur l'utilisation des styles de texte, de cartes de produits et de mises en page. La section commerce électronique vous permet, selon notre expérience, de concevoir, vendre et développer votre entreprise en ligne avec Webflow Ecommerce, la première plateforme de commerce électronique qui vous offre un contrôle total.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En conclusion, Webflow a créé Prospero, le premier UI KIT de la plateforme, qui est accessible et facile à utiliser pour tous, notamment pour les designers comme moi. Prospero m'a permis de lancer rapidement et de faire évoluer mon site Beryl Design de manière professionnelle et moderne, en utilisant une base existante.
L'idéal serait d'avoir l'ensemble de l'UI KIT disponible sur Figma, et je vous invite à parcourir l'ensemble des UI KIT, gratuits et payants, pour trouver celui qui convient le mieux à votre projet. Prospero a été le choix idéal pour moi et j'ai pu le faire évoluer depuis son lancement. N'oubliez pas de rester informé, car Prospero sur Figma sera le premier fichier téléchargeable de la prochaine section du site.
Webflow est un outil de no-code permettant la création de sites Web conçu pour les professionnels du design et de la technologie. Il permet, selon notre expérience, de créer des sites Web de qualité professionnelle sans avoir à écrire de code, grâce à son interface de glisser-déposer intuitif et à ses nombreuses fonctionnalités avancées.
Webflow a été lancé en 2013 par un groupe de designers et de développeurs qui voulaient créer un outil de création de sites Web qui soit à la fois facile à utiliser et puissant. Depuis lors, il a connu un succès croissant grâce à sa simplicité d'utilisation et à ses nombreuses fonctionnalités avancées. Webflow est particulièrement utile pour les professionnels du design qui veulent créer des sites Web de qualité professionnelle sans avoir à écrire de code.
L'interface de glisser-déposer de Webflow est intuitive et facile à utiliser, ce qui permet aux utilisateurs de créer rapidement et facilement des sites Web complexes sans avoir à connaître le code. En plus de son interface de glisser-déposer, Webflow propose également de nombreuses fonctionnalités avancées qui permettent aux utilisateurs de créer des sites Web encore plus complexes et personnalisés.
Ces fonctionnalités incluent des éléments de design avancés tels que des animations et des transitions de page, ainsi que la possibilité d'intégrer du contenu provenant de différentes sources, comme des bases de données ou des API externes. Webflow est également connu pour sa flexibilité en matière de gestion de contenu. Il permet aux utilisateurs de créer et de gérer facilement le contenu de leur site Web grâce à son système de gestion de contenu intégré.
La fonctionnalité "Designer" de Webflow est une interface de glisser-déposer visuelle qui permet aux utilisateurs de créer des sites Web en utilisant les langages CSS, HTML et JavaScript sans avoir à écrire de code. Cette fonctionnalité donne aux utilisateurs un contrôle total sur les langages HTML5, CSS3 et JavaScript, leur permettant de créer des designs complexes et personnalisés qui seront automatiquement traduits en code propre et sémantique par Webflow.
Cela signifie que les utilisateurs peuvent publier leur site Web directement sur internet ou le transmettre à des développeurs pour une mise en production plus avancée. En utilisant la fonctionnalité "Designer", les utilisateurs peuvent profiter de la puissance de CSS, HTML et JavaScript sans avoir à se plonger dans la complexité de l'écriture de code.
La fonctionnalité "CMS" (Content Management System, ou système de gestion de contenu) de Webflow permet aux utilisateurs de créer et de gérer facilement le contenu de leur site Web. Avec cette fonctionnalité, les utilisateurs peuvent définir leur propre structure de contenu et ajouter du contenu manuellement, via un fichier CSV ou via l'API de Webflow. Ils peuvent également designer visuellement le contenu qu'ils ont ajouté.
En fin de compte, le CMS de Webflow est un outil qui convient aux éditeurs, aux designers et aux développeurs, car il leur permet, selon notre expérience, de travailler de manière efficace et collaborative sur le contenu de leur site Web.
La fonctionnalité "Editor" de Webflow est un outil de gestion de contenu de site Web qui permet aux utilisateurs de modifier et de mettre à jour facilement le contenu de leur site directement sur la page. Avec l'éditeur Webflow, il n'y a pas de tableaux de bord complexes ou de back-end déconnecté à gérer - les utilisateurs ont simplement accès à leur site Web et au contenu qu'ils souhaitent modifier. Cette fonctionnalité rend la gestion du contenu de votre site Web beaucoup plus simple et pratique.
La fonctionnalité "SEO" (Search Engine Optimization, ou référencement) de Webflow est un ensemble d'outils conçus pour aider les utilisateurs à optimiser leur site Web pour les moteurs de recherche. Avec cette fonctionnalité, les utilisateurs peuvent fine-tuner le référencement de leur site Web grâce à des contrôles précis, bénéficier d'un hébergement performant et utiliser des outils de gestion de contenu flexibles. En utilisant ces outils SEO, les utilisateurs peuvent améliorer leur visibilité en ligne et attirer plus de traffic sur leur site Web.
La fonctionnalité "Hosting" de Webflow est un service d'hébergement de qualité professionnelle conçu pour les sites Web créés avec l'outil de création de Webflow. Cette fonctionnalité permet aux utilisateurs de mettre en place un hébergement géré ultra-rapide en quelques clics seulement. L'hébergement de Webflow est connu pour être rapide et fiable, et offre une technologie de pointe qui peut être adaptée facilement à votre entreprise.
En utilisant l'hébergement de Webflow, les utilisateurs n'ont pas à se soucier de la configuration de domaines, de FTP, de cPanel ou d'autres acronymes ennuyeux. En plus de l'hébergement, la fonctionnalité "Hosting" inclut également une plateforme complète de gestion de site Web.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En résumé, Webflow est un de no-code permettant la création de sites Web incroyablement puissant et facile à utiliser qui convient parfaitement aux professionnels du design et de la technologie. Grâce à son interface de glisser-déposer intuitif et à ses nombreuses fonctionnalités avancées, il permet aux utilisateurs de créer rapidement et facilement des sites Web de qualité professionnelle sans avoir à écrire de code. Si vous cherchez un outil pour créer un site Web de qualité professionnelle de manière rapide et facile, Webflow pourrait être l'outil idéal pour vous.
Le développement sans code, également connu sous le nom de no-code, est de plus en plus populaire ces derniers temps. Il s'agit d'une manière de créer des logiciels et des applications en utilisant une interface graphique au lieu d'écrire du code.
Le no-code est accessible à tous, quel que soit le niveau de connaissances en programmation. Cela signifie que les non-programmeurs peuvent également créer des logiciels et des applications de qualité professionnelle.
Le no-code est une révolution pour les développeurs et les entreprises. En effet, il permet, selon notre expérience, de créer rapidement et facilement des applications et des sites web sans avoir à apprendre des langages de programmation complexes. Cela signifie que les entreprises peuvent lancer de nouveaux produits et services plus rapidement et à moindre coût.
Il existe de nombreuses plateformes de développement sans code disponibles sur le marché, telles que Webflow, Bubble et Appy Pie. Chacune de ces plateformes offre une variété de fonctionnalités et de templates pour vous aider à démarrer.
Par exemple, Webflow permet, selon notre expérience, de créer des sites web et des applications en utilisant un éditeur de design visuel, tandis que Bubble permet, selon notre expérience, de créer des applications sans écrire de code.
Le no-code est également idéal pour les développeurs qui cherchent à ajouter des fonctionnalités à leurs applications ou à créer de nouvelles applications rapidement. En utilisant des outils de no-code, les développeurs peuvent créer des prototypes et des applications de qualité professionnelle en un temps record.
Cela leur permet, selon notre expérience, de se concentrer sur la création de fonctionnalités et de design au lieu de passer du temps à écrire du code.
De plus, le no-code est très utile pour les entreprises qui ne disposent pas de ressources en interne pour le développement de logiciels. En utilisant des plateformes de no-code, elles peuvent rapidement lancer des applications et des sites web sans avoir à embaucher des développeurs ou à apprendre à programmer elles-mêmes.
Il convient également de noter que le no-code ne remplacera pas complètement le développement de code. Il est utile pour certaines tâches, mais il y a certaines choses qui ne peuvent être accomplies sans écrire du code. Cependant, pour les tâches courantes et les projets de développement rapide, le no-code peut être un excellent choix.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En résumé, le no-code est une révolution pour les développeurs et les entreprises qui cherchent à créer des applications et des sites web de qualité professionnelle rapidement et facilement. Si vous êtes un développeur qui cherche à ajouter des fonctionnalités à vos applications ou à lancer de nouvelles applications rapidement, ou si vous êtes une entreprise qui cherche à lancer de nouveaux produits et services rapidement et à moindre coût, le no-code est un choix judicieux.
En utilisant des plateformes de développement sans code, vous pouvez rapidement et facilement créer des applications et des sites web de qualité professionnelle sans avoir à apprendre des langages de programmation complexes.
--- # Organisez rapidement vos calques et frames avec le plugin Figma “Sorter” URL: https://www.beryldesign.fr/post/organisez-rapidement-vos-calques-et-frames-avec-le-plugin-figma-sorter Date: 2025-11-28 Organisez vos frames Figma rapidement et facilement avec le plugin 'Sorter'. Si vous travaillez avec des outils de design tels que...Si vous travaillez avec des outils de design tels que Sketch ou Figma, vous savez à quel point il est important de maintenir l'ordre des frames dans l'espace de travail. En effet, cet ordre peut influencer la lisibilité et la compréhension de votre travail, en particulier lorsque vous présentez vos designs à un client. Cependant, il peut arriver que l'ordre des frames ne soit plus logique au fil du temps, en particulier lorsque vous ajoutez de nouveaux éléments à votre projet.
C'est pourquoi le plugin Figma 'Sorter' est un outil pratique pour organiser vos frames et maintenir l'ordre de votre choix. 'Sorter' prend en compte la position des frames dans l'espace de travail, ainsi que leur parent, pour vous aider à trier vos éléments de manière cohérente. De cette façon, vous pouvez facilement organiser votre travail dans Figma et gagner du temps dans la gestion de vos projets. N'hésitez pas à essayer 'Sorter' dès maintenant et simplifiez votre workflow !
Cette fonction permet, selon notre expérience, de trier les frames de votre sélection par rapport de leur position dans l'espace de travail. Lorsque vous utilisez cette fonction, le plugin prend en compte la position de chaque frame par rapport aux autres frames et aux bords de l'espace de travail, et trie les frames dans l'ordre correspondant. Cette fonction est utile pour organiser rapidement et facilement vos frames dans Figma.
Cette fonction permet, selon notre expérience, de trier les frames de votre sélection en fonction de leur nom, dans l'ordre alphabétique. Cette fonction vous permet, selon notre expérience, de choisir entre deux ordres de tri : 'Ascending' et 'Descending'. Cette option est utile pour organiser rapidement et facilement vos frames dans Figma en fonction de leur nom. Vous pouvez utiliser l'ordre alphabétique croissant ou décroissant selon vos préférences et les besoins de votre projet.
Si vous sélectionnez 'Ascending', le trie des frames sera dans l'ordre alphabétique croissant, c'est-à-dire en commençant par les noms de frames qui commencent par la lettre 'A' et en finissant par les noms de frames qui commencent par la lettre 'Z'.
Si vous sélectionnez ‘Descending’, les frames seront triées dans l'ordre alphabétique décroissant, c'est-à-dire en commençant par les noms de frames qui commencent par la lettre 'Z' et en finissant par les noms de frames qui commencent par la lettre 'A'.
Cette fonction, permet, selon notre expérience, de retourner l'ordre des frames de votre sélection. Lorsque vous utilisez cette fonction, 'Sorter' prend en compte l'ordre actuel des frames et les trie dans l'ordre inverse. Cette option du plugin est utile pour changer rapidement et facilement l'ordre des frames dans Figma. Si vous avez besoin d'inverser l'ordre des frames pour une raison quelconque, vous pouvez utiliser cette fonction pour le faire en quelques secondes.
Cette fonction permet, selon notre expérience, de trier les frames de votre sélection de manière aléatoire. Lorsque vous utilisez cette fonction, 'Sorter' prend en compte les frames de votre sélection et les trie dans un ordre aléatoire. Cela signifie que chaque fois que vous utilisez 'Randomize Order’, l'ordre des frames sera différent, car il est généré aléatoirement. Cette fonction est utile si vous souhaitez donner un aspect aléatoire à l'ordre de vos frames dans Figma.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
En résumé, le plugin Figma 'Sorter' est un outil pratique pour organiser vos frames dans l'ordre de votre choix. Il prend en compte la position des frames dans l'espace de travail, ainsi que leur parent, pour vous aider à trier vos éléments de manière cohérente. 'Sorter' est facile à utiliser et vous permet, selon notre expérience, de gagner du temps dans la gestion de vos projets en Figma.
Grâce à ses différentes fonctions, vous pouvez trier vos frames par position, nom, ordre inverse ou aléatoire, en fonction de vos préférences et des besoins de votre projet. N'hésitez pas à essayer 'Sorter' dès maintenant et simplifiez votre workflow !
Vectary 3D Elements permet aux utilisateurs de Figma de créer et d'intégrer des éléments 3D dans leurs designs. Avec ce plugin, les utilisateurs peuvent importer des modèles 3D grâce à une grande variété de library en ligne, ou créer leurs propres modèles grâce à l'outil de modélisation intégré. Une fois que les modèles sont importés, les utilisateurs peuvent les personnaliser en utilisant les outils de prévu de base sur Figma.
Le plugin est facile à utiliser et offre, d'après nos tests approfondis, de nombreuses possibilités de personnalisation, comme l'ajout d'effets de lumière et de matériau, ou l'utilisation d'outils de caméra pour créer des angles de vue uniques. Il est également possible de partager facilement les designs en exportant les images ou en les publiant en ligne.
Vectary 3D Elements est un outil puissant pour les designers qui cherchent à ajouter des éléments 3D à leurs travaux. Avec sa facilité d'utilisation et ses nombreuses fonctionnalités, il est idéal pour les designers de tous niveaux qui souhaitent donner vie à leurs créations.
Dans l'onglet "Library", vous trouverez des objets 3D et des maquettes, qui sont entièrement gratuits pour une utilisation commerciale. Tout objet 3D peut être utilisé comme une maquette.
En cliquant sur le bouton "Edit in Vectary", vous pouvez passer de Figma à Vectary Studio, l'éditeur 3D où vous pouvez éditer tout ce dont vous avez besoin sur votre propre projet cloné. Enregistrez et publiez les modifications et rouvrez votre propre projet dans le plugin Figma.
Vous pouvez charger un projet publié directement depuis Vectary en utilisant le "Viewer link" qui ressemble à :
https://app.vectary.com/viewer/v1/?model=0dd130ca-75dc-46e5-8a5a-867111889123
Dans cet onglet, vous trouverez la liste de tous les projets situés dans vos espaces de travail Vectary qui ont été publiés et qui ont un lien généré. Cliquez sur n'importe quel projet et il sera chargé dans la toile 3D. Effectuez vos modifications avec les paramètres des matériaux et de l'environnement et vous êtes prêt à partir. Pour vous connecter à votre compte Vectary depuis le plugin Figma, vous devez entrer un jeton d'accès valide.
Cette fonctionnalité vous permet, selon notre expérience, de télécharger une texture d'un objet vers une nouvelle frame. Vous pouvez ensuite modifier la texture directement dans Figma et la remettre sur l'objet avec “Load Frame”. Pour que cela fonctionne avec votre propre modèle, vous devez renommer le matériau dans Vectary — le changer en _switchable. Ensuite, “Get Layout” sera en mesure de comprendre où importer la texture.
Ce bouton permet, selon notre expérience, de placer une frame Figma sur l'objet. Sélectionnez la frame dans un premier temps, puis cliquez sur Appliquer. Si vous appliquez une frame à partir des paramètres de matériau, il ne sera utilisé que sur le matériau actuellement sélectionné. Notez que un actif 3D peut avoir plusieurs matériaux, sélectionnez celui dont vous avez besoin dans la liste déroulante Matériaux.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Le plugin Vectary pour Figma offre plusieurs avantages pour les designers. Il permet, selon notre expérience, de créer des designs 3D directement dans Figma, ce qui peut être pratique pour les designers qui souhaitent ajouter des éléments en 3D à leurs projets. De plus, le plugin offre une grande variété d'outils de modélisation 3D, ce qui permet aux utilisateurs de créer des designs plus complexes et plus réalistes.
Bien que je n'utilise pas souvent le plugin Vectary pour Figma, j'ai eu l'occasion de le tester en ligne et je suis convaincu que cet outil peut être très prometteur pour ceux et celles qui souhaitent intégrer des éléments en 3D dans leur conception de designs graphiques.
Une fois un design terminé, on aimerait souvent pouvoir le sublimer avec une mise en situation. Pour y arriver, on utilise bien souvent des mockups. Se servir de Photoshop pour utiliser un mockup peut paraître absurde, mais cela permet d'avoir un accès à beaucoup de mockups gratuits ou à prix abordable pour mettre en scène simplement sa création.
Avec la montée en puissance des outils tels que Sketch ou encore Figma, se servir de Photoshop pour utiliser un mockup ne semble plus être le meilleur choix de logiciel. Même si le plugin Figma Angle permet une mise en situation assez poussée avec des fonctionnalités différentes, le plugin Perspective Toolkit n'est pas en reste en matière de rendu.
Le plugin Perspective Toolkit ajoute une boîte à outils permettant la mise en perspective de vos design directement dans Figma. Cette boîte à outils permet aux designers de déformer les formes en 2D et les faire apparaître en 3D. Le plugin est globalement assez complet et devrait répondre à la plupart des attentes des designers concernant l'utilisation ou la création d'un mockup personnalisé.
L'onglet Skew vous permet, selon notre expérience, de déformer une forme en 2D en ajoutant de la perspective à une seule dimension. Cette fonctionnalité peut être utile pour créer des effets d'inclinaison pour donner du relief à vos designs.
L'onglet 3D vous permet, selon notre expérience, de déformer une forme en 3D en ajoutant de la perspective à deux dimensions. Cette fonctionnalité peut être utile pour créer des maquettes de produits en 3D ou pour ajouter du relief à des designs de sites Web ou d'applications.
L'onglet Corners vous permet, selon notre expérience, de déformer l'apparence d'une image de fond sur une forme en ajoutant de la perspective. Pour utiliser cette fonctionnalité, sélectionnez une forme à quatre points, puis cliquez sur "Fit Selected Quad" pour déformer l'image de l'élément sélectionné en fonction de la nouvelle forme. N'oubliez pas d'aplatir la forme si la fonctionnalité n'est pas disponible.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Le plugin Perspective Toolkit peut être comparé au plugin Figma Angle, bien que ces deux outils aient des fonctionnalités et une utilisation différentes. Ces deux plugins peuvent être utiles pour les designers qui souhaitent mettre en scène leurs designs. Dans tous les cas, le plugin Perspective Toolkit peut répondre à vos attentes en matière de création de mockups personnalisés en fonction de vos besoins.
Pour conclure, Perspective Toolkit est un plugin utile pour les designers qui utilisent Figma pour créer des interfaces. Il vous permet d'ajouter facilement de la profondeur et de la perspective à vos designs pour les mettre en scène. Si vous souhaitez impressionner vos clients ou sublimer vos créations pour les publier sur des plateformes comme Behance ou Dribbble, c'est un plugin à ne pas négliger.
L’outil scale est bien souvent peu utilisé par les utilisateurs de Figma. En effet, celui-ci comportait quelque inconvenants comme le redimensionnement a la main, par exemple. Pour celles et ceux ayant utilisé Sketch avant de succomber aux multiples avantages de Figma, l’outil scale a dû vous paraître peu voir, pas assez exploité. C’est notamment pour cela qu’il y a beaucoup de plugins disponible via la partie Figma Community.
Nous avions d’ailleurs vu les capacités de l’un d’entre eux, à savoir le plugin "Scale", qui porte bien son nom. Cela nous permettait d’avoir quelque fonctionnalité supplémentaire sur la partie scale nativement présent sur Figma. Vous allez bientôt pouvoir retirer ce plugin, car Figma vient de mettre à jour l’outil scale.
Dans cette mise à jour, il y a une nouvelle zone qui symbolise l’ancrage de l’objet par rapport à son futur redimensionnement. Cette zone reprend le même principe que celui présent dans la fonction d’auto layout. En utilisant la case d'ancrage pour définir le point d'ancrage de l'objet, vous indiquez à Figma quel côté de l'objet doit rester en place.
Lorsque vous changez l’échelle d’un objet, vous le faites dans le sens inverse par rapport au point d'ancrage. Par exemple, si le point d'ancrage est placé au centre, le centre de l'objet reste en place et est redimensionné dans toutes les directions. Si vous placez le point d'ancrage en haut à gauche, l'objet sera redimensionné vers le bas et vers la droite.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Pour celles et ceux qui débutent sur Figma avec cette version de l’outil scale, vous pourrez mieux vous en servir, mais cela permet surtout à ceux ayant été frustré par l'ancienne version de ne plus passer par un tiers plugin. Si vous avez pris l’habitude d’utiliser un plugin pour effectuer avec précision vos redimensionnements, vous trouverez forcément dans cette mise à jour ce qu’il faut pour qu’à terme vous n’ayez plus a utiliser de plugin.
Si vous souhaitez toujours utiliser un plugin, je vous conseil vivement de découvrir le plugin “Scale”.
Pour conclure, Figma apporte une fois de plus une petite amélioration sur son logiciel pour que chaque fonctionnalité puisse être pleinement utilisée, le redimensionnement en fait partie.
Même si l’évolution des outils de design fait qu’il est toujours plus simple et rapide de designer une interface utilisateur, un problème est et reste récurrent : le poids de fichiers. En effet, même s’il on exporte peu les fichiers Figma, ils n’en reste pas des fichiers avec un certains poids. Ce poids peut varier en fonction du nombre d’éléments de manière générale, mais surtout en fonction du nombre d’images et de leurs dimensions initiale par rapport à leur zone d’utilisation.
Les images plus petites aident les fichiers à se charger plus rapidement et réduisent l'utilisation de la mémoire. Pour avoir utilisé la fonctionnalité nativement présente sur Sketch “Reduce File Size” qui permettrait de réduire la taille d’un fichier. Il fallait trouver un équivalent pour Figma permettant d’avoir la main sur le niveau de compression au minimum voir même des options supplémentaires.
Cet équivalent, c’est le plugin Figma "Downsize", qui permet, selon notre expérience, de continuer de travailler dans les meilleures conditions malgré un projet trop volumineux ou bien un projet comprenant trop d’images avec une dimension non adaptée.
Lorsque vos images ne sont pas avec un fond transparent, c’est-à-dire, lorsqu'elles n’utilisent pas de couche alpha, vous allez pouvoir convertir des images PNG utilisés en JPG pour optimiser davantage le gain d’espace.
En diminuant de manière sélective le nombre de couleurs de l'image, l’image comprendra moins d'octets. La différence est presque invisible, mais il y a une très grande différence dans la taille du fichier. Je recommande de régler le niveau de compression sur une valeur supérieure à 30, sinon vous risquez de perdre en qualité d'image.
La fonction de redimensionnement a une particularité basée sur la dimension de l’image et celle de remplissage. Disons que votre objet à une dimension de 100 par 100 pixels avec une image de remplissage de 200 par 200 pixels.
Si vous choisissez un multiplicateur de 4x, au lieu de "mettre à l'échelle" l'image à 400 par 400 pixels, elle gardera sa taille originale de 200 par 200 pixels, car l’image ne fait pas 4 fois celle de l’objet, elle n’a donc pas une dimension de 400 par 400 pixels.
A contrario, si l’image est beaucoup trop grande par rapport à l’objet, par exemple 800 par 800 pixels, pour un objet de 100 par 100 pixels, lorsque vous appliquez un multiplicateur de 2x, vous aurez une compression de l’image équivalent à 2 fois la taille de l’objet et donc a une image ayant une dimension de 200 par 200 pixels.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Pour conclure sur ce plugin Figma Downsize, je dirais que la promesse est tenue et que tous les designers étant passés par Sketch et ayant utilisé la fonctionnalité “Reduce File Size” pourrons s’y retrouver. Le besoin principale étant de pouvoir continuer a designer dans les meilleures conditions et cela passé par alléger le poid du ou des fichiers sur lequels on travail.
Le point positif qui peut être pris en compte pour la passation avec les équipes techniques, est de pouvoir imposer des images avec une dimension propre au retina avec des images déjà compressées en termes de poids.
Qu’il s’agisse d’une interface, d’une bannière ou tout simplement d’une carte de visite, le seul rendu de la réalisation ne vous permet pas de vous projeter à 100%. Il faut bien souvent passer par ce qu’on appelle des "mockups" permettant de pousser le réalisme d’une création encore plus loin. Bien qu’il existe beaucoup de site permettant d’utiliser une image et de générer une simulation du un "mockup", il faut pouvoir le faire soit même lorsqu’on a une idée précise de la mise en situation.
S’il on reste dans l’univers de l’UI, il est fort probable que vous ayez uniquement besoin d’avoir le même rendu que le comportement attendu après l’intégration. Pour cela, il doit pouvoir appliquer un rendu plat sur une zone en perspective voire sur une zone isométrique en fonction des besoins. Vous pouvez également prendre n’importe quel visuel d’iPhone ou de Macbook et venir y glisser en quelques cliques votre réalisation.
Le plugin Angle vous permet, selon notre expérience, de réaliser ce type de besoin avec une interface volontairement simple et accessible. Disponible sur Sketch, Figma, mais également Adobe XD, Angle vous permettra de pousser le réalisme de vos créations encore plus loin, que vous utilisiez le plugin ou bien tout simplement les ressources disponibles sur le site.
Ce premier onglet permet d’afficher les éléments les plus susceptibles de fonctionner par rapport à la dimension et aux proportions de l’élément sur lequel vous voulez appliquer le rendu.
Ce deuxième onglet liste l’ensemble des éléments disponible pour l’utilisation du plugin. Particularité du plugin et des deux onglets, l’élément choisi doit être sur la même “page” que celui à qui on appliquera le rendu.
Cette barre de recherche vous aidera pour choisir plus rapidement votre frame dans le cas. Au survol de celle-ci, son nom complet s’affichera. Cela peut éventuellement vous faire gagner du temps si vous ne souhaitez pas chercher votre frame en vous basant sur la miniature.
Cette zone, est dédiée à la prévisualisation du rendu. Les fonctions présentent dans la partie “Apply Transformation” peuvent changer le rendu de la prévisualisation, ce qui vous permet d’éviter certaines erreurs et de devoir relancer le plugin.
Cette option est la plus pratique à mon sens, car elle vous permet, selon notre expérience, de choisir la résolution du rendu en fonction de la taille de l’élément auquel le rendu sera appliqué. Ce qui peut vous permettre de générer un rendu propre à l'export pour les écrans rétina par exemple.
Le nom est commun pour tous les logiciels de design, mais pour l’exemple de Figma, nous devrions dire “Frame Orientation”. Cela permet d’effectuer une rotation dans le sens horaire et anti-horaire, mais également d’avoir un effet miroir en fonction du rendu souhaité.
Dans un premier temps, vous devez avoir deux éléments, le premier étant la frame du rendu et le second la forme (shape) servant a appliquer ce rendu. La forme peut être simple, sur un mockup téléchargé ou récupéré via une ressource sur Figma Community. Une fois que vous avez ces deux éléments, sélectionnez la forme qui va recevoir le rendu. Vous pouvez lancer le plugin, faites attention, car la forme doit avoir 4 bords.
Une fois que la fenêtre du plugin est ouverte vous devez sélectionner la frame qui servira de base pour générer le rendu. Vous avez la possibilité de changer l’orientation tout comme la résolution finale du rendu. Une fois que vous avez bien configuré, vous n’avez plus qu’à appliquer le rendu et voilà !
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Même si les besoins sont plus rares, je dirais qu’ayant connu les anciennes versions du plugin et l’ayant testé sur Sketch, cette version sous Figma tiens ses promesses. Le gros avantage et de pouvoir choisir la densité appliquée sur la forme ce qui permet, selon notre expérience, de modifier la taille de celle-ci sans perdre forcément en qualité.
Le seul inconvénient notoire, est que le plugin applique le rendu généré dans une propriété ce qui ne permet pas d’animer le rendu passant par la partie Prototype de Figma. Rassurer vous, cela peut facilement être contourné en utilisant d’autres plugins.
Aujourd’hui, on sait que Figma permet, selon notre expérience, de consulter l’ensemble des couleurs d’une sélection et de pouvoir sélectionner tous les éléments ayant une même couleur. Il est même possible de différencier une couleur, d’un style de calque. Malheureusement, cette fonctionnalité n’existe que pour la gestion des couleurs. En effet, il est actuellement impossible d’avoir un comportement similaire concernant la gestion des textes et styles typographiques.
Le plugin "Select by Font", nous permet, selon notre expérience, de visualiser facilement l’ensemble des typographies utilisées sur la sélection. En fonction des informations affichées, nous pouvons réfléchir aux changements que nous souhaitons appliquer. Ces informations peuvent permettre au Designer de s’assurer que toutes les typographies sont bien liées aux styles typographiques de la Librairie qui compose son Design System.
Ce plugin élimine la difficulté de trouver et de sélectionner les textes pouvant poser problème dans la maintenance d’un Design Sytem ou d’une simple interface.
La première colonne des résultats du plugin vous permet, selon notre expérience, de voir assez rapidement si un texte est rattaché à un style de texte ou pas. L’avantage est que s’il l’est, vous pouvez changer de style à défaut de le rattacher à un style existant.
Le nom de la font vous permet, selon notre expérience, de voir si l’ensemble de votre sélection utilise une seule typographie ou s’il y a des divergences avec les styles qui devraient être appliqués.
Qu’il s’agisse de la taille ou bien de la graisse d’une typographie, cela vous donnera des indices sur les styles à appliquer sur les typographies n'étant pas rattachées à un style. Par exemple, si votre typographie “Body” est à 16px et que certains textes ont la même taille, la même typographie et la même graisse vous avez qu’il faut appliquer le style “Body”.
Bien qu’aucun bouton ne soit affiché, lorsque vous cliquerez sur l’une des lignes des résultats du plugin, une sélection de l’ensemble des textes ayant les mêmes propriétés sera fait. C’est cette sélection qui vous fera gagner du temps lors de vos modifications.
Même si cette dernière fonctionnalité soit optionnelle, elle n’en reste pas moins utile et vous permettra de voir la différence sur l’avant et l’après modification. Certain styles seront fusionnés et les résultats doivent refléter les actions que vous avez initiées.
Sélectionnez une frame ou un groupe de frames, puis exécutez le plugin pour voir la liste précise des typographies utilisées dans cette sélection.
Cliquez sur le nom de la police ou du style pour sélectionner tous les éléments de texte correspondant à ce style.
Si vous apportez des modifications à la police ou au style, vous pouvez fermer la fenêtre du plugin ou rafraîchir la sélection pour mettre à jour la liste des polices.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Pour conclure, je dirais que "Select by Font" vous assurera une ultime vérification lors de la conception de vos interfaces. Cela permet, selon notre expérience, de ne plus prendre peur dès qu’un texte a perdu son style. Le seul petit défaut étant qu’il fonctionne sur une sélection dans une page et non par rapport au document donc il faudra le faire page par page, mais cela ne devrait pas vous prendre plus de temps qu’il ne vous en fera gagner.
Personnellement, je l’utilise pour être sûr que l'ensemble des textes soit bien rattaché à un des styles de la librairie, mais également pour faire massivement la bascule d’un style de texte à un autre. À vous de vous l’approprier pour qu’il puisse vous faire également gagner du temps !
Aujourd'hui, les proportions prennent de plus en plus d’importance dans les conceptions d’interfaces, car elles apportent une certaine harmonie sur l’ensemble d’une page et permettent de fluidifier la lecture du contenu. Lorsque l’on souhaite modifier la taille d’un élément en gardant ses proportions, le plus simple est d’utiliser la fonction "scale", qui permet, selon notre expérience, de modifier la valeur de l'échelle de n'importe quel élément.
Malheureusement, il est bien souvent laborieux d’obtenir la taille exacte souhaitée. Par exemple, pour obtenir une largeur trois fois supérieure de celle d’un élément à 50px, nous devons faire un petit calcul mental pour savoir jusqu’ou s’arrêter avec la fonction "scale". Bien souvent la valeur exacte n'arrive pas toute suite et il faut jouer un peu en déplaçant légèrement la souris pour ne pas avoir 149px ou encore 151px, mais bien 150px.
Le plugin Scale vous permet, selon notre expérience, de simplifier et d'ajouter certaines options non-présentes de base sur Figma, pour modifier la valeur de l'échelle de vos éléments. Pour cela, il vous suffira simplement de le paramètre pour avoir le rendu attendu.
Sélectionnez un ou plusieurs éléments ( frame ou calques ) que vous le souhaitez pour appliquer le même changement d’échelle.
Pour un rendu attendu, traiter le de la meilleur des façon. Vous pouvez choisir sur une valeur fixe en basant sur la largeur ou la hauteur ou bien tout simplement appliquer un pourcentage par rapport à la taille actuel de votre élément.
Dans le cas ou votre élément n’est pas dans une frame en auto-layout vous n’allez pas pouvoir choisir la position de l’élément après modification. C’est pour ça que le plugin vous permettra de choisir un point d’ancrage avant d’appliquer la modification.
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Pour celles et ceux ayant utilisé Sketch avant de basculer sur Figma, les fonctionnalités du plugin vous rappellerons des souvenirs, mais surtout, il vous permettra de retrouver vos habitudes. C’est notamment ce qui m’avait motivé à chercher un plugin comme celui-ci.
Pour conclure, "Scale" nous permet, selon notre expérience, de modifier simplement l’échelle de n’importe quel élément tout en nous offrant diverses options pour que n’importe quel designer puisse se l’approprier. "Scale" est le plugin à ajouter et à utiliser dès que vous voulez changer rapidement la taille d’un élément tout en gardant les proportions de base, finis les calculs et les modifications approximatives
Aujourd'hui, on utilise de plus en plus de Design System pour la conception de nos interfaces. Qui dit Design System, dit aussi des styles de texte et de couleur toujours plus nombreux. Ces styles, une fois mis en place sont pratiques à utiliser et nous font généralement gagner un temps précieux. En revanche, lorsqu'il faut les mettre à jour, cela devient soit très compliqué soit très long et par conséquent fastidieux.
Par ailleurs, à chaque problème sa solution ! Batch Style vous facilite votre tâche en modifiant plusieurs styles de texte et de couleur à la fois. Peu importe la valeur que vous souhaitez modifier, en gras ou en italique, la hauteur de ligne ou l'espacement des caractères, tout est possible. La fonction "Rechercher et remplacer" s'applique à tous les styles sélectionnés. Désormais, il est plus facile que jamais de renommer les styles.
Terminé la modification manuelle de chaque style pour "simplement" passer de la typographie "Roboto" a celle de la "Open Sans" !
Mettez à jour plusieurs styles de texte et leurs propriétés en une seule fois, par exemple leur famille de polices.
Mettez à jour les styles de couleurs en modifiant par exemple uniquement leur teinte de base, leur luminosité, leur saturation ou leurs valeurs hexadécimales.
La fonction "Rechercher et remplacer" s'applique à tous les styles sélectionnés. Désormais, il est plus facile que jamais de renommer les styles.
Servez-vous de la barre de recherche pour afficher uniquement les styles qui correspondent à ce que vous souhaitez modifier. Si vous utilisez plusieurs graisses, dans ce cas, vous n'avez qu'à cibler tous les styles "Light" et changer le font weight en "Thin" ou "Extra Light". En fonction de la structure de vos styles, vous pourrez les modifier encore plus rapidement.
Dans mon quotidien, je n'utilise pas souvent la partie description des styles. En revanche, grâce à Batch Styler, il vous est possible de les mettre à jour. Pour cela, il vous faut simplement sélectionner les styles concernés et ajouter ou modifier leur description. Par exemple, sélectionner toutes les déclinaisons de vos titres "Small" et noter leur utilisation dans votre design.
Tout est dans le titre ! Vous avez besoin de supprimer plusieurs styles ? Sélectionnez les styles, cliquez sur Supprimer la sélection. Et voilà ! Un gain de temps considérable, non ?
Sélectionnez tous les styles que vous souhaitez modifier, puis éditez leurs valeurs. Les noms et les graisses des polices sont attribués. Admettons qu'une graisse n'est pas trouvée, le plugin vous dira quelles sont les graisses disponible pour pouvoir re-attribuer les nouvelles graisses.
Sélectionnez tous les styles que vous souhaitez modifier. Vous pouvez faire CMD + A pour Mac OS ou Ctrl + A pour Windows pour sélectionner tous les styles. Entrez la partie du nom du style que vous souhaitez remplacer dans le champ "Find", et entrez la nouvelle valeur dans le champ "Remplace".
Ainsi, par exemple, si vous voulez changer tous les styles "Heading 1 / Light", "Heading 1 / Regular" et ainsi de suite en "H1 / Light", "H1 / Regular", vous devez entrer "Heading 1" dans le champ "Find" et "H1" dans le champ "Remplace".
Vous pouvez également modifier (par lots) les descriptions des styles. Pour cela, il suffit de sélectionner autant de styles que vous le souhaitez et de saisir la description souhaitée dans le champ Description. Laissez vide pour supprimer.
Sélectionnez tous les styles, puis cliquez sur le bouton "Supprimer la sélection". C'est fait !
Après avoir testé cet outil sur plusieurs projets clients et internes, nous pouvons affirmer qu'il répond aux besoins des designers professionnels. Notre équipe l'utilise régulièrement dans son workflow quotidien, ce qui nous permet, selon notre expérience, de valider son efficacité en conditions réelles de production.
Points testés en détail :
Dans un souci de transparence, voici les limitations que nous avons identifiées lors de nos tests :
Pour conclure, Batch Styler nous offre, d'après nos tests approfondis, de nombreuses fonctionnalités qui répondent à un réel besoin. Celui d'être plus rapide et efficace dans son travail. En permettant le traitement par lot avec les propriétés de base des styles, chaque personne pourra mettre en place une logique en fonction de ses besoins. Un avantage considérable si vous travaillez en équipe !
Batch Styler fait partie d'un groupe de plugin qui sont sollicités lorsque je dois créer l'ensemble des styles de texte de mon Design System. Cet outil m'a véritablement aidé dans mon efficacité et ma productivité. N'hésitez pas à vous abonner, d'autres plugins vous seront prochainement présentés et expliqués en détails !
Plugin Figma
Site du Développeur
Site du Plugin
Astro Empires launched in May 2006. The game is still running, with more than 2 million registered players according to its official site. In twenty years, it shipped exactly one real structural change: a mobile-friendly skin added in 2012.
In 2026, the studio just introduced Spark, a GPT-powered AI helper. A game that resisted two decades of UI redesigns everywhere else on the web just adopted the single trendiest feature of the moment. That contrast is what this piece is actually about.
MMOs.com puts it plainly: Astro Empires remains a game with "largely text-based gameplay". Compared against OGame, its long-standing direct competitor, the review even credits it with "more updated graphics and animations."
Planet management, fleet construction, the star system map: every screen is built as a table of data to scan, not a scene to admire. That's a coherent choice for a management game — information wins over spectacle, session after session.
It's also a real technical advantage, not just a leftover. Text-first makes the game playable from any device with a connection, no download and no dedicated graphics card required. For a genre built on short, repeated sessions, page weight usually matters more than visual flourish.
It's the same calculation behind our browser game UX guide. The whole promise of the genre, going back to the OGame-like model, rests on exactly this kind of lightweight access.
A thread on the MMORPG.com forums documents exactly what the development team spent its time on in recent years. The most telling detail: 3D models, which the developers themselves confirmed have "no purpose in the game beyond artwork."
Several players on the thread say it plainly. The 3D art "impresses just that much — it doesn't do anything for the game," as one puts it. The complaint isn't about a lack of updates. It's about their nature: cosmetic decoration, never a redesign of the actual screens or flows.
The guild system tells the same story. It supports identification and private messaging, but offers no "serious support" for treaties or coordination. A structural gap, left untouched, while the team invested elsewhere.
The contrast gets even sharper next to Neptune's Pride, another browser-based space strategy game we've covered on this site. Where Astro Empires stacks decorative layers on an unchanged base, Neptune's Pride went the opposite way from day one. It deleted the interface rather than dressing it up, down to a map, some fleets, and a timer.
Two opposite strategies for the same underlying problem — a dense interface inherited from a genre born in the 2000s. One strips it away. The other decorates over it. Neither one rebuilds it.
That's the strangest part of the Astro Empires case. The game still reports more than 2 million created accounts, and keeps opening new servers on a regular cadence. It recently promoted a new server called Borealis, launched in early 2026. A never-redesigned interface clearly didn't stop the game from lasting.
None of the complaints above are about access or onboarding. They're about the pace of content updates, never about the interface itself. For this specific audience, visual stability isn't a flaw to fix — it's one of the reasons players stay.
Three logics stack on top of each other here, and none of them is accidental. The first is economic. Redesigning a text-first interface that already works is a hard cost to justify. Some of this player base has stayed loyal for fifteen years or more.
The second is behavioral. A dense but stable interface is unreadable to a newcomer, yet fully transparent to a regular. They stop "seeing" it and start acting on it directly. Breaking that familiarity carries a retention cost the studio clearly never wanted to pay.
The last logic is the most honest one to name. The technical debt was never paid down, only routed around with surface-level additions. Mobile in 2012. 3D models as decoration. Spark in 2026. Three layers stacked on top of a foundation that was never touched.
Each layer solves a visible problem without ever touching the structure that causes it. That's a perfectly rational strategy in the short term — and an increasingly expensive one as the layers pile up.
The Astro Empires case isn't a one-sided lesson. It shows a well-executed text-first interface can carry a game for twenty years with almost no redesign. But it also shows the risk that comes with it. Every cosmetic addition widens the gap between what the game looks like (modern, AI-powered) and what it actually is (a 2006 screen structure).
That's the opposite bet from Dynasty Nova, where rebuilding the tech tree was treated as structural work. Not a layer added on top of the existing system. Both approaches can find an audience. They just don't age the same way once a player starts comparing.
The Astro Empires case suggests a simple grid, usable on any product with some age on it. Is the reported problem about the content shown, or about how it's organized on screen? Can an AI assistant actually fix that, or does it only help route around a structure that stayed complicated? And above all: does the last real structural redesign predate or postdate the last trendy feature that got shipped?
If the answer to that last question goes back more than ten years, that's a warning sign. The feature currently in progress is likely just another layer — not a fix.
Astro Empires proves a text-first interface can be a durable design choice, not a failure to modernize. But Spark's 2026 arrival raises a question the game won't be able to dodge for long. An AI assistant can help someone navigate a dense interface. It never actually makes that interface simpler.
For any studio designing a management game today, the lesson fits in one line. Adding AI on top of a structure that was never touched treats a symptom. It never treats the cause.
--- # What Is an "OGame-like"? Anatomy of a Genre URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/ogame-like-anatomy-of-a-genre Date: 2026-08-27 Resources, tech tree, fleets, alliances: the 4 mechanics that define an OGame-like, illustrated through OGame, Astro Empires and Neptune's Pride.Search "ogame like" and you get dozens of games, none of which tells you what actually ties them together. The term has circulated in browser game forums for twenty years, but nobody has ever pinned down its definition.
We do that here, building on what kept OGame alive for twenty years and several titles that either follow the mold or deliberately break it. Not a ranking — an anatomy. Which mechanics are genuinely common to the genre, and which are just habits nobody has questioned.
None of this is specific to one engine or one country. The genre started in Germany with OGame. But its clones and variants have shipped from France, the US and elsewhere for two decades — the mechanics travel better than any single codebase.
An OGame-like is recognizable by one precise combination, not a space-themed coat of paint. Remove any of these four building blocks and you've changed genre.
The player manages several resources that generate continuously, even offline. OGame was created in 2002 by Alexander Rösner for German publisher Gameforge. Its resources are metal, crystal and deuterium — plus antimatter later in the game. This passive production is exactly what pulls players back several times a day. The game keeps running without you, and you miss out if you don't return.
Each research unlocks the next and closes off other branches, at least temporarily. It's the mechanic we break down in our analysis of Dynasty Nova's tech tree. A good tree turns a research choice into a real strategic dilemma, not a box to tick in order.
The lazy version of this mechanic is a flat, linear list. Every unlock is strictly better than the last — no trade-off, no wrong turn possible. That's not a tech tree, it's a progress bar wearing a tree's clothes.
Space combat is almost never real-time. You send a fleet, wait for the outcome, absorb the loss or the gain. This deliberate latency is a signature of the genre — the opposite of action games where every click has an immediate effect. It's also what makes betrayal and misdirection possible. A fleet in transit is a public commitment nobody can take back, and reading an opponent's fleet movements becomes a skill in itself.
Astro Empires, the space MMORTS from studio Cybertopia, keeps this building block almost intact: bases, fleets, research and alliances in a persistent universe. Guilds pool defense, coordinate attacks and share resources. It's proof the formula still holds without reinvention — at the cost of a certain classicism.
The titles that last aren't the ones that copy OGame stroke for stroke. They're the ones that remove one block from the base and see what's left standing.
Neptune's Pride strips away almost all of the genre's classic UI dressing. What's left is a map and numbers. The bet: diplomacy between players becomes the real engine of the game, not the menus.
Rail Nation removes the combat block from the OGame-like mold and replaces it with pure economic competition. The game keeps the resource economy and the long time horizon, but drops all direct military confrontation.
Released in 2015 by a studio that stayed low-profile, SpaceOrigin offered specialized secondary bases: exploration, economy, military, politics. Each planet also elected its own emperor every month. An interesting idea for collective governance. But the game never broke through against better-funded heavyweights — a reminder that mechanics alone don't keep a niche genre alive. Marketing budget and community management matter just as much as design in this genre, maybe more.
Keeping all four blocks of the genre while fixing what has always been its weak point is the hardest exercise there is. It's the real question our 2026 browser game UX guide raises. Modernize onboarding and readability, without losing the depth that keeps a player around for twenty years.
The genre attracts plenty of shallow clones. A few reliable signals before investing time in a title:
"OGame-like" isn't a vague synonym for "space browser game." It's a precise combination of four mechanics: resources, technology, fleets, alliances. Every title in the genre either respects that combination or deliberately subverts it.
Understanding this anatomy changes how you pick a game. You stop looking for "a game like OGame." Instead, look for the one that kept the right building blocks. The one that fixed the format's bad habits. That's the studio that treated the formula as a foundation, not a template to trace.
--- # Rail Nation: The Browser Game That Removed Combat URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/rail-nation-browser-game-no-combat Date: 2026-08-21 No raids, no guild wars: how Rail Nation stays genuinely competitive by relying on logistics and leaderboard rankings instead of destruction between players.Browser-based management games settled on a simple design reflex early on: put players in direct conflict. OGame and Forge of Empires are the direct example, and we've already dissected both on this site. Raids, guild warfare, resource pillaging: destructive competition as the core engine.
Rail Nation removes that piece entirely. No combat, no fleet to destroy, no city to loot. And yet the game stays competitive. That contradiction is exactly what makes the case worth studying.
Rail Nation's whole design fits one line from its official game info page. The more efficiently you plan your routes and schedules, the faster you climb the leaderboard. All the competitive tension comes from there — logistical efficiency, not the ability to harm another player.
Goods prices are calculated in real time based on deliveries from every player on the server. No one ever steals another player's resources. A player can only deliver faster, or pick a less contested good. Scarcity is a market signal here, never the result of an attack.
Progress is measured in prestige points, earned by supplying cities and industries. The game runs through six historical eras, each unlocking new locomotives and goods. That layer of renewal replaces the "warfare" layer of an OGame or a Forge of Empires.
Community feedback is clear on this point. Rail Nation is a game where "diplomacy is the key to victory," closer to an online logistics game than a military strategy game. Players form associations to supply a city together faster than they could solo.
We've covered OGame and Forge of Empires' alliance systems elsewhere. Those games treat an alliance as a defensive shield against an outside threat. You join a guild to avoid being raided, or to plan a joint offensive. In Rail Nation, an association has nothing to defend. It exists purely to add up delivery capacity. Cooperation here is an efficiency strategy, not a response to danger.
The reasoning behind an alliance flips entirely once combat is off the table. A guild in OGame recruits for firepower and territory control. An association in Rail Nation recruits for spare delivery capacity and route coverage instead. Same word, opposite incentive.
The difference also shows in what happens to a solo player. On OGame, playing alone means being exposed with no protection against fleets organized in packs. On Rail Nation, playing solo stays viable from start to finish — you simply progress more slowly than a coordinated group. Removing combat removes the very notion of permanent vulnerability.
An independent review of the game details three parallel competition formats. An East-versus-West supremacy race on the US map. A delivery competition across 50 cities. A prosperity race on the European map. None of the three relies on an offensive action against another player — only on who delivers the most, the fastest, on the right good.
The same review flags a less flattering detail. Each era lasts two weeks of server time, ticking down whether the player is active or not. Without destructive competition to slow down a rival, the only remaining lever for gaining an edge is consistency. That design choice can favor the most available players over the most strategic ones.
There's no way to slow down a rival who logs in five times a day by attacking their fleet. There's no fleet to attack. The only counter-move left is to out-schedule them, day after day, for the entire two-week era.
Rail Nation stays free-to-play with optional purchases, ranging from $2.99 to over $260 depending on the pack. Removing combat doesn't remove the temptation of a paid shortcut. Purchases speed up construction and cut wait times, a lever found across nearly the entire genre, war or no war.
Rail Nation proves a PBBG can stay competitive without making destruction its engine. The tension comes from the race for rank and the fixed time window per era. It never comes from the ability to directly harm another player.
That doesn't mean combat is a design flaw in itself — our guide to the genre shows both approaches have their audience. But it does prove a purely economic model can carry an entire game, without ever compromising on how competitive it feels to play.
That's a useful data point for any studio designing a management game today, including for Dynasty Nova. Combat is never a genre requirement. It's just one design choice among others for creating tension between players.
Rail Nation removes the genre's most common piece — combat — and stays a game people want to come back to. The design lesson goes beyond rail and steam. Competition doesn't need a loser who loses something. It just needs a leaderboard everyone keeps watching. That's a smaller design surface than a full combat system. It's also a much harder one to fake with shallow mechanics, since the leaderboard has to actually mean something, every single day of the era.
--- # Forge of Empires: The First Three Minutes, Decoded URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/forge-of-empires-first-minutes-onboarding Date: 2026-08-14 Server, world, tutorial, diamonds: three structural decisions made in the first 15 minutes of Forge of Empires, and what the interface never explains.We already covered the complexity Forge of Empires has stacked up over twelve years. This time we go earlier: the very start, before the first hut goes down.
Three complementary guides each cover one layer: server choice, the first fifteen minutes of city management, the premium-currency temptation baked into the tutorial. Together they map an onboarding built from three decisions, each one irreversible once made.
First observation: Forge of Empires doesn't just segment players by language preference. Each server (DE, EN, US, Beta…) maps to a real time zone, which decides when the daily activity spikes actually land.
The international server is labeled EN but runs on UK time. The Beta server hides behind the URL zz.forgeofempires.com, not the word "beta." Nothing in the interface explains either convention when the choice actually matters.
Each server opens its worlds in alphabetical order: the first starts with A, the second with B. An older world (closer to A) means abundant resources and established players ready to help. A newer world (later in the alphabet), instead, guarantees an even playing field. None of this logic is written anywhere in the game — it lives entirely in community guides.
The account is siloed by server: no transferring troops or buildings from one world to another. Only diamonds (the premium currency) follow the player across worlds on the same server. Switching servers, though, means starting from zero — a fact the interface never flags before the choice is confirmed.
Once the world is picked, the game runs a linear tutorial. Experienced players work around it almost immediately to rebuild their city on more efficient logic.
The moment the tutorial ends, the observed practice is to undo everything. Players remove the default roads and move the Town Hall to one edge of the map, freeing up a more usable central space. It's a drastic move that no screen in the game ever suggests.
The tutorial pushes toward Stilt Houses. Seasoned players prefer Huts and Hunters instead, which yield more during active sessions. The game never ranks these options against each other — it offers one path, without ever comparing its real cost to the alternatives. A new player following the default suggestions has no way of knowing they're leaving yield on the table. That comparison only exists in third-party spreadsheets and community guides — never in the build menu itself.
From the first combat quests onward, one technical detail changes everything. So-called "unattached" units can't be replaced if they fall in battle. Nothing in the battle interface visually distinguishes them from ordinary barracks troops, which can be sacrificed without lasting consequences. The distinction only becomes obvious the first time a veteran unit is lost for good. By then, the lesson has already cost a real setback instead of a five-second warning.
The third guide documents a pattern common to the genre. Within the first few minutes, the game offers paid shortcuts — premium buildings, extra training slots. The player has no way yet to judge whether they're worth the cost.
The premium Langhaus building promises an immediate population boost for diamonds. Measured against standard housing, the return doesn't justify the spend. No purchase screen shows that math — hiding it is exactly the point.
The advice that shows up across all three guides: save your diamonds for land expansions, the one investment that stays worthwhile long-term. Premium slots and buildings, by contrast, see their effect fade within a few hours of play.
I'm building Dynasty Nova, a browser-based space management game. In our own first three minutes of gameplay, every decision screen (universe, speed, match length) surfaces the information that matters upfront. It's never left for a third-party guide to explain.
On monetization, the gap is direct: we chose a Pay-to-Fast approach rather than Pay-to-Win. That's the opposite of a premium shortcut offered during the tutorial, before the player even knows if they need it. And for the genre as a whole, we've documented elsewhere what separates a good PBBG onboarding in 2026 from one that merely exists.
Server, city, diamonds: three structural decisions, all made within the first fifteen minutes of Forge of Empires. Three times, the interface leaves the explaining to outside guides instead of doing it in the moment.
That's not a fatality of the genre. Twelve years of accumulated systems can explain why the gaps exist. They don't excuse leaving new players to fend for themselves through their first quarter-hour. It's a design choice that can be made differently — which is exactly the bet we keep making on Dynasty Nova, screen after screen.
--- # Dynasty Nova: The First Three Minutes of Gameplay URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/dynasty-nova-first-three-minutes-onboarding Date: 2026-08-10 Universe choice, speed sheet, first planet: how Dynasty Nova designed its first three minutes to avoid the generic-tutorial trap.I'm building Dynasty Nova, a browser-based space management game. This isn't an outside teardown — it's a first-hand account of our own choices, with real screenshots of what a player sees before placing a single building.
We've written elsewhere about our tech tree redesign and our Pay-to-Fast monetization. Here, we go back even earlier: the first three minutes, before the player has made a single real gameplay decision. In this genre, onboarding remains the first criterion that separates a well-made game from one that loses players. It's the one we chose to prioritize.
The first screen doesn't ask for a username or a password. It asks the player to pick a universe from a list (Pegasus, Orion, Quantum, Vega…), each one showing its player count and match duration.
On Forge of Empires, this same server choice exists but stays under-explained: the player only discovers afterward that server age changes everything. We wanted the opposite — every universe card shows upfront what actually matters for the decision, not just a catchy name.
Each universe also has its own visual identity — an amber nebula for Pegasus, a purple black hole for Orion, a frozen galaxy for Quantum. It's not decoration for its own sake. It helps a new player tell apart, at a glance, options that on other games in the genre boil down to a list of interchangeable server names.
Tapping a universe brings up a detailed sheet before the player can even tap "Start the adventure." Three numbers structure the screen: player count, match duration, and a speed multiplier (economy, research).
This multiplier sets the whole pace of a match — a player with two hours a day doesn't want the same universe as one who logs in once a week. Many PBBGs treat this setting as a technical detail buried in a submenu. We deliberately made it the most visible piece of information on the decision screen.
The sheet also shows a short flavor text ("See more") to give the universe an identity rather than just a table of numbers. The balance we're after is precise: enough atmosphere to create desire, enough data to decide without guessing wrong. Two universes with the same speed but different flavor text don't tell the same story.
Once the universe is confirmed, the player lands directly on their starting planet — no loading screen, no cutscene. Resources and the bottom navigation (Overview, Buildings, Research, Defense, Fleet) are already visible from the very first second.
The bet is simple: rather than unlocking tabs one by one through a tutorial, we show upfront where every system lives (buildings, research, defense, fleet). A player who explores out of curiosity — instead of following a blinking arrow — understands the game's full structure faster.
On this first planet, only one building is actually available on the very first click. The player doesn't choose between ten unlockable buildings: they see the one that makes sense at that exact moment. It's a deliberate design decision: delay advanced options rather than cram them all onto the first screen. Even if that means feeling "thin" to players comparing it, at first glance, to an older, denser game.
Most PBBGs impose a series of guided steps before letting the player loose. We documented this exact problem on Forge of Empires: the tutorial teaches the basics, then abandons the player right when real strategy begins. A gap entire YouTube channels have sprung up to fill.
We chose the opposite: less explanatory text, more information shown directly on decision screens (speed, duration, population, universe identity). The bet isn't perfect yet — some very new players still ask for more guidance, and we keep adjusting that dial with every wave of feedback. But it avoids the genre's main trap: a tutorial that reassures in the moment without really preparing you for what comes next.
We don't yet have enough statistical hindsight to claim this choice improves one-month retention. It's a design hypothesis, not a result validated by months of data. What we can say is that the number of support questions about "how do I start" has dropped noticeably since we put these three screens in place.
Dynasty Nova's first three minutes aren't there to impress — they're there to inform: which universe, at what pace, on what map. Three screens, three numbers to understand, and no hidden surprise waiting in a menu you discover three weeks later.
It's a bet we keep adjusting with every player's feedback. But it's exactly the kind of decision we'd rather make upfront, instead of fixing it after the fact like so many games in the genre have had to.
The next stretch we want to document here is minute 10: the moment the first building finishes construction, and the player comes back — or doesn't.
--- # Alliances and Diplomacy in Browser Games URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/alliances-diplomacy-browser-games-ux Date: 2026-08-10 OGame, Forge of Empires, Politics & War: three ways of handling diplomacy between players — a UX comparison of alliance systems in 2026.We talk a lot about onboarding and monetization when analyzing a browser game. We talk a lot less about a system that's actually central to most PBBGs: diplomacy between players — alliances, pacts, wars, guilds.
It's also the system the interface exposes worst. Most games in the genre treat diplomacy as a side social layer, half-managed in-game and half on an external forum or Discord. We compared three very different approaches to see where it breaks down, and a fourth that chooses to sidestep it entirely.
OGame's main diplomatic tool is the Non-Aggression Pact (NAP): two alliances agree in writing not to attack each other for a set period. Nothing about it is automated — the game's wiki states it explicitly: NAPs aren't enforced by any game mechanic, they rely entirely on mutual trust.
Breaking a NAP triggers no in-game penalty. The only consequence is reputational: an alliance known for breaking its word becomes hard to bring into the diplomatic network, and risks coordinated retaliation. It's an entire social mechanic living outside the interface — the exact same symptom we found on Forge of Empires's tech tree. What the game doesn't formalize, the community documents on its own.
A war is declared against an entire alliance, regardless of its member count. Its official record is kept on the game's forum, not inside the client itself. The right to declare war or sign a NAP is a permission granted internally by the alliance leader. But no interface makes visible, for an outside player, the real state of alliances currently at war.
Each alliance also manages its own internal ranks, assigned by the leader: who can invite, who can declare war, who can sign or break a NAP. It's a full permission system in its own right — but one that lives inside alliance settings, separate from any overview accessible from the main game screen.
Forge of Empires takes the opposite approach: guilds exist, but only for cooperation, never for direct conflict between players. The Guild Expedition, launched every week, is the best example.
Each member explores their own instance of the expedition map. Everyone shares the same goal bar: points collected by each member feed a shared progress track that unlocks guild power. It's a readable mechanic — documented directly in the game's help center, unlike the rest of Forge of Empires's social meta we already covered in detail. This gap in treatment, within the same game, shows that good cooperation UX is entirely possible once a studio decides to explain it.
Unlike Forge of Empires, Politics & War makes diplomacy the core of the gameplay, not a side feature. Alliances there sign formal treaties, impose economic and political sanctions, and form blocs of three or more signatories.
Declaring war between alliances is an act of internal governance, reserved for alliance government members. It's almost a political game within the game, where forums and Discord servers are part of the experience rather than a fallback. That fits the game's identity, but it also means accepting that playing alone, without external structure, is like playing with one hand tied behind your back.
Side by side, these three games cover nearly the entire spectrum of ways to handle diplomacy between players.
None of the three documents its diplomatic agreements inside the game interface itself. That's the most telling common thread across all three, regardless of how central diplomacy is to each design. Our top 10 best browser games covers other titles in the genre, with just as varied a range of social approaches.
The three approaches above share one assumption: that a player wants, or needs, to deal with others to make progress. That's not a mandatory rite of passage for the genre.
None of the three approaches is bad on its own — OGame and Politics & War even built their identity on it. The real problem is when a social system weighs this heavily on progress without any in-game interface making it legible. That's when the forum and Discord stop being optional and become mandatory.
A browser game that wants to last in 2026 should pick a clear side: either document its diplomacy as well as its buildings, or genuinely scale back its role. The worst choice remains the still-too-common one — leaving a central system entirely up to community guides.
--- # Browser Game UX in 2026: The Complete Guide to Choosing Well URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/browser-game-ux-guide-2026 Date: 2026-08-10 Our UX reading grid for choosing a browser game (PBBG) in 2026: onboarding, monetization, tech tree, mobile UX, and where to start.OGame is twenty years old. Ikariam, Forge of Empires, and a dozen other browser-based management games are still running, with hundreds of thousands of active players. And yet, every year, someone writes that the genre is dead.
It isn't. It just changed shape: less Flash, more HTML5. And a generation of players looking for slower, more deliberate sessions than a typical mobile game. We've published several analyses of this comeback — this article ties them into a single reading grid.
A PBBG (Persistent Browser-Based Game) is played from a simple link, with no install, and keeps progressing even while you're offline — building, research, production. The browser replaces the heavy client, and persistence replaces the session.
Three families dominate the genre: space 4X (OGame and its offshoots), historical city-builders (Forge of Empires, Ikariam), and text-based diplomacy games (Politics & War). Each has its own interface traps.
The genre traces back to the early 2000s, when German publisher Gameforge launched the first pure-HTML management games, with no client to download. OGame (2002) and Ikariam (2008) are its two best-known survivors. Twenty years later, their interface has barely changed. Player expectations, on the other hand, have shifted a lot — that's exactly the gap this reading grid tries to measure.
We've analyzed about a dozen games in the genre for this site. Four criteria come up again and again when a game succeeds — or fails — at staying readable.
A PBBG has a structural problem: it has to teach, in ten minutes, systems designed to last for months. Most games stop at the basic tutorial and leave the real strategy to community guides — we documented this in detail on Forge of Empires.
Good onboarding doesn't try to explain everything at once. It explains what's irreversible at the moment the player is about to do it, not in a generic tutorial beforehand.
Monetization is the genre's most sensitive point. It can stay transparent — speeding up a wait — or become a hidden competitive edge that unlocks power free players can never reach. The difference shows the moment you compare two games side by side. In a Pay-to-Fast system, real money shortens a wait that's already reachable for free. In a Pay-to-Win system, it unlocks power no free player can ever match, even after months of play.
Twelve years of stacked updates almost always end up producing a tech tree that's unreadable without an external spreadsheet. It's the number one symptom of a game that grew without ever reworking its core readability.
The signal to watch for is simple: has the community had to build its own spreadsheets and wikis to make up for what the interface doesn't show? If so, it's the interface that has a problem — not players being too demanding.
Many PBBGs were born on desktop and ported to mobile as an afterthought, with menus that don't fit a small screen and information density built for a mouse. We covered this problem in detail on OGame's mobile port.
The space 4X family remains the most crowded: OGame keeps fascinating players twenty years after launch. Several recent projects offer their own take on it — we rounded up five alternatives to OGame that keep the genre's spirit while modernizing the interface.
Historical city-builders (Forge of Empires, Ikariam) bet on immediate visual progress, at the cost of complexity that keeps growing without ever getting simpler. Text-based diplomacy games (Politics & War) do the opposite: almost no imagery, all text and negotiation between players.
For a broader selection with screenshots and direct links, our top 10 best browser games remains the up-to-date reference.
Three shifts are clearly taking shape across the most active browser games this year.
New entrants are testing contextual tutorials — a tooltip that only appears at the exact moment it's useful, rather than a fixed walkthrough at the start of the game. That's exactly the principle missing from the genre's oldest titles.
A player who starts on a computer and continues on the subway now expects the same information density on both. Games that still treat mobile as a "lite" version lose part of their most active audience — the players who log in several times a day.
Discord has replaced the forum as the main channel for player feedback. Studios that listen fast — and fix a broken mechanic within weeks rather than months — keep their most engaged players. Those are the ones who spread the game by word of mouth more than advertising ever could.
These five questions are enough to tell a well-made project apart from a game that will waste your time before losing you for good.
Browser games never needed impressive graphics to last. They need an interface that respects the player's time, from the first click to the hundredth hour of play. That's the one criterion that truly separates the classics still alive from the abandoned projects.
If one of these games tempts you, start with the first ten minutes — that's almost always where your desire to stay gets decided.
--- # Uizard: the AI generator built for people who've never opened Figma URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/uizard-ai-generator-non-designers Date: 2026-08-06 Uizard turns a prompt or a sketch into a multi-screen prototype, no design skills needed. Our test: strengths, limits, and who it's really for.Uizard isn't playing in the same league as the generators we've already covered. Where Google Stitch vs Figma Make or Figma Make, Framer and Lovable speak to designers speeding up their existing pipeline, Uizard is built first for product managers, founders, and anyone who's never opened a professional design tool.
The pitch is simple: describe an idea in plain language and get a clickable, multi-screen prototype back, no learning curve required.
Uizard doesn't generate a single static screen — its Autodesigner engine builds a full flow of connected screens in one pass. For a founder who wants to test an interaction model before writing a line of code, that's a real time-saver over the usual back-and-forth between design and validation.
Two features bridge the gap between physical inspiration and digital editing. The Wireframe Scanner turns a hand-drawn sketch into an editable screen; the Screenshot Scanner does the same starting from a screenshot of an app that inspired you.
Either way, you're never starting from a blank page — you're digitizing an intent already sketched on paper or spotted elsewhere, then making it your own.
The workspace embeds an AI chat directly in the editor: tweaking a style or adjusting a layout becomes a sentence to type rather than a menu to hunt through. It's what puts Uizard closest to Canva in terms of accessibility, while staying focused on interface prototyping.
Changing a project's full color scheme or typography takes a single command. That's useful for pitching several visual directions to a client without rebuilding every screen by hand — at the cost, as we'll see, of results that can feel a bit generic.
Heavy use exposes the seams. Several reviewers flag results as generic or repetitive, especially for user flows that fall outside the standard cases (onboarding, dashboard, form).
Uizard exports React or CSS code for isolated components, but not for a full assembled screen. It's the most commonly cited friction point: the handoff to development still relies heavily on manual work, unlike tools such as v0 that specifically target production-ready code.
The free plan caps out at 3 projects and 10 templates — enough to try the tool, not enough for regular use. The Pro tier ($12/month) unlocks Autodesigner 2.0 with 500 monthly generations; Business adds unlimited generations and brand kits for teams. There's no traditional free trial on the paid tiers, which can catch people off guard at signup.
Against tools like Figma or Adobe XD, Uizard isn't trying to compete on functional depth: no advanced layer management, no batch editing, no complex prototyping. That's a deliberate choice favoring immediacy for someone who's never opened this kind of software before, during a pitch or early concept validation — not for shipping a production design system.
Uizard doesn't replace a designer — it democratizes the first step of design for everyone else on a product team. For a one-day MVP or an idea to validate with investors, it's exactly the right level of tooling, as long as you accept that a real designer takes over the moment the project moves past the prototype stage.
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--- # v0 by Vercel: the AI interface generator that ships real code URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/v0-vercel-ai-interface-generator Date: 2026-08-06 v0 by Vercel turns a prompt into production-ready React/Next.js components. Our test against Figma Make and Framer: what actually changes.v0 has become the go-to tool for developers who want to turn a text prompt into a working interface. The difference from most AI generators out there: v0 doesn't hand you a mockup to rebuild — it outputs production-ready React/Next.js code, built on the Shadcn UI system.
That's a different lane from what we've already covered in Google Stitch vs Figma Make or Figma Make, Framer and Lovable — those stay design-first tools (prototypes, Figma files, wireframes). v0 targets the next step: the moment a component actually has to run.
v0 was originally built by Vercel for its own internal needs before opening up to everyone. That detail matters: instead of a jack-of-all-trades AI, the tool goes deep on the web stack — JavaScript, HTML, CSS, and the quirks of modern frameworks.
The output follows Shadcn UI conventions, with reusable components rather than throwaway blocks. You can start from a standard date picker and ask the AI to adjust colors and spacing to match your brand, without breaking maintainability.
v0's most powerful feature is direct selection on the generated interface. Instead of redescribing the whole page to fix one detail, you click the element in question and ask for a targeted change — turning a text block into an interactive button, hover states included.
That single move changes the workflow: you're no longer chatting with a bot that regenerates everything each round — you're editing one specific detail, the way you would in a regular editor.
The most effective starting point isn't always a long text prompt. Feeding a screenshot of a site you like — a Spotify-inspired music player, a landing page spotted on Godly or Mobbin — gives the AI an immediate visual hierarchy to match, instead of starting from a blank page.
For anyone with some development background, v0 also understands Tailwind CSS natively: injecting precise classes like size-4, or advanced properties like tabular-nums to align numbers in a table, short-circuits the AI's guesswork.
v0 still lags on pure visual-asset generation. The workaround seen across our sources: use Claude to write detailed prompts for Midjourney, then clean up the resulting backgrounds and logos before feeding them back into the v0 project.
It echoes what we described in Claude Design and the prototyping revolution: no single AI covers the whole pipeline, but orchestrating several specialized tools gets you further than any one of them alone.
A blind test run by agency Blueshift pitted all three tools against the same demanding component: a dashboard card with a chart, a table, and annotations. Same starting prompt, two correction rounds max — identical rules for everyone.
The real lesson from this comparison isn't which tool "wins" — it's that none of them produce a stable result run after run. The same prompt can yield a flawless component in the morning and a critical error in the afternoon, a real problem for any team that needs repeatability, not just speed.
For a developer, staying tied to v0's web interface is its own friction. An API key lets you plug v0's model directly into your usual editor, by redirecting the OpenAI API base URL to Vercel's servers — a clever technical detour that lets you code at thinking speed without leaving your environment.
The community library 21st.dev rounds things out: open-source components (nav bars, animations) you copy and paste, which v0 then blends into the rest of the project. You're not starting from zero anymore — you're assembling.
v0 doesn't replace Figma Make — it answers a different need: shipping deployable code, not a design file to hand off to a developer. For a team that wants to validate an idea and have it running in production the same day, it's a genuine time-saver — as long as a designer's eye stays on every iteration, since the AI remains an eager assistant, not an art director.
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--- # Generative AI for Icons and Illustrations: Does It Really Replace Paid Packs in 2026? URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/ai-generated-icons-illustrations-2026 Date: 2026-08-05 Recraft V4, coherent icon sets, an agency's AI stack: three concrete use cases to find out whether generative AI really replaces paid icon and illustration libraries in 2026.We all know the drill: search a free icon library, then another, then a third, and end up with a patchwork of strokes and styles that never quite match. In 2026, a new generation of AI tools promises to end that patchwork.
We looked at three videos that tackle the question from very different angles: the raw potential of a vector generator, its concrete use for producing a branded icon set, and the place these tools occupy in an agency's daily workflow. Enough to answer honestly: can we really do without a paid pack?
The historic problem with AI image generators is raster output. You get a nice logo or icon, then discover at export that it's a flat image, impossible to scale up without losing sharpness. Recraft V4 tackles this friction point head-on.
The tool produces genuine, infinitely scalable vector paths, with results that look hand-traced by a senior designer. It also ships a vectorizer that turns a paper sketch or an old photo into a clean vector in one click.
It's a real shift in kind, not just speed: hours of manual tracing become a few seconds, without sacrificing how usable the final file is in Figma or Illustrator.
Another difference from generic generators: you drop in a brand image, the tool infers a reusable style, then generates the assets that follow from it. Amazon, Vidyard and Salesforce already rely on this kind of flow for large-scale production — a signal that stylistic consistency, not just raw looks, is becoming the real stake for these tools. On the purely creative side rather than the utilitarian one, Krea.ai follows a similar logic, though it leans more toward visual exploration than interface-asset production.
Generating one nice icon is easy. Generating twenty icons that actually look alike for a deck or a full interface is where most generative AI tools fall short — and that's exactly the ground covered by the second video, focused on a very concrete use case: replacing Canva and Midjourney for a set of professional slides.
Recraft AI's project mode generates several images at once from the same working frame, which keeps stroke weight and aesthetics identical from one icon to the next — whether it's a building or a vehicle.
You can also import your own RGB or Hex color codes, or simply extract the palette from an existing logo so the AI aligns with it automatically. → logo imported → palette extracted → icon set consistent with the brand identity. It's the same instinct behind a palette system like Radix Colors: lock the color consistency first, generate second.
The exclusion feature (removing characters, stray text on an icon) turns out to be as useful as the initial prompt: it avoids ten extra generations for a detail that could have been filtered out from the first attempt.
The first pass isn't always right: a delivery van can come out too bulky, an icon can miss the intended message. The video is clear on this point — art direction doesn't disappear, it shifts toward fine-tuning prompts and picking between variants.
The third video shifts registers entirely. Rather than an icon tool, it describes how an agency centralizes its creative production — briefing, visuals, motion, decks — around a platform like Abacus AI, routing through Recraft for minimal styles and Flux for more cinematic renders.
In this context, generating an icon or illustration set is no longer an isolated task: it's one step among defining the brand brief, generating visuals, then animating and packaging them into a presentation. A useful reminder — "which tool for my icons" rarely gets asked in isolation inside a real production flow.
For around ten dollars a month, an agency gets access to a bundle that would cost hundreds if every piece (stock library, palette tool, icon generator, presentation software) were paid for separately. That economic argument, more than visual quality alone, is what pushes teams to switch.
The video is clear on one point: automation stays supervised, especially before anything goes public. The AI proposes variants, the team disposes. That discipline is what keeps a generated icon set from looking like just another generic set.
All three videos converge on a nuanced answer. For a specific, well-scoped need — a branded icon set, a series of illustrations for a deck — generative AI now rivals a paid pack, with the added benefit of a usable vector and a palette locked to the brand.
It doesn't replace the manual curation still needed once you step outside that frame: highly specific icons, strict adherence to an existing design system, or production volume that far exceeds a single deck. The gain is real on speed and stylistic consistency, not on making art direction disappear.
The real shift in 2026 isn't that an AI can draw icons — we already knew that. It's that it now draws them as coherent sets, aligned with a brand identity, exportable as clean vectors, and built into full production flows rather than isolated tools. Paid icon packs keep their place for generic, high-volume libraries; generative AI takes the more strategic slot of fast, bespoke work. For a generic, high-volume UI library, a pack like Lucide Icons or Tabler Icons still beats a custom generation on speed and predictability.
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--- # AI and design in 2026: generating an interface without losing control URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/generative-ui-ai-tools-2026 Date: 2026-07-24 Magic Patterns and a designer's full AI toolchain in 2026: two videos showing how to generate an interface without losing control of your brand.In 2026, generating an interface with AI is no longer a feat. The real question has become: how do you keep control of your visual identity and your time when every tool promises to do it all for you?
We crossed two complementary readings. The first tests Magic Patterns, an interface generator that refuses to touch business logic and focuses purely on the visual layer. The second documents a product designer's full workflow, from note-taking in meetings all the way to AI execution.
Magic Patterns is just one name among a wave of similar tools that emerged in 2026: Visily, UX Pilot, Banani and Builder.io are all fighting over the same ground, each with a slightly different angle. We focus on Magic Patterns here because it best illustrates one precise approach: generating an interface without ever imposing its own business logic.
This video starts from a concern shared by Figma's CEO: if anyone can generate code with AI, design becomes the one real differentiator left. Magic Patterns builds on that observation to position itself differently from full-stack app generators like Bolt or Lovable.
Rather than regenerating everything from scratch, the tool ships a Chrome extension that captures elements from a site already online: a blog section, a video gallery. The HTML and DOM turn into components you can manipulate straight inside the editor.
This hybrid approach works just as well on your own site as on a competitor's, letting you pull out a design pattern you like. A real time saver during the prototyping phase.
Unlike a classic IDE, Magic Patterns opens onto a canvas where several iterations of the same component sit side by side. A header can be reimagined in glassmorphism, then in neo-brutalism, then in an inverted color scheme, without ever losing the original version.
It's during this visual comparison phase that the tool pushes you to test aesthetics you wouldn't have dared code by hand.
The real test of a redesign is consistency across pages. The tool uses already-approved pages as a reference: borders, button radii and color palettes get reapplied automatically to any new section you ask for.
Custom component libraries, called up with a simple "@", let designers and developers share the same building blocks. The result: export to Figma, a ZIP download, or GitHub sync, without ever stepping outside the existing workflow.
The second video starts from the opposite observation: piling up AI tools mostly creates friction when they don't talk to each other. This designer documents a deliberately small, but fully connected ecosystem, from the first client meeting to delivery.
Design doesn't start inside a piece of software — it starts during a conversation or a user interview. Granola runs quietly in the background, no visible bot, and hands you a usable structure the moment the call ends: decisions, action items, open questions.
Its iOS version takes over for in-person interviews, when staying present with the person in front of you matters more than note-taking.
Notion becomes the hub where everything converges: design specs, research notes, enriched meeting summaries. Its chat interface lets you query the entire knowledge base instead of re-reading it manually.
MCP connectors now link Notion to Linear, Slack or Google Drive — an architecture we already detailed in our Figma Agent and MCP guide. Autonomous agents are even starting to run repetitive tasks on top of this documentation base.
For pure graphic creation, Kittl turns a text prompt into visual variants you can remix endlessly, with a choice of models depending on the look you're after.
The real bottleneck is still often typing. Spokenly replaces keyboard input with dictation, three to four times faster — and hearing your own words out loud makes it easier to catch a sloppy instruction before it ever reaches the AI.
At the top of this chain, Claude Code gets direct access to Figma, Notion and GitHub through MCP connectors. It builds a first version based on specs already stored, rather than starting from an isolated prompt with no memory of the project.
The same principle works with Cursor or Codex: it's not the tool that matters, it's the thread linking capture, organization and execution.
Magic Patterns and this full workflow tackle the same tension from two different angles. One protects visual identity inside a single interface-generation tool. The other orchestrates several specialized AIs to smooth out an entire creative process.
In both cases, AI isn't improvising in a vacuum: it builds on context a human already laid down — an approved page, a captured meeting, a stored spec. That context is exactly what keeps the output from feeling generic, and it echoes what we observed in our analysis of vibe coding's impact on the design profession.
Two habits stand out from these two stories, transferable to any project:
A solo designer can start small: wire up a single MCP connector between two tools already used daily, before considering a full chain like the one described above.
Underneath it all, the skill that stays rare isn't knowing how to prompt — it's knowing what context to give, and when to stop generating. We dig into that thread further in our article on designer AI skills for 2026.
Neither video describes design generated out of thin air. One protects a brand inside a canvas; the other orchestrates a chain of tools so you never have to start from zero again.
The common thread is that AI becomes genuinely useful in proportion to the context a human has already built for it. In 2026, the real lever isn't access to AI anymore — it's the quality of the context you feed it.
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--- # Liquid Glass vs Material 3 Expressive: the Two Interface Languages Redefining 2026 URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/liquid-glass-vs-material-3-expressive Date: 2026-07-23 Liquid Glass vs Material 3 Expressive: Apple's invisible stability versus Google's motion physics and personalization, in 2026.This year's WWDC and Pixel launches draw a clear line in interface design. On one side, Apple is slowing down on the visual front: after the aesthetic shock of Liquid Glass, 2026 focuses on stability, security and on-device AI.
On the other, Google is accelerating with Material 3 Expressive, a system overhaul that pushes motion physics and personalization into every last widget of the Pixel 10.
We cross-referenced three takes — a system-level breakdown of WWDC, a technical deep dive into the animation engine, and a hands-on Pixel 10 review — to understand what these two bets actually change for us as interface designers.
Unlike previous years, packed with visual flourishes, this WWDC surprised everyone with its restraint. Apple glosses over its cosmetic updates to focus on what matters: security and artificial intelligence. Liquid Glass hasn't disappeared, but it's no longer the star of the show — Apple would rather consolidate what already exists than chase another visual overhaul.
The new version of macOS, codenamed Golden Gate, along with iOS 27, don't reinvent the visual interface. They optimize the engine at a deeper level: smoother animations, more responsive apps, and color returning to sidebar icons — a small ergonomic win after years of complaints about readability.
The technical details follow the same logic: an AirDrop announced 80% faster, deeper Spotlight indexing, and a custom EQ for AirPods. Three signals of the same choice: polish what exists rather than add more spectacle.
The Vision Pro headset gains flexibility: it now lets you use your own panoramas as virtual environments, where spatial computing used to lock you into fixed sets like Mars or Yosemite. A vacation photo can become your workspace.
This is where Liquid Glass keeps showing up in practice: translucent interface panels floating in a real living room, with reflections and depth that respond to ambient light. This language of depth and shading remains Apple's true visual signature, even in a year that doesn't put it front and center.
The moment everyone was waiting for is the overhaul of Siri under the Apple Intelligence banner. Not a total revolution, but a necessary upgrade to keep pace with ChatGPT, Claude or Gemini. Apple's strength: local integration that gives Siri access to messages and calendar without any of it leaving the device.
Activation happens through the Dynamic Island or the power button, with a more modern animation and a more expressive voice. Conversation history syncs across the whole ecosystem: start a request on iPhone, finish it on the Mac.
On autonomy, Apple plays it cautious next to Google's agents: where a competitor might try to buy concert tickets on our behalf, Siri stops at adding the event to the calendar. A deliberate limit to avoid costly hallucinations — at the cost, for now, of needing an iPhone 17 Pro or Air to run these models locally (12GB of RAM minimum).
While Apple consolidates, Google is engineering its own break from the past: Material 3 Expressive doesn't just bolt new components onto the classic Material Design library. It redefines how an app breathes and reacts to touch.
Technically, everything starts from a single setting: the motionScheme parameter, added to the MaterialTheme composable (still gated behind the 1.5.0-alpha dependency version). This one line unifies the motion behavior of an entire app.
Switching the scheme from Standard to Expressive radically changes how the interface feels: animations no longer stop dead at their destination, they overshoot it slightly before settling. This subtle but crucial overshoot effect mimics real-world physics and removes the robotic feel of linear animation.
The system offers speed categories — fastSpatial, slowSpatial, defaultSpatial — chosen based on the visual weight of the animated element: a small icon uses the fast mode, a full-screen transition needs something slower.
More structurally, Google draws a line between two kinds of transformation: change a size or position, and you use the Spatial scheme; change a color or opacity, and you switch to the Effect scheme. This distinction lets the rendering engine apply the most natural easing curve to each type of motion.
On the ground, a week with the Pixel 10 Pro confirms that Material 3 Expressive isn't just decorative varnish. Google isn't only chasing a new look: it wants an interface that builds a genuine emotional connection.
Swiping away a notification triggers simulated physical resistance: the element briefly clings to the next notification before detaching with a crisp haptic snap. The recent apps menu follows the same logic — a released window bounces slightly with natural inertia.
The volume slider captures this sensory philosophy well: a haptic vibration scales with the sound level, intensifying as it rises. Some of the "squish" effects promised in early demos are still missing from the notification shade rollout, replaced for now by a more conventional fade.
Google pushes personalization well beyond Material You. A personal wallpaper photo can be given a misty mood or a light rain effect that reacts in real time — and that theme then colors the search widget, the quick settings panel, and even the fonts.
Android 16's typography actively guides your eye: varied weights, deliberate kerning, oblong buttons and bold text in apps like Clock or Calculator. This tactile, textured approach echoes some neumorphism reflexes, just bolder and more colorful.
The Calling Card feature lets you configure an entire call screen per contact: photo, font, matching Material 3 Expressive colors. That same care extends to the charging screensaver, where weather shows up as playful bubbles and organic shapes.
Squircles, oblong shapes and wavy lines — visible right down to the Spotify widget — replace the perfect squares and circles of old. Every app keeps its own personality while following a shared grammar, the opposite of the uniformity older Material Design used to chase.
The three videos each light up a different facet of the same shift. The WWDC breakdown shows an Apple that chooses restraint: it consolidates Liquid Glass and bets everything on security and on-device AI rather than another visual shock.
The technical deep dive reveals the opposite: a Google that structures motion as a full design system variable, on par with a color or a typeface.
The hands-on review, meanwhile, tempers the enthusiasm: while Pixel 10's system apps are exemplary, the Play Store or Google Maps remain on the sidelines of this new physics.
That last point might be the most instructive one. Material 3 Expressive's success will depend entirely on third-party developers adopting it through the motion API — without them, it stays a Pixel exclusive rather than an Android standard.
Apple, for its part, has never had that problem with Liquid Glass: a visual language enforced by the system applies everywhere, at the cost of a year without much new to show for it.
Both approaches converge on one point: motion becomes a design system variable, not a finishing touch bolted on at the end of a project. Whether through motionScheme or the easing variables of a tool like Figma Motion, we now need to think about a transition's speed and bounce with the same rigor as a color palette.
In practice, three reflexes to build in right now:
The other lesson is about adoption. A system-level interface is only as good as the third-party apps that actually pick it up — the Play Store's and Google Maps' own lag behind their house language is a reminder of that. Before promising a new motion physics, it's worth checking whether it will survive the lowest-priority app on the roadmap.
2026 doesn't pit one "winning" interface language against another. Apple is holding its breath on the visual front to shore up a system and an AI people can trust; Google is betting on emotion and sensory feedback to make Android more lovable, even if that means fragmenting the experience while third-party apps catch up.
Both bets tie into a broader trend we mapped out in our roundup of 2026 UI trends: immersion and emotion increasingly outweigh plain function. It's up to us designers to consciously pick which of the two reflexes — restraint or expressiveness — serves our own product best.
This synthesis article is based on the following videos:
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--- # Design Tokens: What the New W3C DTCG Standard Really Changes URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/design-tokens-w3c-dtcg Date: 2026-07-23 The W3C Design Tokens Format Module (DTCG) has been stable since late 2025, backed by 24+ organizations. What it actually changes for your design systems.A design token is no longer just a Figma variable or a homemade JSON file specific to one team. Since late 2025, it follows a shared norm: the W3C Design Tokens Format Module, maintained by the Design Tokens Community Group (DTCG).
We cross-referenced three very different videos to understand what this standard really changes. A pedagogical overview of token semantics, a deep dive with the W3C working group's co-chair, and a hands-on demo on Penpot, the first editor to adopt it natively.
Their common thread: a token is no longer locked into a single tool. It now drives design and code, with no manual translation between the two.
After five years of community work, version 2025.10 of the Design Tokens Format Module became the first stable edition of the standard. It went through three draft versions before being validated in the field.
This isn't an isolated technical detail: at least 24 organizations back it, including Adobe, Google, Meta, Microsoft, Amazon and Figma. More than ten tools, among them Penpot, Sketch, Framer and zeroheight, already support it or are implementing it.
Before this standard, every tool exported its tokens in its own format. Moving a library from Figma to Sketch, or into a build pipeline, meant maintaining fragile custom conversion scripts that broke with every update.
The new JSON format, using the .tokens or .tokens.json extension, becomes a stable API for plugin authors and tool builders. A token exported from one editor can be reimported elsewhere without losing meaning or structure.
The spec covers multi-theme management, modern color spaces like Display P3 and Oklch, and token relationships through inheritance and aliases. It also plans for cross-platform code generation, targeting iOS, Android, the web or Flutter.
A recent industry report (zeroheight, 2026) puts design token adoption at 84% of product teams, up from 56% a year earlier. Tokens have become the default, not the exception, even though 40% of teams still sync them by hand for lack of a real pipeline.
It's Figma's own video, filmed at the Schema 2025 conference with the W3C Design Tokens Community Group's co-chair, that shows the scale of the change on the tool side. Until now, importing or exporting variables in the standard format required a third-party open source plugin.
Figma deliberately waited for the standard to stabilize before integrating it, so as not to sway the market with a premature implementation.
The new import system doesn't just copy values: it reads the target collection. On an empty collection, it creates the variables and maps values across several modes automatically.
This logic builds on the same principles as converting styles into variables in Figma, but now with an exchange format that survives the trip out of the tool.
The real leap concerns multi-brand work. Extended Collections let a child brand automatically inherit the structure and modes of a root collection, while only redefining what actually changes.
A FigJam collection can inherit Figma Colors tokens and override only its own hues. Teams choose to host the extension in the same file, for instant updates, or in a separate file, for more experimentation freedom.
Figma offers a six-step method for centralized structures, tested with twenty companies: export the values, delete the existing modes, create the extension, reimport the overrides, publish, then accept the updates.
One catch remains after migration: mode settings applied on layers reset to the default mode. Teams need to reapply them manually, at the page or team level.
The most pedagogical of the three videos barely mentions the W3C standard at all, and that's telling. It documents a naming practice that was already widely shared, one the norm simply locks into a common format.
A button doesn't get "a green": it gets a success intent. Every state, success, warning or error, breaks down into four identical tokens (icon, text, border, surface) so designers always apply the same structure.
The Action / On-Action distinction follows the same logic: one token for the clickable element, another for whatever sits on top of it. This naming discipline is exactly what the DTCG format now lets teams document and exchange as-is, instead of reinventing it per team.
Two models dominate when it comes to organizing these tokens. The three-tier model, Brand → Alias → Mapped, separates the raw color, its first role, then its final usage: useful for multi-brand work or a complex dark mode.
The two-tier model, Primitives → Semantic, used by libraries like Untitled UI, is faster to set up. This architecture ties directly into documenting component specs in Figma: without rigorous naming, even the most thorough spec stays unreadable for the dev team.
Penpot isn't waiting on a proprietary format to convert later. The open source editor adopted the DTCG standard's draft as the native format for its tokens, even before the stable release shipped.
The Design Tokens Starter Kit, available on the Penpot Hub, imports token sets organized by category: colors, dimensions, border radii. Exporting produces a readable JSON file, which can be split into several files to separate themes from foundations.
This continuity between the design tool and Penpot 2.0's collaborative features confirms a deeper shift: tokens are becoming agnostic to their output platform.
Changing a density token from 1 to 1.2 automatically recalculates every spacing value in the interface. Switching between Light Mode and Dark Mode only changes the output values of semantic tokens, never their name.
The demo goes as far as accessibility: the built-in contrast plugin flags text that's too pale, and fixing the variable at the source is enough to bring the whole interface back into compliance.
The three sources don't shed light on the same problem. The general-audience video documents a naming practice that was already mature, independent of any format. Figma's deep dive describes the standard itself and its native integration. The Penpot demo shows what it looks like once the format is already adopted inside a tool.
This triple view confirms the change isn't cosmetic. A token named according to shared principles can now travel from one tool to another without reinterpretation, thanks to a single shared specification.
For a library already mature under Tokens Studio or a homegrown format, the question mostly comes up when switching tools or starting a multi-brand project. Figma's six-step migration method is the best documented approach so far.
For a new project, the answer is simpler: starting directly in the DTCG format avoids a future migration altogether. That's exactly the argument that carries weight in a 2025 comparison between Penpot and Figma, for teams looking to limit their dependency on a single editor.
A design token was always just a named value. What changes with DTCG is that the name and its structure now survive a change of tool, designer or output platform.
What still doesn't automate itself: deciding which intent each token carries, and where to draw the line between foundation and semantics. The standard structures the exchange; naming discipline remains, as ever, our job.
This synthesis article is based on the following videos:
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--- # Vibe coding: what's the impact on the design profession in 2026? URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/vibe-coding-impact-design-profession Date: 2026-07-23 Vibe coding: between the end of role silos, a logo designer who gave up, and a rebuilt Figma-Claude workflow, what actually changes for designers.Vibe coding is easy to describe but hard to overstate. It means generating an app or an interface by talking to an AI, instead of writing every line of code yourself. We looked at three videos that tackle this shift from very different angles, without falling into the "AI replaces designers" trap.
The first comes from the creator of an AI coding tool, describing how roles are being reorganized inside a real engineering team. The second follows a logo designer confronted directly with AI on his own creative turf. The third documents, step by step, the workflow of a designer who rebuilt his entire process around AI, from Figma to deployment. Three readings, one phenomenon.
In this interview, the creator of the AI coding tool describes a radical shift inside product teams. The walls between design, product and engineering are dissolving as coding becomes accessible to everyone. Inside the team he calls Quad Code, product managers and engineering leads write code themselves.
Value no longer comes from the line written, but from the overall product vision.
Rather than splitting people by technical specialty, the organization he describes is structured around the product's lifecycle. Coding stops being a differentiator — it becomes a shared prerequisite. Five profiles emerge:
The most concrete point is also the most telling: a designer can now nudge a button's position herself, without pinging anyone on Slack or filing a ticket. Removing that friction doesn't erase the developer's role.
It redefines it around the ability to navigate an entire project, rather than being the sole gatekeeper of implementation.
The design world was shaken by the announcement of a well-known logo designer who said he was giving up in the face of AI. The trigger: a tool called Fable 5, capable of generating logo concepts in seconds. Rather than take that surrender at face value, another creator tested the tool himself on three real briefs.
For Meridian, a consulting firm, the AI proposes a semantically strong idea: a vertical line through the "I", evoking a meridian. But the execution falls apart — the name becomes unreadable, parsing as "Myrr" and "Deianne" instead of Meridian.
A second concept falls back on a tired cliché, a compass needle, revealing the AI's tendency to pick the path of least creative resistance rather than an original idea.
For Hartwell, a solid-wood furniture workshop, the result is more mixed. The AI folds a butterfly key into the crossbar of the "H" — a genuine nod to the client's craft, arguably the best output of the whole test. But the kerning across the rest of the alphabet stays uneven, a mistake any junior designer would catch.
For Crux, a climbing gear brand, the AI fails to grasp the real constraints of a logo system. A thin white line meant to symbolize a hinge disappears entirely once the mark is shrunk onto a clothing label. Another concept, a plain "peak and valley" shape, ends up looking like a generic gas-station logo.
The designer has to step back in: adjusting curves, thickening strokes, injecting the personality that was missing. The verdict is nuanced.
Fable 5 behaves like an intermediate-level designer at best. It can iterate fast, but it can't yet tell a good idea from a cliché on its own — or think in terms of a whole system rather than a single isolated image.
A radically different picture: a designer who rebuilt his entire process around AI to ship a real, deployed application. He built a playable, interactive version of the show The Mole, made for a party with friends. The stack: Figma, Claude, GitHub, Vercel and Supabase.
Before writing a single line of code, he still opens Figma to think through the user flow, the hierarchy and the interactions. Ten minutes spent thinking through design saves thousands of tokens in code generation later on.
He keeps creative direction himself — here, a spy-movie aesthetic of CRT monitors and green scanlines — rather than letting the AI invent the product's soul. It's the same logic we described in how Figma Make turns a mockup into a real product.
Once the visual direction is locked, Claude becomes the developer. Fed the context of the Figma files through connectors, it asks questions the designer hadn't anticipated: how should scores be calculated? what question format should be used?
That back-and-forth forces the business logic to get clarified before the database even exists. It's a dynamic close to what we described about Claude and the prototyping revolution.
GitHub tracks every change; every commit triggers an automatic deploy on Vercel, giving a real, testable URL within seconds. That fast loop changes everything — you immediately see if a button is too small or text is unreadable, under real conditions.
Supabase handles the data model on its side — players, quizzes, responses. A SQL editor acts as a safety net whenever the automatic link between the AI and the database breaks.
The key skill is no longer avoiding problems, but learning to solve them faster. A bug that would once have cost three hours now gets fixed in minutes, once you treat the AI as a collaborator you question rather than a magic button.
These three readings complement each other more than they repeat one another. The tool creator describes roles reorganizing around the product lifecycle, rather than around technical specialty.
The logo designer's story shows AI's concrete limits: readability, originality, scaling constraints. The designer-turned-builder shows what a rebuilt workflow actually looks like day to day — Figma always first, AI as executor, a deployment loop compressed from weeks to hours.
What all three have in common: design doesn't disappear, it shifts toward intent and creative direction. That's a broader trend we already tracked in the return of hybrid, technical profiles on the design job market.
None of the three sources concludes that the designer becomes obsolete. Even the tool creator frames the shift as a reorganization of roles, not their disappearance.
The logo designer who gave up seems to be reacting more to personal burnout than to an absolute technological reality, as the breakdown of his own tests suggests.
Taste, critical judgment and a real grasp of a medium's constraints remain the filter AI still can't reproduce on its own. That filter is exactly what separates a usable result from one that looks great on a 27-inch screen and falls apart once printed small.
Three habits emerge from these three stories, useful on any project, a friends' game night or a client product:
For a deeper dive into which skills to prioritize, our article on designer AI skills for 2026 picks up exactly where this leaves off.
Vibe coding doesn't erase design — it shifts its center of gravity. Less time spent producing every pixel or every line yourself, more time spent deciding what deserves to exist on screen.
The question isn't whether AI will replace designers anymore. It's which designers will learn to direct AI, instead of enduring it.
This synthesis article is based on the following videos:
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--- # Framer vs Webflow in 2026: Which No-Code Tool Should You Choose in the AI Era? URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/framer-vs-webflow-2026 Date: 2026-07-23 Framer or Webflow in 2026? Design, AI (Wireframer, Workshop), CMS and pricing: our honest comparison to help you pick the right no-code tool.Framer and Webflow have spent years fighting over the same ground: building a professional site without writing code. In 2026, the real divide is no longer editor ergonomics — it's the artificial intelligence each tool now ships with.
We cross-referenced three complementary takes: a head-to-head comparison of both platforms, a tutorial pushing Framer's AI features to their limits, and the first-hand account of a designer who migrated his own site. Enough to move past the marketing pitch and decide based on your actual use case.
Framer opens like a graphic design tool: an infinite canvas and "design pages." Native vector tools let you draw rectangles, stars, or pen paths without ever leaving the editor.
For a custom icon kit, the process is straightforward: adjust the stroke weight, watch the component update, then export to SVG — no round trip through Illustrator required.
Animation follows the same organic logic, powered by the Motion library: hover effects, blurs, and scroll-triggered transforms come together in a few clicks, no GSAP plugin needed. Webflow, by contrast, still relies on its traditional timeline — any scroll effect requires an action configured on a specific class, with a naming discipline Framer doesn't demand.
This is where the real shift of 2026 happens. Framer no longer just assists the design process — it generates structure and code on demand, through two distinct, complementary tools.
The process starts with a simple description — portfolio, company page, changelog. Wireframer instantly builds a complete architecture, with desktop, tablet, and mobile versions generated automatically. Contact sections, galleries, and headers all appear without touching a single traditional drawing tool.
This output is a starting point, not a finished result: an element misplaced on mobile gets nudged back into place with the arrow keys, exactly like any other layer. This total freedom on the canvas sets Framer apart from more rigid tools like Linktree, where nothing goes deeper than the template.
When no-code hits its limits, Workshop takes over to generate a custom code component from a precise prompt. Describing a card with a background image, a dark gradient for contrast, and a 3D flip effect on hover is enough to get a working, ready-to-drop component.
The result often exceeds the initial request: gradient intensity, animation duration, or font controls that can be added afterward, with no CSS to write. We find the same prompt-driven logic we tested on Figma Make and Lovable — except Framer publishes the result live instantly, with no separate export step.
Beyond staged demos, the most telling test is a practitioner migrating a real project. A freelance designer, a former agency lead, rebuilt his own professional site in Framer — a chance to step outside a scripted scenario.
His old site, built seven years earlier on Readymag, had every flaw in the book: outdated typography, painfully slow loading, zero responsiveness. Every update, even swapping a font or adding a client testimonial, turned into a fight with the interface.
Opening Framer, the Design Pages echo Figma's behavior: layers, components, full freedom of movement. Standard keyboard shortcuts all just work (Control G for the grid, Control R for rulers), skipping the painful relearning curve he faced moving from Sketch to Figma.
Eight hours of hands-on exploration, tutorials included, were enough to grasp the component logic and think in layers rather than lines of code.
Stacks automatically rearrange testimonials or lists without moving each element by hand. Turned into components with text, image, and video variables, these blocks can be dropped onto any page while keeping perfect consistency.
The real test was responsiveness on a deliberately deconstructed editorial layout. The designer kept his complex alignments intact down to under 1000 pixels wide, without writing a single line of code. An infinite carousel generated by Workshop replaced, in under two hours, a feature once thought impossible on his old platform.
On content management, both platforms offer solid collections, but with opposite philosophies. Framer pushes field customization all the way to embedding interactive components, and connects external sources like Notion or Google Sheets through dedicated plugins. Dynamic filters and multi-references make browsing large content libraries easier.
Webflow still leads on structural rigor: predefined templates that work well for blogs or portfolios, and a back-end view that's easy to read across thumbnails and metadata. Its barrier to entry stays higher, though — no CMS on entry-level plans — a constraint we already covered in our hands-on with Webflow.
On the Framer side, AI also automates technical SEO: one click generates alt text for every image in a project, validated then applied automatically. A once-tedious task becomes a simple review step.
It doesn't replace the structural depth of a CMS built for hundreds of entries, though. On that front, Webflow remains the reference for complex content or the kind of interactive experiences you get pairing it with Spline.
Real-time collaboration is now a baseline expectation: both tools let you invite clients and teammates, with live cursors and fine-grained access control depending on who's in the room. Design becomes an almost "multiplayer" activity, where every change appears instantly for the whole team.
Pricing, though, diverges sharply in clarity. Framer bets on simplicity, with a free domain included and plans that are easy to compare. Webflow complicates the math with extra costs for workspaces and editor seats — picking a plan becomes a strategic calculation based on team size and number of contributors.
All three sources converge, but each lights up a different angle — and that's instructive. The broad comparison (Jeremy Mura) sweeps across design, AI, CMS, collaboration, and pricing to lay the groundwork for the match-up.
The Framer University tutorial zooms in on the hands-on process: Wireframer for structure, Workshop for the custom component, all the way to publishing. The practitioner's account (BONT) delivers what no marketing demo can — a real project migrated, with real frustrations beforehand and measurable gains after.
Neither tool wins across the board. The right pick mostly depends on what you're trying to build:
Prompt engineering matters almost as much as the tool itself: a precise brief on context, layout, and expected interactions radically changes the quality of the result, on Framer just as on any other AI generator.
Framer and Webflow are no longer two clones fighting over the same audience. Framer speeds up solo production thanks to generative AI built deep into the editor; Webflow remains the safe bet for structured content at scale and larger teams. The real winner of this duel, in 2026, is the designer who knows which one to call on for which project.
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--- # Forge of Empires: When Game Complexity Becomes a UX Problem URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/forge-of-empires-ux-teardown Date: 2026-07-22 Twelve years of stacked systems have made Forge of Empires unreadable without outside guides. A UX teardown of its onboarding, the Great Buildings overhaul, and what Dynasty Nova does differently.Forge of Empires has been running since 2012. Twelve years of updates have stacked systems on top of systems — and today, two dedicated YouTube channels exist for the sole purpose of explaining how to actually play it.
That's the symptom we want to dissect here: when a game needs a whole parallel industry of guides to stay legible, that's a UX problem, not just a content gap. We cross-referenced three videos — a system overhaul, a starter guide, and a guide to common mistakes — to see exactly where the interface leaves the player behind.
Before placing a single hut, new players must pick a server code (FR, US, EN, Beta), then a world within that server — a choice with real consequences (economy, player seniority) that no interface explains clearly in the moment.
The game teaches the basics — huts, barracks, first units — but the real strategy (don't overbuild, save your coins, target the right provinces) is never spelled out. A 22-minute external guide exists purely to fill that gap.
The first Great Building, the Oracle of Delphi, illustrates the problem well: easy to get, but a dead weight long-term. Deleting it breaks the main quest chain — a consequence the interface never flags:
Social features (friends list, guilds) follow the same pattern: they unlock a huge share of passive income, but only a third-party guide really explains it.
Helping 70 to 80 neighbors a day earns roughly 1,500 coins — enough on its own to complete a recurring quest. Nothing in the interface signals that ratio: a player going it alone can spend weeks without realizing their real income source is slipping past them.
The "guild hopping" tactic — joining an open guild, helping everyone, then moving on to test another — isn't documented anywhere in-game. It comes exclusively from community guides, further proof that the social meta lives beside the interface, not inside it.
The beta update for Great Buildings adds three bonus tiers — copper, silver, gold — but only 19 of the 48 existing monuments are even eligible. No simple visual cue distinguishes a "capped" monument from an "upgradable" one.
Shifting from an exponential cost curve to a piecewise-linear one wipes out what veteran players call the "sweet spot" — the zone where investing still paid off. On the Himeji Castle, the cost to reach level 100 jumps from 400,000 to 1.9 million forge points. Years of hard-earned strategic intuition become obsolete overnight, with little real support through the transition.
The new "blueprint refinery" — trading a full set of copper blueprints for a random silver one — lives in a monument submenu, with a daily cap and a rising cost per use. Even the creator of the source video, an experienced player, admits the system is still "a work in progress" and worries about balance exploits favoring the fastest players.
Of the 19 monuments affected by the overhaul, only four — the Statue of Zeus, Aachen Cathedral, Alcatraz, and the Kraken — grant a multiplier bonus instead of a flat value. They stay mathematically superior over time, but nothing on their building card visually sets them apart from the other 15.
Once again, a player has to consult an outside guide to know where to focus their forge points — the same hidden-complexity mechanic as onboarding, now applied to long-term investment.
The third source video sums up the core issue in one blunt line: players build their city "emotionally," not rationally — because nothing in the interface nudges them toward efficiency.
Auto-combat is framed as a convenience, but it often works against players who don't know unit counter-types. The result: losses that feel like bad luck, when they're almost always predictable to anyone who understands the system — invisible from the combat screen itself.
Three entire systems — Guild Expeditions, Guild Battlegrounds, Quantum Incursions — radically speed up progress. None of the three gets surfaced to a player who isn't actively seeking out third-party content to discover them.
Twelve years of stacked layers partly explain this complexity — but they don't excuse it. That's exactly the opposite bet we made on Dynasty Nova: build legibility in from the start instead of patching it in later.
On monetization, we chose a Pay-to-Fast rather than Pay-to-Win approach — the opposite of a system of hidden tiers where only veterans know what's actually worth it. On progression, our tech tree redesign aims precisely at avoiding a player ever needing an outside guide to know where to invest. And on overall accessibility, we documented our mobile-first UI approach so a new player never depends on a YouTube tutorial just to get started.
Forge of Empires remains a deep game, and that's partly why it's lasted twelve years. But depth and legibility should never be at odds — and today, it's an entire industry of content creators compensating for what the interface doesn't say.
For a whole genre of browser management games, the real design question isn't "how many systems can we stack?" anymore — it's "how many of these systems can the player discover without ever leaving the game?" That's the question we keep in mind at every decision on Dynasty Nova.
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--- # Designer AI Skills in 2026: What Actually Matters for the Long Run URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/designer-ai-skills-2026 Date: 2026-07-22 70% of design jobs at risk by 2030? What 3 analyses of the 2026 market actually show: what's becoming a commodity, the niches exploding in value, and what AI can't replace.In April 2025, Duolingo announced its shift to an "AI-first" model, replacing part of its creative vendor base with AI tools. Since then, a wave of alarmist videos has been predicting the death of UX/UI design: up to 70% of today's design jobs could disappear by 2030, according to some projections.
The number is shocking, but it hides a more nuanced picture. We cross-referenced three readings of the 2026 market — one alarmist, one taking the opposite view, one focused on individual productivity — to understand where a designer's value is actually shifting.
The first shared conclusion: the pure execution layer — landing pages, dashboards, standard app screens — is becoming a commodity. Tools like Midjourney, ChatGPT or Framer AI already generate these structures in seconds.
Resizing assets, manually nudging spacing, rebuilding components endlessly: this repetitive work no longer counts as an edge. On these mechanical tasks, AI already outperforms most professional designers.
Scroll through hundreds of portfolios and the same pattern keeps showing up: everything looks alike. Same layouts, same standard components. Standing out now depends on intentionality — the one lever that stays genuinely human.
The line between design and development is genuinely blurring. At Intercom, a team of 30 designers no longer ships static mockups: they push their work straight to production using tools like Cursor or Claude Code.
Google has even institutionalized this shift with its own UX Engineering guide. It teaches how to manipulate the front-end with Framer or Webflow without breaking the back-end — a skill jump that echoes what we already covered in our Figma Config 2026 breakdown around Code Layers.
We're no longer talking about coding an app from scratch, but adjusting visuals through successive prompts — vibe coding. Tools like Google Stitch or Figma Make embody this merge: prototyping and design become a single step.
Jenny Wen, a former Figma designer, points to an even more radical shift: the traditional process steps — ideation, wireframe, testing, iteration — are becoming optional for more and more teams. Product managers are now pushing designs straight to developers, skipping the designer entirely.
With tools like Google Stitch or Figma Make, teams talk about AI-boosted "design sprints": if the available data is enough to validate a direction, they skip testing and go straight to implementation. Every company faces the same strategic call — go full vibe coding, or hand the wheel back to designers to preserve human quality control.
The market is polarizing, forcing a positioning choice. On one side, excelling inside a corporate environment; on the other, using AI as a solo force multiplier. Both paths start from the same premise: purely executional junior roles are the first to be at risk.
At companies like Netflix, the designer who survives masters organizational and business complexity as much as aesthetics. Their value no longer lies in raw technique, but in turning a vision into reality inside a large organization — communication, collaboration, and a grip on business stakes.
On the other end, the Super Individual builds alone, without an army of engineers. AI becomes a 24/7 team for testing a market fast. But building isn't enough: too many designers get stuck on side projects that never find an audience. Selling — through content, through social — matters as much as making.
For the designers who remain, the field isn't shrinking — it's exploding inward into hyper-specific niches. Six trajectories stand out clearly across 2026 market analyses.
One factor stays constant no matter how powerful the algorithms get: taste. In an era of visual abundance, the designer becomes more curator than executor — it's their eye that filters what's actually relevant to the user.
What comes out of a model depends entirely on what goes in. Without solid UX research upfront, AI stays just as mediocre in its suggestions as a poorly informed designer — it can imitate taste, but it doesn't have the intentionality that makes an experience memorable.
AI mostly speeds up how fast bad ideas get eliminated, with a "deep research" mode compiling in seconds what used to take hours of manual digging:
Knowing Figma or an AI tool gets you hired. It doesn't guarantee you keep the job once you're in the arena, where everyone uses the same tools.
What creates a lasting edge: the ability to defend a decision out loud, to understand why the business exists, to own a project long after the files are exported. A designer who can't justify their design has produced a dead design — no matter how good the tool behind it was.
That's the same point we made in our piece on the comeback of hybrid, technical profiles: versatility isn't optional anymore, it's the entry ticket.
Design isn't disappearing, it's being redrawn. Technical skills open the door; judgment, communication and empathy are what keep you in the room.
Picking a specialization now, investing in what can't be coded, and turning AI into an assistant rather than a threat: that's the combination that separates a career built to last from one that ends at the next round of layoffs.
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--- # Google Stitch vs Figma Make: Comparing AI Interface Generators in 2026 URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/google-stitch-vs-figma-make Date: 2026-07-22 Google Stitch, Google's free AI interface generator, tested against Figma Make and Claude Design: design system, Figma export, code, limits. The full test.Google launched Stitch with a simple promise: turn a prompt into a full interface, for free. Since the March 2026 update (Stitch 2.0), this Google Labs tool has been going head-to-head with Figma Make, Claude Design and a dozen other AI generators.
We cross-referenced three independent testers who put it through real scenarios: a crypto dashboard, a tea shop product page, and a full ranking against the rest of the field. The goal: is this a passing curiosity, or a genuine alternative to our usual workflow?
The first lesson from Stitch is philosophical. Instead of drawing one isolated screen, the tool first generates a complete design system: primary, secondary and neutral colors, a type scale, base components.
On a dark-mode crypto dashboard test with purple as the primary color, Stitch immediately delivers buttons, badges and progress bars that already feel consistent. Starting from a blank page produces noticeably weaker results by comparison.
On a second test — a product page for a tea shop — the tool breaks its own work down into elementary building blocks before delivering a full screen: buttons, labels, reference palettes. This modular approach is reassuring: the AI builds an editable system from the start, not a frozen image.
The settings panel on the right lets you adjust corner radius, fonts or contrast without touching a single layer by hand. Switch from rounded to sharp corners, and the whole interface updates instantly:
Once the foundation is set, Stitch becomes a genuine conversational canvas. Ask for extra pages — trading, settings, markets — and the tool respects the navigation structure already in place.
The variation feature offers three levels: refine, explore, or reimagine a page entirely. On a trading page, the AI proposed two distinct directions within seconds — one with horizontal bars, another closer to Coinbase's layout.
Flipping a whole interface into dark mode takes only seconds, contrast recalculated included — testers note that the mobile designs it generates are often more polished than their desktop counterparts.
For collaborative feedback, an annotation tool lets you draw directly on the mockup or leave a text comment. Describe a change in plain language — say, making a typeface more elegant — and the agent updates the whole visual hierarchy to keep things consistent.
Screens can be linked together to simulate a real user flow, hotspots included. Stitch even distinguishes clickable zones from dead space, which makes client demos feel credible from the first pass.
On export, three doors open: copy-paste into Figma while preserving auto-layout, download a ZIP with the design Markdown files, or go straight through Google AI Studio to generate a React component hierarchy in Tailwind CSS.
An independent comparison tested a dozen tools, from Figma to newcomers like Paper or Magic Path. Stitch lands in tier A, held back mainly by sluggish canvas rendering during animations.
Stitch's most structural contribution is its design.md format: a Markdown version of the design system, readable by both humans and AI agents. This plain-text file becomes a shared source of truth between design and code, without locking anyone into a proprietary format.
That's exactly what Claude Design hasn't done: Anthropic's tool produces polished results, but with its own closed format. The flow there stays one-way, toward Claude Code, never back.
Figma, for its part, still holds a solid lead thanks to its dev mode, variables, and years of usage data on auto-layout. The announcements from Config 2026 — MCP connectors, generative plugins — show Figma has no intention of ceding ground to generative AI without a fight.
The comparison actually ranks Figma in tier B only: its WebGL foundation loses fidelity between prototype and final code, a problem that lighter tools like Paper or Magic Path avoid by working directly inside the coding environment, right next to agents like Cursor or Claude Code.
The short answer is no — not yet, anyway. Figma remains deeply embedded in team habits, with collaboration tools and design systems already built that Google can't replicate in a few months.
Stitch shines instead at the 0-to-1 stage: ten concepts explored in minutes, for free, before you even open a production tool. It's an ideation accelerator, not a replacement for the Figma Make, Framer and Lovable trio when it comes to finishing the job.
Then there's the jobs question. The comparison that keeps coming up is ChatGPT, which didn't wipe out communication careers: AI in design will reshape our roles more than it erases them. As Figma's AI agent and its MCP connectors already show, automation shifts the work — less time drawing every button, more time directing and validating concepts.
Google Stitch isn't burying Figma, but it's changing how we approach a project. Explore fast and for free with Stitch, refine and ship with Figma — and design.md could well become the standard bridge between the two worlds.
The race is moving fast: Google ships weekly updates, and Figma has every card it needs to respond. One thing is certain — our added value is already shifting toward art direction and strategy, away from pixel-by-pixel execution.
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--- # Shader Fills & Weave: generative AI arrives on the Figma canvas URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/figma-shader-fills-weave-generative-ai Date: 2026-07-20 Shader fills, shader effects, and Weave: how Config 2026 brings AI generation directly into the Figma canvas, without ever switching tools.We've already covered every announcement from Config 2026, from Code Layers to the upgraded agent. Two features deserve their own deep dive: shaders (fills and effects) and Weave, the multimedia generation tool now built into Figma.
Both share the same ambition: bring generative AI straight into the canvas, without ever forcing designers to leave Figma to produce a texture, an image, or a video.
Until now, Figma's gradients and effects relied on pixel math that stayed invisible to the user. With shaders, that mechanism is finally exposed: we manipulate the visual material directly, pixel by pixel, in real time.
Shader fills apply like smart fill layers, with precise variables: line density, chromatic aberration via RGB split, and a stroke origin we can drag directly on the canvas.
The real skill is in blend modes. Soft Light, Screen, or Overlay let the original artwork show through instead of being buried under the texture — worth testing from the first pass.
Shader effects alter the structure of an existing image or text: a water caustic look, illustrative hatching, or a frosted-glass refraction applied to typography.
Their compatibility with Figma Motion changes the game: keyframing a shader's amplitude or frequency turns a static texture into a fluid animation without ever leaving the design tool.
Beyond the default library, the Figma agent can build a custom shader from an existing effect. The agent runs a real technical back-and-forth, asking which variables should stay adjustable before shipping a reusable tool fully wired into the workflow.
Weave starts from a frustration shared by many creatives: the "prompt, iterate, repeat" cycle that forces us to jump between AI models with no continuity, starting from zero on every new project.
Weave answers with a node-based environment: a text node defines a context, wired into an image model like Flux 2 Pro or Flux Pro. We can wire several models in parallel — Nano Banana 2, Recraft 4 — to compare outputs on the same prompt before picking one.
A comparison node places the source image next to its edited version behind an interactive slider, so we're never navigating iterations blind.
The Text Iterator turns a static prompt into a dynamic system: changing a single word in the source node — a destination, a setting — reruns the entire generation chain while keeping visual consistency, anchored by a reference image that locks in subject identity.
This variable logic is what really sets Weave apart from a plain image generator: we stop creating visuals one at a time and start building a system that can produce dozens on demand.
The generated image becomes the first reference frame for a video model like Gro Imagine Video or Cedance. Duration, resolution, and camera movement are all set in the same panel, and re-rendering the clip doesn't require touching the source image.
Pure graphic nodes with no AI involved stay available for color correction or cropping — manual control still has its place alongside automated generation.
The example built around the hiking brand Offra shows the tool's professional reach well. A language model like Gemini Pro or GPT-4 analyzes the brand's reference images to extract a production brief: photographic style, composition rules, mood.
That brief then drives the text iterator: swapping one destination for another (Alaska becomes Australia) instantly regenerates a set of images that stay on-brand, because they come from the style analysis rather than a hand-rewritten prompt. The Figma Node closes the loop by connecting the design system's components and colors directly into the workflow.
The most important thing both demos have in common is turning a complex workflow into a Weave Tool that any designer can use without node-based expertise. Adding a logo to a product shot, virtual clothing try-on, background replacement: each tool hides a complex pipeline that only advanced users ever need to open.
That abstraction layer is what separates Weave from consumer image generators already covered on Krea.ai: Weave isn't chasing the single best image, it's chasing repeatability at team scale.
The risk both demos flag is over-engineering: asking for full manual control over every shader or Weave variable adds complexity that isn't always worth it for a one-off use.
Shaders and Weave follow the same trajectory: pulling AI generation out of the isolated chatbot and anchoring it in the production canvas. Shaders make texture programmable and animatable; Weave turns a prompt into a reproducible system, all the way down to a simple tool in Figma's left-hand panel.
For a design team, the question is no longer which image generator to try next, but where to place these new nodes and parameters inside a workflow that already exists.
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--- # Figma Agent and MCP: The Complete Guide to Connecting AI to Your Design System URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/figma-agent-mcp-guide Date: 2026-07-19 Figma Agent and MCP in practice: Notion/GitHub connectors, Custom Skills, and the bridge to Cursor for turning a design into code that actually works.Since Config 2026, the Figma Agent is no longer a separate chat window. It sits directly in the side panel, in a contextual bubble on hover, or in a mini-chat via Cmd + Enter.
We watched Figma's official deep-dive, a hands-on tutorial connecting Figma to Cursor via MCP, and an independent first-look review to understand what this agent can actually do.
Verdict: the agent isn't here to replace our aesthetic judgment. It absorbs the chores — cleanup, content, first-pass code — so we get more time for art direction.
The agent offers three entry points: the side panel, a contextual bubble on hover, or Cmd + Enter for an instant mini-chat. If the bubble gets in the way of a precise manipulation, Cmd + K hides it while we work.
Every conversation syncs into a centralized history: clicking a past change jumps us right back to where the action happened, so we never lose the thread of an iteration.
The designer's biggest frustration is the constant back-and-forth between the creative tool and external sources of information. MCP connectors remove that back-and-forth entirely.
We can pull a brief from Notion, generate designs in Figma, then push our edits back to the source document with precise references. This two-way sync eliminates the transcription errors that creep in between product manager and designer.
The agent can also search the web in real time. For a weather app, it pulls the actual temperatures for San Francisco and drops them straight into the mockup — without ever breaking our creative flow.
Custom Skills are simple Markdown files that encode our house conventions. The agent stops being generic: it learns our naming rules, our visual habits, our way of documenting things.
These skills are composable — a skill like Spec Up can itself call on a broader skill like Create Documentation. They're shared with an entire team in seconds, which lets a senior designer's expertise scale across the whole organization. Concrete payoff: the AI annotates typographic hierarchies and accessibility contrast on its own, with nothing overlooked.
In a demo built around the hiking app Offtrails, the agent starts from a selection of existing elements to understand context — no magic generation, just contextual interpretation grounded in our own component libraries.
Parallel prompting lets us launch several tasks at once: updating content for a city, swapping profile photos, testing a dark mode. The designer becomes an art director steering several tracks at the same time.
We can also ask for constrained variations — changing the layout without touching fonts or colors — to test different structures without ever stepping outside the brand guidelines.
The agent goes beyond pure aesthetics too: importing a CSV file of heart-rate or elevation data populates a hiking-tracking page with real numbers. We stop designing for an idealized case and start designing for the unpredictable reality of actual users. Code layers follow the same logic: asking to turn a list into a grid reorganizes the components, and the result stays interactive, not just visual.
No more Lorem Ipsum hiding real readability problems: the agent replaces generic headlines with realistic content, matching visuals included. It can also apply Auto Layout to every nested frame in a selection with a single command — as long as our layers are named properly, since that's what it relies on to understand the hierarchy.
Handed a sales page, the agent flagged a hero image that was too small, weak contrast on the size selectors, and a call-to-action button that carried too little visual weight. It can also summarize a team feedback session into a concrete action list — and respond directly to comments left on the canvas. A colleague asks to remove colored borders or enlarge buttons? The agent interprets the comment and applies the change, without looping back to us for every micro-adjustment.
Figma's MCP server opens a real bridge to code. Unlike Figma Make, which interprets a screenshot, MCP gives the AI direct access to the file itself — layers, variables, auto layouts.
The outcome depends entirely on upstream rigor. Every spacing value, every corner radius needs to be bound to a variable, not a free-floating number:
In Figma Beta preferences, we turn on Enable dev mode MCP server. Then we paste the configuration Figma provides into Cursor's tools tab. All that's left is selecting our frame and talking to the agent (Claude 3.5 Sonnet in the demo) so it can read our variables, styles, and images directly.
On a test calculator, the AI generates index.html, style.css, and the JavaScript carrying the calculation logic. The result genuinely works: 10 + 5 shows 15, 10 × 3 shows 30.
The first pass isn't perfect — sometimes we need to fix button sizing or alignment with precise follow-up prompts. But the line between design and front-end is dissolving: we ship a working product, not just a mockup.
Every designer defines "chore" differently: some love polishing pixels, others prefer systems architecture. The agent has to stay flexible, and quiet when we're not calling on it.
Figma also leans on its multiplayer DNA rather than silos: conversations with the agent are shared and visible to the whole team, including how a colleague phrased their prompt.
MCP connectors, Custom Skills, a bridge to code: these three building blocks sketch out an agent that does the dishes so we can focus on the art. Aesthetic judgment and understanding user needs remain deeply human.
What's left is learning to direct these new prompts — and deciding, project by project, how far to let the AI go in our own workshop.
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--- # Figma Motion, Jitter, Rive, or Lottie: Which Animation Tool Should You Pick in 2026? URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/figma-motion-vs-rive-jitter-lottie Date: 2026-07-19 Can Figma Motion replace Jitter, Rive, and Lottie? A practical comparison to help you pick the right animation tool for your needs in 2026.Since Figma Motion was announced at Config 2026, one question has been circulating in design teams: should you uninstall Jitter, Rive, or your Lottie plugins?
We watched Figma's official deep-dive, a full tutorial, and — most tellingly — a head-to-head crash test against Rive to settle the question.
Verdict: Figma Motion replaces none of them. It redraws the boundaries — and this guide compares all four tools on the one question that actually matters: what happens to the animation once it's built?
The idea is simple: a Motion tab appears at the bottom of the screen, a familiar timeline opens, and every animatable property shows a small diamond icon.
We set a keyframe on position, another on opacity, and Figma interpolates between them. The Mo gizmo lets us draw trajectories straight on the canvas, no numeric value table required.
Each frame gets only one timeline. That's perfect for a micro-interaction or a screen transition, more limiting once several animations need to run independently in parallel.
The auto-key mode automatically records every canvas change as a keyframe — closer to stop-motion, where you nudge the object and let it tell its own story.
The easing presets (ease-in-out-back, elastic overshoot) pull animation out of linear stiffness. The Figma agent can already draft a first pass of keyframes from a plain sentence like "make these elements fly in from the sides".
The gap shows up immediately on something as simple as a button appearing: a plain translation feels flat, while an ease-in-out-back curve gives it a light elastic bounce that catches the eye. You can also vary scale mid-course — an object starts at 100%, dips to 50% halfway through, then returns to 100% at the end — for a sense of depth a straight translation never delivers.
To settle the debate, one tester rebuilt the same project — the Weather Buddy weather app — in both Figma Motion and Rive. The technical verdict is clear-cut.
Rive separates the X and Y axes natively, and runs several independent animations in parallel. Everything is orchestrated by a State Machine that reacts to live data.
Figma Motion combines X and Y by default — you have to enable separate dimensions to split them. It also stacks everything on a single timeline: the result feels closer to an enhanced Lottie format than a true interactivity engine.
One technical detail says it all: a simple reflection effect on a pair of glasses requires duplicating the group just to build a mask, while Rive handles that logic natively. A sign that Figma Motion is still built for the artboard, not yet for the interactive scene.
Ask Figma Motion's AI for a simple eye blink: it drops in keyframes without reorganizing the timeline around them. Functional, if a bit messy.
Rive's AI, on the other hand, writes an actual script. For an animated snow effect, it generates code that drives hundreds of particles. The payoff: set the temperature to 105° → the interface updates instantly through data binding.
The tester's conclusion: Figma Motion is the easy on-ramp to motion, while Rive remains the tool for teams turning a design into an interactive product — see our Rive vs Lottie comparison for a deeper dive.
Jitter plays a different card entirely: everything happens in the browser, no Figma file required. Import a design, drop in animations from a preset library, and export to MP4 or GIF within minutes.
It's the fastest option for lightweight motion marketing — a product mockup, a social post, a client demo — whenever the animation never needs to travel back into the source design file.
Figma Motion keeps the opposite advantage: staying inside the same file as your components and variables, with no export-then-reimport loop on every iteration.
The typical workflow: design the interface in Figma, open it in Jitter, then drag each layer onto the timeline to assign an entrance, an exit, or a loop. No After-Effects-style learning curve — which is exactly what made the tool popular with marketing teams.
Lottie isn't an editor — it's a format (JSON/dotLottie) that developers drop straight into an iOS app, an Android app, or a website, with no heavy video file to load.
Figma Motion doesn't export natively to Lottie yet. You have to go through community plugins like the official LottieFiles plugin to convert native keyframes into a compatible file.
The format traces back to the Bodymovin plugin for After Effects: it encodes an animated vector as JSON, with no pixels or video frames to decode. The payoff is a tiny file size next to an MP4, a crisp render at any resolution, and playback you can control in code (speed, pause, color) once it ships inside the app.
The ecosystem's unofficial tagline sums up the split rather well: Figma Motion designs it, Lottie ships it.
Before picking a tool, one question matters more than any other: where will this animation live? Does it need to react to anything beyond a simple video player?
Plenty of teams end up combining two tools: Figma Motion to spec out the intent, Rive or Lottie to execute it in production.
Figma Motion doesn't kill any of the other three. It just shifts the boundary: what used to require a round trip to a third-party tool is now handled inside the Figma file, for the simple cases.
For everything else — data-driven interactivity, fast video production, lightweight cross-platform export — Rive, Jitter, and Lottie keep a lead that Config 2026 didn't close.
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--- # Figma Make, Framer or Lovable: Which AI Design Tool Should You Pick in 2026? URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/figma-make-framer-lovable-ai-design Date: 2026-07-18 Figma Make, Framer or Lovable for AI-assisted design in 2026? Three real-world tests (onboarding, marketplace, showcase site) to pick the right tool for your need.Asking an AI to generate an interface is nothing exotic in 2026, but the result varies wildly depending on the tool. Figma Make, Framer and Lovable share the same promise: turn a prompt into a working screen. But each one targets a different outcome.
We cross-referenced a direct Figma Make vs. Lovable comparison across three concrete scenarios, an in-depth Figma Make tutorial, and a hands-on test of Framer's new AI site generator. Enough to move past the marketing demo and focus on real-world use.
Asked to design an onboarding flow for an Uber-style transport app, Figma Make natively understands smartphone constraints. The generated screens include an iOS-style back button and a simulated status bar, just like an experienced mobile designer would.
That instinct shows up in the visuals too: the tool pulls from stock libraries like Unsplash to illustrate a car marketplace, rather than generating cars with warped bodywork and impossible reflections. Its product filtering system is even functional in the prototype, not just drawn.
Result quality starts upstream. Before running the generation, you need to clear out stray layers and structure elements with Auto Layout — otherwise the AI risks misreading a card grid or a nav bar.
Talking to the AI matters as much as the prototype itself. A vague prompt like "make it interactive" wastes credits, while a precise brief — context, layout, interactions — gives noticeably more reliable results.
Model choice also shapes the outcome: Claude Opus 4.6 brings surgical precision for complex cases at the cost of more resources, while the default model is enough for simple tweaks.
The move to development produces an actual React project with a full file structure, not a flat image. The tool relies on Tailwind CSS and generates reusable classes: tweaking one product card ripples across the whole grid.
Connecting your own component library through Export to Figma Make then forces the AI to respect a brand identity instead of inventing a generic style. A Markdown guidelines file can even lock in persistent rules for animation behavior or accessibility constraints. That agent-driven logic, wired into the wider Figma ecosystem, extends the AI announcements made at Config 2026.
The process starts with a simple description: a portfolio, a landing page, a company site. Wireframer instantly generates a full structure with desktop and mobile breakpoints, cutting out hours of manual responsive tweaking.
If a section is missing, you just ask for it instead of digging through an endless component library. A mobile hamburger menu appears automatically where only a desktop nav existed before.
Once the structure is in place, you need to reclaim the design so it doesn't read as "AI-generated": import your own logo, adjust the color palette, swap in your own visuals. The preview mode lets you check responsive behavior in real time, grid by grid.
When no-code hits its ceiling, Workshop steps in to generate a custom code component. A clock displaying a country's local time, with customizable font and color controls, comes out of a single prompt.
This blend of visual editing and code generation puts Framer halfway between a design tool and a no-code builder: unlike Figma Make, it publishes a live site directly, with a shareable URL and no export step.
Lovable doesn't try to compete on pure aesthetics. Across all three test scenarios, its interfaces betray web-builder origins rather than mobile ones, and its AI-generated visuals sometimes lack credibility — warped car bodies, impossible reflections.
Its real strength lies elsewhere: laying down a functional database from the moment of generation. Where Figma Make wins on visuals, Lovable lays the groundwork for a real application, with a backend ready to hold actual business logic.
On the transport app, Figma Make wins clearly thanks to its grasp of mobile conventions. Lovable produces a clean but more generic flow, while already setting up a real database for what comes next.
On complex data handling, Figma Make delivers a visually credible search page with genuinely working filters. Lovable stops at a polished homepage, without matching that level of functional detail.
On a simple pizzeria site, both tools land on similar base structures. Lovable, though, starts showing some visual repetition — a recognizable AI "signature" from one site to the next.
No tool wins across the board — the right pick depends on what you're actually trying to ship:
For a more ambitious project, the same logic applies as in our deep dive into Figma Make: test the tool on a real use case before rolling it out to a whole team, rather than deciding from a marketing demo alone.
Figma Make, Framer and Lovable aren't three interchangeable competitors: they're three answers to three different problems. Prompt engineering matters as much as the tool itself — a precise context, a defined layout and clearly described interactions make all the difference in what you get out.
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--- # Astro Nova Becomes Dynasty Nova: Why Rename Your Game Mid-Beta URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/astro-nova-becomes-dynasty-nova-why-rename-your-game Date: 2026-07-18 A first-hand account of rebranding Astro Nova into Dynasty Nova: a name clash, choosing the new name, and what it really means for a game's identity while still in beta.For eight months, I built Dynasty Nova as a personal project: a mobile-first 4X space strategy game, born out of frustration with OGame's aging UX. Then, mid-beta, I had to rename it. Here's why, and what it taught me about product identity after launch.
"Astro Nova" looked like an original name when I started the project. In reality, another game — an action roguelike on Steam — carries the exact same name. Nothing to do with the space strategy game I was building, but the confusion was real for anyone searching "Astro Nova".
Two games sharing one name isn't just a cosmetic annoyance. It means lost traffic, mixed-up reviews, and a brand confusion risk I don't control. Keeping that name meant building my visibility on foundations borrowed from someone else.
"Astro" only described the setting: space, generic and already crowded with similar games. "Dynasty" tells a different story: building an empire over time, management, a lineage that grows with every session. It's closer to what players actually experience.
This time, I checked upfront: search engine availability, the dynastynova.com domain, social media handles. A product name is never just a word — it's also a URL, an app store identifier, a hashtag. Checking it before getting attached avoids living through this rebrand twice.
The name changes, the game doesn't. Resource management, the tech tree, the fleet system all stay identical. What changes is everything carrying the name: logo, palette, app icons, marketing copy.
The real challenge isn't visual, it's human: warning players already signed up on play-astronova.com, redirecting the old domain, and communicating clearly so no tester thinks the project is dying. A silent rebrand, without explanation, always reads as an abandonment.
A mid-beta rebrand costs time I'd rather spend elsewhere. But it's better to do it early, while the player base is still small, than later, when every URL change breaks links, reviews and habits. Checking a name's availability before choosing it remains the simplest lesson, and the one indie creators skip most often.
Dynasty Nova is still the same 4X space strategy game born from frustration with OGame's aging UX. The name changed, the ambition didn't: a mobile-first management experience with an identity that belongs to this project alone.
Play Dynasty Nova
Astronova: Creating a Mobile-First UI Inspired by Best Practices
How Astronova Reinvents OGame's Visual Universe to Build Its Own Identity
Why OGame-Like Games Still Fascinate 20 Years Later
In a management game like Dynasty Nova, the shop is the screen players trust the least. It's also the one that has to prove, at a glance, a simple promise: here, you pay to move faster, never to gain an edge others can never catch up to.
Pay-to-Win means selling power that free players can never reach, no matter how long they play. In a strategy game where players compete indirectly, that imbalance breaks the very point of competing.
Pay-to-Fast follows a different rule: anything purchased, a free player can also earn, simply by playing longer. Money buys time, never an unreachable ceiling.
In Dynasty Nova's shop, the "rewarded ad" option sits in the same grid as the paid packs, at the same size, not buried at the bottom of the page. The visual message is clear: this isn't a second-choice option, it's a real alternative.
The shop splits into two tabs: "Stellar Points" (the premium currency) and "Resources" (what every player produces by playing). This separation makes it structurally visible that real money and playtime lead to different kinds of rewards, not a shortcut to winning.
Customizable avatars illustrate a third path: purely cosmetic monetization, organized by rarity tiers (common, rare…), that touches no game mechanic at all. It's the kind of purchase that never puts fairness into question, since it changes nothing about the match itself.
A "Pay-to-Fast, never Pay-to-Win" pledge written in marketing copy convinces no one if the interface tells a different story. Trust is built in the shop's design itself: what's highlighted, what's free, what stays reachable without spending a cent.
In Dynasty Nova, monetization isn't just an economic rule — it's an interface design question. A shop that clearly surfaces its free options, separates time from power, and confines real money to cosmetics builds a trust no pledge can replace.
Play Dynasty Nova
Dynasty Nova: Rethinking the Tech Tree of a Space Management Game
OGame Mobile: A Sacrificed UX? A Critical Look at a Nostalgic Interface
Assessing Design Maturity in Your Company
In Dynasty Nova, the tech tree is the heart of the game: it unlocks buildings, ships and defenses. But a poorly organized tech tree quickly becomes an unreadable wall of text. Here's how I rethought it around categories, and why that choice matters more than it looks.
OGame-inspired management games often list thirty-odd technologies in a row, with no visual hierarchy. Players have to scan everything to find the research they care about, which slows down decisions and discourages exploration.
Faced with a thirty-line list, a new player doesn't know where to start. They end up following an external guide instead of exploring the interface itself — a sign the design isn't doing its job of guiding them.
In Dynasty Nova, every research item belongs to a domain: energy sciences, propulsion, offensive systems, protection fields, computing and intelligence. These categories don't follow an abstract technical ranking; they answer a concrete question the player is asking, like "how do I defend myself" or "how do I move faster".
Before even opening a category, its name already filters the information. A player who wants to reinforce their fleet goes straight to "propulsion" or "offensive systems", without reading research from a domain that doesn't matter right now.
This categorization logic doesn't stop at the lab. Buildings are split into "Resources" and "Installations", and the fleet into "Ships" and "Fleet". Players find the same reflex everywhere: one tab, one intent, one subset of options.
The opposite trap exists too: creating one category per technology just recreates a flat list with an extra step. I capped the number of categories at what a player can remember effortlessly, usually four to six per screen.
A player opening Dynasty Nova's lab for the first time sees categories first, not thirty lines of text. They pick a domain matching their current goal, and only then read the detail of available research. Categorization doesn't hide information, it orders it the way the player actually needs it.
Reorganizing a tech tree into categories looks like a minor decision. It's actually a choice that determines whether a new player stays on the interface or goes looking for a guide elsewhere. In a management game, where strategic depth rests on dozens of options, structuring information matters as much as designing it.
Play Dynasty Nova
Astronova: Creating a Mobile-First UI Inspired by Best Practices
Gestalt Theory in UX Design: Principles, Applications and Limits
OGame Mobile: A Sacrificed UX? A Critical Look at a Nostalgic Interface
For a digital agency, picking between Figma, Sketch and Penpot is never just an aesthetic preference: it's a decision that sets the real cost per seat, how fast a freelancer can onboard onto a client project, the quality of developer handoff, and increasingly, whether you can meet certain clients' compliance requirements. We cross-referenced a hands-on deep dive into Penpot with a direct Figma / Sketch / Penpot head-to-head to build a reading grid designed specifically for an agency structure, not a solo designer.
Price is usually the first filter for a team. Figma stays free for personal use, but the three-file limit for teams quickly pushes toward a subscription starting at $15 per editor per month — a classic lock-in strategy that adds up fast once an agency scales seats. Sketch sits in between at $9 a month (or $99 a year, a flexibility Figma doesn't offer), with a $20/month Business tier for enterprise features.
Penpot, on the other hand, plays the total-break card: it's FOSS (Free and Open Source Software) and remains, for now, entirely free, with no enterprise tier and no distinction between users. For an agency hiring freelancers on short missions or scaling a project team up and down, it's the only one of the three where adding seats doesn't add to the bill.
Figma bets everything on the browser, backed by mobile apps for prototyping and a separate font installer — a recurring friction point when setting up a new workstation. Sketch makes a radically different call: macOS exclusivity, with native fluidity powered by Apple silicon and deep integrations (Touch Bar, local version management, system-level spell-check).
That technical luxury comes at the cost of having no Android app at all — a real blocker for an agency with mixed PC/Mac teams. Penpot simplifies things to the extreme: no native app, no mobile app yet, just a URL to design and collaborate. For fast-tracking a subcontractor joining a project for two weeks, it's often the quickest option of the three.
Penpot's core strength shows up when handling complex design systems. Importing the Material Design 3 kit — over 380 components — let us test automatic propagation: changing a button's style in the central library instantly ripples across every screen using it, exactly the behavior a Figma-trained designer would expect.
The 2.0 release adds a professional layer on top: Design Tokens to lock down values like border-radius across an entire project, fine-grained variants for multi-state components (switch, checkbox), and real version control that lets you roll back to a given point in time instead of piling up backup files. These tokens now follow the open W3C Design Tokens specification — a strong signal for an agency that doesn't want to get locked into a proprietary format owned by a single vendor.
On handoff, Penpot offers an Inspect tab that generates code straight from any selected element — for free, even on a self-hosted instance, where Figma charges for dedicated developer seats. But to be fair, the head-to-head comparison points out that Penpot is still a few years behind on advanced prototyping compared to what Sketch or Adobe XD already offered. Figma, for its part, keeps a clear lead thanks to Auto Layout, Smart Animate and a mature DSM, on top of a near-endless plugin ecosystem that fills every gap in the base tool.
That maturity gap largely explains why Sketch lost ground to Figma over the past few years: real-time collaboration and richer handoff eventually outweighed native macOS fluidity for most product teams.
A tool's strength also shows in what its community does with it between two deadlines.
Figma's is massive: official assets shared by giants like Microsoft, and a near-endless library of plugins and widgets that can plug any functional gap within minutes — a real safety net for an agency under pressure.
Penpot's community is smaller but more engaged: since the code is open, users don't just share files, they discuss architecture and contribute directly to the software's evolution.
Sketch bets on quality over quantity with extensions that reach deeper into the software's core — fewer than Figma's plugins, but capable of more structural changes, like support for the P3 color profile for a level of color precision few agencies actually use day to day.
This is arguably the most underrated point in the whole debate. For an agency working with clients in healthcare, finance or the public sector, being able to self-host Penpot — through turnkey platforms like the one used in our test — offers a level of data sovereignty neither Figma nor Sketch natively provides. Every mockup, every prototype and the entire design system stay on infrastructure the agency fully controls, with no member limit.
In practice, the best approach isn't a hard cutover: running the candidate tool in parallel on a real project before a full switch surfaces the friction points (importing existing files, team training, plugin gaps) before they become an agency-wide problem.
There's no universal winner — only the right tool for the right context:
Before deciding, it's worth taking the time to assess your organization's design maturity: a junior agency doesn't have the same governance needs as a team already juggling several client design systems. To go deeper on each matchup, our dedicated comparisons Penpot vs Figma and Penpot 2.0 cover the feature-level details beyond the agency angle explored here.
The Figma / Sketch / Penpot matchup doesn't come down to a feature checklist: it's a trade-off between cost at scale, handoff maturity and data sovereignty — three criteria that weigh differently depending on your agency's size and clients. Our advice stays the same no matter where you're leaning: pilot the change on a real project before rolling it out to the whole team. It's real-world use, not the spec sheet, that will settle it.
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--- # HTML to Figma in 2026: the Complete Guide to Importing a Website into Figma URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/html-to-figma-complete-guide-2026 Date: 2026-07-17 HTML to Figma in 2026: import any website into Figma with html.to.design, work around its limits (Auto Layout, dynamic content), and use generative AI as a backup.We've all wanted to take an existing site apart without spending hours redrawing it by hand. That's exactly the promise of HTML to Figma: turn a plain URL into editable Figma layers, ready for competitive analysis, moodboarding, or a quick redesign. We looked at three ways people actually use it — a hands-on test of the flagship plugin, a more technical walkthrough (settings, ethics, dynamic content), and the freshest take, which pushes the exercise all the way to AI generation — to pull together a complete playbook, limitations included.
The basic idea fits in one sentence: paste a URL, say Apple's, and the plugin hands back the page as editable Figma layers within seconds. But two choices shape the quality of the result before you even hit import.
You're not limited to a single capture. The plugin offers several reference widths (1920, 1440, 1024, 768, 390px) and a theme choice (Default, Light, Dark) to faithfully reproduce a site that adapts by device or display mode. Switching to a mobile format genuinely reflows the elements, which makes this a useful competitive-watch tool for understanding how a brand adapts its experience across screens.
The free tier allows 12 imports every 30 days, which is plenty for occasional inspiration. The Pro Plan lifts that cap for heavier workflows → occasional use for inspiration vs. daily competitive monitoring. The right choice mostly comes down to how often you need to dissect complex sites. Other plugins like Builder.io take a similar approach, adding AI-assisted generation once the import is done.
The result is surprisingly faithful structurally: not a flat screenshot, but a usable layer hierarchy. Logos and icons come in as SVGs, scalable without quality loss, and the original typography is preserved (SF Pro Display on apple.com, for instance), making text immediately editable. Layer naming often mirrors the real content — a button reading "Shop Now" gets a layer named "Shop Now" — which keeps an otherwise unreadable file navigable. One recurring catch: a font not installed on your machine (a site's custom Grifter, say) gets silently swapped for a fallback like Inter, which can slightly shift the overall look until you install the real one.
Two caveats show up consistently in our tests. First, performance depends directly on page density: a lean landing page imports in seconds, while a heavy news portal takes noticeably longer. Second — and this is the real weak spot — the tool recreates no Auto Layout and no native Figma components: you get a static structure that needs manual rework to become genuinely flexible. In practice, that shows up as overlapping images or misaligned blocks whenever the source site's layout was a bit complex → overlapping elements right after import → manually switched to a side-by-side arrangement to restore visual consistency. If Auto Layout is still a fuzzy concept, our guide to Auto Layout in Figma covers exactly what raw imports are missing.
Modern sites lean heavily on scroll-triggered animations, hiding content until you scroll down. Importing a raw URL under these conditions produces empty or incomplete sections. The workaround is the plugin's Chrome extension: manually scroll through the entire page in your browser to force lazy-loaded elements to render, then run a Full page export, which generates an .h2d file you drop straight into Figma → empty section on the first attempt → fully loaded content after a manual scroll-through. This remains the most reliable method for interaction-heavy sites, at the cost of one extra manual step.
Access to these tools raises a real intellectual-property question. The creator of Design Joy, for instance, has publicly called out clones sold on social media that started from a plain import. The line, though, is clear: studying a grid, a type hierarchy, or a palette to sharpen your own skills has nothing to do with republishing another designer's work under your own name — let alone selling it as a turnkey file. We treat these imports as a personal diagnostic lab, never as a shortcut to a ready-made file to commercialize.
The logical next step after importing is pure generation. The same plugin makers now ship a second tool built for designing from scratch: describe an intent in plain language, and models like Claude, Gemini 3 Pro, or Grok generate a full interface — organized layers (nav, hero section, footer) and system variables extracted automatically, from colors to border widths to font families. Asked for a fitness-coaching landing page, the result delivered a premium-looking design named "Apex Fit," icons and hover effects included. It's not a finished file, but it's a solid starting point for breaking through blank-page syndrome. We see the same logic — describing an intent rather than redrawing one — in our review of Claude Design.
All three converge, but each lights up a different facet — which is what makes the synthesis worthwhile. The hands-on plugin test lingers on the raw output: vector quality, typography, layer naming, and the performance limits on heavy pages. The more technical walkthrough digs into what the first one skims past: fine-grained viewport settings, the method for capturing scroll-loaded content, and the ethics question few tackle head-on. The freshest take, finally, extends the exercise toward generative AI, framing site capture and prompt-based generation as two sides of the same hybrid workflow.
For occasional use — comparing two competitors, building a quick moodboard — the free tier is plenty. For daily monitoring or regular imports of complex sites, the math quickly tips toward the Pro Plan. Either way, budget time for cleanup: rebuilding Auto Layout, swapping missing fonts, loosening up the structure. The tool speeds up the capture, not the finishing.
HTML to Figma doesn't replace our expertise — it shifts where we spend it: less time recreating an existing structure, more time on analysis and iteration. Between faithfully importing a real site and generating an interface from a single prompt, the line between the web and the Figma canvas keeps blurring — as long as what gets imported is used honestly.
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--- # Figma Config 2026: Motion, Code Layers and the AI Agent — everything that changes for designers URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/figma-config-2026 Date: 2026-07-16 Figma Config 2026: native animation with Figma Motion, Code Layers (design ↔ code on the canvas), AI Agent + MCP connectors, generative plugins and shaders. The full breakdown.The first day of Config 2026 closed on a rare wave of excitement at the Moscone Center, where more than 10,000 designers watched a keynote that redraws the boundaries of our craft. Between animation going native, code stepping onto the canvas, and an AI agent wired into our whole ecosystem, the line between visual design and finished product has never been thinner. We cross-referenced three takes on the event — Figma's official deep dive, a practitioner's breakdown, and an exhaustive recap — to pull out what matters, without the noise.
The most structural announcement is Code Layers. Code is no longer a final output tucked away in a separate window: it becomes a creative material in its own right, on par with a vector or an image. We duplicate a layer, turn it into interactive code with a single prompt via Figma Make, and explore several functional directions side by side, exactly as we would with regular design frames.
Full creative control still goes through a conversion step: we turn the code layer into a design layer to adjust every detail, then push it back to code. The flow is still rough around the edges, but it rehabilitates the design engineer role by removing the friction of the technical handoff:
Opening up to GitHub changes the game for product teams: we import a repo, display it as an iframe on the canvas, edit it, and push a Pull Request without leaving the tool. This builds directly on what we already saw with Figma Make and the move from mockup to product. Code Layers are slated for July — this is the piece to watch closely.
For years, animating in Figma meant juggling third-party tools. With Figma Motion — the fruit of the Motion acquisition — we finally get a real timeline built into the bottom of the screen, without ever leaving the source file. This isn't the old prototyping transition anymore: it's professional motion management, accessible at every skill level.
Every animatable property now carries a small diamond icon for dropping a keyframe. The Mo gizmo lets us manipulate trajectories directly on the canvas, while easing controls (ease-in, custom curves, elastic overshoot) chase away the mechanical feel of linear animation. Auto-key mode automatically records every change, and a library of presets (slam, fade, enters/exits) brings an interface to life in seconds.
The real depth lives beyond position. Path trim reveals a stroke progressively (perfect for a loader or a self-drawing illustration), arc properties animate gauges and circular charts, and point-count morphing transforms a shape right in front of us:
Motion moves into the heart of design systems through new easing and timing variables, centralized across an entire project. Variable modes (standard, expressive, smooth) adapt the pacing to context without duplicating components, and component inheritance propagates a change across every animated composition using it. It's the consistency of a design system, applied to motion.
Nothing gets lost on the way to production: export to MP4, WebM, GIF or animated SVG up to 4K/60 FPS, a read-only Dev Mode for inspecting timings and curves, and code generation (CSS, React Motion, JSON) that stays faithful to the animation's intent. Reason enough to reconsider our back-and-forth with tools like Lottie export from Figma.
Figma's agent graduates from a simple search bar to a full contextual assistant wired into our entire ecosystem. It ingests files of every format and, crucially, reaches outside Figma itself.
Through the MCP protocol, connectors link Figma to GitHub, Slack, Notion or Marvin: the agent fetches a spec from a repo or a research doc and applies it to the current design without switching tabs. We can build reusable skills and choose the privacy level of each conversation (private for personal exploration, shared for team iteration). On the motion side, the agent also generates enter/exit variants and stitches isolated sequences into one coherent timeline — it removes the grunt work, not our critical eye.
With generative plugins, we no longer ask a developer to build the tool we need: we generate it ourselves. It's the start of "vibe coding" applied to design, in the spirit of what Raycast offers with Glaze. Another decisive advantage: once built, the plugin no longer consumes tokens, and it travels with the file shared to a client.
Shaders, already familiar from Framer or Paper, arrive to manipulate canvas pixels directly: glass effects, dynamic textures, gradients that breathe. We stack layers, blend them through different modes, and animate them with the timeline for an organic result. Figma is finally catching up with modern web publishing standards.
All three videos converge, but each lights up a different facet — and that's instructive. Figma's official deep dive focuses on Motion's mechanics: keyframes, easing, advanced properties, variables. The practitioner's breakdown (Ryan Hayward) reframes everything around "vibe coding" and the full-stack designer, drawing an explicit parallel to the era when Webflow promised to publish without code. The exhaustive recap (AI-Design Professor) leans instead on MCP connectors and on Figma Weave for orchestrating workflows. Three angles, one shared thesis: the boundary between design, motion and code is collapsing, and the designer becomes the autonomous editor of a finished product.
Figma Motion is in beta, the Agent is limited to paid plans, and Code Layers are landing in July — caution is still warranted for critical production work. But experimentation doesn't wait: Motion for micro-interactions, the agent for repetitive tasks, and custom plugins for your workflow are all usable today. The biggest risk isn't trying too early — it's letting the productivity gap these tools are already opening between teams keep widening.
Config 2026 confirms a shift, not just an update. By bringing design, animation and code together on a single canvas, Figma is turning us from image-makers into product editors. What stays constant is what makes a designer valuable: intent. The tools accelerate everything — movement, code, generation — but it's still our critical eye that decides what deserves to exist on screen.
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--- # Mastering Auto Layout in Figma to Build Dynamic Interfaces and Smart Systems URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/figma-auto-layout-guide Date: 2026-04-28 No more manual resizing. Master Auto Layout like a pro: parent-child relationships, Hug Content vs Fill Container, and nested structures.Do you see that fluidity? Those elements that resize and adapt automatically at the slightest movement are not the work of a spell, but of a cornerstone feature of Figma: Auto Layout. We are entering an era where stacking groups and frames in a messy way is no longer a viable option for a professional designer. Together, step by step, we will explore how to turn a static interface into a dynamic and intelligent system. It's time to level up by mastering the tool that defines the very structure of our modern designs.
Before diving into practice, we need to unpack what this technical term really hides. Figma's official definition is often deemed unnecessarily long and complex, referring to text strings and layer alignment. For us, it is above all a method of managing space based on precise rules and variables. We define constraints that dictate how elements should behave as the content evolves.
Everything rests on one fundamental concept: the parent-child relationship. In our interface, a base element is considered a child, while the frame surrounding it becomes the parent. We can have simple structures or more complex nesting, such as a white rectangle (parent) containing two gray rectangles (children), one of which itself holds two small black rectangles. This cascade of dependencies is the skeleton of any adaptive design.
The core idea is to reproduce this relationship by creating a specific frame around one or more selected elements. It is to this parent frame that we apply the Auto Layout feature. Once it is activated, we can give precise instructions: should the parent expand? Should the child stay centered? This communication between levels allows for perfect visual consistency without constant manual intervention.
To understand the power of the tool, there's nothing like recreating a button, the atomic element par excellence. The old-school way, we would draw a rectangle, add text, and have to adjust everything by hand as soon as the word changed. It was a monumental waste of time and a source of alignment errors. With Auto Layout, we radically change paradigm and let the software calculate the spacing for us.
We select our text and use the magic shortcut Shift A to instantly create the parent-child relationship. A specific icon then appears in the layers panel, confirming that our frame is now smart. We can add a white background, round the corners, or insert a border. The miracle happens when you edit the text: the button stretches on its own to accommodate the new characters without ever breaking the defined margins.
The secret lies in the Hug Content option, which tells the parent to literally "hug" its content. No matter the size of the child, the frame adapts. If we decide to add an icon next to our text, we simply drag it inside: the button instantly widens to make room for it. It is this flexibility that lets us test variants in a few seconds rather than several minutes.
Once Auto Layout is activated, a whole range of options opens up in the right-hand panel. First, we have to choose the direction of the flow: vertical or horizontal. This determines whether the children stack like the floors of a building or line up like the cars of a train. It's the foundation of any layout, letting us flip the orientation of a menu or a list with a single click.
Padding represents the safety space around the children, inside the parent. We distinguish horizontal padding (left and right) from vertical padding (top and bottom). We even have the ability to manage each side individually through a precision grid. This is what guarantees that, even if a button's text becomes huge, it will always keep its 16 pixels of margin on the sides and its 8 pixels on the top and bottom.
We now move on to a trickier exercise: creating a sophisticated task card. To succeed, we must learn to spot groups of nested children and parents. A card is not just a block, it's an assembly: a top section with a title and options, and a bottom section with tags and an action button. We break down each sub-set to apply its own behavior rules.
We first build the small modules. For example, we group the title and the menu icon in an Auto Layout frame, then we embed this block into a larger parent that also contains the description. This "Russian nesting doll" method is essential. It lets us define different behaviors for each section while maintaining a consistent overall structure that is easy to handle.
This is where the concept of Fill Container comes in. Unlike Hug, this property tells the child to take up all the available space in its parent. This is what allows our text to spread across the full width of the card, or a divider to stretch automatically. We play on these two forces: the parent that adapts to the content (Hug) and the child that fills the frame (Fill).
Sometimes we want one element to stay stuck to the left and another to sit completely apart on the right, without having to calculate the gap manually. That's when we get into the advanced spacing settings. By manipulating Figma's alignment grid, we can switch from a fixed distribution mode to an automatic one, better known as Space Between.
By double-clicking on the alignment points in the right-hand panel, we change the logic: the space between elements is no longer counted in fixed pixels but becomes "Auto." The software then pushes the children to the opposite ends of the parent. It's the ideal solution for a title bar where the project name must stay on the left and the close button on the far right, whatever the width of the window.
We test the robustness of our card by stretching it vigorously. If an element doesn't follow along, it's often because it stayed in Fixed or Hug mode instead of Fill. We review each layer: the top element, the bottom element, and the internal text. Once everything is properly set to Fill Container, the card becomes fully elastic and responsive.
We have come all the way, from a simple text label to a complete and dynamic dashboard. By mastering Auto Layout, we no longer just create pictures of websites, but genuine logical structures that foreshadow the final code (Flexbox). We have learned to juggle between Hug Content and Fill Container, to nest parents and children, and to use Space Between for perfect distribution. Design then becomes a rewarding building game where every added piece of content reinforces the consistency of the system rather than breaking it. Keep practicing with these four exercises, push the limits of your frames, and you'll find you can never go back.
This article is based on the video (in French) "Comprendre l'Auto Layout Figma en 2026 ! Tuto (Tout ce que vous devez savoir)"
Article generated via Vidiome
Anthropic has just made a bold move with the release of Claude Design, an interface that promises to radically transform the way we design digital products. We are witnessing a small revolution in which the barrier between the idea and its visual execution almost entirely collapses. In this exploration, we test the limits of a tool that claims to replace, or at least dramatically assist, skilled designers in creating websites, applications and videos of exceptional quality. We dive into a world where code and pixels merge with no apparent effort.
It all starts with building a solid foundation: the Design System. Rather than starting from scratch on every project, we set up a single visual identity that will act as the creative brain for the artificial intelligence. We describe our project, in this case Exploria Labs, specifying crucial details such as the color palette or the editorial tone. The process takes about five minutes to sync everything, then lets us generate any asset without ever betraying our brand guidelines.
The tool does not just pick colors at random; it analyzes the company's context to suggest consistent components. We defined a clean palette with orange and navy accents, while insisting on an educational, non-corporate tone. The result is stunning: Claude Design retrieves the logos, defines the headers and even anticipates the design of future forms. We validate a complete structure that will serve as the basis for all our future iterations.
The system adjusts in real time to produce a ready-to-use visual environment.
We shift into high gear by asking the AI to build a complete landing page for a coaching offer called "Le Cercle." Using High Fidelity mode, we directly plug in the design system created earlier to guarantee a professional finish. We are not settling for a mere image; the tool generates a real file structure with usable code. This is where the magic happens: the AI interprets complex instructions in natural language to structure the information in a logical and aesthetic way.
For those who want to stay in control, Sketch mode lets you roughly draw sections to guide the AI. We can sketch out where a block of text or an image should go, and Claude Design turns that scribble into a modern interface. It is a bridge between human intuition and the raw computing power of the Opus 4.7 model. We draw, we annotate, and we watch the interface come together before our eyes as if a junior designer were carrying out our orders in real time.
The final rendering of the website leaves us speechless with its precision and the relevance of its copy. Not only did the AI respect the colors, it also wrote punchy headlines about the opportunity AI represents for freelancers and employees. The buttons are functional, the testimonials are laid out tastefully, and the visual hierarchy is respected. We notice that the tool even anticipated FAQ sections and application processes without us having to rerun the initial prompt.
We now explore an unexpected side of Claude Design: creating animated presentations. To pitch a fictional startup called Pulse, we ask for a ninety-second video capable of grabbing investors' attention. The tool does not merely stack slides side by side; it builds a genuine visual narrative with smooth transitions and data animations. We leave the static world of PowerPoint to step into that of automated motion design.
The generated video presents the problem of customer retention with remarkable clarity, using animations to highlight budget losses. We see the numbers animate, the charts evolve and the solutions appear with precise timing. It is a phenomenal time-saver for any entrepreneur who has to illustrate a complex concept in just a few seconds. The quality of the visual rendering rivals productions that would normally require specialized software and hours of editing.
We fine-tune the details, such as emphasizing a specific word or adding an explosion effect on a number, simply by asking in writing.
We challenge the tool to create a complete meditation app, from the dashboard to the audio player. By enabling the Front-end Design skills, we launch a generation that simulates an iPhone interface. The process is transparent: the AI builds the folders, checks the interactions and assembles the screens one by one. We are no longer simply contemplating an image, but facing an interactive prototype that lets us navigate between the different features.
The result gives us five distinct screens, including a session library and a "garden" that serves as a dashboard to track your progress. The level of design is such that Claude Design even generates a presentation board with annotations, mimicking the delivery work of a design agency. We switch themes, going from light mode to dark mode in one click, and we find that every element stays perfectly readable and aesthetically pleasing.
To test the raw power of the model, we tried to create interactive text areas with real-time visual effects. By typing words like "fire" or "electricity," animations appear instantly on screen. Although it may seem gimmicky, it demonstrates the tool's ability to generate complex code capable of handling user events. We realize that what would have taken an expert developer hours is generated here in a matter of seconds.
The final step of our journey is to take the design out of its cocoon and make it accessible to the whole world. We use the export feature to Claude Code, Anthropic's intelligent terminal, to turn our mockup into a living website. This is where everything comes full circle: the design becomes code, and the code becomes a product. We get a zip file containing all the HTML and CSS sources, ready to be hosted.
We import our project into Claude Code to finalize the technical implementation. Without writing a single line of code by hand, we ask the AI to organize the files for optimal deployment. Once the folder is ready, we turn to a hosting solution like Hostinger to put the site online. We upload the files into the manager, and within moments, our landing page is accessible from any browser or smartphone.
We go from an abstract idea to a concrete sales tool with disconcerting ease.
We come away from this test convinced that Claude Design marks a major turning point. Granted, demanding professional designers will sometimes miss the surgical precision of a tool like Figma, but for 95% of fast-creation needs, the tool is unbeatable. We are moving from an era of manual production to an era of AI-assisted art direction. Whether you are a developer looking to polish your interfaces or an entrepreneur in a hurry to test an idea, the combination of Claude Design, Claude Code and a host like Hostinger forms a formidable ecosystem. The future of design will not be coded, it will be conversed.
This article is based on the video "7 utilisations INCROYABLES de Claude DESIGN (Anthropic frappe FORT)"
Article generated via Vidiome
We are entering a new phase of interface design where the line between static design and functional code is disappearing. With the arrival of Figma Design and Figma Make, we no longer settle for drawing screens; we forge interactive experiences powered by AI. This synergy lets us transform abstract ideas into realistic prototypes that can run genuine code to simulate complex workflows. We explore, test, and adjust our concepts in real time to watch our visions come to life instantly.
Using artificial intelligence in our creative process is not only about speeding up production, but about opening doors we had not yet considered. Sometimes the hardest part is knowing where to start, especially when facing a blank page or a complex application project. By observing what the AI proposes from a simple prompt, we adopt a critical mindset that helps us make better design decisions before we have even drawn the first line.
We use text prompts to generate working foundations that we then analyze constructively. This approach lets us see how the AI articulates our needs and bounce off its suggestions to refine our own artistic direction. → no clear navigation → rejected, → consistent dashboard structure → kept. It's a genuine creative ping-pong where the tool becomes a thinking partner.
It's crucial to keep an eye on our AI credit consumption, accessible through the Figma logo. For verified accounts, particularly in the education sector, these credits are renewed monthly, which gives us room to experiment without fear. If we hit a limit during a large-scale project, we know that dedicated education support is there to help us pursue our ambitions.
Going from a simple idea to a functional space game demonstrates the raw power of Figma Make. We are not talking here about mere transitions between screens, but about a real game logic with variables and complex interactions. Using voice or text commands, we can dictate the rules of the game directly to the interface.
We tested creating a space shooter by specifying very precise parameters: three levels, power-ups, and a five-life system. The AI interprets these instructions to build a coherent file architecture, including keyboard controls via the arrow keys and the spacebar. That's how we go from a narrative intention to a playable prototype in record time.
What fascinates us is watching the AI explain its own reasoning while it codes. It tells us it's preparing the ship, the enemies, and the level system, allowing us to understand how it translates our words into logical functions. → missing fire command → fixed through the prompt, → movement speed too slow → adjusted in the code. This transparency strengthens our control over the final result.
Once the functional structure is established by the AI, we take back control of the aesthetics in Figma Design. We create our own assets, such as a custom spaceship built with the polygon tool, to replace the generic default elements. This step is essential so that the final product respects our visual identity and our quality standards.
The process is simple: we draw in Figma, we place the element inside a Frame, and we copy-paste it directly into the Figma Make interface. By asking the AI to use this new graphic for the ship, we watch the code re-conceptualize itself instantly to incorporate our design. This is where the designer takes back full power over the machine.
We don't stop at the first draft; we refine every detail so the result matches our original vision exactly. Whether it's changing the style of the enemies or adjusting the background colors, we use the collaboration between design and code to achieve a professional result. → shape too crude → turned into a detailed ship, → inconsistent colors → harmonized with the global palette.
For those of us who want to go further, direct access to the source code is a gold mine. We can open the Code view to understand how the files are structured and even download the entire project as a ZIP file. This lets us study the libraries used and check the cleanliness of the software implementation.
We use the Guidelines file to impose global rules on the project, such as the systematic use of Flexbox or Grid for layout. By adding these specific instructions, we prevent the AI from taking technical liberties that could harm the project's maintainability. This is our way of ensuring that the generated code follows the best practices of modern development.
Editing text or style directly on the live page is a phenomenal time-saver. When we make a change in the code or through the point-and-click editing tool, Figma Make shows us the difference (the "diff") between the old and new versions. This lets us validate every modification precisely before saving it permanently into our prototype.
Creating complex interfaces, such as a social-energy tracking dashboard, often requires several iterations. We use prompts to test different variants of layout and multi-page navigation. The AI helps us quickly generate sections like the settings or the main dashboard, which we can then refine individually.
We often find that the first result needs a color or typography tweak. By simply asking to "change the buttons to orange," the AI reinterprets the context and applies consistent gradients across the entire site. → default purple buttons → replaced with vibrant orange, → unreadable font → swapped for a more modern typeface. This flexibility lets us pivot graphically in seconds.
In this world of open-ended creation, we sometimes head down the wrong path. Fortunately, we can go back to a previous version thanks to the prompt history. However, we have to understand that every action stacks up: restoring a version is a new action in itself that gets added to the top of the stack, allowing us to recover the stability of an earlier state while keeping a record of our explorations.
Although uploading images can sometimes run into technical obstacles, we have a secret weapon: SVG code. By copying a design from Figma as SVG code, we give the AI an exact mathematical description of our visual. It's the most reliable method for inserting custom logos or icons with absolute fidelity.
We select our icon in Figma, copy it in Scalable Vector Graphic format, and inject that code directly into the Figma Make prompt. This technique bypasses potential bugs related to file uploads and ensures the element integrates perfectly into the application's DOM. → generic star icon → replaced with a precise red SVG heart.
The AI sometimes needs guidance on the exact placement of an element. By combining SVG code with positioning instructions, we make sure our brand identity is respected. In doing so, we learn to speak the machine's language to achieve surgical precision in our interfaces, turning static components into living code elements.
One of the most striking examples of this workflow is building a functional DJ mixer. We asked the AI to design an application capable of analyzing MP3 files, generating audio waveforms, and managing a crossfader between two decks. This is no longer a prototype; it's a utility we have actually used at live events.
By dragging files from our desktop into the prototype, we watch the application process the data and display the track's visualization. This ability to manipulate real media proves that we have moved to a higher level of interactivity. → simple music player → turned into a mixing console with beat detection.
One of the most powerful features is the Copy Design button. It lets us retrieve the layers generated by the AI in Figma Make and bring them back into our usual design environment. We can then clean up the structure, adjust the dark/light modes, and reinject everything for an even more polished version. It's a virtuous cycle between automatic generation and manual refinement.
To create complex animations, such as a radial navigation, we use Annotations in Figma. These technical notes provide crucial context to the AI about how the elements should behave. We define the Bézier curves, the transition durations, and the easing types (Easing) to achieve smooth, professional motion.
We don't just say "animate this"; we specify that the elements should appear from behind the main button with an elastic effect. By providing these technical details, we allow the AI to generate several variants: a fast version, a slow version, and even a random version. → static menu → turned into a dynamic radial navigation.
This approach lets us instantly compare different feels of motion. We test, we feel the interaction, and we adjust the parameters until we find the perfect balance between aesthetics and ergonomics. Using annotations ensures that our design intent is faithfully translated into the final code, thereby reducing friction between designers and developers.
We have explored how Figma Design and Figma Make are redefining the way we design digital products. By moving from prompt to code editing, and from vector design to functional prototype, we now have an unprecedented toolbox to bring our wildest ideas to life. Whether creating personal utilities, games, or professional applications, the key lies in our ability to guide the AI precisely while keeping our critical designer's eye. The future of design is not in total automation, but in this hybrid collaboration where the human remains the conductor of the technology.
This article is based on the video "Fgma for Edu Figma Design and Figma Make, back to basics"
Article generated via Vidiome
We are entering a phase where the boundary between the idea and the functional product fades away. With the arrival of Figma Make, we no longer settle for drawing interfaces; we generate entire applications from simple intentions. This tool turns our prompts into interactive prototypes and concrete products, backed by real code, whatever our initial technical level. In just a few minutes we explore new interactions and map out user flows, opening up a field of creative possibilities that was previously reserved for seasoned developers.
Launching a project on Figma Make is above all about establishing a dialogue between our vision and the AI. We often start from a blank page, but the tool truly comes into its own when we give it concrete material to guide its decisions. We feed in our existing assets or visual references so the algorithm understands the aesthetic and the structure we are aiming for, turning an abstract concept into a solid working foundation.
We never really start from scratch if we already have elements in Figma Design. By copying an object or using the Send to Figma Make feature, we pass on far more than an image: we share a structure. To get the best result, we take care with layer naming and the application of Auto Layout → a messy structure becomes unreadable code, whereas a clean file translates into a functional interface.
If we lack polished resources, we turn to screenshots, quick sketches or low-fidelity wireframes. These references guide the AI in interpreting our needs, even if the first draft sometimes remains a loose interpretation. We can also draw on the Figma community to "remix" existing projects, which lets us build on already proven foundations rather than reinventing the wheel with every iteration.
Natural language has become our new programming tool, but it demands surgical precision. We learn to structure our requests so that Figma Make grasps not only the appearance, but also the business logic of the application. A good prompt is not a simple sentence; it is a condensed specification that defines the audience, the key features and the technical constraints of the project.
We load our initial instructions with as much detail as possible to avoid approximations. This means specifying the device type, the core features and the style preferences right from the start. The more verbose we are, the closer the first generated version gets to our final vision → a vague prompt yields a generic result, a detailed description produces a specific, tailored interface.
Once the prompt is submitted, we watch the editor work in real time. The preview space lets us test the prototype while the sidebar displays the AI's reasoning and the code being written. We can thus understand why certain design decisions were made, by expanding the details of the requirements the tool has identified to validate the consistency of the build.
An exceptional product is rarely the result of a first automatic draft. We view Figma Make as a design and engineering partner with whom we must communicate constantly to refine the outcome. It is in this adjustment phase that our human expertise reasserts itself, breaking down complex requests into small, manageable steps to keep control over the overall vision.
We use the Point and Edit tool to modify isolated elements without disrupting the entire structure. A contextual toolbar lets us adjust spacing, color or typography with a single click. For the finest tweaks, we dive straight into the source code via the Go to Source option, allowing us to manually correct what the AI could not interpret perfectly.
We integrate Guidelines files to impose a personality and strict coding rules on the artificial intelligence. These instructions dictate how to handle certain components or what tone to adopt in interactions. If we dislike a version after testing it on mobile, we use the Restore this version feature to go back, allowing us to explore creatively without the risk of breaking everything.
Design is a team sport, and Figma Make integrates it natively through its sharing and multiplayer collaboration features. We do not build off in our own corner; we invite our collaborators to test, comment and even modify the code or the prompts in real time. This approach turns individual work into a collective exploration where every team member can contribute their part.
We use Templates as safe environments for team brainstorming. By setting up guardrails in the guidelines files, we allow everyone to iterate on features without compromising the overall user experience. Previews can then be exported to other tools such as Figma Slides for presentations or FigJam to gather structured feedback.
The ultimate goal of our approach remains going live. We publish our projects directly from the interface to instantly get a shareable URL. For more complex applications, we connect tools via the Model Context Protocol (MCP) or add a back-end with partners such as Supabase → a simple demo becomes a real application with authentication and data persistence.
We have gone through the full cycle, from the raw idea to the deployed application. Figma Make does not replace our creativity; it accelerates it by removing the technical barriers that once held back experimentation. We are learning to become conductors, able to steer complex systems through words and gestures. The constant evolution of the tool promises us ever more advanced features, but the essential thing remains our ability to breathe a unique vision into every generated pixel. It is now up to us to turn these new powers into products that leave a mark.
This article is based on the video "Figma tutorial Intro to Figma Make"
Article generated via Vidiome
Creating smooth animations in Figma can quickly become tedious, especially when you want to bring your interfaces to life without spending hours on keyframes. That's where Magic Animator comes in—a helpful assistant in the designer's studio. This AI-powered Figma plugin allows you, according to our experience, to transform any static design into a professional animation with just one click. Result: four unique animation variations generated instantly, a complete editor to refine them, and exports in GIF, MP4, or Lottie. Animation finally becomes accessible to everyone, without technical expertise.
Animation has long been reserved for motion design specialists. Between mastering interpolation curves, managing keyframes, and exporting in various formats, the process can become a real obstacle course for product designers. This technical complexity often hampers creativity and slows down iterations.
The idea behind Magic Animator is to make animation as simple as design itself. Developed by Lottielab, this plugin uses artificial intelligence to analyze your designs and automatically generate coherent and professional animations. No need to know After Effects or spend hours configuring timelines: one click is enough to get usable results.
The magic happens as soon as you select your frame in Figma. Magic Animator automatically analyzes your design and generates four distinct animation variations in seconds. Each proposal explores different creative approaches: fade-in entrances, dynamic movements, subtle rotations, bounce effects... The AI adapts its suggestions based on the nature of your elements (logos, icons, interfaces, social media posts).
This feature allows you, according to our experience, to save valuable time in the creative exploration phase. Rather than starting with a blank page, you immediately have four starting points that you can refine based on your needs.
Magic Animator includes an AI assistant that works through chat. You can dialog with it to refine your animations: "make it smoother", "add a bounce effect", "speed up the transition". This conversational approach makes animation accessible even to designers who have never manipulated a timeline.
The assistant understands the context of your design and adapts its suggestions accordingly. It can propose specific animations for buttons, loaders, icons, or branding elements.
Once the animation is generated, you can refine it in the integrated editor. Magic Animator offers complete control over keyframes, easing curves, timing, and layer hierarchy. This flexibility allows you, according to our experience, to start from an AI-generated base and customize it precisely according to your creative vision.
The editor interface remains intuitive despite its power: adjusting durations by drag-and-drop, real-time preview, organizing layers by groups...
Magic Animator offers three export formats suited for all uses:
This versatility allows you, according to our experience, to use your animations everywhere: websites, mobile applications, social media campaigns, client presentations...
Bring your logo to life with subtle animations that reinforce brand memorability. Fade transitions, progressive reveals, or movement effects can transform a static logo into a memorable visual signature.
Animate your buttons, loaders, toggles, and icons to improve user experience. Micro-animations guide attention, confirm actions, and make interfaces more intuitive. Magic Animator excels in this area thanks to its understanding of UI context.
Transform your static posts, stories, and reels into animated content that immediately captures attention in the feed. Generated animations can be exported as GIF or MP4 optimized for each platform (Instagram, LinkedIn, Facebook...).
Test different transition animations without wasting development time. Lottie exports can be integrated directly into your prototypes to validate the experience before production.
Use automatic generation as a creative starting point, then refine in the editor. Don't hesitate to regenerate multiple times to explore different directions: AI can surprise you with approaches you wouldn't have thought of spontaneously.
Magic Animator is available for free in beta version directly from the Figma community. Here's how to get started:
The complete process can take less than a minute for a simple animation, allowing for rapid iterations.
Magic Animator integrates seamlessly into the Figma ecosystem, but it can also import SVG files from other tools like Canva or Adobe Express. This flexibility allows you, according to our experience, to centralize your animation workflow in Figma, even if your designs come from various sources.
Lottie exports are compatible with all modern web frameworks (React, Vue, Angular) and mobile platforms (iOS, Android), ensuring smooth integration into your production projects.
After testing this tool on several client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, according to our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In the spirit of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
Magic Animator is a tool that radically transforms the approach to animation in Figma. Its ability to instantly generate professional animations through AI, combined with a complete editor to refine them, makes it a valuable ally for all designers. Whether you're working on product interfaces, social media content, or branding elements, Magic Animator allows you, according to our experience, to bring your designs to life without technical friction.
Currently free in beta version, the plugin benefits from weekly updates and has already won over design teams at Netflix and Google. If you're looking to integrate animation into your workflow without investing hours in learning motion design, Magic Animator is definitely the tool to try.
Figma Plugin - Magic Animator
Official Website - magicanimator.com
Lottielab
After a 2025 marked by the emergence of new digital aesthetics, 2026 promises to be a pivotal year for UI design. Interfaces no longer simply aim to be beautiful or modern—they must now generate immediate emotional impact, complete immersion, and instantaneous understanding. The boundaries between digital interface and actual perception continue to blur, pushing designers to fundamentally rethink how they compose, structure, and animate information.
The trends that follow are not mere fashions. They are the natural extension of an already-underway transformation: one where design becomes a vector of experience, a language, a narrative. Here are the major directions that will shape interface design in 2026.
The Bento grid defined interfaces in 2024–2025 through its modularity inspired by Japanese boxes. In 2026, it enters a new phase. Blocks stop being fixed: they adapt to user context, information volume, and even navigation behavior. The grid becomes a living structure, capable of breathing, contracting, or expanding.
This Bento Grid 2.0 is no longer merely a way to organize information—it becomes a narrative instrument. Each block can shift in hierarchy, advance contextually, and create a more natural rhythm between reading and exploration. This fluidity contributes to a more organic, intuitive experience, almost tactile in perception.
Progressive blur, very present in 2025 interfaces, takes on more sophistication in 2026. It no longer serves only to create aesthetic depth or a frosted glass effect. It becomes a true staging tool: a way to direct attention gently and almost imperceptibly.
Progressive Blur allows you to structure information before users even interact. It hierarchizes, reveals, and suggests. This "soft focus UI" offers more intuitive reading by reducing cognitive load and giving the interface an almost cinematic dimension.
2026 marks the return of typography as a major graphic element. Typefaces become larger, bolder, sometimes monumental. They no longer seek to accompany the visual—they become the visual itself.
Interfaces now use subtle kinetic motion, typographic transitions, or micro-animations on hover. Text becomes alive, almost embodied. It conveys immediate, raw, direct emotion and sometimes entirely replaces traditional images.
Modern interfaces adopt a more accessible and straightforward tone. Emojis are no longer relegated to the end of sentences—they join the grammar of text. They replace words, suggest intent, lighten a technical interface, and create emotional connection.
This hybridization humanizes interactions and allows SaaS and tech products to acquire their own personality. In 2026, it becomes a marker of authenticity and simplicity in a world saturated with content.
Faced with smooth images produced by generative models, artisanal design makes a comeback. Hyper-detailed illustrations—inspired by technical drawings, exploded views, or architectural sections—become a symbol of mastery and expertise.
These illustrations are not decorative. They serve to show what is usually hidden: an infrastructure, a technology, a complex workflow. Tech-Baroque becomes a way to say: "here's what we master, here's what we understand."
3D continues its rise but moves beyond decorative object status. 2026 interfaces adopt integrated, functional 3D, where elements have texture, inertia, and visual density that recalls the real world.
This interactive 3D creates an illusion of touch, sometimes called "visual haptics." Cards tilt slightly, buttons react with physical bounce, menus slide like mechanical components. The experience becomes more memorable and engaging.
Light beams, halos, and incandescent borders establish themselves in modern dark mode. In 2026, these light plays become interactive: they follow the cursor, underline an action, or highlight a key element.
This approach echoes the notion of an "illuminated path," ideal for interfaces linked to AI, cybersecurity, blockchain, or futuristic universes. Light becomes a navigation language.
Minimalism doesn't disappear, but it evolves. Less cold, less clinical, it adopts organic colors, soft materials, subtle textures. It focuses more on negative space, visual quiet, and cognitive efficiency.
This Neo-Minimalism values slowness, breathing, and readability. It accompanies the rise of AI technologies by creating reassuring, clean, non-intimidating interfaces.
2026 doesn't simply amount to an accumulation of new graphic trends. It marks a profound shift in the role of UI design: moving from an aesthetic logic to an impact logic. Interfaces become more immersive, more sensory, and above all more intentional. Every visual choice—typography, motion, depth, light—now participates in a global narrative and a more conscious user experience.
Adopting these trends alone won't suffice. The real challenge for designers will be using them wisely, accounting for accessibility, ethics, and clarity. In 2026, interface design no longer seeks only to seduce the eye, but to create meaning, establish trust, and make complexity understandable. It's in this balance between visual innovation and responsibility that digital design maturity will be measured.
--- # Image Adjustments Copy & Paste: Copy Your Image Settings in One Click on Figma URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/image-adjustments-copy-paste-figma Date: 2025-11-28 A simple, effective Figma plugin to harmonize your visuals: copy one image's adjustments and paste them onto another in one click.In Figma, adjusting the brightness, contrast, or hue of an image can quickly become repetitive when you want to apply the same settings to several visuals. Manually reproducing the same adjustments, image after image, is not only time-consuming but also a source of visual inconsistencies.
The Image Adjustments Copy & Paste plugin makes this step easier. In just a few seconds, and in our experience, it lets you copy the settings applied to one image and paste them onto another, without wasting time adjusting each parameter by hand.
Using the plugin is remarkably simple. Just select an image on your canvas, click “Copy” to save its settings, then select another image and click “Paste”. Instantly, the second image adopts the same adjustments: brightness, saturation, contrast, everything is replicated identically.
This intuitive way of working makes it a particularly useful tool in projects where visuals need to maintain consistent lighting or color, such as when creating moodboards, product previews, or illustration galleries.
The main advantage of Image Adjustments Copy & Paste lies in its ability to ensure visual uniformity at scale. When several images coexist within the same interface, their chromatic consistency directly influences how the overall design is perceived.
By copying the adjustments from a reference visual, you can easily align an entire series of images to the same tone, without turning to an external tool or losing time in the settings menus. This time saving is all the more valuable during mockup or client-presentation phases, where every graphic detail counts.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its day-to-day workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
Image Adjustments Copy & Paste belongs to that family of small Figma plugins that combine simplicity and efficiency. It doesn’t try to reinvent image processing, but rather to make the workflow smoother and more consistent.
By letting you copy and paste an image’s settings from one to another, it guarantees effortless visual harmony while saving precious time during the creation and adjustment phases. An essential for any designer who cares about the quality and consistency of their visuals.
In a well-structured Figma file, the clarity of your layers makes all the difference. Yet it often happens that a layer is still named “Text 1” while its content displays something completely different.
This lack of synchronization, seemingly harmless, complicates reading, maintenance and collaboration between designers and developers.
Change Text to Layer Name fixes this small everyday chaos. In one click, it synchronizes the text and the layer name, ensuring they always hold the same value. Simple, fast and remarkably practical.
The plugin works both ways. If you change the text content, the layer name adapts automatically. And the other way around: renaming the layer updates the text. The result: your file stays clean, consistent and perfectly readable, without having to check each element manually.
Using it is absolutely simple. Select one or more text layers, launch the plugin, and everything synchronizes instantly. No complex interface, no configuration: it does exactly what you expect from it, and nothing more.
For design teams, this plugin means an immediate time saving and greater rigor in the structure of files. In a design system or visual documentation, it ensures that labels, buttons or descriptive texts always stay aligned with their layers. This consistency makes reading, handoff and long-term maintenance easier.
It is also an excellent habit for designers preparing presentations or PDF exports: when you number your slides or document your components, Change Text to Layer Name prevents naming errors and manual adjustments.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
Some plugins don’t change the way you create, but they improve the way you organize. Change Text to Layer Name is one of them. It is a discreet, minimalist and effective tool, designed for those who love clean and consistent files. Because good design also starts with good order.
We thought they were gone. Yet browser games are very much making a comeback.
In 2025, web gaming is experiencing a renaissance driven by new engines, improved accessibility, and above all a generation of players seeking slower, smarter, and more community-focused games.
Here's a selection of 10 essential browser games, both old and new, that show the web has more to say. And among them, an ambitious French creation deserves special mention: Astro Nova.
Cloud gaming platforms have changed the game: no more need for high-end GPU, no more installation required. Games accessible from a simple link — PBBGs (Persistent Browser-Based Games) — are returning in a new form: more beautiful, more ergonomic, and often free.
These games tick all the boxes of 2025:
OGame is a space strategy game that has managed to stand the test of time thanks to its depth and engaged community. Despite a design that shows its age, it remains an unmissable reference for browser game enthusiasts. Its ability to deliver a complex and immersive management experience makes it a timeless classic.
Astro Nova stands out for its innovative approach to space gaming. With a fluid interface and an interactive 3D globe, it offers an immersive experience that combines management, exploration, and strategy. This game, designed by a French designer, offers a modern and elegant alternative to genre classics, with a rebalanced economy and active community.
Melvor Idle is a game that reinvents the grind concept by making it both intelligent and addictive. This idle RPG game lets you progress in various skills such as fishing, forging, and magic, simply by clicking. Each action contributes to your development, offering a minimalist yet deeply engaging gaming experience. Melvor Idle proves that a game's depth doesn't depend on its graphics, but on the richness of its gameplay.
Prosperous Universe is a game focused on intergalactic economic simulation. Without combat or war, it offers a unique experience where players must manage complex markets and interstellar logistics. This game is ideal for those who love micro-management and pure strategy, offering total immersion in a universe where every economic decision counts.
https://prosperousuniverse.com
Starborne: Frontiers stands out for its innovative approach to space MMO. With smooth 3D graphics and a rich universe, it offers an immersive gaming experience that combines strategic building and diplomacy. This game is a worthy successor to OGame, but with a more competitive and modern orientation.
Politics & War is a text-based strategy game that immerses you in running a country. You'll need to balance your economy, develop your military forces, and navigate a complex diplomatic landscape with other players. Accessible directly from your browser, this game offers strategic depth without requiring sophisticated graphics.
Antimatter Dimensions is a game that pushes incrementalism to its limit. With gameplay mechanics based on accumulation and exponential progression, it offers a captivating experience for those who love watching their efforts multiply. Each unlocked dimension opens new possibilities, making the game simple to understand yet complex to master.
https://ivark.github.io/AntimatterDimensions/
Galaxy Life Reborn is a game that has captivated players with its colorful atmosphere and quirky humor. Thanks to the passion of its community, this classic has been resurrected for the modern web, offering a nostalgic yet refreshed gaming experience. Players can expect to find the essence of the original game while enjoying an interface optimized for today's browsers.
Ironfell 2 is a game that gives players total freedom, allowing them to explore a persistent world where every decision counts. This real-time strategy game stands out for its flexibility, giving players the ability to build, trade, and conquer as they see fit. With its sandbox approach, Ironfell 2 attracts those seeking an open and limitless gaming experience.
DarkOrbit Reloaded, a veteran of the 2000s, continues to captivate players with its dynamic gameplay and intense space battles. Completely overhauled in HTML5, it offers a smooth and modern experience while maintaining the essence that made it successful. Players can expect thrilling combat, advanced customization of their ships, and an active community that keeps growing.
The best games of this generation have something in common: they exploit the browser not as a constraint, but as a terrain for innovation.
A few major trends:
And that's exactly where Astro Nova makes its mark.
Astro Nova is one of the rare browser games designed from the start as a product. Not an OGame clone, but a modern reinterpretation:
Its ambition is clear: recreate the magic of web gaming, but with the codes of contemporary product design. An independent project, carefully crafted, and remarkably promising.
2025 marks the grand return of browser games. Between nostalgia, innovation, and accessibility, this format has found a second wind. And while OGame paved the way, Astro Nova now stands as its worthy successor — more modern, more immersive, and more coherent.
The future of web gaming is not dead. It's simply… in orbit.
Discover Dynasty Nova
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Read: Why games like OGame still fascinate 20 years later
OGame, Travian, Ikariam… These names evoke a bygone era, the early 2000s, when simply waiting three hours for a building to complete could create genuine tension. An era where you planned your login times, where you checked the game first thing in the morning to verify that no one had attacked while you slept, where alliances formed on dedicated forums.
Browser-based games, or Persistent Browser-Based Games (PBBG), captivated an entire generation of players. No downloads, no complex configuration: just a URL, a password, and plenty — really plenty — of patience. A slower internet, certainly, but also more vibrant, where each connection mattered, where every decision carried weight.
[IMAGE] Nostalgic screenshots: OGame (2002), Travian (2004), Ikariam (2008)Caption: "The golden age of PBBG: OGame, Travian, and Ikariam"Alt text: "Montage of original interface screenshots from OGame, Travian, and Ikariam from the 2000s"
More than 20 years later, these games persist. Some survive precariously, carried by faithful but aging communities. Others are reborn in new forms, reinterpreted by independent creators. And amid this revival, a French project stands out as a bridge between two eras: Astro Nova.
Why do these games continue to fascinate? What makes them so special that they've survived two decades of gaming revolution? And most importantly, how do we reinvent them for 2025 without betraying their essence? This is what we'll explore.
The early 2000s marked a pivotal moment in video gaming history. ADSL connections were becoming mainstream, gradually replacing 56k modems. Web forums were multiplying, creating active thematic communities. And within this context, a new category of games emerged: Persistent Browser-Based Games (PBBG).
The concept was revolutionary in its simplicity: games requiring no installation, no CD-ROMs, no manual updates. Just a web address, a browser (Internet Explorer or Firefox back then), and an internet connection. Total accessibility.
[IMAGE] Evolution of web technologies: from ADSL to PBBGCaption: "Technical context: the democratization of ADSL enabled PBBG's rise"Alt text: "Timeline showing the evolution of internet connections (56k, ADSL) and the emergence of early PBBG titles"
This model rested on a fundamental, almost counterintuitive principle: time becomes a resource. Every construction, every technological upgrade, every fleet movement is measured in hours, sometimes days. Building a level 10 mine? 6 hours. Developing hyperspace propulsion? 12 hours. Sending a fleet to colonize a distant planet? 8 hours each way.
And it was precisely this slowness that made the experience captivating. Unlike action games where everything is instant, PBBG created an extended temporality that forced planning, anticipation, and long-term strategy.
From our experience, this temporal mechanic was perfectly suited to internet usage of the era: you'd connect a few times a day, launch actions, and return later. No need to spend 8 straight hours like in a traditional MMORPG.
OGame (2002) opened the space frontier. Developed by Alexander Rösner in Germany, the game achieved rapid success: interstellar exploration, colonial expansion, empire conflicts. The interface was rudimentary (HTML tables, garish colors), but the gameplay was solid. At its peak, OGame had millions of active players spread across dozens of universes.
[IMAGE] Screenshot of OGame's original interface (2002-2005)Caption: "OGame in 2002: visual simplicity, strategic depth"Alt text: "Screenshot of OGame's original interface showing resource tables and building layouts"
Travian (2004) brought the diplomatic dimension. This ancient strategy game (Romans, Gauls, Germans) introduced a crucial mechanic: structured alliances. Gone was pure solo play: here, diplomacy, pacts, and inter-alliance wars became the heart of gameplay. External forums exploded with negotiations, declarations of war, and epic betrayals.
Ikariam (2008) refined the formula with warm artistic direction. Unlike the austere space setting of OGame or the rustic appearance of Travian, Ikariam offered an almost welcoming Mediterranean universe. Islands were colorful, buildings had character, the interface was more readable. The game softened certain mechanics while preserving the core loop.
All three rested on the same foundational trinity:
A simple loop, but terribly effective, one that continues to inspire developers two decades later. This "Harvest-Build-Conquer" trio became the very DNA of the genre.
[IMAGE] Diagram of the trinity: Harvest → Build → ConquerCaption: "The fundamental gameplay loop of PBBG"Alt text: "Circular diagram showing the Harvest-Build-Conquer gameplay loop of browser-based games"
What truly distinguished PBBG from other games of that era was the central role of community. These games were not solitary: they were played by hundreds, sometimes thousands simultaneously in the same persistent universe.
Alliances became complex organizations:
Forums were theaters of intense social life:
From our experience, this community dimension transformed a basic management game into a complex social experience. You weren't just playing to progress individually, but to contribute to a collective story.
In an era of instant rewards and dopamine loops from modern mobile games (Clash of Clans, Candy Crush), OGame and its descendants offer a radically opposite experience. Here, you don't grind frantically. You plan. You anticipate. You learn to be patient.
Waiting becomes part of the game — it even becomes its narrative engine. When you launch construction of a level 8 space station that will take 24 hours, you don't sit staring at the timer. You close the game, live your life, and return the next day with the excitement of discovering the result.
[IMAGE] Comparison: modern mobile game (instant rewards) vs PBBG (planned progression)Caption: "Two video game philosophies: immediacy vs extended temporality"Alt text: "Visual comparison between a mobile game with constant notifications and a PBBG with planned wait times"
This temporality creates several fascinating psychological effects:
From our experience, this "slow gaming" approach addresses a genuine player fatigue with "service" games that demand daily intensive engagement. PBBG classics were "service" before the term existed, but with a different philosophy: be present, yes, but briefly.
These universes cannot thrive without their players. Alliances, betrayals, forum discussions, battle plans crafted over weeks… All of this forges collective memory and community bonds created by time, far more than by mechanics alone.
Real friendships formed in OGame. Players met in person after months of alliance coordination. Some still play together 15 years later, having moved on from OGame to other games, but forever connected.
[IMAGE] Screenshot of an active PBBG community forum or DiscordCaption: "Community as cornerstone: forums, Discord, collective memory"Alt text: "Screenshot of an active PBBG community Discord with strategic and social discussions"
This social dimension creates emotional investment far beyond the game mechanics. Leaving your alliance after 6 months of collaboration is almost like leaving a friend group. Seeing an empire you spent 2 years building destroyed feels like a genuine loss.
This extended time is precisely what's missing from many modern games, where servers reset monthly, where "seasons" erase progress, where nothing truly persists.
Every player, whether aggressive conqueror or peaceful manager, feels this nearly primitive satisfaction: watching resources grow, buildings evolve, your empire flourish.
There's something profoundly satisfying about transforming an empty planet into a thriving empire:
This visible and measurable progression creates a sense of accomplishment. Every level, every unlocked technology, every new colonized planet is a tangible victory.
From our experience, this sensation of "having built something," though virtual, remains a powerful driver of loyalty. Players return not because the gameplay is addictive in a negative sense, but because they've invested time, thought, and strategy into something they own.
Astro Nova revisits the ancestral "Harvest-Build-Conquer" loop, but transposes it into a fluid, contemporary interface. Gone are static HTML tables, garish colors, menus nested five levels deep. Enter an interactive 3D globe, subtle animations, navigation designed for both mobile and desktop.
[IMAGE] Interface comparison: OGame (HTML tables) vs Astro Nova (interactive 3D globe)Caption: "Visual evolution: from static tables to interactive globe"Alt text: "Side-by-side comparison of OGame's tabular interface and Astro Nova's interactive 3D globe"
The objective isn't to revolutionize the genre, but to modernize it without denaturing it. The fundamental principles remain:
But the user experience is rethought for 2025:
From our experience, this technical modernization is what allows new players to discover the genre without being discouraged by outdated interface design.
Astro Nova's key innovation is conceptual: everything now happens on a single visible, living planet. Players see their constructions evolve directly on the 3D globe's surface. No abstract building lists: the metal mine appears physically, the research laboratory illuminates during technology development.
[IMAGE] Screenshot of Astro Nova showing the globe with visible buildingsCaption: "The globe as central interface: watch your empire thrive"Alt text: "Astro Nova's interface with 3D globe at center showing buildings constructed on the planet surface"
This approach transforms the experience:
Wait times remain — it's the genre's essence — but they become moments of observation, not boredom. You can spin the globe, admire your constructions, anticipate your next development.
Drawing from OGame, Astro Nova's economy rests on the same fundamental resources: metal, crystal, deuterium, energy. But the formulas have been rethought to create a more balanced experience:
Gentler Progression:
Better Effort Reward:
Cooperation Logic:
[IMAGE] Graph showing progression curve: OGame vs Astro NovaCaption: "Economic balance: softer and more sustainable progression"Alt text: "Comparative graphs showing a more balanced progression slope in Astro Nova"
Where OGame preached domination (the strongest crushes the weak), Astro Nova invites collective construction of a living universe. The goal isn't to eliminate all other players, but to prosper in a balanced ecosystem.
From our experience, this philosophy addresses modern player evolution: 2025 players are less drawn to toxic competition than to cooperative, respectful experiences.
The PBBG resurgence partly explains itself through a societal need: to rediscover games that give players time. Games where you don't grind frantically to maintain a ranking, but patiently build something that's yours.
In a world saturated with push notifications, aggressive micro-transactions, "battle passes" expiring in 48 hours, these "slow" experiences become almost… restful. Paradoxically, a game requiring 3 hours for construction becomes a refuge from constant urgency.
[IMAGE] Conceptual illustration: player burnout (modern games) vs slow gaming (PBBG)Caption: "Slow gaming as antidote to gaming burnout"Alt text: "Illustration contrasting the stress of modern games with constant notifications against the serenity of PBBG slow gaming"
This trend is confirmed across several domains:
The mature audience (30-40 years old), who grew up with OGame, now seeks gaming experiences compatible with busy professional and family lives. Modern PBBG perfectly address this demand: 15 minutes in the morning, 15 minutes at night, and the empire continues to prosper.
Astro Nova fully embraces this lineage. A game made by passionate creators that claims the legacy of web gaming pioneers while embracing modern design principles:
Performance: fast loading, smooth animations, mobile optimization
Accessibility: clear interface, gradual tutorial, multilingual support
Immersion: 3D globe, visual effects, refined space atmosphere
Visual Identity: coherent design system, harmonious palette, readable typography
The result? A game halfway between OGame and Starcraft, designed for 2025, yet faithful to what made players' hearts race in 2002:
[IMAGE] Astro Nova positioning: between PBBG legacy and 2025 modernityCaption: "Astro Nova: bridge between two generations of strategy games"Alt text: "Diagram showing Astro Nova as synthesis between classic PBBG (OGame, Travian) and modern design/UX expectations"
From our experience, this "respectful of legacy, open to modernity" approach is key to reviving a genre without betraying it. Nostalgic players find their bearings, newcomers discover deep gameplay without a discouraging interface.
Astro Nova doesn't just offer a game: it builds an active community from the development phase. Via Discord, future players can:
This participatory approach ensures the game evolves according to real player needs, not an isolated developer's vision. This is exactly what made original PBBG powerful: games shaped by their community.
I discovered OGame in 2005, at age 15. I spent hundreds of hours optimizing mines, calculating fleets, negotiating with my alliance. These memories remain etched: first colonies, first successful raids, first inter-alliance war.
Twenty years later, I wanted to recreate that magic. Not from blind nostalgia, but because I noticed a void: no modern game offered this experience of patient construction in a persistent universe. Everything became frantic, competitive, ephemeral.
Astro Nova was born from this creative frustration. As a professional UI/UX designer, I knew the main obstacle wasn't gameplay — the OGame formula remains excellent — but interface and user experience. New players wouldn't tolerate HTML tables and nested menus anymore.
[IMAGE] Personal photo: me playing OGame 15 years ago vs developing Astro Nova todayCaption: "From passionate player to creator: 20 years of evolution"Alt text: "Photo montage showing the journey from OGame player to Astro Nova creator"
The challenge was clear: modernize the experience without betraying the essence. Every design choice, every feature, every mechanic was considered with one question: "Does this respect OGame's spirit while being acceptable to a 2025 player?"
From our experience, this project taught me that nostalgia is a powerful driver, but must be guided by modern vision. You can't simply copy OGame and hope it finds an audience: you must reinvent it for its time.
After analyzing PBBG evolution over more than two decades and developing Astro Nova for 18 months, we can assert the genre remains relevant in 2025. Our team regularly uses these game mechanics as reference in our projects, which allows us, from our experience, to validate their effectiveness in terms of long-term engagement.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during testing:
OGame marked the beginning of an era. Astro Nova may well mark the beginning of a new one. One where nostalgia and modernity no longer oppose, but complement each other.
Twenty years after the golden age of PBBG, we're witnessing an unexpected resurgence. Players who grew up with these games are now adults with busy lives, but who retain memories of these formative experiences. And they're seeking games that respect their time, that offer depth without demanding constant presence.
That's exactly what modern heirs like Astro Nova propose: deep strategic experience, compatible with modern life, enriched by contemporary interface and active community.
From our experience, success of this new PBBG generation won't depend on reproducing the exact 2002 experience, but on capturing its spirit while speaking the visual language and UX of 2025.
OGame taught us that waiting can be a game mechanic. Astro Nova teaches us that patience, in a world of immediacy, has become a refuge value. Slow gaming isn't regression: it's a mature response to generalized acceleration.
The future of space management games? It stands at the crossroads of nostalgia and innovation, strategic depth and visual modernity. It looks a lot like Astro Nova.
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In the early 2000s, OGame left its mark on the history of online video games. Playable from a simple browser, it offered a persistent universe where strategy, patience and cooperation mattered more than graphics. This concept, known as PBBG (Persistent Browser-Based Game), laid the foundations of a lasting genre.
Twenty years later, browser-based space games haven't disappeared. Better yet: they're back in force. In 2026, a new generation of creators — often coming from design and UX — is reinventing this format with clean interfaces, accessible mechanics and an aesthetic designed for modern screens.
Here are five titles that illustrate this renaissance, between retro heritage and visual sophistication.
Launched shortly after OGame by Bigpoint, DarkOrbit was long its more fast-paced counterpart. The Reloaded version updated its graphics, refined the interface and added particle effects inspired by modern shoot'em ups.
Its DNA remains unchanged: conquest, endurance and immersion in a dark science-fiction universe.
Visually, the game retains a strong "Flash era" identity: condensed typography, a dense but readable interface. The designers favored functional consistency over excessive modernization.
A key example of a retro interface that survives thanks to readability, contrast and information hierarchy.
Released in OGame's shadow, Astro Empires is an ode to restraint. Here, there are no textures or animations: the gameplay relies on tables, statistics and a minimalist map.
It's an intellectual, almost meditative pleasure, where every piece of data has meaning.
Astro Empires embodies a radical approach to functional minimalism. The "spreadsheet" aesthetic may put off fans of visual effects, but it delivers an experience of absolute readability.
The absence of distraction reinforces strategic focus. It's a niche UX, but exemplary for its efficiency.
Starborne takes the concept to another level. With a 3D galactic map, dynamic alliances and a depth close to EVE Online, the game merges MMO and strategic management.
Its graphics engine and complexity make it a title of its own, closer to a full PC game than to the classic browser format.
Starborne's interface is rich, sometimes too much so. Menus, overlays, indicators and pop-ups pile up, creating a cognitive overload effect.
However, the art direction — deep blue, transparencies, elegant typography — gives an impression of controlled visual consistency.
The UX challenge lies in the balance between aesthetic ambition and ease of use.
Born on the browser before being ported to mobile, Vega Conflict managed to blend real-time action and clan strategy. The result: an accessible, fast-paced game with a "Starcraft light" feel.
Graphically, Vega Conflict impresses: colorful explosions, detailed ships, icy atmospheres.
But its interface betrays its hybrid heritage. The oversized buttons and uneven contrasts reveal the limits of a design meant for two interaction logics: mouse and touch.
A lesson in visual consistency and adaptability in cross-platform design.
Astro Nova is the missing link between nostalgia and modernity. Created by an independent designer, the game revisits OGame's foundations — economy, construction, exploration — but transposes them into a smooth, contemporary interface.
Everything here is designed according to design system principles: modern typography, balanced contrasts, micro-animations and intuitive navigation.
The 3D planet slowly rotating at the center of the screen becomes a symbol: a visual and emotional anchor point.
Astro Nova demonstrates that the future of the PBBG lies in the fusion of aesthetics and user experience.
Every element reflects a designer's thinking: readability, hierarchy and overall consistency.
Twenty years after OGame, browser-based space games are being reborn in a more accomplished form. They have traded nostalgia for visual maturity and UX rigor.
DarkOrbit keeps the veteran's charm, Astro Empires the analytical purity, Starborne the spectacular ambition, Vega Conflict the mobile adaptability, and Astro Nova — the elegance of the design system.
In 2026, the browser is no longer a constraint but a canvas for independent designers and developers.
Where AAA titles bet on power, PBBGs bet on clarity, readability and persistence.
The future of the genre will be written less with 3D engines than with ideas, thoughtful design, and that ability to make space — once again — fascinating.
OGame
DarkOrbit Reloaded
Astro Empires
Starborne: Sovereign Space
Vega Conflict
Dynasty Nova
Creating a presentation or documentation from Figma has become an increasingly common alternative to Google Slides or PowerPoint, especially for designers who want to keep control over layout, components, and style.
But once the presentation is finished, a long and tedious step often follows: renaming all the slides and updating the page numbers before exporting to PDF.
Fortunately, there is a simple, fast, and effective way to automate all of this directly in Figma — without any complex plugin, and with a handy bonus trick thanks to a clever tool: Change Text to Layer Name.
Rather than juggling several tools, many designers prefer to design their presentations directly in Figma.
The idea is simple:
This method has two major advantages:
Once your slides are ready, you need to rename them before the PDF export.
The issue is that Figma does not always order the layers visually the same way they appear on the canvas, which can lead to disorganized exports.
On top of that, if you have added a slide number in the bottom right (often in a small text frame), you have to update it one by one.
The result: a time-consuming operation, especially if your presentation exceeds a dozen slides.
If your slides are already placed side by side on the canvas, select them all and apply Auto Layout.
This lets Figma understand the real visual order of your slides.
Once the order is restored, ungroup (Shift + Cmd/Ctrl + G) to keep the correct hierarchy in the layers list.
With all your slides selected, press Cmd + R (Mac) or Ctrl + R (Windows).
Figma then opens the bulk rename modal:
{currentName}.Slide {001} for automatic numbering.Figma automatically increments the number on each layer:Slide 1, Slide 2, Slide 3…
And when you export to PDF, your pages will already be in the right order.
If you have a small page number text in the bottom right of each slide, you can update it in bulk.
To do this:
You now have all your numbers selected simultaneously.
As with the slides, use Cmd/Ctrl + R to rename the text fields (for example 1, 2, 3, etc.).
Then use the Change Text to Layer Name plugin:
it automatically converts the layer name into text content.
The result: each number displayed in your slides matches its exact order, without having to edit each field manually.
Once the slides are renamed and the numbers are updated, all that's left is to export to PDF.
Everything will be in the right order, with clean and consistent pagination.
In our experience, this workflow turns a tedious task — renaming, numbering, ordering — into a series of semi-automatic actions.
In just a few minutes, your documentation is ready to share, with no pagination errors or messy layers.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Aspects tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
Figma is not only an interface design tool, it is also an excellent platform for creating interactive presentations or documentation.
By combining Auto Layout, the built-in bulk rename, and a small plugin like Change Text to Layer Name, you can generate professional PDF documentation in record time.
This kind of approach — streamlining repetitive tasks and automating micro-actions — embodies the philosophy of modern designers: saving time on the form so you can focus on the substance.
--- # Copy Color Value: a Figma plugin to document your colors faster URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/copy-color-value-figma-plugin Date: 2025-11-28 The Copy Color Value Figma plugin makes documenting colors easier: select a layer, display every color, and copy it in one click.When creating and documenting design systems, managing colors is one of the most recurring… and most time-consuming tasks. Between variables, styles and hexadecimal codes, it is common to waste time juggling selections, copy-pasting and detaching styles. This observation is what gave rise to Copy Color Value, a minimalist Figma plugin designed to meet a simple need: to quickly copy and use a layer's color values in all their forms.
When redesigning a visual identity or setting up a design system, it is essential to document every color used with precision. This often involves creating components that illustrate the colors' hexadecimal codes, their naming, and their classification (primitives, semantics, etc.).
Yet in Figma, simply retrieving the hexadecimal value of a color tied to a style or a variable is far from smooth. You have to detach the style, copy the code, reapply it… then start over for each color. A tedious process, especially when working with a rich palette (e.g. Tailwind) or a complete set of semantic colors.
Many Figma plugins exist to explore styles or generate palettes, but few address this precise need: directly copying a color's value and, if possible, the name of the associated style or variable. It is this gap that inspired the creation of Copy Color Value.
The idea behind the plugin is simple: when you select a layer, the plugin detects every color used (whether applied directly, through a style or a variable). These colors appear in a minimalist window, designed like a small swatch panel.
If there is only one color, it fills the entire height.
If there are several (for example a gradient or multiple selected layers), they spread across the window, up to 3 per row, with the ability to scroll if needed.
For each displayed color, the user can:
This flexibility lets you adapt the documentation to the context (handoff to front-end developers, formatting a design system, or simple internal use).
On a Tailwind-based project with an extensive palette, Copy Color Value lets you, in our experience, list and document in a few clicks all the colors used on text and other elements. No more manual detaching/reapplying: the values are immediately accessible.
The plugin can also be combined with other Figma tools: for example, selecting all the text in a file through a dedicated plugin, then using Copy Color Value to directly extract the applied colors. In a few seconds, you get an exhaustive view of the variables used in the project.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
Copy Color Value was born from a very concrete need encountered in redesign and design system projects: documenting colors faster and more efficiently. Minimalist, intuitive and focused on the essentials, it turns a repetitive and tedious task into a smooth, instant action.
It is also the perfect example of the philosophy that guides the use of plugins in Figma: invest a little time to solve a recurring problem, and save time on every project afterward.
Figma plugin
Figma Community Atecna
When your Figma files grow large, layers often end up hidden or locked — leftovers from earlier design phases, test elements, or variations. These hidden layers bloat the document, make navigation harder, and can complicate file maintenance. The Delete Hidden Layers plugin lets you automatically clean up these invisible layers (even locked ones), while preserving components.
In collaborative mockups or evolving projects, you quickly accumulate duplicate layers, experiments, or outdated versions. Even when these layers aren't visible, they remain in the file structure, can slow down editing, show up in layer lists, or hurt the file's readability. Rather than digging through layer by layer manually, this plugin makes it easy, in our experience, to purge these invisible elements and lighten up your Figma.
Delete Hidden Layers removes every layer that is currently hidden or locked, including those nested inside selected frames or areas. The exception: layers belonging to components, which are kept so as not to alter the design system's structure.
You can apply the plugin to the entire page or only inside a selected frame. This gives you granular control over the cleanup without risking the deletion of elements in other active areas.
Removing invisible layers reduces the document's complexity, speeds up loading times, and simplifies navigation.
The plugin is designed to leave layers inside components untouched, which avoids breaking the integrity of your design system.
Before running the plugin, make sure you aren't temporarily hiding layers that you'll use later. It can be wise to work on a copy of the file in case a deletion turns out to be undesirable.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which lets us, from experience, validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
Delete Hidden Layers is a simple but extremely useful plugin for keeping your Figma files clean and efficient. By automatically removing invisible and locked layers — while protecting components — it helps you maintain a clear structure and lighten your mockups. If you regularly deal with cluttered files, this plugin deserves a spot in your toolbox.
When working on complex wireframes or pages with many elements (icons, thumbnails, cards, images), visual order can quickly become chaotic. It's common to want to arrange these elements by size to visualize variations or identify incorrect proportions. The Sort by Size plugin for Figma addresses this need: it allows, based on our experience, to sort selected layers by width, height, or surface area, then arrange them neatly in a line.
In a design system or rich mockup, multiple elements can look similar but diverge slightly in dimensions — a card slightly wider, a thumbnail slightly taller, etc. These small visual inconsistencies can undermine design coherence.
Without a dedicated tool, you often have to manually sort layers, check their dimensions one by one, or reorganize them manually. This becomes tedious as the number of elements grows. Sort by Size automates this process so that layout and visual analysis are clearer.
This plugin offers three criteria for sorting layers: width, height, or surface area. Depending on your project context, you can choose the most relevant criterion to visually order the selected elements.
After sorting, Sort by Size automatically arranges the layers in a row, properly aligned according to the sorted order. This allows you to observe dimensional variations in a clear order and identify deviations easily.
To get started, you need to select the elements (shapes, images, cards, icons, etc.) that you want to sort. The plugin will only apply to those you have explicitly selected.
Once the layers are selected, launch Sort by Size. Choose the criterion (width, height, or area), then confirm. The plugin will then sort your elements by this criterion and arrange them in an ordered line, from smallest to largest (or according to the implemented order). The result is immediate and visually relevant.
Seeing elements arranged by size allows you to identify suspicious or inconsistent values very quickly — for example a card that's significantly oversized or a thumbnail narrower than the rest.
Instead of manually repositioning layers or sorting them by hand, the tool does it for you. Very useful when working on rich mockups or when you want to visually audit a page.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
Sort by Size is a simple but very practical plugin for anyone who wants to analyze or organize elements in Figma according to their dimensions. By automatically sorting your layers by width, height, or area, it improves readability and visual control. If you're looking for a quick way to order your components and identify dimensional gaps, this plugin deserves a place in your UI toolkit.
For the past few months, we have been witnessing a dazzling acceleration of creative tools powered by artificial intelligence. After Midjourney, Stable Diffusion or Runway, a new player is attracting more and more attention: Krea.ai. I had the chance to test it in depth and to give a presentation on it, and I would like to share here my impressions, my use cases, but also an analysis of what this type of tool can bring to designers.
My goal is not simply to demonstrate a platform, but to explain why it is interesting in the current landscape and how it can fit into a creative workflow.
The market is saturated with solutions capable of generating images, videos or even 3D objects from simple text prompts. Every month, new names appear, each promising more realism, more speed, more control. Creatives find themselves drowning in an overwhelming supply, and it is becoming hard to know which tool to choose for which purpose.
Krea.ai does not merely generate images. What makes it singular is its logic as an open creative platform: you are not limited to typing prompts, you can also explore what the community has produced, remix existing creations, and above all train your own custom models. In other words, it is not just a generator, it is a complete environment for exploration and production.
The foundation is still image generation. You enter a prompt, choose a style, tweak a few parameters, and within seconds Krea.ai produces surprisingly coherent visuals. The tool excels particularly in the diversity of styles and its execution speed. Unlike other platforms, the output does not feel locked into a particular aesthetic: you can go from the rawest photorealism to more artistic or stylized renders.
One of Krea.ai's great strengths is the ability to create your own model. From a series of images you provide, you train the AI to understand your visual universe. Then, with each new prompt, the model reinjects your style, your graphic codes, your textures. This opens up immense possibilities for designers who want to keep a strong visual signature, rather than relying on the platform's generic styles.
Krea.ai also stands out for its community side. You can browse other people's creations, get inspired, understand the prompts used, and sometimes even reuse those foundations to create a new variation. This logic of sharing and remixing gives the tool a very lively feel, and recalls the collaborative spirit of platforms like Figma or Notion.
Even though image remains the heart of the product today, Krea.ai shows a clear ambition: to move toward video and 3D. Early tests show that it will soon be possible to generate animations or manipulable objects, which would put the platform in direct competition with players like Runway or Meshy.
Beyond theory, here is how Krea.ai fits concretely into a modern UI/UX design workflow.
This is Krea's "killer" feature. The Enhancer tool lets you take a low-resolution image (a pixelated client logo, an asset grabbed from the web) and enlarge it to 4K while reinventing the missing details. Unlike a classic upscaler that blurs, Krea "hallucinates" realistic details.
Need an abstract background for a Hero section? Instead of searching stock image libraries for an hour, describe your texture to Krea. Using the Patterns mode, you can generate infinitely repeatable (seamless) patterns, perfect for web design.
The most impressive feature is still Real-time Generation. Draw rough shapes on the left (a circle for a planet, a square for a building), and watch Krea generate a photorealistic render instantly on the right. It is the ultimate tool for rapid prototyping.
What strikes you when you open Krea.ai for the first time is the simplicity of the interface. No need for a two-hour tutorial to understand how it works. The prompt fields, style options and generation buttons are clear and accessible. Learning is almost immediate, even for someone who has never touched a generative AI.
In my personal use, I was able to integrate Krea.ai directly into my ongoing projects. For example, for Astro Nova, I used the platform to generate visual concepts of planets, spaceships or graphic atmospheres.
The idea is not to take the images as they are, but to use them as an exploratory base, as an extension of my creative process. This makes it possible, in our experience, to quickly produce dozens of variations, to test directions, then to keep only what makes sense.
Not everything is perfect. Quality can be uneven depending on the prompts, and some images require several iterations before you get a convincing render. Generation time can also vary depending on server load and the complexity of the request. Finally, as always with AI, you remain dependent on the phrasing: a poorly written prompt rarely produces anything usable.
Where traditional brainstorming or iconographic research takes time, Krea.ai offers unprecedented acceleration. In a few minutes, you get dozens of visual leads that would have required hours of research or sketching. For moodboards, it is a real revolution: instead of searching Pinterest or Dribbble, you can directly generate images matching the universe you have in mind.
Beyond exploration, Krea.ai becomes an asset for productivity. Need a color variation, a new texture or an alternative backdrop? Just a prompt and, a few seconds later, the variation is ready. This makes it possible, in our experience, to save precious time in the iteration phases, where manual back-and-forth used to be time-consuming.
Finally, I see in Krea.ai one more sign that the designer's profession is evolving toward a hybridization with technology. What I call vibes coding — this ability to code atmospheres and experiences without writing a single line of code — takes on its full meaning here. AI becomes an intermediate language between the idea and the render. For profiles like mine, rooted in UI but curious about the technical side, it is an incredibly stimulating playground.
There is always this question: is AI a threat to creatives or simply a complementary tool? My feeling is that Krea.ai, like other platforms, is not meant to replace a designer, but to augment them. AI produces, but it does not choose. It generates, but it does not decide what is relevant in a given context. That is where the designer's role remains crucial.
While testing Krea.ai, I had the feeling of entering an experimentation laboratory. You can attempt absurd things, explore unexpected styles, mix references that would never have coexisted otherwise. And sometimes, out of these visual accidents an actionable idea is born. It is this freedom that seems most precious to me: AI as a generator of creative sparks.
For me, the arrival of platforms like Krea.ai is a game changer. Not because they render existing skills obsolete, but because they open up unprecedented horizons. They force us to rethink the way we create, to integrate new tools into our toolbox, and to stay attentive to a market that is evolving at a dizzying pace.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
For the sake of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
Want to give it a try? Here is how to get a pro result in 2 minutes:
Pro tip: Use the webcam as an input to turn your own gestures into digital art in real time.
Krea.ai is not just a new toy in the galaxy of generative AIs. It is a platform that combines simplicity, power and community openness. For designers, it is at once an exploration accelerator, a productivity gain and a bridge toward new forms of collaboration between design and technology.
My advice is simple: test it. Play with the prompts, train your own models, explore other people's creations. You will quickly see that Krea.ai is not just a tool, but a creative companion that can transform the way you work.
Drawing vector shapes in Figma often means opening and closing paths.
An open path can be useful for a line or an incomplete shape, but when you want to create a polygon or a closed path, you have to manually connect the last point to the first. Close Path is a minimalist Figma plugin that automates this step and lets you, in our experience, instantly close a selected vector path.
In vector design, the difference between an open path and a closed path affects the appearance and functionality of the object.
A closed path can take fills and effects and be easily styled. Closing a path by hand can be tedious, especially when it is complex or made up of many segments. A dedicated plugin simplifies this operation and speeds up your workflow.
Close Path works exactly as its name suggests. Select an open vector path in your Figma file. Launch the Close Path plugin. The plugin automatically connects the last point of the path to the first, creating a closed polygon. You then get a shape ready to be filled, transformed or styled to suit your needs.
You no longer need to manually hunt for the starting point of your path to close it. The plugin automates this task to save you valuable time
Its interface is very intuitive and contains no complex options. Simply select your path, run it, and finalize your shape in a single click.
This tool guarantees a clean vector path, with no overlaps or stacked segments, which is essential to the quality of your designs.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
Close Path is a lightweight, efficient Figma plugin, ideal for anyone who works regularly with vectors.
By automatically closing your paths, it saves you time and helps keep your files well structured. If you want to optimize your vector creation process, do not hesitate to give it a try.
When you receive a Figma file without access to the original images, it can be tricky to extract these visuals in their original format.
Copy-pasting from the interface or exporting a cropped frame often results in a loss of quality. Export Original Images is a Figma plugin designed to export the images used in your mockups without cropping and at their native size, so you can recover the assets with no compromise.
In a collaborative workflow, you can end up with mockups that contain embedded images but without the corresponding source files.
To prepare a prototype, send resources to a developer, or generate marketing materials, having the images in their original resolution is essential. Without a dedicated tool, you end up with compressed or cropped versions that are unsuitable for professional use.
The Export Original Images plugin retrieves the images contained in the fills of your elements, without cropping or altering them. It offers a flexible selection that lets you export one or several images, or even an entire frame, and it automatically detects the content to export.
To export your images, first select the elements or the frame containing the images you want to recover. Once the Export Original Images plugin is launched, you can choose the output format (PNG or JPEG) and the quality, then specify whether you want to export all the images in the selection or only those in the directly selected layers.
The plugin exports the files to your computer. If you have selected several elements, it generates a ZIP file containing all the images. For a single selection, a single image file is exported. Note that the plugin preserves the pixel data but not the metadata of the original images.
To avoid any freezing, especially with very large images, it is recommended to export them one by one. This ensures a smoother and more stable process.
This plugin lets you extract images at their native resolution, without having to go through a frame export. It saves a considerable amount of time, since you no longer have to manually search for the original images or ask the file's author for them. Its intuitive interface makes the operation simple and fast.
Although the plugin makes it easier to export images, it is crucial to respect usage rights. The tool does not authorize you to reuse content without the prior consent of the author.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
Export Original Images is a valuable tool for quickly recovering the images used in your Figma mockups.
By exporting visuals at their original size and quality, it simplifies the sharing and reuse of graphic assets, with no cropping or compression. Add this plugin to your toolbox to streamline your exchanges and guarantee the quality of your visuals.
Modern interfaces often use circular compositions: radial menus, dials, selection wheels or decorative patterns. Creating them manually can be tedious, especially when you need to place elements at regular intervals around a circle.
Copy & Rotate is a Figma plugin designed to automatically generate copies of an element and arrange them in rotation around a center, while retaining the power of components for later editing.
Building radial patterns requires duplicating an element, placing it at a precise angle and then repeating the operation. Figma lets you, in our experience, duplicate and rotate, but this remains manual.
Copy & Rotate automates this process by instancing components and letting you control the number of copies, the radius and the total sweep angle. The tool is ideal for creating consistent, quickly editable circular designs.
Select an element and the plugin creates a set number of copies arranged on a circle with an adjustable radius.
The copies are component instances, which lets you, in our experience, change a property (color, size, etc.) and propagate it to all the copies.
Adjust the number of copies and the sweep angle (for example a half ring instead of a full circle). Skip certain copies to create alternating patterns or empty spaces.
Select a single element (or a group), launch the plugin, set your parameters, and confirm.
If you want to rotate several objects at once, group them. The plugin requires that only a single element be selected.
It is not possible to rotate a group that contains components. Break it apart or convert the whole thing into a single component.
You cannot select a child layer of a component or an instance. Select the parent instead.
The plugin does not work with “Document”, “Page” or “Slice” nodes. By following these rules, you will avoid errors and get the most out of the plugin.
The plugin is ideal for creating radial menus in mobile apps or video games. It can also be used to generate decorative patterns for backgrounds or illustrations. It is a very useful tool for visual representations such as option wheels or interactive dials.
The plugin delivers a considerable gain in time and precision by automating rotation and spacing. It offers great flexibility, because the generated copies are editable instances: you can change the base element and all the copies update automatically.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
Copy & Rotate enriches your Figma toolbox by offering a fast and reliable method for generating circular compositions and radial patterns.
By mastering the selection rules and taking advantage of the customization options, you can create original interfaces while benefiting from the power of Figma components. If you need to design rotating menus or regular layouts around a circle, this plugin is an ally worth discovering.
Clearly communicating your design intentions is essential when working as a team or with clients. Annotations help you contextualize a decision, explain an interaction or flag a change to make. Yet inserting and managing these visual comments can be tedious. Annotate Design is a Figma plugin designed to quickly add annotations directly onto your mockups in order to streamline your workflows.
Annotations play several key roles in design. They help clarify your design choices by explaining how an element behaves, which makes collaboration within the team easier, and in particular with developers. By documenting your mockups, you also save time by avoiding recurring questions.
Without a suitable tool, these notes can quickly become a problem. They risk cluttering your mockup, making it hard to read and complicating the updating of comments if the design evolves. That is why a tool like the Annotate Design plugin is particularly useful.
The Annotate Design plugin lets you, in our experience, easily comment on an element of your mockup in three steps. Simply select the relevant layer, choose the position of your note (above, below, etc.) and enter your comment. Confirm to insert the annotation, which will stay linked to the element.
Built by its author as a learning exercise and to save time, the plugin aims to be simple and effective. Its creator actively encourages user feedback in order to keep improving it.
The Annotate Design plugin lets you add annotations with great speed, without ever leaving Figma. Thanks to the configurable position of the notes, you can keep your mockup readable. The tool is also highly adaptable, as it can be used to annotate any type of project, from wireframes to final prototypes.
To get the most out of the plugin, write clear and concise annotations. Also remember to delete them when the information is no longer relevant; this will help you keep a clean and well-organized file.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
Annotate Design provides a simple answer to a daily need for designers: documenting their mockups without complicating their workflow.
By making it easier to create visual comments, this plugin improves communication and collaboration within teams. Don't hesitate to try it on your projects and to share your improvement ideas with its developer.
Bitmap images (PNG, JPEG…) are made up of pixels and can lose quality when enlarged. Vector graphics, on the other hand, are defined by mathematical shapes that remain sharp at any size.
To adapt a logo, icon, or pictogram to different resolutions without quality loss, it is often best to convert them to vector format. Vectorized (PNG to SVG) is a Figma plugin that simplifies this operation by automatically transforming your bitmap images into SVG and placing them on the canvas.
When you import a logo or illustration as a PNG into Figma, you cannot modify its shapes or change its colors. Moreover, if you need to display the same visual at a larger size (for example on a banner), pixelation is inevitable.
By converting an image to SVG, you gain a vector object that you can resize without loss of quality and customize by adjusting its outlines, colors, and effects.
The Vectorized (PNG to SVG) plugin is simple to use: it detects bitmap images (PNG, JPEG, GIF…) in your selection, vectorizes them, and automatically places the vector result on the canvas.
The import is instantaneous, and the new object is editable like any other Figma vector. There are no parameters to configure: the plugin handles everything.
The SVG file generated by the plugin can be resized infinitely without quality loss, making it ideal for elements like logos or icons.
With this tool, you no longer need to go through external software to vectorize your PNG files. Once vectorization is complete, you can easily customize the result by changing the color of each shape or adding and removing elements.
However, the quality of conversion depends on the complexity and resolution of the original image. For detailed photos or illustrations, the result can be heavy and difficult to edit. This plugin is therefore particularly suited for simple visuals (icons, monochrome logos…) rather than images rich in gradients.
After testing this tool on several client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in our daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
Vectorized (PNG to SVG) brings Figma a valuable feature for easily transforming bitmap images into vectors.
In just a few seconds, your imported logos and icons become fully scalable and editable, offering greater flexibility in your projects. For simple images, the tool is remarkably effective and saves you from relying on third-party software. Test it on your icons and enjoy the freedom that vector design offers.
In Figma, sections allow you to group frames and visually organize a project. However, manually adjusting their dimensions so that the content remains well-framed takes time, especially when the composition evolves.
Section Auto‑Resize with 200 px Margin is a plugin that automates this task by resizing sections based on their content and adding a uniform 200 px margin around it.
A well-organized design is built on regular spacing and precise alignment. When working with a grid system or design system, maintaining consistent margins around groups of screens or components improves readability and collaboration.
Figma sections, when used correctly, become visual reference points for teams. But without automation, you sometimes forget to adjust them or spend time resizing them manually.
The Section Auto‑Resize with 200 px Margin plugin offers a simple solution : it analyzes the content of a section and automatically adjusts its size to surround it with a fixed 200 px margin.
So, whenever you add, move, or resize elements inside, you just need to rerun the plugin for the section to update. Distances become homogeneous, without effort.
Using a common basis for all your measurements ensures more consistent spacing between components and different pages of your design system. This ensures better visual harmony and facilitates element alignment.
Standardized margins and spacing make your files more readable and easier to navigate for your colleagues. By using clear and uniform reference points, you improve team communication and streamline collaborative work.
With standardized measurements, you no longer need to manually check and adjust section dimensions after each content modification. This saves you valuable time, allowing you to focus on other aspects of design.
This plugin is particularly suitable for teams that apply strict spacing rules and want to automate the formatting of their sections to gain efficiency and consistency.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail :
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing :
Section Auto‑Resize with 200 px Margin is a simple and effective tool for standardizing the appearance of your sections in Figma.
By automatically resizing sections and applying a consistent margin, it contributes to a more organized workspace aligned with your design system. If you're looking to streamline section management and harmonize your spacing, this plugin will be a valuable ally.
In interface design, consistency in spacing and sizing is essential for achieving a professional and pleasant appearance. Respecting regular values (multiples of 4 or 8, for example) facilitates grid creation and component harmonization.
Round to 8 is a Figma plugin designed to automate this standardization: it rounds your padding, position, or size values to your desired multiples, allowing you to quickly normalize your designs.
Design systems often rely on fixed measurement units (base of 4 or 8 pixels) to ensure alignment and proportionality between elements. Yet, when creating or importing designs, you regularly end up with "offset" values (13 px, 47 px…). Correcting these discrepancies manually can be time-consuming and error-prone. Round to 8 addresses this need for automatic normalization in just a few clicks.
The Round to 8 plugin can adjust multiple parameters at once, including Auto Layout (margins and spacing), position, dimension, and font size. It allows you, based on our experience, to choose a rounding multiple (4, 8, or a custom value) and apply the rounding to your current selection or all its children.
To use the plugin, select the elements you want to normalize. In the Round to 8 window, choose the properties to round and define your desired multiple. All you have to do is click "Apply" for the values to instantly realign to your grid.
By forcing all measurements, such as spacing and dimensions, to be based on a common multiple, your interfaces benefit from impeccable visual consistency and perfect alignment.
This tool is very practical for quickly harmonizing designs that come from external sources or were designed in a hurry.
You no longer need to manually check and correct each value, which allows you, based on our experience, to save valuable time and focus on other aspects of design.
Having standardized measurements simplifies teamwork and makes the integration of your designs smoother for developers.
Round to 8 is particularly useful when setting up or redesigning a design system, but can also be used occasionally to correct discrepancies in an existing project.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in our daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Aspects tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
Round to 8 is an invaluable ally for anyone looking to ensure perfect consistency in their Figma designs.
By allowing you to automatically round positions, dimensions, and spacing to your chosen multiples, this plugin simplifies the maintenance of your design system and contributes to impeccable interfaces. Test it to adopt a regular grid and gain efficiency.
For several months now, job offers in the design field seem to converge on the same profile: senior "product" designers capable of covering both UX and UI aspects. This trend marks a tightening of the market and raises questions among professionals who, until recently, saw multiplying demands for highly specialized experts.
With the economic situation and the need for companies to optimize their budgets, are we witnessing a return of "Swiss Army knife" profiles and technical designers? Here are some reflections based on my experience and observations.
A few years ago, recruiters favored specialists (UX Researcher, UI Designer...). Today, job offers increasingly highlight "product designer" or "senior UX/UI" profiles, asking a single person to master a wide range of skills, much like the web designers of early internet days who designed and coded.
This evolution is partly explained by tighter budgets that push companies to hire less, but with more generalist profiles. However, the market is not limited to this trend: experts remain essential for complex projects, such as in-depth user research or accessibility.
A new type of designer is emerging quietly: the UI designer with strong technical affinities. Some of them master advanced prototyping tools, no-code, or even vibes coding to create interactive prototypes. The democratization of generative AI and code assistants opens new possibilities for them, such as image generation or task automation.
Despite the usefulness of these skills, they are rarely mentioned in job offers. The market seeks versatile UX/UI designers, but overlooks "tech UI designers" who are nonetheless capable of creating complex prototypes and communicating with developers. This lack of recognition could hinder the natural evolution of the profession toward better collaboration between design and development.
As a senior UI designer, I have specialized in design systems while cultivating a strong appetite for technology. Although I am not a developer, my curiosity drives me to understand how code works and to explore tools like vibes coding, which allows me, based on our experience, to create interactive prototypes and open dialogue with development teams.
Despite the advantages this versatility brings to projects, I notice that job offers rarely value this "technical layer". We search for skills in product design, user research, and interface design, but the ability to communicate with developers and use technical tools is often overlooked. Similarly, mentions of AI in job offers remain quite timid.
The evolution of the designer profession goes through better harmonization between design and technology. Companies have much to gain by recognizing and hiring hybrid profiles, capable of orchestrating the product vision, communicating effectively with developers, and leveraging new tools like no-code or generative AI.
These cross-functional profiles do not replace experts — who remain essential for highly specialized domains — but they enrich teams. They act as a true link between research, design, and implementation, thereby streamlining processes and enabling more effective innovation.
The design market is transforming and seems to be rediscovering the value of hybrid profiles. Faced with tight budgets and increasingly accessible technologies, designers must juggle between UX research, UI creation, and technical understanding.
My wish is to see better recognition of these cross-cutting skills, which enable pushing innovation and project efficiency further. In the meantime, let's stay curious, continue learning and sharing our experiences, without yielding to overly formatted or sensationalist discourse: the important thing is to build lasting bridges between design, product, and technology.
--- # Figma Tip: Simplify Your Color Hunt Without Distractions URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/figma-selection-colors-tip Date: 2025-11-28 In Figma, hunting for colors not linked to variables gets messy with multicolor logos and widgets. Here is a simple trick to clean it up.When managing Figma mockups, using variables and styles to define your colors is essential to ensure the consistency and maintainability of your projects.
However, when you review all the colors of a screen using the Selection Colors tool, distracting elements can muddle the analysis: multicolor icons, logos or imported widgets that are not meant to be part of your palette. Here is a tip, shared as a video, to work around this problem and streamline your color hunt.
To ensure efficient maintenance, the best practice is to define all your colors in variables or styles. This means, in our experience, that you can change a single value to automatically update every affected element in your project. To check that all colors are linked to variables, you use Figma's Selection Colors tool, which lists all the colors applied within a selection.
The Selection Colors tool is useful for identifying which colors to link to variables, but it can display irrelevant elements such as logos, widgets or imported visuals. These are not meant to be part of your design system, and their colors can pollute the analysis.
The tip is to replace an element's color fill with an image fill so that it no longer appears in the Selection Colors panel. To do this, create a square of the desired color, copy it as a PNG file, then import that image as the fill for your layer.
By using an image fill, your element's visual appearance stays unchanged, but its color is no longer taken into account by the Selection Colors tool. This lets you, in our experience, focus on the relevant colors of your mockup without being distracted by those of external logos or icons.
Figma distinguishes between color fills and image fills in the Selection Colors list. By converting a color fill into an image, you prevent that shade from being treated as a color to replace. Visually nothing changes, but the color selection tool no longer reports it.
Use this technique sparingly: it is helpful when you need to isolate external elements (logos, multicolor icons, and so on) and prevent them from interfering with your palette of variables. But it is not meant to hide colors that really should be converted into variables.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
Optimizing the maintenance of your Figma mockups relies on the rigorous use of variables and styles for colors. Alongside that, a few tips, such as using an image fill for the elements you want to exclude, can make your work smoother.
This method lets you, in our experience, keep control over your palette without being disrupted by external colors. Feel free to explore and share this kind of hack to continuously improve your workflows — always while respecting best practices and terms of use.
--- # Figma: Getting Around the Three-Page Limit? A Story and Best Practices URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/figma-three-page-limit-workaround Date: 2025-11-28 In Figma's free plan, files are limited to three pages. Some designers work around it by copying a community file. Here is the honest take.Who has never grumbled about the restrictions of Figma's free version ? Among them, the limit of three pages per file can quickly become frustrating when you want to organize a project clearly.
One day, I shared a little tip on LinkedIn, told with a tongue-in-cheek tone : use a public community file that already contains many pages, delete its content, and reuse those pages endlessly. This amusing idea sparked a range of reactions and deserves some context.
Figma offers a very generous free plan, but it comes with a few limits : a restricted number of private projects, limited real-time collaboration, and above all a maximum of three pages per file.
This constraint pushes users to cram several screens onto a single page or to split their projects across multiple files, which can make navigation less intuitive.
A tip shared on LinkedIn consisted of "borrowing" a Figma community file that already contains many pages. By copying this file and replacing its content with your own mockups, you can end up with far more pages than the three-page limit imposed by the free plan.
While this method illustrates the resourcefulness of some designers, it raises questions of ethics and respect for Figma's terms of use. Circumventing limits can go against the platform's rules.
Getting around a limit set by the vendor can breach its terms of service. Figma evolves regularly, and this kind of workaround could be blocked in the future.
The three-page limit encourages you to structure your projects in a more modular way. Nothing stops you from creating several themed files (wireframes, final mockups, components…) and linking them together.
If the constraint becomes too much, Figma offers paid plans with advanced features, an unlimited number of pages, and better control over component libraries.
Files shared in the community are there to inspire or to be reused with respect for their authors, not necessarily to bypass limits.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
The community-file trick humorously illustrates the creativity some users show in coping with the limits of Figma's free version.
However, it is better to see these limits as invitations to organize your projects more effectively or to invest in a plan suited to your needs. Before trying to bypass restrictions, let's favor official solutions that respect the creators who share their resources.
--- # InstaRelinker: Reconnect Your Remote Components in a Flash URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/instarelinker-reconnect-remote-figma-components Date: 2025-11-28 The InstaRelinker Figma plugin scans your files and automatically relinks remote component instances and styles to their local equivalents.When you maintain several component libraries or update UI kits, you frequently need to replace component instances coming from a source file with their local equivalents.
This operation can prove tedious, especially when components include nested sub-components and associated styles. InstaRelinker is a plugin developed by the Progress Unite UX team to make this task easier by automating the relinking of all remote instances to their local counterparts.
In Figma, copying a component from one file to another creates a new master component in the destination file, but the nested instances remain linked to the original component.
During library updates (for example with the Telerik or Kendo UI kits), this can result in files mixing local and remote components, making maintenance and customization difficult. InstaRelinker solves this problem by offering a tool that automatically links these instances to their local equivalents.
After copying and pasting the master components from a source file into your target file, InstaRelinker scans the selection and the file to identify remote instances and remote styles. If it finds a local component with the same name, it automatically links the instance to it.
When no match is found, the plugin offers a search interface so you can manually select the corresponding local component. The same principle applies to remote styles (colors, effects, text): you can link them to a local style or clone the remote style locally.
If an automatic match is incorrect, you can detach the instance or style and relink it to another local element. Once all conflicts are resolved, a button lets you apply your selections.
In the source file, select the master components or component sets you want to replicate and copy them.
Open the destination file and paste the copied components. The remote master components become local components, but the nested instances remain linked to the original components.
Make sure the newly pasted components are selected and launch the plugin. It scans the remote instances and looks for local matches by name.
For components with no local equivalent found, use the search function to manually select the correct local component. For remote styles with no equivalent, choose between linking them to an existing local style or cloning the remote style locally.
Once all the matches are set, click "Apply Selection" to permanently link the instances and styles to their local versions. The analysis can take a few seconds, especially for large files or those containing many nested components.
This process saves a considerable amount of time, since you no longer have to replace instances one by one.
It also makes library updates easier, letting you move to a new version while keeping your customizations. In addition, it gives you precise control by allowing you to validate or manually adjust the matches.
For optimal operation, it is advisable to organize the names of your components and styles carefully so that automatic detection is easier. Before applying the changes, don't forget to save a copy of your file so you can roll back in case of a mistake.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
InstaRelinker is a powerful tool for anyone who manages component libraries and needs to maintain consistency across Figma files.
By automating the relinking of remote instances and styles, it simplifies the update and integration processes while preserving your customizations. For projects that evolve quickly and rely on complex design systems, this plugin quickly becomes indispensable.
As your project evolves, Figma files can accumulate unused styles: old color palettes, outdated effects, abandoned fonts…
This clutter complicates design system maintenance and bloats your files. Unused Styles Remover is a plugin designed to identify and remove these unnecessary elements to keep your documents clean and performant.
Whether you work alone or on a team, maintaining a clear design system is essential. Yet each modification can leave behind unused styles that clutter your asset list.
Manually removing these styles is tedious and risky, especially on large projects. A targeted cleanup tool ensures consistency in your styles and prevents duplicates or confusion.
Unused Styles Remover operates in three steps. First, you select the types of styles to analyze: fonts, colors, effects, or grids. Then the tool scans your file to identify styles that aren't used by any layer or component.
Once the scan is complete, the plugin presents a detailed list of unused styles. You simply confirm the deletion to clean your file. The process is secure because only truly unused styles are proposed for deletion, avoiding any nasty surprises.
Cleaning up styles and components saves considerable time by eliminating the need to manually check each unused style. It also makes your files lighter and easier to share. Beyond that, it keeps your design system organized by making it easier to find relevant styles and improving the consistency of your designs.
Before running any deletion, it's recommended to save your file or work on a copy so you can keep a history and revert if needed. To maintain your project organization, consider repeating this cleanup operation regularly, for example at the end of each sprint.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in our daily workflow, which allows us to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
Unused Styles Remover is the ideal tool for cleaning up your Figma files and maintaining a flawless design system. By identifying and removing unused fonts, colors, effects, and grids in just a few clicks, it simplifies your workflow and prevents style clutter. Adopt this plugin to gain clarity and efficiency in your projects.
Curved or circular text brings a special dynamic to a layout, whether for logos, titles or typographic illustrations.
ARC – Bend your type! is a Figma plugin that lets you apply this effect in just a few seconds, without leaving your work environment. Simply adjust a slider, preview the result and apply the curve you want, upward, downward or in a full circle.
Figma offers many typographic tools, but until recently, the ability to bend text into an arc was sorely missing. This type of effect was reserved for applications like Adobe Illustrator.
ARC fills this gap by offering a simple and intuitive solution. With it, you can create rounded badges, circular compositions or words that follow a curve to guide the reader's eye.
To use the ARC plugin, select a single text layer in Figma. Then launch the "ARC - Bend your type!" plugin. You can then adjust a slider to set the intensity of the curve, whether upward, downward or in a full circle, and see the result in real time.
After adjusting the curve, click "Apply" to confirm the transformation. The plugin offers a trial version that, in our experience, lets you use it free up to five times. To keep using it beyond this limit, you will need to buy a license.
The ARC plugin stands out for its great ease of use, thanks to a minimalist interface and a single slider.
Its live preview is a major asset, letting you see the effect of the curve instantly. What's more, even after applying the transformation, you keep the ability to change your text's style (font, size, color).
It is important to note that once the curve is applied, it cannot be modified, nor can the text be edited directly.
If you want to make adjustments, you will have to start over from the original text. Finally, the trial version is limited to five free uses, which may prove insufficient for professional use.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
ARC – Bend your type! brings a long-awaited feature to Figma: the ability to curve text with precision and ease. Whether you want to create original graphic elements or add energy to your titles, this plugin proves to be a fast and intuitive option.
Keep its post-application limitations and the restricted number of free trials in mind, but don't hesitate to give it a try to enrich your typographic compositions.
Dynamic text effects bring a touch of originality to your compositions. Until now, creating text in an arc or making it follow a curve often required using external software, then importing the result into Figma.
Type Tool ends these back-and-forths by offering advanced typographic transformations directly in Figma, thanks to two distinct modes : Circle and Curve.
Text layout strongly influences how an interface is perceived. Curved text can guide the eye, while circular text can serve as a badge or ornament. Typically, designers resort to Adobe Photoshop or InDesign to achieve such effects, which slows down the workflow. Type Tool addresses this integration need by offering native and customizable typographic transformations.
The Circle mode of the Type Tool plugin allows, according to our experience, to curve text into a round or arc shape. To use it, simply select a text layer, launch the plugin and set several parameters: the radius of the circle, the starting angle (rotation), the text orientation (flip) and the spacing between letters.
After setting the parameters, click "Apply" for the text to take the desired shape. This mode is particularly useful for creating circular logos, badges or decorative-style titles.
The Curve mode of Type Tool allows, according to our experience, to make text follow any vector path. To do this, you must first create a curve with the Pen tool. Then create a separate text layer and select both elements simultaneously. Launch the plugin and adjust the baseline height, starting position and letter spacing.
Once the parameters are set, click "Apply" for the text to follow the curve's path. This mode is ideal for giving a unique style to your illustrations, creating path effects or following non-linear contours in your designs.
The plugin offers considerable time savings by allowing you to apply advanced typographic effects without leaving Figma. Thanks to precise configuration, you can adjust elements such as radius, rotation, distance or spacing to achieve a custom result and enhance your creativity.
For optimal performance, ensure you work on ungrouped text layers. For Circle mode, select a single text layer. For Curve mode, you must select both the text and vector path simultaneously. Don't hesitate to test different values to find the effect that suits you, always making sure the text remains legible, especially with tight curves.
After testing this tool on several client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, according to our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Detailed tested points:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
With Type Tool, Figma gains a feature expected by many designers : the ability to transform text into a circle or make it follow a vector path without leaving the application.
Easy to use and rich in customization options, this plugin proves to be essential for all creations where typography plays a strong graphic role. Integrate it into your workflow to enhance your designs and unleash your typographic creativity.
When working on complex interfaces, you often need translucent versions of your colors to create overlay effects or subtle active states.
However, finding the right opacity so that a transparent color blends perfectly onto a given background can quickly become a headache. Alphredo is a Figma plugin that automatically generates alpha versions of your opaque colors so that they have exactly the same visual appearance on the same background.
Translucent colors are everywhere in UI design: drop shadows, hover states, overlays, semi-opaque cards, and more. Yet manually adjusting saturation and opacity to get a color that behaves like its solid version is often a matter of trial and error.
Alphredo automates this calculation by taking into account the background on which the color will be applied. The result: a consistent palette that respects your visual identity while introducing carefully controlled shades of transparency.
Select one or more layers you want to create a translucent version of. They must be filled with a solid color.
Make sure these layers are inside a frame that has a solid background (a flat color). This background color is what will be used to calculate the opacity. Launch the plugin. Within seconds, Alphredo calculates the required alpha value and creates the corresponding translucent version.
If the selected layer uses a color style, Alphredo duplicates that style by adding the "(Alpha)" suffix and keeps the same name to make it easier to use in your design system. You can select several layers at once, as long as they are contained within the same frame. If the layers are placed directly on the page (without a frame), the plugin will rely on the page's background color.
For advanced control over the saturation of translucent colors, a free web app (Alphredo.app) lets you adjust these settings manually.
Not every color can be converted into a translucent version on every background. For example, white on a black background cannot keep the same appearance once made translucent. In such cases, the plugin warns you.
If several colors need to be converted within the same frame, Alphredo processes them simultaneously, which, in our experience, makes it possible to quickly generate a complete alpha palette.
Alphredo ensures that the translucent color displays the same visual tone as the original when overlaid on the intended background.
No more trial and error to find the right opacity; the calculations are automated.
The newly created styles are clearly named and can be integrated into your design system.
To get the most out of the plugin, define your backgrounds and color layers clearly. Check for colors that might not work (for example, contrast opposites) and use the web version to adjust the saturation if needed.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
Alphredo offers a clever solution for enriching your color palettes with translucent versions perfectly suited to their backgrounds. Easy to use and designed to fit into a Figma workflow, it will help you manage overlays and interactive states without compromising the consistency of your visual identity.
For more advanced adjustments, feel free to explore the companion web app; it perfectly complements the plugin by giving you control over saturation. Adopt Alphredo and let your colors breathe!
When working with complex vectors in Figma, it's often necessary to separate shapes to apply distinct colors or effects. Doing this manually by duplicating and splitting paths is time-consuming and error-prone.
Split Vectors is a plugin designed to speed up this process: it allows you, based on our experience, to divide a vector into multiple elements according to its colors, shapes, or segments, all with one click.
Vector icons and illustrations often contain multiple nested shapes or segments. Modifying each part individually requires decomposing the original vector. With Split Vectors, this decomposition becomes automated. Inspired by works of Malevitch and Kandinsky, this plugin combines productivity gains with creative finesse.
Select a vector containing multiple color zones. The plugin creates as many distinct layers as colored regions.
If your vector contains multiple independent shapes, Split Vectors separates them automatically.
For paths composed of multiple segments, it splits each portion into a distinct layer.
The plugin then attempts to create all possible unique regions or shapes, even when paths overlap.
Install the plugin from the Figma community and open your file. Select a vector layer (icon, illustration…) containing multiple shapes, colors, or segments. Launch the plugin and choose the cutting mode: by color, by shape, or by segment. Enable the Autofix option if you want the plugin to automatically detect and separate all possible zones.
Validate. Each part is then converted into an individual layer that you can customize (change color, add effects, etc.). The plugin is open source and its code is available for interested contributors. A Telegram community allows, based on our experience, you to follow updates and report any bugs.
No more need to manually duplicate vectors to modify them. With just a few clicks, each part is independent.
Color-based separation even identifies regions of different colors within a single path.
You can quickly apply varied effects to different parts of an illustration or pictogram.
However, be sure to check the result when using the Autofix option: in some complex cases, it may be helpful to manually refine the cutting or merge certain segments if necessary.
After testing this tool on several client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
Split Vectors is an essential tool for anyone working with illustrations and pictograms in Figma. By facilitating the separation of vectors according to colors, shapes, or segments, it frees up time for creation and avoids repetitive manipulations.
Its Autofix option, as well as its openness to the community, make it a complete and evolving plugin. Try it to discover a new way to work with your vectors.
Colorful gradients have become a hallmark of interface design, but creating harmonious combinations often takes time. uiGradients, the official plugin from the eponymous website, offers a simple solution: with one click, you apply pre-defined gradients to your groups, text, or frames in Figma.
With over 350 combinations available, it offers a welcome time-saving and a varied palette to energize your projects.
Many designers use reference websites to find attractive gradients. uigradients.com has offered a large library of gradients sorted by mood and nuance for years.
The uiGradients plugin brings this library directly into Figma, eliminating the need to manually copy color codes or import images. It fits into the trend of plugins that facilitate quick integration of visual elements.
Select a frame, group, or text layer, launch the plugin, and choose a gradient. It is applied immediately as a fill.
Over 350 gradients are available, ranging from pastel palettes to vibrant combinations, to suit all moods.
Works equally well on text layers, vector shapes, or grouped components.
Developed in partnership with uigradients.com, ensuring gradients remain synchronized with the online library.
Install the plugin from the Figma community. Select the element where you want to apply a gradient (text, group, or frame). Open the plugin, browse through the different palettes, and click on the one that inspires you.
The gradient is applied instantly. You can then adjust the gradient orientation in Figma's fill settings if needed. This quick workflow allows you, based on our experience, to test multiple moods without losing time creating gradients by hand.
uiGradients is ideal when you need a quick and reliable solution to add color to your mockups.
The numerous palettes can help you explore color combinations you might not have thought of.
After application, remember to modify the angle or scale of the gradient to perfectly adapt it to your composition.
No major limitations are associated with the plugin; it relies on pre-defined gradients, which can, however, restrict customization if you have very specific requirements.
After testing this tool on several client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
uiGradients is a simple and effective tool for enriching your designs with quality gradients effortlessly.
Thanks to its comprehensive library and seamless integration into Figma, it is a valuable resource for designers looking for inspiration or wanting to save time. Try it to quickly add a touch of color to your creations.
Gradients have become a staple of modern interfaces, but flat, smooth fills can quickly feel characterless.
To add depth and a touch of "vintage" flair to your compositions, the Grainy Gradient plugin generates gradients enhanced with a subtle, elegant grain. It is aimed at designers who want to break away from traditional gradients and give their work a richer finish.
In recent years, grainy textures have been making a comeback in digital design. They evoke analog film and bring an organic dimension to interfaces that are often too smooth.
Reproducing this effect by hand is tedious: you have to layer noise, adjust opacity, then blend it into the gradient you want. Grainy Gradient automates the whole process directly in Figma, while giving you precise control over intensity and colors.
Pick your start and end colors, adjust the grain intensity and instantly get a gradient that is both smooth and textured.
You can dial in the amount of grain for a subtle or more pronounced result, depending on the effect you are after.
The texture is generated and inserted directly into the selected frames or shapes, with no need to import external images.
Your preferences (colors, grain size and intensity) are remembered, making it easy to pick your projects back up from one session to the next.
The plugin's interface adapts to Figma's dark appearance, improving comfort of use.
Install the Grainy Gradient plugin from the Figma community. Select a shape or frame where you want to apply a gradient.
Open the plugin, choose the colors you want and adjust the grain intensity with the sliders. Confirm to automatically insert the textured gradient into your selection. You can also export the result as an image at the resolution you need.
In just a few clicks, you get a professional result without turning to external software.
Control over noise and colors lets you tailor the effect to different interface styles, from subtle minimalism to a pronounced retro aesthetic.
The grain adds a tactile, authentic dimension to your gradients, reinforcing the personality of your design.
Like any visual effect, grain should be used sparingly so it does not hurt legibility. Test different intensities depending on the context (backgrounds, buttons, illustrations…) and check how it renders across several screen sizes.
Grainy Gradient has no major limitations, but very heavy or large gradients can bloat your Figma files; remember to optimize the export if needed.
After testing this tool on several client and in-house projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which, in our experience, lets us validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
Grainy Gradient stands out as a creative tool for enriching your gradients and stepping off the beaten path. With it, adding a controlled grainy texture, customizing the intensity and keeping your preferences from one session to the next becomes easy. If you are looking to give your interfaces depth and character effortlessly, this plugin deserves a place in your Figma toolbox.
How many times have you had to manually copy text from a screenshot or imported visual in Figma? This time-consuming task is now a thing of the past thanks to the Text From Image plugin.
Leveraging optical character recognition (OCR), this open source plugin instantly copies text from an image layer and places it in your clipboard. Perfect for saving time and improving your production workflow, it relies on the free OCR.Space API and configures in just a few seconds.
When designing mockups or prototypes, it's common to integrate screenshots or illustrations containing text. To retrieve this text and use it in your designs or notes, you either have to type it all in manually or use an external software.
Text From Image bridges this gap by integrating an OCR tool directly into Figma. Once configured, the plugin analyzes your image, detects characters, and copies the result to your clipboard.
Get an API key from OCR.Space: the plugin uses the free version of the API (https://ocr.space/OCRAPI#free). Once your key is generated, copy it into the plugin settings. Select the layer containing an image as fill (one layer at a time).
After a few seconds, a non-interactive window may briefly appear (necessary to access the clipboard). The detected text is then copied and ready to paste wherever you need it. This workflow eliminates any additional manual operations and integrates naturally within Figma.
The free version of the Text From Image API imposes a 1 MB file size limit and a request quota, which can result in extraction failures without notification. Additionally, the plugin can only process one layer at a time and analyzes only the first image fill.
During processing, a small non-interactive pop-up window appears to copy the text to the clipboard. To work around size limitations, you can reduce your image size before relaunching the plugin or upgrade to the paid version. Despite these restrictions, the tool remains very practical for regular or occasional use.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
Text From Image provides a simple and effective solution for extracting text from images directly in Figma. In just a few clicks, you get ready-to-use text without leaving your work environment. With minimal configuration and an open source license, it represents an appreciable productivity gain for designers and developers.
Keep in mind the limitations of the free API version and, if needed, adapt your images or opt for a higher plan. Try it and free yourself from manual text entry!
Creating harmonious gradients in Figma can quickly become tedious, especially when you want smooth transitions between colors. It was from this observation that the Easing Gradients plugin was born. This free, open source tool, in our experience, smooths your gradient transitions by applying custom easing functions, such as cubic-bézier curves or step easing. The result: more elegant gradients, a professional look, and greatly expanded creative possibilities.
Figma offers several types of gradients (linear, radial, angular, etc.), but the transitions between colors often remain abrupt. When you use transparent colors, these breaks can hurt readability or visual harmony. The idea behind Easing Gradients is to interpolate the colors between the first and last stop of the gradient, based on an easing curve defined by the user. This “gradient-agnostic” approach works regardless of the type or orientation of the gradient.
Here's how Easing Gradients transforms your gradients: you choose an easing function (cubic-bézier or step). The curve determines the progression of colors between the first and last color stop.
The plugin only takes into account the start color and the end color. All intermediate stops are recalculated and then smoothed, which can remove existing stops. Keep this in mind if your gradient contains several shades.
Easing Gradients is independent of the gradient type (linear, radial, angular, conic, etc.) and its orientation. This makes it very flexible, especially for complex gradients like transparent gradients.
This plugin proves particularly useful in several situations, notably where smooth transitions avoid visible banding and improve interface readability.
By choosing original easing curves (slow acceleration, bounces, etc.), you can create dynamic or unexpected gradients.
If your brand guidelines call for specific gradients, Easing Gradients lets you, in our experience, reproduce them quickly while respecting precise transitions.
Keep in mind that the plugin removes intermediate stops: make sure the start and end colors are enough to represent your gradient. If needed, add stops back manually.
The plugin is open source and distributed under the MIT license, based on the work of Andreas Larsen. It installs directly from the Figma community. Once added:
You instantly get a gradient with smoother, more elegant transitions.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which, in our experience, allows us to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
Easing Gradients is a simple yet powerful tool for anyone who wants to enhance their gradients in Figma. Its ability to apply custom easing functions produces smooth transitions, ideal for modern interfaces, creative visuals, or transparent gradients. By combining this tool with good design practices (layering gradients, adjusting opacity, creating focal points), you'll enrich your designer's palette and add an extra dimension to your projects.
--- # How Astronova Reinvents OGame's Visual Universe to Build Its Own Identity URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/astronova-ogame-visual-identity Date: 2025-11-28 Discover how Astronova reinvents OGame's visual world through a modern, mobile-optimized redesign that blends nostalgia with a fresh identity.When you grow up with a cult game like OGame, the urge to see it evolve with the times quickly becomes an obsession. It's this nostalgia blended with modern standards that gave birth to the Dynasty Nova project. A game that doesn't merely imitate, but pays tribute while carving out its own path — notably through a meticulous visual redesign at the crossroads of UX design, art direction, and technology.
It all started with a simple but frustrating observation: OGame's mobile version had been reduced to an impoverished, compressed, and less immersive experience. The original desktop experience, once smooth and strategic, lost its richness on smartphones.
This disappointment was the trigger. The Dynasty Nova project was born from the idea of offering a mobile-first alternative where usability, readability, and aesthetics would never be compromised. The goal: to take the best of OGame… and push it further.
Far too little for a modern display. So we had to set up a multi-step upscaling process:
Each image was then optimized for the web: compressed with TinyPNG and converted to WebP. The goal? To keep file sizes small without sacrificing quality — essential for fast mobile browsing.
The challenge was significant: keeping a visual kinship with OGame without ever reproducing its assets. The solution was to:
The result: a coherent, consistent, and recognizable universe, yet resolutely unique to Dynasty Nova.
Some parts of the game, like the shop or brand-new buildings, simply didn't exist in OGame. So we had to co-create with AI:
Here, AI becomes a creative assistant: fast at generating, but always guided by human art direction.
Every approved visual went through a systematic treatment:
This approach guarantees a smooth experience, even under poor network conditions.
This visual work didn't just "modernize" a set of assets. It made it possible to create a strong and lasting visual identity:
A Figma design system built from the front-end components, with a modular, iterative, and adaptable approach. Dynasty Nova isn't just good-looking. It's coherent, scalable, and optimized for the player experience.
Dynasty Nova is more than a tribute to OGame: it's a reinvention.
Drawing on today's tools – generative AI, upscaling, compression, design systems – this solo project pulls off the challenge of modernizing a cult game while building an entirely new visual universe.
One foot in nostalgia, the other in innovation.
That's Astronova.
Upscayl
Phosphor Icons
KREA
Freepik AI
TinyPNG
HTML to Design plugin
When I started working on Dynasty Nova, my goal was clear: to reinvent the user experience of a spatial strategy game inspired by OGame, with a modern, elegant, and fluid mobile interface. But moving forward alone on such a vast project also meant seeking to optimize every step of the creative process. That's where artificial intelligence came into play—not as a replacement, but as a creative assistant, a copilot in service of my vision.
At the root of the project lies a disappointment: seeing OGame's mobile version fall significantly short of the desktop experience. Compressed interface, loss of visual landmarks, progressive user disengagement… The potential was there, but the user experience wasn't keeping up. As both a player and designer, I decided to roll the dice again—imagining a modernized, mobile-first version, designed according to current best practices.
Dynasty Nova is not a team project. It's a personal project, done in my spare time, carried out autonomously. To avoid drowning in the scope of tasks, I made the choice to integrate AI tools from the outset into my working method. Not to automate design, but to assist me: create, iterate, structure faster—and better.
From the start, I used KREA to imagine the Dynasty Nova logo. I had the name, the universe, but I needed a visual signature. By generating over 50 proposals from prompts, I eventually landed on a symbolic, dynamic form, evoking both a rocket and the letter A—almost an echo of Assassin's Creed.
But this base remained raw. So I treated it the way I would a deliverable from a junior designer: vector refinement, curve harmonization, application of a typographic grid. The final result is not a raw AI image, but a hybrid creation: AI in suggestion, designer in execution.
Beyond the logo, all the game's visuals benefited from a similar approach. I retrieved OGame's assets (at 200x200 px), too small and too identifiable, to transform them.
Each image then went through a post-processing pipeline: HD upscale (Freepik), compression (TinyPNG), WebP conversion.
I used Bolt to quickly generate HTML/CSS interface drafts with Tailwind. These foundations allowed me to move fast, explore page structures, establish initial navigation logic without having to prototype everything on Figma.
Thanks to Cursor (or Windsurf), AI integrated directly into my IDE. This allowed me to chain components faster, correct in real-time, generate more efficient UI blocks. Result: less time spent on micro-adjustments of code, more focus on the overall experience.
When I wanted to structure the interface more finely, I used the HTML to Design plugin in Figma to import my HTML components as static mockups. Even though the result wasn't 100% clean, this method allowed me to quickly create a design system, with reusable components, colors, and styles.
No generated image was used as-is. All were retouched: perspective corrections, artifact removal, light realignment. I also passed each image through Figma to adjust contrast and saturation, before copying these adjustments via plugins to maintain overall consistency.
The generated visuals were square. Yet, the game's cards are vertical (2/3 format). For each element (buildings, research, ships, shop…), I placed the image in a card, simulated overflow, and chose the one that worked best within the frame. A task of selection, but also refinement, until a single image was retained for each item.
Using artificial intelligence does not mean giving up on creativity. In Dynasty Nova, AI was a lever, an engine, a catalyst—never an end in itself. It allowed me to move faster, dare more, generate more… but always under my supervision.
AI, in this context, plays the role of an ultra-productive junior creator: it proposes, it enriches, it accelerates. But the designer's eye remains key. Because what makes good design isn't just the idea or the style—it's the intention, the consistency, the experience you wish to convey.
KREA
Bolt
Freepik AI
TinyPNG
Plugin HTML to Design
Cursor
Dynasty Nova is a project born out of personal frustration: watching OGame's mobile interface — once a benchmark — decline over the years. With the ambition of modernizing this experience, I launched Dynasty Nova, a personal project focused on design systems and mobile-first. The goal: to reinvent a smooth, touch-friendly and aesthetic user experience, in line with today's standards.
OGame left its mark on an entire generation thanks to its addictive gameplay and strategic depth. Yet its interface, originally designed for desktop, has barely evolved. The mobile version, a mere responsive adaptation, now suffers from a glaring lack of usability that hurts the user experience.
Faced with these limitations, Dynasty Nova takes the opposite approach: starting from mobile to deliver a native experience, designed from the ground up for touch use. This approach makes it possible, in our experience, to rethink interaction and navigation mechanics with particular attention paid to readability and fluidity.
Dynasty Nova is not just responsive: everything is designed for a smooth mobile experience. Navigation relies on "card-based" components, intuitive modals and natural interactions that reinforce the feeling of using a native application rather than a simply compressed website.
To ensure speed and consistency, Tailwind CSS was the cornerstone of the project. Its utility classes allow great granularity in design (typography, colors, spacing), while ensuring perfect consistency thanks to a rigorously applied design system.
From the very beginning, the interface was built around modular components: buttons, cards, menus, tabs… Each element was designed to be easily reused, ensuring both speed of implementation and visual consistency across the entire project.
The choice of Phosphor Icons is no coincidence: this open-source library offers a wealth of icons with a uniform, clean style, perfectly suited to the space-themed universe of Dynasty Nova. This choice enables quick reading of information, essential for a management game.
Unlike classic methods where the design system precedes the code, Dynasty Nova took the opposite path: the interface was first developed with Tailwind and Bolt, before being brought back into Figma via the HTML to Design plugin. This approach made it possible to refine the art direction after the fact, with a global, unified vision.
Once in Figma, the entire graphic system was structured: color palettes, grids, typography, atomic components… This step helped stabilize the identity of Dynasty Nova while preparing the project's future extensions (building cards, research, defenses…).
Astronova is much more than a simple interface redesign: it is a manifesto for rethought design, where every decision is guided by the mobile user experience. By starting from touch, relying on modern tools like Tailwind and Figma, and structuring every element around a coherent design system, Dynasty Nova offers a new vision of management games — smoother, more elegant, better suited to contemporary uses.
Play Dynasty Nova
Tailwind CSS
Phosphor Icons
Figma
HTML to Design Plugin
OGame
For many, OGame conjures up vivid memories: the thrill of exploring new solar systems, the tension of space battles, and the long-term investment in developing your planets. The original desktop version, despite its minimalist aesthetic, offered a clear interface that made it easy to dive into the game.
Players particularly appreciated the gradual learning curve, which allowed them to progressively master the game's complex concepts (resources, technologies, fleets) while keeping an accessible interface. This educational approach, combined with an active and welcoming community, helped create a unique gaming experience that has stood the test of time.
With the rise of mobile gaming, it made sense for OGame to launch its own mobile version rather than lose part of its community. But porting an interface designed for a large desktop screen down to a small touchscreen is never just a matter of resizing: every element needs to be rethought to stay readable and usable with your thumb.
That's exactly where OGame's mobile port falls short. Instead of an interface rethought for touch, it feels like the desktop layout was simply squeezed to fit a smaller screen, without a real redesign of the experience. The sections below break down the main friction points we identified.
OGame's mobile interface gives an overall impression of being choked: cramped menus, hard-to-read text, buttons too close together. This density hurts readability and hinders smooth interactions. Players often have to zoom in to read certain text or reach buttons, which breaks the flow of the game. On top of that, the lack of adaptation to different screen sizes (iPhone, Android, tablets) creates an inconsistent experience depending on the device used. This "one-size-fits-all" approach demonstrates a lack of consideration for the diversity of mobile users.
The graphic adaptation failed to take advantage of the specifics of mobile. The result: images that are sometimes blurry, stretched, or poorly fitted, which breaks the immersion and reinforces the feeling of a botched port. The animations, which were smooth on desktop, are choppy on mobile, creating a sense of slowness and obsolescence. This visual degradation is particularly glaring during space battles, where graphic precision is crucial to the player's strategy.
Faced with this disappointment, Dynasty Nova was born from a desire: to reinvent this galactic experience, not by copying it, but by modernizing it and truly adapting it to mobile usage. The development team spent several months analyzing the behavior of mobile players, studying UX best practices for strategy games, and experimenting with different interface approaches. This in-depth research phase made it possible to define an ambitious set of specifications, combining technical performance, user intuitiveness, and modern aesthetics.
The project is built on a design system built in Figma, with unified icons via the Phosphor library, ensuring consistency and clarity throughout the user experience. Each component was designed to be responsive and adaptable, allowing for a smooth experience on all screens. The use of CSS variables and reusable components makes maintenance and design evolution easier, while guaranteeing perfect visual consistency.
Tailwind CSS was chosen for its speed of implementation and its flexibility. Assets are optimized thanks to AI tools (Upscayl, Krea, Freepik), ensuring solid performance even on mobile. The code architecture is based on React, delivering a responsive and smooth user experience. Data is managed via a RESTful API, ensuring fast and reliable synchronization of game data.
Dynasty Nova is the result of a twofold requirement: that of a user frustrated by a disappointing mobile experience, and that of a designer convinced that UX must remain at the heart of every digital project. Rather than giving in to the ease of a simple remake, Dynasty Nova takes a clear stance: revisiting a classic to better transcend it.
By drawing on the latest web technologies and UX best practices, the project aims to offer a strategic gaming experience that respects the essence of OGame while adapting perfectly to modern mobile usage. With its innovative approach and its attention to detail, Dynasty Nova could well redefine the standards of mobile strategy games for years to come.
Play Dynasty Nova
About OGame
Phosphor Icons
Tailwind CSS
Born as a closed beta, Astronova is an independent project that draws its inspiration from OGame, the space strategy game that became iconic in the 2000s. The goal: to revive the magic of the genre while adapting it to modern usage, a smoother experience, and a player-centered design.
Designed by a designer passionate about video games and interactive experiences, Astronova is intended to be as much a tribute as an experimental laboratory. Here, nostalgia gives way to a UX-first approach, where each planet becomes a living, evolving world.
In the early 2000s, OGame offered a revolutionary concept: building a persistent space empire from your browser. Resource management, colonization, alliances, and real-time strategic battles made this game a benchmark of the PBBG (Persistent Browser-Based Game) genre.
Its minimalist interface and its slow but addictive gameplay marked generations of players.
Yet, despite its charm, OGame imposed constant tension. Players focused on management and building struggled to progress without enduring repeated attacks. For many, this competitive dynamic gave way to lasting frustration.
It was from this observation that the idea of Astronova was born: a calmer, more personal, more immersive space strategy game.
Astronova takes the fundamentals of OGame — management, expansion, diplomacy — but enriches them with a design-first approach. The aim: to let everyone play at their own pace, without constraint or forced competition.
The game is built on three main pillars:
The goal is clear: to reinvent the browser-based strategy game for the mobile era, while preserving the tactical depth of the genre.
Instead of a static data dashboard, Astronova places the planet at the center of the experience.
Inspired by the aesthetic of interactive globes (such as GitHub Universe), each planet rotates slowly, reacts to light, and evolves according to the player's actions.
The territories — oceans, continents, buildable zones — are procedurally generated, turning each game into a unique experience.
The player no longer manages a list, but inhabits a living world: each resource, each building, each point of light has a narrative and functional meaning.
Coming from interface design, Astronova's creator applies the fundamental principles of modern UX:
This architecture, in our experience, makes it possible to guide the player intuitively, without a heavy tutorial, and to create a smooth and responsive experience suited to touch screens.
Visually, Astronova borrows from both minimalist pixel art and modern low-poly aesthetics.
Technical typefaces, subtle lighting effects, and dark tones create an immersive atmosphere while remaining accessible to modest machines.
Astronova does not aim to compete with AAA productions, but to offer an evolving prototype, conceived as a testing ground.
Hosting remains deliberately lightweight, favoring responsiveness and collaboration through user feedback.
The game is currently available as a closed beta, accessible to those who wish to test and contribute to its development.
While many OGame clones reproduce the same competitive mechanics, Astronova stands out through:
Whether you are looking for a solo space strategy game, an alternative to OGame on Android, or simply a gentler web experience, Astronova is aimed at a new generation of players.
Astronova goes beyond the scope of a simple game.
It is an experimental design project, an exploration of what browser-based gaming can become again: a human, immersive, and aesthetic experience.
For those nostalgic for OGame, creators curious about UX, or players who want to build rather than destroy, Astronova offers a calm play space, centered on creativity and contemplation.
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About OGame
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Yes, OGame is still active and supported by a loyal community. Astronova is simply aimed at an audience looking for a more accessible and modern alternative.
Some adaptations exist, but few offer a smooth solo experience. Astronova fills this gap with a responsive web version, designed for mobile and tablet.
It depends on what you are looking for: for competition, OGame remains a benchmark; for relaxation, visual beauty, and exploration, Astronova stands out as an innovative alternative.
--- # Creatie.ai: The AI-Assisted Design Tool URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/creatie-ai-design-tool Date: 2025-11-28 Creatie.ai revolutionizes design with AI. From ideation to delivery, boost your efficiency and quality with its innovative tools.In the world of digital design, Creatie.ai is revolutionizing the creative process by integrating artificial intelligence (AI) at every stage of the workflow. This all-in-one tool is designed for UI/UX designers, product managers, and creative teams looking to boost their efficiency while maintaining a high level of visual quality.
Creatie simplifies complex tasks such as ideation, prototyping, collaboration, and handing projects off to developers. More than just a design software, Creatie automates and enhances human creativity thanks to its innovative features.
The Creatie Wizard is one of the platform's cornerstones. It offers instant layout ideas tailored to users' needs, whether they are in the middle of designing a wireframe or looking for inspiration for a prototype. This feature helps designers overcome blank-page syndrome, providing a creative boost at the very start of every project.
Magicon is another key feature that, in our experience, makes it possible to generate 3D icons in just a few clicks. Thanks to AI, this tool transforms a simple text description or a wireframe into custom, visually striking icons. This added dimension enriches designs, giving them a professional aesthetic while adapting to the specific requirements of each project.
Image enhancement is often a challenge for creators, but with Creatie's Image Enhancer, this task becomes easy. Whether you need to upscale an image, change its background, or convert it into a vector file, Creatie's image enhancement tool uses AI to optimize the visual quality of every element. This feature is especially useful for graphic designers looking to maintain high resolution and aesthetic consistency across their projects.
The style guide is a fundamental element for consistency in design projects, and Creatie automates it entirely. Its AI identifies reusable components within existing files and creates a complete style guide, including fonts, colors, and shadow effects.
This approach allows teams to create a uniform visual language without any extra manual effort, thereby speeding up the design phase while ensuring consistency across projects.
Maintaining consistency across multiple design iterations can be a real headache, but Creatie's Design Auditor takes care of it. The tool compares each design file to your style guide and automatically flags non-compliant elements. It takes just one click to fix these inconsistencies, ensuring visual uniformity at every stage of the project.
Creatie was designed to be accessible and intuitive. After signing up on the platform, users can immediately start a new project or import existing design files. Every feature, whether it's icon generation, image enhancement, or prototyping, is right at hand within a clear and fluid interface.
One of the great advantages of Creatie lies in its ability to integrate real-time collaboration tools. This allows teams to work together efficiently, leaving feedback on designs and editing prototypes simultaneously, which greatly simplifies project management.
Creatie is aimed at a wide range of design and development professionals, each benefiting from the tool's features to optimize their work:
Creatie is a valuable asset for designers looking to speed up their workflow without compromising the quality of the interfaces they build. Thanks to its advanced prototyping features and efficient design-system management, it makes it possible, in our experience, to create consistent and attractive interfaces while reducing the time spent on repetitive tasks.
By easing the transition from mockups to development, Creatie simplifies collaboration between design and development teams. Product managers can use the tool to better structure the prototyping process, while developers benefit from a smoother handoff of mockups, with well-defined components that are easy to integrate into development.
Creatie is ideal for teams working collaboratively on complex design projects. The tool enables smooth coordination between team members, thanks to centralized design-system management and collaborative features that improve communication and collective productivity.
Creatie is available on several platforms, including the web, macOS, and Windows. This cross-platform compatibility offers maximum flexibility and allows users to work in their preferred environments, whether on a desktop computer, a laptop, or directly online. Thanks to this accessibility, Creatie adapts to the varied needs of professionals, wherever they are.
Creatie.ai is offered in a free version, allowing users to get familiar with its core features. However, paid subscriptions are available for those who want access to advanced tools and extended options, ideal for professionals working on large-scale projects.
Integrating artificial intelligence makes it possible to automate many repetitive tasks, such as creating visual elements or managing design consistency. This allows creators to focus on the very essence of their creative work, reducing the time spent on tedious tasks while increasing their productivity.
Thanks to its collaborative tools, Creatie facilitates communication between the members of a creative team. Feedback can be integrated directly into the design, and corrections made collaboratively, which improves the quality and speed of projects.
With tools like the Design Auditor and the Image Enhancer, Creatie ensures that projects meet the highest visual standards. By automating consistency checks and improving image quality, creators are able to produce professional designs without having to go through laborious manual processes.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
Creatie.ai is more than just a design tool; it's a complete solution that supports creators at every stage of their process, from ideation to delivery. Its AI-based approach makes it possible to significantly improve the efficiency, quality, and collaboration of creative teams. By relying on innovative features and an intuitive interface, Creatie transforms the way design projects are carried out, making it an essential tool for all of today's creators.
Official Website
--- # Maximizing Visual Impact with Image Ratios: A Practical Guide to Interface Design URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/image-aspect-ratios-ui-design Date: 2025-11-28 Discover how image aspect ratios shape interface design. A practical guide to building a smooth, intuitive user experience with consistent proportions.In the world of interface design, the thoughtful use of image ratios can make all the difference between a smooth, intuitive user experience and a confusing, cluttered one. The visual impact of image ratios on the user experience is often underestimated, yet it plays a crucial role in how users interact with an online interface. In this article, we will explore the importance of image ratios and provide a practical guide to integrating them effectively into your design projects.
Image ratios are essential to ensuring a pleasant and intuitive user experience. Indeed, they influence how users perceive and navigate through an interface. Think of image ratios as the foundations of a house: if they aren't solid, the whole structure risks collapsing.
Users are accustomed to certain image proportions, and deviating from these norms can lead to confusion and frustration. When images are proportioned consistently, users can browse content more easily, which improves the overall experience. Furthermore, appropriate image ratios contribute to a harmonious visual aesthetic, which reinforces the interface's credibility and professionalism.
Here are some of the image ratios most commonly used in interface design and their specific applications:
This ratio is often used for image thumbnails or icons, offering perfect symmetry between width and height.
This ratio is ideal for slide presentations or images meant to be displayed on more traditional screens.
This is a versatile ratio suited to a variety of applications, such as image galleries or social media posts.
This ratio is often used for advertising banners or website header images, offering a compromise between width and height.
This ratio is widely used for videos and multimedia presentations, offering a widescreen display that suits wide screens.
This ultra-wide ratio is ideal for cinematics or video games, offering an immersive experience on high-definition screens.
Also known as the divine proportion, this ratio is renowned for its beauty and harmony. It is often used in artistic and graphic design to create balanced and appealing compositions.
To integrate image ratios effectively into your design projects, it is recommended to use design tools such as Figma. Figma offers advanced features for manipulating and adjusting image ratios, which makes it easier to create consistent and aesthetically pleasing interfaces.
When designing an interface in Figma, you can use components and plugins specifically built to manage image ratios. These tools allow you to work more efficiently and to maintain visual consistency throughout the project.
To maximize the visual impact of image ratios, make sure to use consistent ratios across the entire interface. This ensures a harmonious user experience and makes navigation easier. In addition, adapt ratios according to devices and orientations for an optimal experience.
By documenting and communicating the guidelines within your team, you ensure a consistent application of design principles. By following these recommendations, you can integrate image ratios effectively to improve the usability and aesthetics of your interface.
In conclusion, the thoughtful use of image ratios is essential to ensuring an optimal user experience in interface design. By following the principles and examples provided in this article, you will be able to integrate image ratios effectively into your design projects, which will improve the usability, aesthetics, and user-friendliness of your interface.
Don't forget to choose appropriate image ratios based on the content and context of your interface, and to adjust them accordingly to ensure a smooth and intuitive user experience.
--- # Improve the Quality of Your Drop Shadows with the Figma Plugin 'Beautiful Shadows' URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/figma-beautiful-shadows-plugin Date: 2025-11-28 Enhance your Figma designs with Beautiful Shadows, a simple and powerful plugin for creating aesthetic, consistent shadows in just a few clicks.In the world of design, details make all the difference, and one of those often underestimated details is the use of shadows. Well-designed shadows can add depth, realism and contrast to your designs, turning a simple interface into a refined visual experience.
The Figma plugin "Beautiful Shadows" stands out as a powerful solution for creating aesthetically pleasing and consistent shadows effortlessly. This plugin is designed for designers who want to quickly and easily improve the visual quality of their projects by adding harmonious shadows to their elements.
Creating shadows manually is often a time-consuming process, especially when you are trying to achieve a precise and consistent result across an entire project. With "Beautiful Shadows", this work is greatly simplified. The plugin generates aesthetically pleasing shadows in just a few clicks, allowing you to spend more time on other aspects of design.
One of the major challenges in design is maintaining visual consistency across all elements of the interface. Shadows play a crucial role in this uniformity, adding depth and contrast. The "Beautiful Shadows" plugin ensures that the shadows applied stay consistent throughout your creations, thereby reinforcing the visual identity of your projects.
For designers looking to refine their understanding of shadows, "Beautiful Shadows" is also a valuable educational tool. The presets and customization options let you explore different shadow configurations, helping you better understand their visual impact and master this aspect of design.
By using this plugin, you learn at the same time how to adjust and manipulate shadows, which can enrich your design skills and enable you to create even more refined interfaces in the future.
The "Beautiful Shadows" plugin offers a range of features specifically designed to simplify the creation of shadows in Figma:
The plugin offers a selection of shadow presets for different types of elements. Whether you are designing a button, a card or another component, you can choose from predefined shadow styles that are ready to use.
While the presets are convenient, "Beautiful Shadows" also allows for in-depth customization. You can adjust the shadow parameters, such as color, opacity, offset and blur, to meet your specific needs.
The plugin includes a real-time preview of the applied shadows, which, in our experience, lets you instantly see the effect of your adjustments directly on your design, without having to leave Figma.
Once you have created the perfect shadow, you can save it for later reuse. This ensures consistency in the application of shadows across multiple projects or across different elements of the same project.
"Beautiful Shadows" is designed to integrate seamlessly into your Figma workflow without weighing down your project. It works smoothly with other plugins and does not overload your files, even when you are working on complex projects.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
The "Beautiful Shadows" plugin is an indispensable tool for any designer looking to improve the visual quality of their creations in Figma. By simplifying the creation of aesthetically pleasing shadows, this plugin not only saves time, but also ensures visual uniformity and brings a level of finesse and professionalism to your designs.
Whether you are a beginner or an experienced designer, "Beautiful Shadows" will help you master the art of shadows, making your interfaces more attractive and engaging.
In the dynamic world of digital design, innovation is essential to stay competitive. Jitter, a simple and fast animation platform, is establishing itself as a must-have solution for designers looking to bring their creations to life.
Jitter is an animation design tool that, in our experience, lets you create high-quality animated content in just a few minutes. Accessible to everyone, from beginners to professionals, it offers an intuitive interface and powerful features that simplify the creation process. Here is a detailed overview of its features and benefits.
Jitter offers a variety of animation presets that let users create smooth, professional animations in just a few clicks. These presets cover a range of styles and effects, making it easy to add sophisticated motion without requiring deep technical skills.
Designers can easily import their creations from Figma, allowing them to bring existing designs into dynamic animations. This feature ensures workflow continuity and eliminates the need to recreate graphic elements from scratch.
Jitter offers several export options, including 4K videos, GIFs, and Lottie files. This flexibility lets designers choose the format best suited to their specific needs, whether it's content for social media, professional presentations, or web integrations.
The tool is designed to encourage collaboration within design teams. Users can share and reuse animation components, which not only improves efficiency but also ensures visual consistency across different projects.
Jitter's user interface is designed to be intuitive and accessible, even for those without much animation experience. This allows a larger number of creators to produce quality animations without a steep learning curve.
Thanks to its presets and direct import from Figma, Jitter, in our experience, significantly reduces the time needed to create animations. This time savings can be crucial in fast-paced work environments.
Despite its simplicity, Jitter does not compromise on quality. The animations created with this tool are crisp, smooth, and meet professional standards, which is essential for any company looking to maintain a strong brand image.
The various export options allow users to adapt to the specific requirements of each project. Whether for social media posts, internal presentations, or website integrations, Jitter offers the right solution.
Animations have become a key element of digital marketing strategies. Jitter, in our experience, lets you quickly create eye-catching animations for ads and social media posts, thereby boosting user engagement.
In professional presentations, well-designed animations can help convey complex ideas in a clear and engaging way. In addition, Jitter can be used to create animated prototypes, offering a preview of how a product or application works.
Animations can make educational content more interactive and engaging. Teachers and trainers can use Jitter to create visual learning modules that capture students' attention and make difficult subjects easier to understand.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
Jitter is transforming the way designers create animations, making the process more accessible, faster, and more collaborative. Whether you're a seasoned designer or a novice, Jitter is the perfect tool to bring your ideas to life with elegance and simplicity. To learn more and start using Jitter, visit their official website.
With Jitter, animation has never been so simple and accessible, offering a new dimension of creativity for all designers.
In the landscape of digital collaboration tools, FigJam and Miro stand out as essential solutions for teams eager to boost their creativity and productivity. This article introduces and compares these two giants of the digital whiteboard to help you choose the one that best fits your needs.
FigJam is an extension of Figma, renowned for its interactive design features. It offers a collaborative workspace where users can easily share ideas and create design prototypes. Its integration with Figma makes it a tool especially well suited to design teams.
Miro, for its part, is a versatile digital whiteboard that adapts to a multitude of collaborative work scenarios. With its many templates and tools, Miro is designed to make project planning, brainstorming, and information management easier for all kinds of professional teams.
FigJam shines through its simplicity and its integration with Figma, which makes it ideal for collaborative sketching and design-focused ideation. It's intuitive and easy to get started with, even for non-designers.
Miro, on the other hand, stands out with its broader set of tools, its extensive templates, and its wider collaboration capabilities. It's suited to a more varied range of collaborative activities beyond simple drawing. Miro is also recognized for its powerful platform, which integrates easily with other tools and offers robust enterprise-grade security.
FigJam's user experience is often praised for its ease of use and its clean interface. Users appreciate the way it makes real-time collaboration easier within a design environment.
Miro, for its part, is valued for its flexibility and its ability to adapt to teams' different workflows. It offers a rich and diverse user experience, with features that support innovation and large-scale collaboration.
When it comes to security, Miro takes the lead with its set of advanced features that let companies roll out the tool at scale while maintaining compliance and security.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
In short, FigJam is the go-to tool for design teams looking for tight integration with Figma and an intuitive platform for brainstorming and prototyping.
Miro, with its more comprehensive platform and extensive collaboration capabilities, is better suited to teams that need a versatile tool able to integrate into various work processes and maintain high security standards. Each tool has its strengths, and the choice will ultimately depend on the specific needs of your team and your project.
--- # Sketch vs. Figma: How the Historical Leader Lost Its Throne URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/sketch-vs-figma-how-leader-lost-throne Date: 2025-11-28 Sketch vs Figma: how Figma came to dominate the design tool market, and whether Sketch still has a chance to reclaim ground.Since its creation, Sketch revolutionized the field of interface design, becoming the go-to tool for many designers thanks to its advanced features and intuitive interface. However, Figma's rapid rise has disrupted this dominance, highlighting Sketch's weaknesses and redefining expectations for design tools. This article explores the reasons for this shift and the challenges Sketch faces to regain its leadership position.
To better understand the current disruption, it is essential to consider the broader context of the interface design industry. In recent years, the sector has been marked by growing demand for more flexible, collaborative, and accessible tools capable of meeting the needs of distributed design teams and fostering more effective communication.
The emergence of Figma was truly a thunderbolt in the field of interface design, quickly attracting a loyal user base through key innovations that transformed work practices.
Figma stood out by offering unparalleled accessibility, being available across all platforms via a simple web browser. Unlike Sketch, which is exclusively available on Mac, Figma can be used on any operating system, which greatly expanded its potential audience. This cross-platform accessibility was a major asset for design teams using a variety of devices and operating systems.
Figma introduced collaborative features that redefined the way design teams work together. Real-time collaboration allows multiple designers to work simultaneously on the same file, facilitating coordination and communication. This feature was particularly beneficial for geographically distributed teams, enabling smooth and instant collaboration.
Although Sketch was a pioneer in the field of interface design, it faced several obstacles that hindered its ability to maintain its dominant position.
One of Sketch's main limitations lies in its exclusivity to the Mac ecosystem. This restriction excluded a large portion of the designer community using other operating systems, thus reducing its adoption and reach. Many design professionals use multi-platform environments, and Sketch's inability to meet these needs limited its appeal.
The absence of real-time collaborative features was another major obstacle for Sketch. In an increasingly connected work environment, the ability to collaborate fluidly and instantly has become essential. Modern teams seek tools that facilitate collaboration and communication, and Sketch has struggled to meet these expectations compared to Figma.
Figma's innovative features were instrumental in its rapid rise, offering concrete solutions to designers' emerging needs.
Figma's real-time collaboration allows teams to work together more efficiently, eliminating delays and facilitating instant communication. Team members can see changes made by their colleagues in real time, which improves coordination and reduces errors.
Figma simplified the process of sharing and presenting mockups, allowing designers to easily share their work with stakeholders and gather feedback in real time. This feature enabled shorter feedback and validation cycles, thus improving the overall efficiency of the design process.
After testing this tool on several client and internal projects, we can say that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
Sketch's loss of leadership to competitors like Figma reflects the challenges facing established companies in a constantly evolving market. For Sketch, the future will depend on its ability to innovate and adapt to changing interface designer needs.
By integrating real-time collaborative features and expanding cross-platform compatibility, Sketch could regain its place in an increasingly competitive market. The interface design industry will continue to evolve, and only tools capable of meeting designers' and design teams' growing requirements will succeed in establishing themselves sustainably.
Documenting style guides is an essential step in the design process, but it can quickly become repetitive and time-consuming. For designers, preparing formal style guides for clients and developers can often feel like duplicate data entry. Fortunately, thanks to the Figma API, the "Automatic Style Guides" plugin simplifies this process by letting you generate a presentable style guide in one click. Whether you need to create a new guide or keep an existing one up to date, this plugin offers a fast and efficient solution.
With "Automatic Style Guides", a single click is all it takes to turn your local styles into a professional style guide. No more spending hours manually compiling colors and typography; the plugin automatically generates a guide on a new page of your Figma document. In our experience, this lets you focus on more creative tasks while ensuring that your documentation always stays up to date.
The plugin not only lets you create style guides, but also keep them up to date easily. Using special tags called "moustache tags", you can automate the updating of your local style properties within the style guide. For example, by renaming a text layer with the tag {{myTextStyle.fontSize}}, that layer will be automatically updated to reflect the font size of that style. This way, your style guide always stays consistent with the latest changes made to your design.
A well-structured, constantly up-to-date style guide is crucial for effective communication between designers, developers and clients. The plugin generates clear, easy-to-understand style guides, making exchanges smoother and reducing the risk of misunderstandings. Developers can directly access the information they need, such as hexadecimal color codes or detailed typographic properties.
With the plugin, you can create local text and color styles, then generate a color swatch on a new page called "Style Guide".
The plugin can also generate a complete style guide in one click, documenting both text and color styles.
Using tags such as {{myTextStyle.fontSize}}, you can automate the updating of information in your style guide based on your local style properties, such as font size, letter spacing, RGBA colors, and so on.
The plugin offers a wide range of tags (such as {{myColorStyle.hex}} or {{myTextStyle.fontFamily}}) to automate the display of style properties in your guide. These tags cover a broad range of properties for text and color styles, allowing fine-grained customization of your documentation.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which, in our experience, lets us validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
The "Automatic Style Guides" plugin is an indispensable tool for any designer looking to improve their workflow efficiency. By automating the creation and updating of style guides, it not only saves you time but also helps you maintain rigorous visual consistency throughout the project. Whether you work alone or as part of a team, this plugin ensures that your style guides stay professional, accurate and always up to date, making communication with clients and developers easier.
In a constantly evolving market, a company's survival and success depend on its ability to innovate and adapt. InVision is a striking example of this. This UX design giant reached the heights of success before falling dramatically.
This fall teaches us crucial lessons about the importance of continuous innovation and adapting to market changes. In this article, we will take a closer look at the factors that led to InVision's downfall and the lessons companies can learn from it.
Founded in 2011, InVision was a major leader in the field of UX design, revolutionizing the way designers create interactive prototypes. Its intuitive platform became an essential tool for many professionals, but despite its initial success, InVision ultimately experienced a dramatic decline.
This fall can be attributed to various factors, notably the emergence of competitors such as Figma and Adobe XD, as well as internal strategic mistakes.
From its very beginnings, InVision established itself as a benchmark for creating interactive prototypes. Its intuitive and user-friendly platform quickly caught the attention of design professionals, who rapidly adopted the tool for its ability to simplify complex processes.
The strategic partnership with Sketch was a major turning point for InVision. This integration allowed users to enjoy a smooth and consistent design experience, thereby reinforcing InVision's position as a market leader and encouraging widespread adoption of the platform.
Despite its initial dominance, InVision faced the emergence of formidable competitors such as Figma and Adobe XD. These platforms brought major innovations to the field of UX design, offering advanced features and seamless integration with other design tools.
The arrival of these competitors gradually eroded InVision's position in the market. Users were won over by the more advanced features and the flexibility offered by these alternatives, which led to a drop in demand for InVision's services and a decline in its market share.
Despite the growing signs of increased competition, InVision was slow to respond to the changing needs of its users. Requests for new features and improvements were often ignored or handled slowly, which led to frustration and customer defection.
Delays in delivering key features also hurt InVision's competitiveness. Unkept promises and extended development timelines contributed to the erosion of user trust and the loss of market share.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
The fall of InVision highlights the importance of continuous innovation and listening to users in order to stay competitive in a constantly evolving market. Companies must learn from InVision's mistakes and adopt an approach centered on agility and adaptation to thrive in a competitive landscape.
By drawing lessons from this story, companies can avoid the pitfalls that led to InVision's downfall and build resilient, sustainable businesses in the world of design and technology.
--- # Neo-Brutalism: A Breath of Freedom in Interface Design URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/neo-brutalism-ui-design Date: 2025-11-28 Neo-brutalism in UI design: bold colors, raw contrasts and unapologetic shapes. Origins, principles and examples of this daring trend.Neo-brutalism, this avant-garde movement in interface design, draws inspiration from brutalist architecture to challenge established aesthetic norms. With its bold aesthetic and no-frills functionality, it provokes and fascinates. This article dives into the heart of a style that, though controversial, leaves its mark on the world of digital design.
Born from the rubble of the Second World War, architectural brutalism championed an aesthetic of material truth. Brutalist buildings, often perceived as austere, revealed the beauty inherent in their construction materials, chiefly concrete.
Neo-brutalism in interface design seizes on that authenticity and transposes it into the digital world, where the simplicity of shapes and the sincerity of materials become powerful vectors of communication. Like its architectural roots, digital neo-brutalism favors authenticity and functionality.
Design elements are stripped of all artifice, putting structure and functionality front and center. Neo-brutalist interfaces favor clean geometric shapes and bare elements. For example, a website may be limited to a few clearly delineated content blocks, with nothing superfluous.
Colors and typography are used to create immediate visual impact, often through strong contrasts and limited palettes. High contrast between text and background improves legibility, while bold typographic choices grab attention. One example would be the use of large, imposing fonts in black on white, with no shadows or effects.
Content is king, and neo-brutalist design serves it with honesty, without distorting it through superfluous embellishments. The emphasis is on clarity and transparency of information. A neo-brutalist design favors authenticity, with interfaces that present information in a direct, straightforward way.
Neo-brutalism applies just as well to web interfaces as to mobile apps. For example, websites using heavy borders, sans-serif fonts and high contrast for optimal legibility. Websites adopting this approach rely on a direct presentation, with rigid grids and well-defined content blocks.
In mobile apps, neo-brutalist interfaces can simplify the user experience by reducing visual elements to the essentials, thus allowing intuitive and direct navigation. Apps can incorporate large buttons and clear typography, eliminating distractions for a smoother experience.
It can be observed in experimental design projects, where designers explore the limits of user interaction. Platforms like Behance or Dribbble are full of neo-brutalist concepts, where designers share their bold and unconventional visions. These experimental projects push the boundaries of traditional design, creating interfaces that captivate and question.
The neo-brutalist aesthetic influences the clarity and hierarchy of information, easing or complicating the user experience depending on how it is implemented. Interfaces must be designed to guide the user intuitively, without ambiguity.
Simplified interfaces can offer smoother navigation, but design choices must be balanced so as not to sacrifice intuitiveness. For example, the use of minimalist menus can simplify access to essential information, but requires careful thought about the information structure.
This aesthetic can trigger a range of reactions, from appreciation of its simplicity to frustration at its lack of familiarity. Users may find the clarity and simplicity of neo-brutalist interfaces refreshing, or on the contrary judge them too austere or confusing.
Designers must find the right balance between the artistic expression of neo-brutalism and the practical needs of users for a functional interface. The challenges include the need to maintain optimal accessibility while exploring bold visual concepts.
The adaptability of this aesthetic to different types of users and its implications for accessibility are crucial issues to consider. Neo-brutalism must be inclusive, ensuring that its interfaces are usable by everyone, including people with disabilities.
Neo-brutalism opens new perspectives for reinventing user interfaces and encouraging innovation in interactive design. Designers are invited to experiment, push the limits and create interfaces that not only meet functional needs but also inspire and engage users.
Neo-brutalism is more than just an aesthetic; it is a design philosophy that questions our relationship with the digital interface. It encourages designers to rethink visual hierarchy, interaction and the user experience.
Ultimately, neo-brutalism is not just a style, it is a manifesto for a more honest and expressive design. As the movement continues to grow, it remains a dynamic force in the interface design landscape, stimulating reflection and innovation.
--- # Rive vs Lottie: A New Era of Interactive and Dynamic Animations URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/rive-vs-lottie-interactive-animations Date: 2025-11-28 Rive vs Lottie: comparing two tools for creating engaging, interactive animations for web, mobile and beyond.Rive is a cutting-edge platform for creating and animating interactive graphics optimized for real-time performance across various devices and platforms. Similar to Lottie, another popular solution for lightweight animations, Rive distinguishes itself through its ability to produce interactive and dynamic animations. This service enables designers and developers to collaborate on creating engaging animated content that is easily integrable into applications, games, and websites.
Rive provides a robust editor that enables the creation of complex animations and state machines. Unlike Lottie, which primarily relies on animations based on JSON files exported from Adobe After Effects, Rive allows for more direct and dynamic manipulation of animations through its integrated editor. Users can adjust transitions and interactions in real-time, offering a flexibility that Lottie cannot always provide due to its static nature after export.
Like Lottie, Rive offers excellent compatibility with modern development environments, providing runtimes for web, React, Flutter, iOS, and Android. However, Rive goes further by enabling more complex interactions and offering support for advanced features such as mesh deformation and inverse kinematics, expanding possibilities beyond the traditional animations enabled by Lottie.
One of the main advantages of Rive over Lottie is its ability to integrate interactive animations that can respond to user input in real-time, a feature that Lottie supports only in a limited way. This interactivity is crucial for applications where user engagement is key, such as in games or educational applications.
Rive allows designers to fully control the animation creation process from start to finish, without requiring export from other tools. This contrasts with Lottie, which requires animations to be created first in After Effects before being converted to JSON for use.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
Rive and Lottie offer robust solutions for integrating animations into digital projects, but Rive stands out for its interactive capabilities and extended creative control. For those seeking maximum flexibility and the ability to adjust animations in response to real-time user interactions, Rive represents an advanced option that goes beyond the traditional capabilities of Lottie.
In the field of web design, creating harmonious and functional color palettes is essential to ensure a pleasant and effective user experience. To address this need, the UI Colors App web application stands out as an indispensable tool, especially for Tailwind CSS users.
UI Colors App offers a wealth of features that greatly simplify the color palette creation process. Its color generator allows users to easily create custom color scales by pressing the spacebar, entering a hexadecimal code, or adjusting HSL values. This flexibility allows, based on our experience, you to quickly find the desired shades, making it easier for designers and developers to work.
Another flagship feature of UI Colors App is its contrast grid. This allows users to visualize the interaction between the different colors in their palette and provides examples of user interface components such as buttons in different states (default, hover, active, disabled). This real-time visualization helps ensure that color choices are both aesthetically pleasing and functional.
The usefulness of UI Colors App is not limited to its ease of use. In fact, this tool finds practical application in many web design and development projects. Designers can quickly experiment with different color combinations to find the one that best matches their creative vision.
For their part, developers can easily export the generated color palettes in various formats, including Tailwind, CSS, SCSS, and SVG, making it simple to integrate them into their projects.
Another important dimension of UI Colors App is its involvement in promoting digital accessibility. By adhering to accessibility standards regarding color contrast, this tool contributes to an inclusive and accessible user experience.
UI Colors App takes into account color contrast standards, ensuring that generated palettes comply with these guidelines. This allows users to create accessible interfaces, offering an optimal user experience for all users.
After testing this tool on several client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team regularly uses it in our daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
In conclusion, UI Colors App proves to be an essential tool for web design and development professionals. Its ease of use, powerful features, and commitment to accessibility make it a valuable resource for anyone looking to refine the aesthetics and functionality of their digital projects.
Whether you are a designer seeking inspiration or a developer concerned with accessibility, UI Colors App greatly simplifies the process of creating harmonious and functional color palettes.
Radix Colors stands out as a revolutionary open-source color system, offering a complete palette of 336 hues distributed across 22 color scales. Specifically designed to meet the needs of web designers and developers, Radix Colors is distinguished by its remarkable features and ease of use.
Accessibility is at the heart of Radix Colors' approach. Text colors are carefully selected to ensure contrast ratios that comply with web accessibility standards. This essential feature ensures that content remains readable and understandable for all users, regardless of their visual abilities.
Another remarkable feature of Radix Colors is its automatic dark mode. The transition to a dark theme is simplified by applying a simple class to a container, thus offering a consistent and pleasant user experience in all lighting conditions.
Transparent variants are also a notable feature of Radix Colors. Each color scale has a corresponding alpha variant, which is particularly useful for user interface components that need to blend harmoniously into colored backgrounds.
The Radix Colors system also incorporates the modern APCA contrast algorithm, ensuring precise contrast targets while accounting for human perception of text. This approach guarantees optimal readability and a smooth user experience for all users.
Additionally, Radix Colors supports the P3 color gamut, which makes it possible to fully exploit the possibilities offered by wide-gamut color spaces, particularly by enabling the use of the brightest possible yellows and reds.
For developers, Radix Colors provides usage examples with popular styling solutions such as Vanilla CSS, Stitches, and styled-components, making it easier to integrate colors into various projects. This extended compatibility ensures easy adoption by the developer community.
After testing this tool on several client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
In summary, Radix Colors positions itself as an ideal choice for designers and developers concerned with creating color-rich interfaces while maintaining high accessibility and aesthetics. With its advanced features and commitment to accessibility, Radix Colors opens new perspectives for designing more inclusive and attractive web interfaces and applications.
Official Website
Custom Palette
Web design is a field where form meets function. Design styles such as Bento, Metro UI, Grid and Masonry offer unique frameworks for presenting content, each with its own aesthetic and functionality.
Bento Design draws its inspiration from the orderly, aesthetic layout of Japanese bento boxes, where every element is carefully placed to create a harmonious visual experience.
This style is defined by a clear structure and well-defined spaces, encouraging balance between text and images for an appealing layout. Just like the Metro UI style, Bento Design brings elements to life within a base of fixed height and width. Its distinctive feature is that no columns or construction lines should be visible, otherwise the design would lean more toward a Masonry style.
Bento Design is ideal for sites that require a clear hierarchy and intuitive navigation, such as news or educational websites.
Metro UI, developed by Microsoft, is known for its minimalist approach that puts typography and negative space front and center.
It uses dynamic tiles and blocks of bright colors for a clean, easy-to-navigate user interface. As with Bento Design, Metro UI brings elements to life within a rigid base, avoiding the presence of columns or construction lines.
Metro UI is perfectly suited to mobile apps and operating systems that prioritize simplicity and efficiency.
Grid Design relies on the use of grids to organize content in an aesthetic and functional way. Its elements are generally anchored in a square base, giving the layout a uniform structure.
This approach offers the flexibility to create responsive designs that adapt to different screen sizes. It is crucial to keep proportions consistent to avoid compromising the integrity of the design.
This style is particularly well suited to content-rich sites, such as online magazines or news portals.
The Masonry style is inspired by the irregular arrangement of stones or bricks, creating a dynamic and slightly disordered visual effect. In our experience, it lets you distribute elements across columns or rows, offering great flexibility in laying out content.
Masonry is ideal for image galleries or content feeds where a variety of element sizes is desired. It is important not to have column heights or row widths with the same value, otherwise the design risks leaning toward a Bento style, where each block has a different height and width and no rows or columns are visible.
Each design style, whether Bento, Metro UI, Grid or Masonry, has its own distinct particularities. Yet they all share a certain closeness in their approaches and constraints. Understanding these nuances is essential to choosing the style best suited to a given web project, in order to enrich the user experience in a unique and effective way.
--- # Discover Hugeicons Pro: The Figma Plugin for a Stunning Icon Library URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/hugeicons-pro-figma-icon-library-plugin Date: 2025-11-28 Access thousands of icons, customize them and save time in Figma. Hugeicons Pro is the essential tool for stunning interface designs.In the world of design and graphic creation, efficiency and quality are essential. It is with this in mind that the Figma plugin Hugeicons Pro stands out, offering a complete and highly customizable icon library directly available within the Figma workspace. In this article, we'll explore why Hugeicons Pro is an indispensable tool for designers, by examining its features and its benefits.
With Hugeicons Pro, users have access to a vast collection of high-quality icons, covering a multitude of categories and styles. Whether for web, mobile or user interface projects, Hugeicons Pro offers a variety of icons suited to every need.
Built directly into Figma, Hugeicons Pro fits smoothly into your existing workflow. Its user-friendly interface lets users browse and insert icons with great ease, thereby speeding up the design process and saving precious time.
Hugeicons Pro offers advanced search features, allowing users to quickly find the icons they need. In addition, filtering options by category, style and color provide extra customization, ensuring that every icon fits perfectly with the project at hand.
With Hugeicons Pro, customizing icons is child's play. Users can adjust the size, color and other properties of the icons in just a few clicks, allowing them to blend in perfectly with the overall aesthetic of their design.
The team behind Hugeicons Pro is committed to delivering regular updates, constantly adding new icons and features to meet the evolving needs of designers. This ensures that users always benefit from the latest trends and the best design tools.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
All in all, Hugeicons Pro is much more than just an icon library - it's an essential tool for any designer looking to optimize their design process and create visually striking interfaces.
With its vast selection of icons, its ease of use and its advanced features, Hugeicons Pro positions itself as a must-have for Figma users, giving them quick and easy access to premium resources. Whether you're a seasoned professional or an enthusiastic beginner, Hugeicons Pro is here to help you bring your ideas to life with style and efficiency.
SVG Grabber is an open-source Chrome extension that enables users to easily view, download, and copy all SVG assets from a website¹. Developed by Jaques Bouman and Juan Rios at NGTI in Rotterdam, Netherlands, this tool has become a staple for extracting SVG images.
SVG Grabber provides a clear and concise overview of the icons and SVG illustrations present on a website. With this feature, users can quickly explore and select the graphic elements they want to retrieve.
Users have the ability to download SVG files in high quality directly from the extension interface. Additionally, they can also copy the corresponding SVG code to the clipboard, offering maximum flexibility for integrating graphics into their projects.
SVG Grabber allows users to filter SVG elements based on various criteria such as size, color, or type. This feature makes it easier to search for and select specific graphic assets needed for a given project.
Beyond its seamless integration with Google Chrome, SVG Grabber is also compatible with other popular browsers such as Firefox and Microsoft Edge. This versatility allows users to benefit from the extension's features regardless of their preferred browser.
As an open-source project hosted on GitHub, SVG Grabber benefits from an active community of contributors and users. This open collaboration ensures continuous evolution of the extension, with regular updates and the addition of new features in response to community needs.
Designers benefit from SVG Grabber's ability to retrieve high-quality graphic assets. Developers appreciate the ease of integrating SVGs into their web projects. Additionally, being open source, it benefits from an active community that contributes to its improvement.
After testing this tool on several client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in our daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness under real-world production conditions.
Detailed Test Points:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
SVG Grabber embodies the essence of collaboration and ease of use in the world of design and web development. By offering an intuitive solution for extracting, previewing, and integrating vector graphics, this Chrome extension positions itself as an invaluable tool for creative professionals.
Whether you are a designer looking for inspiration or a developer seeking to improve user experience, SVG Grabber meets your needs with efficiency and elegance. With its cross-browser compatibility and commitment to the open-source community, SVG Grabber continues to evolve, promising a future where exploring and using vector graphics on the web is more accessible than ever.
The Fill Rule Editor plugin for Figma is an innovative tool designed for designers and developers working with vector graphics. It provides a manual solution to adjust the fill rules of vectors, crucial for the correct rendering of shapes in different formats.
Using the Fill Rule Editor plugin is essential when working with formats requiring a specific fill rule, such as TrueType fonts or Android VectorDrawable. These formats only support the non-zero fill rule, and without this tool, designers would have to perform tedious manual corrections.
With this feature, users can easily switch between even-odd fill rules and non-zero fill rules, and vice versa. This flexibility is essential to ensure compatibility with a variety of file formats and platforms.
One of the most powerful characteristics of the plugin is its ability to instantly display modifications made to vectors. Users can see in real time how adjustments to fill rules affect the appearance of their vector graphics, allowing them to iterate quickly and make informed decisions.
In addition to allowing the modification of fill rules, the plugin also facilitates the export of vector graphics with the appropriate fill rules. This ensures maximum compatibility with required file formats, reducing rendering and compatibility issues when integrating designs into other systems or platforms.
The plugin also offers advanced options to customize fill rules according to the specific needs of the project. Users can fine-tune parameters to achieve optimal rendering of vectors in various contexts.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In the spirit of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
In summary, the Fill Rule Editor is an essential plugin for graphics design professionals using Figma. It simplifies the process of working with vector graphics and ensures that designs are exported correctly for formats requiring specific fill rules. With its intuitive interface and powerful functionality, it is a valuable addition to any designer's toolkit.
In the world of design and creation, collaboration is the key to success. With the advent of Penpot 2.0, this collaboration reaches new heights. Penpot 2.0 represents much more than a simple software update; it's a revolution in how creative teams work together to bring their ideas to life.
Since its inception, Penpot has established itself as a tool of choice for designers and creative teams worldwide. With its ease of use and powerful features, it has earned the trust of design professionals. And now, with Penpot 2.0, the collaborative design experience is about to take a new step.
The CSS Grid Layout system now allows users to distribute elements in a more responsive manner, using columns and rows. This simplifies and accelerates developers' work while offering a more advanced and flexible interface layout.
Penpot 2.0 introduces an entirely new and powerful component system, offering a systematic way to reuse elements across different projects. This approach allows, according to our experience, designing at scale, working faster while maintaining visual consistency.
Penpot's new user interface offers smoother, more intuitive and agile navigation. By implementing best practices in accessibility, this redesign improves overall user experience, allowing users to focus more on their creativity.
With Penpot 2.0, users can now get HTML code in the inspection tab. Additionally, images are treated as fill elements, which maintains their constant aspect ratio when resized. This is particularly useful for flexible designs, offering more precise control over the final rendering.
After testing this tool on several client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, according to our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points Tested in Detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
With Penpot 2.0, the future of collaborative design has arrived. By combining advanced features such as CSS Grid Layout, the new component system, the user interface redesign, and HTML Markup code integration, Penpot 2.0 provides creative teams with the means to push the boundaries of creativity and innovation. Whether you're a professional designer or a design enthusiast, Penpot 2.0 gives you the tools you need to create exceptional projects and opens the way to a new era of creative collaboration.
In the field of web development and user interface design, icons play a crucial role in improving user experience and making applications more user-friendly. Among the many available resources, Tabler Icons stands out as a comprehensive icon library offering a variety of choices to meet all design needs. In this article, we will dive into the world of Tabler Icons, exploring its features, diversity, ease of use, and benefits for developers and designers.
Tabler Icons is an open-source icon library that offers a vast collection of professional-quality icons for user interfaces. Carefully designed with attention to detail, these icons cover a wide range of categories, from action icons to social media icons to weather icons. Whether it's for a website, mobile application, or desktop application, Tabler Icons provides a complete solution to meet all design needs.
Tabler Icons offers a wide range of icons in different categories, providing maximum flexibility for designers and developers.
All Tabler Icons are distributed under an open-source license (MIT), meaning you can use them for free, even for commercial purposes, and modify them according to your needs without any restrictions.
Icons are available in SVG format, making them easy to integrate into any web project. Additionally, Tabler Icons provides comprehensive documentation and usage examples to facilitate integration into your projects.
You can easily customize icons by adjusting their size, color, and other properties according to your preferences, thanks to the flexibility offered by SVG files.
The library is regularly updated with new icons and features, ensuring you always have access to the latest design trends.
Tabler Icons offers a built-in Customizer that allows users to easily customize icons according to their specific needs.
Choosing the right color for your icons is essential to ensure harmonious integration into your user interface. With Tabler Icons, you have the option to choose the color using the "currentColor" value, which automatically adapts to the color of surrounding text, ensuring perfect visual consistency. Additionally, you can specify a custom color for each icon, offering maximum flexibility in customizing your design.
Icon size plays a crucial role in its visual impact and practical use. Tabler Icons allows you, according to our experience, to specify the exact size of icons in pixels, giving you complete control over their sizing. Whether you're looking for subtle icons for a navigation bar or prominent icons to draw attention, Tabler Icons gives you the tools needed to adjust the size according to your specific needs.
Tabler Icons organizes its icons into different categories to facilitate finding the perfect icon for your project. This methodical organization simplifies navigation in the vast collection of available icons, allowing you to quickly find what you need.
Tabler Icons stands out for its vast selection of icons, carefully organized into different categories to meet any imaginable design needs. Whether you're looking for icons for actions, devices, finance, social media, or any other field, Tabler Icons offers impressive diversity to enrich your user interface.
One of Tabler Icons' strengths is its open-source license (MIT), which allows flexible and unrestricted use of icons in your projects. This license offers complete freedom to developers and designers, allowing them to integrate, modify, and redistribute icons with confidence, whether for personal or commercial projects.
Thanks to their SVG format, Tabler Icons are incredibly easy to integrate into any web project. Whether you use HTML, CSS, JavaScript, or a front-end framework, integrating icons is a breeze. Their lightweight nature and compatibility with all modern browsers make Tabler Icons a practical choice for any development team.
One of Tabler Icons' major advantages lies in its ability to be customized according to the specific needs of each project. You have complete freedom to adjust the size, color, shape, and other properties of the icons to align them perfectly with your design. This flexibility ensures harmonious integration of icons into your user interface, regardless of the visual style you're looking for.
Tabler Icons commits to providing regular updates, ensuring your icon library stays current with the latest design trends and best practices. With new icons and features added regularly, you can be sure to always find what you need to bring your projects to life.
After testing this tool on several client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in our daily workflow, which allows us, according to our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Detailed Test Points:
In the spirit of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
Tabler Icons is an invaluable resource for developers and designers seeking quality icons for their web and mobile projects. With its wide variety of icons, ease of use, and unique benefits, Tabler Icons offers a complete solution to meet all design needs. Integrate Tabler Icons into your projects today and discover how it can enhance your development experience.
In the dynamic world of web design, innovation is often the result of collaboration between complementary tools. One alliance that stands out in this quest for creativity is the one formed by Webflow and Spline. Together, these two platforms offer a unique fusion between fluid 2D design and immersive 3D modeling, paving the way for radically new and captivating web experiences.
In this article, we explore how this synergy is revolutionizing the web design landscape, enabling creators to go beyond traditional boundaries to shape online experiences that captivate and delight users.
Traditionally, web design has been largely focused on 2D, with sites and interfaces built primarily using static graphics and text. However, with the evolution of technologies and the rise of augmented and virtual reality, it has become imperative to explore new dimensions to deliver more immersive and engaging user experiences.
This is where Spline comes in. This 3D modeling platform enables designers to create shapes, objects, and environments in three dimensions in an intuitive way. Its user-friendly interface and advanced features open up new perspectives for web design, offering the possibility of adding dynamic three-dimensional elements to projects once limited to the 2D plane.
Spline doesn't just enable the creation of 3D models, it also offers advanced animation and customization features, allowing designers to bring their creations to life in a fluid and interactive way.
The integration between Spline and Webflow opens up new possibilities for designers. Thanks to features such as the direct import of 3D models from Spline into Webflow, it becomes possible to incorporate interactive 3D elements into websites without sacrificing ease of design or performance.
In addition, this integration allows users to control and animate their 3D models directly in the Webflow editor. This means that designers can create immersive and dynamic web experiences without needing advanced coding skills, while retaining full control over design and interaction.
With the Webflow-Spline combo, the only limits are those of the creators' imagination. Whether designing interactive websites, online portfolios, product presentations, or brand experiences, this combination offers an infinite palette of creative options.
By using Spline to add 3D elements, designers can make their websites more engaging and memorable for visitors. Fluid animations, elegant transitions, and immersive interactions are now just a click away, which, in our experience, makes it possible to create unforgettable user experiences.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which, in our experience, allows us to validate its effectiveness in real production conditions.
Aspects tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
The marriage between Webflow and Spline opens up exciting new perspectives for web design. By combining the power of Webflow's 2D design with Spline's 3D modeling capabilities, creators can push the boundaries of what is possible on the web. Whether you are an experienced designer or a beginner, this combination offers a unique opportunity to explore new dimensions in web creation, while delivering unmatched user experiences.
--- # Spline, the 3D design tool in the browser with real-time collaboration URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/spline-3d-design-tool-browser-realtime-collaboration Date: 2025-11-28 Spline: create, animate, and share 3D scenes in the browser, together in real-time. The next-generation 3D design tool, explained.In the constantly evolving digital age, visual creation tools are rapidly evolving to meet the growing demands of artists, designers and creators. Among these innovations, Spline stands out by offering an innovative platform that revolutionizes three-dimensional (3D) modeling. With its user-friendliness, power and versatility, Spline opens new creative horizons for professionals and enthusiasts worldwide.
Spline is distinguished by its intuitive user interface, allowing anyone to easily immerse themselves in the world of 3D modeling. Through simple yet powerful manipulation tools, users can bring their ideas to life without being limited by technical skills.
One of the hallmark features of Spline is its ability to enable real-time collaboration. Teams can work simultaneously on a project, exchanging ideas and adjustments instantly, which fosters increased productivity and collaborative creativity.
Spline offers a range of advanced 3D modeling tools, allowing users to create any type of object with precision. From parametric objects to polygon editing, through boolean operations, Spline offers unparalleled flexibility for turning ideas into 3D models.
Spline allows users to bring their 3D models to life through advanced animation features. From simple movements to complex animations, Spline provides the necessary tools to create dynamic and captivating scenes.
In addition to animation, Spline allows you to add interactivity to your 3D objects. Users can create engaging interactive experiences, whether for presentations, games or simulations.
Spline integrates real-time physics features, allowing physical simulation and interaction in your 3D scenes. Furthermore, game controls facilitate the creation of immersive first-person or third-person experiences.
Spline offers a variety of options to export your creations, whether as images, videos or 3D formats compatible with other software and platforms. Moreover, integration with web projects is simplified through quick and easy-to-use embed codes.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
Spline is much more than just 3D modeling software. It is a comprehensive platform that reinvents how we design and collaborate in 3D space. With its advanced features, ease of use and ability to stimulate creativity, Spline is at the forefront of innovation in the field of visual creation in 3D. As an essential tool for professionals and enthusiasts from all walks of life, Spline continues to push the boundaries of imagination and redefine the standards of the creative industry.
Discover Responsively, the app that simplifies the responsive web development process. As the variety of devices used to browse the Internet keeps growing, it is crucial for developers and web designers to make sure their creations adapt smoothly to every screen.
This is where Responsively comes in, offering an innovative solution to visualize and test the responsiveness of websites across a variety of devices simultaneously. Let's dive into the world of Responsively and discover how this game-changing app can transform your approach to web development.
Responsively App is a modern development browser that helps developers test and visualize their websites on multiple devices at the same time. In our experience, this ensures that the site works well on every screen format, from mobile phones to large monitors.
Responsively App offers a real-time preview experience, allowing developers to see changes made to the website instantly across multiple devices. This supports an iterative development process to guarantee optimal compatibility with every screen.
Responsively App synchronizes user interactions such as clicks and scrolls across all devices at once. This simplifies testing interactive features by letting developers confirm that all intended actions run correctly on each platform.
Developers can customize the device display in Responsively App to better match the real setups of their target users. For example, they can simulate a mobile environment with a phone and a tablet side by side, making layout issues easier to spot.
Responsively App offers a vast selection of preconfigured device profiles, covering a wide range of phones, tablets, and desktop computers. This diversity lets developers test their sites on a multitude of platforms, ensuring maximum compatibility with the various devices used by end users.
For designers, Responsively App is a valuable asset for checking that their visual creations stay consistent across all devices. When combined with Webflow, a visual design tool that, in our experience, lets you build sites without coding, Responsively App becomes even more powerful. Designers can use Webflow to design, then use Responsively to test responsiveness before going live.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which, in our experience, lets us validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
For the sake of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
In conclusion, Responsively positions itself as an indispensable tool to guarantee that your website delivers a consistent and smooth user experience on every device. Whether you are an experienced developer or a budding designer, integrating Responsively into your workflow will help you gain efficiency and precision when developing responsive websites.
With Responsively by your side, you can be sure your website will be ready to face the challenges of cross-platform browsing with confidence and professionalism.
In a world where animation has become an essential element of web and mobile design, tools that simplify the creation process are indispensable. Before the emergence of Lottie Creator, there was already a pioneer: the Figma Lottie Files plugin. This plugin paved the way for a new way of creating animations by allowing Figma designers to easily export their designs to the Lottie format, effortlessly creating interactive animations. However, this plugin was limited in its features and did not fully meet the needs of developers and designers.
This is where Lottie Creator comes in, as a natural and complementary evolution of the Figma Lottie Files plugin, offering advanced features, a user-friendly interface, and an extensive resource library to meet every animation creation requirement. In this article, we'll explore how Lottie Creator builds on the foundations laid by the Figma Lottie Files plugin to deliver a complete and powerful solution for creating animations.
Lottie Creator represents a major step forward in animation creation for developers and designers. Building on Airbnb's Lottie technology, this innovative tool makes it easy, in our experience, to design interactive and highly customized animations, even without advanced expertise in animation or coding. Its user-friendly interface delivers a smooth experience at every skill level.
Thanks to intuitive features and easy-to-use tools, even beginners can create professional-quality animations in just a few clicks. What's more, Lottie Creator provides access to a vast resource library including pre-designed graphic elements and ready-made animation effects. This wealth of resources allows users to easily explore and integrate attractive visual elements into their projects, speeding up the creation process while boosting creativity.
Lottie Creator offers a range of powerful features that let users bring their ideas to life with ease and efficiency.
With Lottie Creator, you can gain precise control over your animations by adjusting keyframes and creating smooth transitions. Keyframes act as markers for significant changes in properties such as position, scale, rotation, color, or opacity, throughout the animation's timeline.
Lottie Creator offers a wide range of animation presets, ideal for users who don't know where to start or those looking to quickly animate static designs. These presets let you bring elements into the frame, highlight specific layers or shapes within the frame, or move them out of the frame.
Lottie Creator gives you access to a vast library of more than 100,000 Lottie animations for every industry and use case. On top of that, you get access to new animations added daily.
Lottie Creator also lets you drag and drop your SVG files directly into the canvas. This allows you to import designs created with popular design tools such as Adobe Illustrator or Figma and add motion to them. You can change backgrounds and shapes, animate layers, and modify the overall look of the animation.
You can download your finished animation in several formats for different applications. Here are the available formats (Lottie JSON, optimized Lottie JSON, dotLottie, optimized dotLottie, GIF, MP4, MOV, WebM).
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
Lottie Creator emerges as a genuine revolution in the world of animation creation. By offering a simple, accessible, and powerful solution, this tool is a game-changer for developers and designers, allowing them to bring their ideas to life without the usual hassles that come with creating animations. With its advanced features such as precise keyframe manipulation, vast resource libraries, and extensive customization options, Lottie Creator opens up new creative horizons.
Users can now create interactive and highly customized animations in record time, without needing advanced animation or coding skills. By adopting Lottie Creator, professionals can not only gain efficiency in their creation processes, but also deliver dynamic and engaging user experiences. This platform therefore establishes itself as an essential tool in the arsenal of any modern animation creator.
In the vast world of web development and user interface design, every pixel counts. Icons, though small in size, play a crucial role in the user experience by bringing both functionality and aesthetics. Among the many options available, Lucide Icons stands out as a remarkable solution, offering a vast collection of carefully crafted icons to meet the needs of developers and designers alike. In this article, we'll dive into the world of Lucide Icons, exploring its features, its diversity, its customization options, and its community commitment.
Lucide Icons is much more than just an icon library. Designed to be simple, consistent, and highly customizable, this open source resource offers a variety of icons covering different categories such as devices, social media, actions, user interfaces, and much more. Each icon is carefully crafted with a modern, clean aesthetic, allowing it to blend seamlessly into a wide range of digital projects.
Lucide Icons offers a broad selection of icons across different categories, making it easy to find the ones that best fit your project.
All Lucide Icons are distributed under an open source license (MIT), allowing you to use them for free, even for commercial purposes, and to customize them to your needs without any restrictions.
The icons are available in SVG format, which makes them easy to integrate into any web project. In addition, Lucide Icons provides comprehensive documentation and usage examples to help you get started quickly.
You have the ability to change the size, color, and other properties of the icons to suit your preferences, thanks to the flexibility offered by SVG files.
The library is regularly updated with new icons and features, ensuring you always have access to the latest trends and best practices in design.
Lucide Icons offers advanced customization through its built-in Customizer. In our experience, this feature lets you change the color, size, stroke width, and other properties of the icons to meet your specific needs.
You can choose to use the "currentColor" value to inherit the color defined by the CSS context in which the icon is used, or specify a custom color for the icon.
You have the ability to adjust the stroke width of the icons, giving you precise control over their visual appearance.
Lucide Icons also lets you specify the exact size of the icons in pixels, giving you full control over their dimensions.
Lucide Icons are carefully organized into different categories, making it easy to find the perfect icon for your project. With more than 40 categories in total, ranging from accessibility to tools, from social media to food and drink, Lucide Icons offers comprehensive coverage to meet every design need.
Lucide Icons are lightweight, highly optimized scalable vector graphics (SVG). This ensures fast loading times and optimal performance for your applications and websites.
Designed according to a strict set of design rules, Lucide Icons feature a clean, consistent style. This consistency guarantees maximum readability and an optimal user experience.
Lucide Icons offers advanced customization, allowing you to change the color, size, stroke width, and much more to suit your needs. This flexibility lets you adapt the icons to your project's aesthetic and design.
Available as a package for all major package managers, Lucide Icons integrates easily into your existing development workflow, letting you install and manage it efficiently.
Lucide Icons are tree shakable, which means you only import the icons you actually use, reducing your final bundle size and improving your application's performance.
With an active community on GitHub and Discord, Lucide Icons offers an environment that fosters learning, collaboration, and the sharing of best practices in design and development.
Lucide ships official packages for React, Vue, Svelte, Solid, Preact, Angular, Astro, and React Native, on top of the plain JavaScript build — each with its own install instructions on the official site, which is also where the current icon count and changelog live. The project is maintained by a small core team plus community contributors on GitHub.
If a search leads you to a different domain claiming to host "the real" Lucide Icons, treat it with caution: lucide.dev is the only official source for the library, its documentation, and its packages.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which, in our experience, allows us to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
Whether you're a seasoned developer or a beginner designer, Lucide Icons provides the tools you need to create remarkable, engaging user interfaces. With its diversity of categories, advanced customization, and unique advantages, Lucide Icons positions itself as an essential choice in the ever-evolving landscape of design and web development. Integrate Lucide Icons into your projects today and discover how it can transform your development experience.
In the design process on Figma, integrating and manipulating images are essential aspects of bringing a user interface to life. However, this can sometimes be a challenge, especially when it comes to precisely adjusting images and choosing the appropriate scale modes. To meet these challenges, the ImageFiller plugin is here to simplify and optimize image management in Figma, offering a range of powerful features designed to improve designers' workflow.
Using the ImageFiller plugin offers several benefits for Figma designers. On the one hand, it considerably simplifies the process of manipulating images, offering a user-friendly interface and intuitive features. On the other hand, it allows you to optimize the precise positioning of images, thereby reducing the time needed to adjust images in mockups.
The ImageFiller plugin offers a variety of flexible scale modes, such as fill, fit, crop and tile, giving designers maximum flexibility to adapt images to their design. Thanks to an intuitive user interface, designers can easily select the options they want and quickly apply changes to images.
In addition to simplifying scale modes, ImageFiller offers nine predefined positions that allow precise positioning of images within mockups. Whether choosing top left, center right or bottom center, designers can align images precisely to achieve the desired effect.
ImageFiller offers a complete range of scale modes, giving users the freedom to adapt images to their design in the most appropriate way. Whether you want to completely fill a space, fit an image so it fits perfectly, or even crop a specific part, ImageFiller gives you the tools to do it efficiently.
With nine predefined positions available, ImageFiller allows precise alignment of images within mockups. Whether you're looking to place an image in a corner, in the center, or somewhere in between, these predefined options let you achieve the exact alignment you want, without having to guess or adjust manually.
ImageFiller's user interface is designed to be intuitive and user-friendly. With clearly labeled buttons and options, as well as an ergonomic layout, you can easily navigate the plugin and make the necessary changes effortlessly. This ease of use saves time and minimizes friction in the design process.
By simplifying the processes of manipulating and positioning images, ImageFiller helps improve designers' workflow on Figma. By reducing tedious tasks and enabling quick, precise adjustments, the plugin allows designers to devote more time to creativity and design, while maintaining high productivity.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
For the sake of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
In conclusion, the ImageFiller plugin is an essential tool for Figma designers looking to improve their workflow and optimize image management in their mockups. With its powerful features, user-friendly interface, and ability to simplify the processes of manipulating and positioning images, ImageFiller offers a complete and effective solution to meet designers' needs.
By integrating ImageFiller into their design toolkit, Figma designers can optimize their productivity and bring their ideas to life more efficiently than ever.
In the world of web design, the smooth transition from mockups to functional sites is a constant challenge. Figma, with its versatility and ease of use, has become an essential tool for many designers when creating interactive mockups. On the other hand, Webflow offers a powerful platform to turn these designs into interactive websites, without requiring any coding skills. But how can you effectively connect these two worlds?
That's where the Figma to Webflow plugin comes in. This innovative plugin lets Figma users easily transfer their designs to Webflow, automating a large part of the development process. In this article, we'll explore the benefits of this integration, its key features, and how to use it effectively.
Traditionally, moving from a Figma mockup to a Webflow site involves manually recreating each element, which can be tedious and error-prone. Using the plugin, this process is simplified and accelerated. Dimensions, colors, fonts and even images are imported accurately, preserving the visual integrity of the original design. This lets users spend more time fine-tuning details and optimizing the user experience, rather than laboriously converting elements.
One of the major challenges when moving from a mockup to a site lies in maintaining visual and functional consistency. The Figma to Webflow plugin helps overcome this challenge by ensuring a smooth transition between the two platforms. By avoiding the mismatches or inconsistencies that can arise when switching from one tool to another, users can ensure that their Webflow sites faithfully reflect the initial designs, thereby delivering a consistent, high-quality user experience.
Users can precisely choose which elements of their Figma design they want to import into Webflow. In our experience, this flexibility lets them select elements individually or as a group, while also being able to ignore superfluous items such as guides, grids or hidden layers.
The plugin automatically generates Webflow pages and sections that match the Figma frames. In our experience, this feature creates a base structure for the site, which users can then customize and extend according to their specific needs.
Design styles, including colors, fonts, borders and shadows, are converted into Webflow classes, delivering visual consistency and ease of management. In addition, the images embedded in the Figma mockups are imported into Webflow, optimized for the web and ready to be used in the final project.
The plugin lets users define interactions and animations for Webflow elements, using the same settings as in Figma. This includes transition, parallax, scroll and hover effects, giving full control over the appearance and behavior of the site's interactive elements.
To get started, install the Figma to Webflow plugin from the plugin's official page on the Figma website or via the plugins menu in the Figma app. Once installed, the plugin will be ready to use in your design projects.
Open your Figma design containing the elements you want to import into Webflow. With the flexibility Figma offers, you can precisely select the elements, whether they are interactive buttons, content sections or navigation elements.
In Figma, go to the plugins menu and launch the Figma to Webflow plugin. A user-friendly interface will open, guiding you through the import process. Carefully follow the instructions to select the elements to transfer to Webflow.
For the plugin to import your Figma designs into Webflow, you need to log in to your Webflow account. If you don't have an account yet, you can create one quickly and easily. Once logged in, you'll be able to choose the Webflow project into which you want to import your elements.
Select the appropriate Webflow project into which you want to import your elements from Figma. If you haven't created a project in Webflow yet, you can also create one directly from the plugin interface.
Once you have selected the elements to import and chosen the appropriate Webflow project, follow the plugin's steps to finalize the import. You'll be able to adjust the details, configure interactions and animations, and customize the styles according to your specific preferences.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which, in our experience, lets us validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
The Figma to Webflow plugin is a valuable tool that simplifies and accelerates the process of building websites from Figma designs. By offering a smooth transition between these two popular platforms, the plugin lets designers and developers save time, maintain visual and functional consistency, and create interactive, aesthetically appealing websites.
Whether you're a design professional or a beginner developer, the Figma to Webflow plugin is a valuable asset to add to your toolbox. Download it today from the Figma website and start exploring the endless possibilities it offers to bring your web designs to life. Happy creating!
Figma plugin
Plugin website
Webflow University
In the world of graphic and user interface design, adding visual effects can turn an ordinary project into a striking piece of work. Figma, as a leading collaborative design platform, offers a wealth of tools and features that let designers express their creativity.
Among these tools, the Morph plugin stands out as an innovative addition that lets you inject dynamic visual effects into any design element. In this article, let's dive deep into this plugin and discover how it can enhance your creations with ease and originality.
The Morph plugin is an endless source of inspiration for designers seeking originality and innovation. By offering a palette of visual effects ranging from the subtle to the spectacular, Morph encourages designers to explore new creative avenues and push the limits of their imagination.
Unlike traditional methods of creating visual effects, which can be complex and time-consuming, the Morph plugin simplifies the design process by offering a friendly, intuitive interface. In just a few clicks, designers can apply morph effects to their design elements, saving precious time and letting them focus on the creative side of their work.
With more than 20 morph effects available, split into six distinct categories, designers have a wide range of choices to bring their vision to life. Whether you're looking to add a touch of realism with reflection effects or to create a futuristic aesthetic with neon effects, Morph offers a diversity of options to meet your creative needs.
Each morph effect is fully customizable, with adjustable parameters such as color, intensity, direction, size and much more. This granular control lets designers tailor every effect to their specific needs and create truly unique, personalized designs.
The Morph plugin lets designers explore unlimited creative possibilities by layering and combining different morph effects. This feature offers greater flexibility to experiment with complex, original visual compositions.
Once the design is perfectly morphed, the plugin offers convenient export options to share your creations with the world. Whether as a Figma component, a PNG file or even CSS code for web use, Morph simplifies the process of getting your designs out to your target audience.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which lets us, based on our experience, validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
The Morph plugin is much more than a simple addition to Figma's toolbox; it embodies a gateway to limitless visual expression. By allowing designers to explore a variety of effects ranging from the classic to the futuristic, Morph inspires innovation and creativity with every click.
Whether you're looking to bring a user interface to life or to add an artistic touch to your illustrations, Morph is here to turn your vision into reality. Explore its features, experiment without limits and let your imagination take flight with Figma's Morph plugin.
Discover an innovative approach to building websites with Blocsapp, an intuitive and powerful solution designed to meet the needs of users looking to create modern, responsive websites without the hassles of traditional coding. Compared to conventional platforms such as WordPress, Blocsapp offers a simplified alternative that allows complete customization without sacrificing quality or performance.
Launched in 2015, Blocsapp quickly established itself as a go-to tool for thousands of users, whether beginners or professionals. Its availability on Mac and iPad, along with iCloud synchronization, provides optimal flexibility of use. In addition, Blocsapp lets you create WordPress themes using the same block-based principle, further expanding its range of applications.
Blocsapp's clean interface offers a distraction-free design experience, allowing users to fully focus on building their website. Thanks to an intuitive drag-and-drop system, users can choose from a variety of prebuilt blocks to compose their site and customize them to their needs by changing colors, fonts, images, animations, and much more. Blocsapp then automatically generates the necessary code, ensuring a fast, secure, and SEO-optimized website.
Blocsapp offers a visual, intuitive approach to building websites, simplifying the process compared to WordPress, which often requires writing code by hand. With Blocsapp, users can drag and drop prebuilt blocks to build their site, whereas WordPress may require creating or installing additional blocks. On top of that, Blocsapp eliminates the need for extra plugins, providing a lighter and more streamlined solution.
By choosing Blocsapp, you save time by avoiding manual coding and the installation of extra plugins. You also enjoy complete flexibility to customize your website, without any limitations. Finally, Blocsapp guarantees strong performance in terms of speed, security, and search engine optimization, giving you a website of professional quality.
Several resources are available to help you learn how to use Blocsapp. First, the learning portal is an invaluable resource. It offers a variety of tutorials, guides, and tips that help you master Blocsapp's features through detailed instructions and concrete examples.
In addition, the official forum provides a space to connect with the Blocsapp user community. There you can ask questions, share your experiences, and benefit from the advice of other users. The forum is also an ideal place to discover advanced tips and innovative design techniques.
Finally, the "Made in Blocs" gallery is an invaluable source of inspiration. There you will find inspiring examples of websites built with Blocsapp, giving you ideas for your own project and revealing the possibilities this design tool has to offer.
For the best experience with Blocsapp, follow these practical tips. Start by choosing a block suited to your needs, then customize it to your preferences in terms of position, size, and alignment. Adjust settings such as colors, fonts, and images to match your visual identity, and add dynamic content for a richer user experience.
Repeat these steps for each block, regularly checking your site's compatibility and responsiveness across different devices. Finally, publish your site directly from Blocsapp or export it as a ZIP file for deployment on other platforms. By following these simple tips, you can make full use of Blocsapp's features and build websites of professional quality.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In conclusion, Blocsapp opens up new possibilities for building websites, offering a smooth and flexible experience that unleashes users' creativity while guaranteeing professional results. Whether you are a beginner in web design or a seasoned professional, Blocsapp lets you, in our experience, complete your projects with ease and efficiency. Don't hesitate to explore its features and join the growing community of satisfied users.
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Figma, a collaborative design software, offers a wealth of features for creating interfaces, prototypes and illustrations. However, embedding charts into your projects can sometimes be tedious. Fortunately, Chartline makes this task easier by offering a dedicated Figma plugin for quickly and efficiently creating charts from data.
You don't need to leave Figma to create curves. Simply select the type of curve you want, adjust the settings, and click the "Generate" button. Chartline creates the curve in an instant and adds it to your Figma canvas.
You can choose from a variety of curve types, such as sine waves, normal distributions, S-curves, sound waves, and more. You can also adjust the settings, such as the number of points, the slope, the smoothing, the type, and so on. In our experience, Chartline lets you create curves tailored to your needs and your audience.
You can choose the curve type that best matches your data and your goal. Chartline offers a list of common curve types, such as sine waves, normal distributions, S-curves, sound waves, and more. You can also see a preview of each curve type before selecting it.
You can adjust the curve settings to your preferences. Using a set of sliders, you can vary the number of points, the slope, the smoothing and the curve type. The number of points can let you build a slightly more complex chart in the case of a simulation involving a lot of data.
The "Slope" feature, in our experience, lets you give the curve a trend, either upward or downward depending on the intent of the mockup. The "Smoothing" section lets you increase or decrease the gap in value between each point. Keep in mind that if the gap is at its lowest you will no longer have a curve but a straight linear line. The curve type, in our experience, lets you choose between a rounded or a raw curve.
You can also let Chartline generate a random curve based on the settings you have adjusted. This can let you test different scenarios or create variations of your curves.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which, in our experience, lets us validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
Chartline is a Figma plugin that, in our experience, lets you create fake charts in one click. It is simple, fast, flexible and powerful. It is ideal for designers, analysts, marketers and anyone who needs to visualize data in a realistic and convincing way.
Website creation has undergone significant evolution, and two names resonate today in this ever-changing landscape: WordPress and Webflow. While WordPress has long been the undisputed leader, Webflow emerges as a modern alternative, offering a visual and no-code approach to website building.
Through glowing testimonials from industry professionals, this in-depth comparison explores the unique characteristics of each platform to help you make the best decision for your online project.
Paul Irish, a web development expert, praised Webflow for its exceptional user experience and innovative approach to CSS design. He emphasizes that Webflow appears to be the first to build a UX around styling and CSS, thus offering an exceptional design experience.
Beyond the praise, renowned companies like Rakuten testify to substantial savings and increased efficiency after migrating from WordPress to Webflow. Real-world use cases highlight the ease of transition and the tangible benefits of using Webflow, allowing for quick modifications without costly programmer intervention.
Webflow offers a visual no-code approach, allowing users to break free from restrictive themes and manual PHP modifications. The platform allows, according to our experience, to build visually with the power of HTML, CSS and JavaScript in an intuitive environment. Users can thus express their creativity without the constraints imposed by certain other platforms.
Webflow adapts to various site categories, offering unlimited design freedom for e-commerce, blogs, portfolios, and much more. The versatility of Webflow allows users to create unique user experiences tailored to their specific needs.
Webflow eliminates the hassles of frequent updates, plugin patches, and continuous maintenance. The platform offers integrated global hosting for fast and worry-free launch. Users can thus focus on creating quality content rather than on the technical management of their site.
Webflow offers refined SEO controls, performant hosting, and flexible content management tools, without requiring additional plugins. Users have complete control over their site's SEO parameters, ensuring maximum visibility in search results.
Webflow sites are powered by clean and semantic HTML and CSS code, promoting easy indexing by search engines. This approach ensures optimal SEO performance, which is crucial for online visibility.
Webflow facilitates the creation of designs aligned with your brand with flexible content types and simple editing tools for marketing teams. Designs can be aligned with the brand's vision without sacrificing functionality or creativity.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, according to our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
Whether you are a web development professional or an entrepreneur looking to create an online presence, the choice between Webflow and WordPress depends on your specific needs. Webflow offers a visual and no-code approach, while WordPress offers a solid experience with a vast community.
Explore the features of each platform, discover user testimonials, and choose the solution that best matches your goals. Whether it's the tradition of WordPress or the innovation of Webflow, website creation has never been so exciting. Make your choice and dive into building a remarkable online presence.
--- # The Figma Image Tracer Plugin: Your Ally for Turning Images into Vectors URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/figma-image-tracer-plugin Date: 2025-11-28 Figma Image Tracer converts your images into vectors and boosts your creativity. Discover how this plugin can transform your design workflow.In the world of design, converting images into vectors is often an essential step to guarantee the flexibility and quality of graphic elements. The Figma Image Tracer plugin stands out as a must-have solution to simplify this process. In this article, let's dive deep into this tool and discover how it can revolutionize your workflow.
With Image Tracer, converting images into vectors becomes child's play. In our experience, this increased efficiency lets you spend more time on the creative side of your project.
Unlike other image-to-vector conversion tools, Image Tracer is designed to be accessible to everyone. Whether you're a curious beginner or a seasoned professional, its user-friendly interface lets you navigate with confidence, in our experience.
Thanks to its advanced algorithm, Image Tracer guarantees a precise and faithful conversion of images into vectors. Every detail is preserved, allowing you to maintain the quality of your designs even after conversion.
Image Tracer doesn't just convert images into vectors, it also lets you customize those vectors to suit your needs. Adjust the conversion settings to get tailor-made results that perfectly match your creative vision.
With its intuitive layer management system, Image Tracer makes it easy to organize your vectors. Group, rearrange and manipulate your graphic elements effortlessly for a smooth and efficient design experience.
Integrate Image Tracer into your collaboration process seamlessly. Share your Figma files with colleagues and clients, and work together in real time to refine your creations.
Image Tracer is constantly improved thanks to user feedback and regular updates. By investing in this tool, you're investing in the future of your design process.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which lets us validate its effectiveness under real production conditions, in our experience.
Aspects tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
In short, the Figma Image Tracer plugin is much more than a simple image-to-vector converter. It's an indispensable travel companion for any designer eager to push the boundaries of their creativity. With its advanced features, user-friendly interface and commitment to excellence, Image Tracer promises to transform the way you design for the better.
The EightShapes Specs plugin is a valuable addition to the toolkit of designers working with Figma. Developed by EightShapes LLC in collaboration with Nathan Curtis, this plugin offers an innovative solution for automating the creation of design specifications, whether for entire pages or individual components. Available for free on the Figma community, it is aimed at all designers looking to streamline their workflow.
By automating the production of design specifications, EightShapes Specs, in our experience, lets you save precious time. No more spending hours manually documenting every detail. The plugin takes care of everything, leaving you more time to focus on creativity and innovation.
Unlike some complex tools, EightShapes Specs is intuitive and user-friendly. Even beginners can quickly master its use thanks to a well-designed interface and comprehensive documentation.
This feature, in our experience, lets you mark up layers and annotated dependencies, offering a clear understanding of the design structure. By precisely identifying each element, it makes communication between team members easier and ensures consistency in the design.
The plugin compares attributes across variants to identify differences and the visibility of boolean layers. This feature is essential for ensuring consistency and precision in design specifications, by highlighting variations and key elements.
Identifies and displays Figma variables for maximum customization of design specifications. This feature is especially useful for designers working on complex projects that require flexible variable management.
The plugin, in our experience, lets you customize the formatting of specifications for a professional presentation. This feature offers great flexibility in creating clear, well-structured documents tailored to the specific needs of each project or team.
This feature simplifies the specification of nested components for efficient design system management. By automating this process, the plugin, in our experience, lets you save time and ensure maximum consistency in the documentation of design elements.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
In conclusion, the EightShapes Specs plugin for Figma is much more than a simple tool. It is an indispensable companion for designers looking to maximize their efficiency and precision in creating design specifications. With its advanced features and user-friendly interface, it represents a valuable investment for any design professional.
We hope this article has helped you better understand the benefits and features of this remarkable plugin. Feel free to try it out for yourself and explore its full potential. If you have any questions or comments, do not hesitate to contact us. Thank you for reading
Creating a website is a crucial step to establish a significant online presence. At the heart of this decision, the choice between a ready-made template and a custom-built site shapes your company's identity on the web. Congratulations on taking this step. Let's explore the advantages and disadvantages to help you make an informed decision.
Custom websites offer in-depth personalization, adapting every element to your company's unique identity. This approach goes beyond template limitations, providing an unmatched user experience. From color palette to element layout, every detail is designed according to your specific needs.
Originality is crucial to stand out. With a custom website, web design professionals inject an original touch into the design, moving your site away from the generic look often associated with templates. Every graphic and interactive element is carefully crafted to reflect the very essence of your business.
Responsiveness and multi-device compatibility are inherent advantages of custom websites. Professional optimization ensures a smooth user experience, regardless of the device used. From adaptive design to intuitive mobile navigation, every aspect is carefully calibrated to ensure a consistent experience.
Features tailored to your specific needs are a major characteristic of custom websites. Professionals can integrate personalized solutions to meet your specific requirements. Whether it's a specific content management system or personalized e-commerce integration, every function is developed based on your business.
Continuous support and regular updates are pillars of custom websites. This ensures the security and reliability of your site over time, offering long-term peace of mind. Web professionals ensure that your site stays current with the latest technologies and security protocols.
The SEO expertise of web design professionals helps maximize your site's visibility. Optimization for search engines is crucial to attract a wider audience and strengthen your company's online presence. Personalized SEO strategies are implemented to ensure your site ranks favorably in search results.
Templates are ready-to-use website models that offer simplicity and ease of use. Simply choose a template that matches your industry, customize it with your own text, images and colors, and publish it in just a few clicks. No technical knowledge or need to hire a professional required.
Templates are cost-effective solutions for creating a website. There are many free or low-cost templates that allow you to reduce development and maintenance costs. You can also benefit from hosting and domain names included in some template services.
Templates are products tested and approved by thousands of users. They offer guaranteed quality and reliability, complying with web security and performance standards. You can also rely on the technical support and customer service of template providers if you encounter any issues.
Templates are standardized solutions that limit the customization and originality of your website. You must conform to the design choices, features and structure of the template, which may not exactly match your needs and brand image. You also risk losing authenticity by having a website similar to your competitors'.
Templates are rigid solutions that make it difficult to adapt and evolve your website. You cannot easily modify the template's source code or add specific features not provided by the template. You also depend on the template provider's updates and changes, which can affect the compatibility and performance of your website.
Templates are generic solutions that pose problems for search engine optimization. Templates may contain unnecessary code, poorly optimized tags, or non-customizable URLs that harm your website's natural search ranking. You may also encounter difficulties integrating analytics or traffic tracking tools.
After testing this tool on several client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Detailed tested points:
In summary, while ready-made templates may seem convenient, investing in a custom website ensures better quality, complete customization and optimal performance. Creating a distinctive digital presence is essential in today's digital landscape. Do not underestimate the impact of a well-designed website on your company's long-term success.
--- # Easily Find Any Element in Your Figma File with Similayers URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/easily-find-figma-similayers Date: 2025-11-28 Similayers: the essential Figma tool to save time and gain precision in design. Discover how this powerful plugin revolutionizes your design workflow.In the realm of digital design, speed, precision, and consistency are essential elements for successfully completing a project. Figma, the collaborative design tool par excellence, meets these requirements by offering a powerful array of tools for designers. Among these tools, plugins play a crucial role in expanding Figma's functionality and simplifying repetitive tasks.
At the heart of this plugin ecosystem sits Similayers, an essential ally for designers seeking productivity and quality. In this article, let's explore Similayers and discover how this revolutionary tool can transform your design process.
Similayers allows you to accomplish tedious tasks with just a few clicks, representing a significant time-saving in the design process. Quick selection of similar layers facilitates bulk modifications, which accelerates the creation process and allows, based on our experience, to respond more effectively to project requirements.
By enabling quick selection of similar elements, Similayers ensures visual consistency throughout your design. The ability to apply uniform changes to elements of the same nature guarantees a cohesive and professional presentation of the user interface.
Allows you to select all layers sharing the same type as the reference layer, whether rectangles, text, images, and much more.
Selects all layers with the same fill color as the reference layer, providing instant visual consistency.
Identifies all layers sharing the same stroke color as the reference layer, facilitating unified stroke modifications in your design.
Allows you to select all layers with the same effects as the reference layer, such as shadows, blurs, or other visual effects.
Selects all layers with the same width or height as the reference layer, ideal for precise element alignment.
Identifies all text layers sharing the same style as the reference layer, including font, size, weight, and other text attributes.
Allows you to select all text layers with the same font size as the reference layer, facilitating uniform text formatting.
Identifies all text layers sharing the same font family as the reference layer, ensuring typographic consistency in your design.
Selects all layers with the same relative position as the reference layer, offering advanced possibilities for precise element alignment.
Allows you to limit the selection to a specific frame or a defined group of layers, providing additional control over the selection process.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Detailed tested points:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
The Figma plugin Similayers represents much more than a simple tool for selecting similar layers. It embodies a powerful solution for optimizing your design process. By simplifying repetitive tasks and offering increased flexibility in element manipulation, Similayers frees your creativity and allows you, based on our experience, to focus on the very essence of your design.
Integrate it today into your Figma toolbox to improve your efficiency, save time, and bring your ideas to life with unparalleled precision.
The art of design rests on fundamental principles, and among them, spacing plays a central role. The 8pt grid system emerges as a powerful approach, offering a harmonious and balanced structure for designers. In this article, we'll explore the power of spacing with the 8pt grid system, highlighting its benefits in creating aesthetic and functional layouts.
The 8-point grid offers a flexible structure that adapts to varied dimensions, allowing designers to create layouts that keep their visual balance across different devices. This adaptability is essential to guarantee a consistent user experience, regardless of screen size.
By basing spacing on multiples of 8 points, designers achieve maximum precision in aligning elements. In our experience, this approach makes it possible to create clean and balanced compositions, reinforcing readability and visual appeal.
The 8pt grid system excels in its ability to adapt to a range of screen resolutions. By maintaining consistent spacing, designers ensure a smooth user experience, where the layout of elements stays proportionate and pleasant, whether on a smartphone, a tablet or a computer.
By using the 8pt grid system, designers create interfaces that deliver a uniform user experience. Users move easily from one screen to another without perceiving abrupt variations in layout, thereby reinforcing visual consistency.
Multiples of 8 points serve as visual guides, allowing designers to prioritize elements naturally. By using this approach, designers direct the user's gaze toward key points, improving comprehension of the content.
The 8pt grid system makes visual communication easier by removing the superfluous. By defining spacing according to this grid, designers eliminate visual clutter, creating clean and impactful designs that communicate clearly and effectively.
The 8-point grid offers a solid decision-making framework. Designers make faster decisions, because alignment and spacing follow a predefined logic, eliminating uncertainty in the design process.
By aligning elements to the 8-point grid, adjustments become faster and more intuitive. This translates into a more efficient workflow, where designers can devote more time to the creative side of their work.
The speed offered by the 8pt grid system allows for constant iteration. Designers can experiment, receive feedback and refine their creations in an agile way, fostering continuous improvement and adaptation to the evolution of the project.
In conclusion, spacing with the 8pt grid system represents much more than a simple design rule. It's a powerful tool that lets designers transcend limitations, creating visual interfaces that combine precision, consistency and aesthetics. By embracing this approach, creators shape memorable user experiences, where every pixel is carefully placed to deliver an exceptional visual experience.
--- # Visually Find the Center of Any Shape with the Visual Center Plugin URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/visual-center-plugin-find-shape-center Date: 2025-11-28 The Visual Center Figma plugin simplifies locating the visual center of vector shapes. Save time and increase precision with intelligent calculation methods.In Figma's dynamic ecosystem, every new addition can play a crucial role in improving designer workflow efficiency. The Visual Center plugin stands out by offering an intuitive solution to the complex challenge of precisely locating the visual center of vector shapes. Let's dive into this innovative tool and explore why it should be a must-have in your design toolkit.
Precisely locating the visual center is essential for ensuring visual balance in designs. The Visual Center plugin simplifies this process by using intelligent mathematical methods adapted to different types of vector shapes.
Eliminate the need for complex manual measurements and tedious calculations. With this plugin, determining the visual center becomes fast, precise, and efficient, allowing designers to focus more on creativity.
The plugin uses two methods to determine the visual center based on the shape. For triangles, the plugin finds the centroid to determine the visual center. For vector shapes with more than three vertices, the plugin uses the smallest enclosing circle's center (https://www.nayuki.io/page/smallest-enclosing-circle).
Select one or more vector shapes, then run the plugin. Automatically, a guide layer will be added to the page and grouped with the selected shape. This feature makes it easy to visualize the calculated visual center by seamlessly integrating the guide into your workspace. You can then benefit from a clear and accurate visual reference to optimize the alignment and balance of your graphic elements.
The Visual Center plugin supports a variety of shapes, including vector shapes, stars, rectangles, polygons, and ellipses. This flexibility ensures effective use of the plugin, suited to all shape types in your Figma project.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Detailed testing points:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
In conclusion, while the Visual Center plugin is a powerful tool for simplifying the location of the visual center in Figma, it's important to note that it's not an infallible solution. There are specific cases where manual alignment adjustments remain necessary.
However, despite these exceptions, using this tool remains valuable for saving time and ensuring greater precision in many design situations. It integrates seamlessly into designers' workflows, offering an effective solution for determining the visual center while leaving room for manual intervention when it proves essential.
Navigating beyond the pixels of Dribbble is embarking on an introspective journey into the heart of my own creativity. This social network, once the stage for my graphic explorations, has undergone transformations that prompt deep reflection today. This article is a testimony, a dive into the reasons that led me to choose to leave Dribbble.
Beyond the visual brilliance and the quest for recognition, this narrative explores the nuances of my journey on this platform, shedding light on the challenges, learnings, and aspirations that guided this decision. Welcome to the story of a creative odyssey, where every pixel counts and where creativity unfolds beyond conventional frameworks.
Dribbble, renowned for its visual brilliance, sometimes lacks depth. The relentless quest for the "wow" effect can overshadow the need to present concrete case studies. Creativity should not be merely spectacular, but also grounded in tangible achievements.
The frenzied pursuit of Likes, Comments, and other favors becomes an exhausting quest. This perpetual search for recognition can undermine spontaneity and divert from the very essence of creation. Should true success not be measured by personal satisfaction rather than popularity statistics?
The advantages of the "Pro" mode on Dribbble sometimes fail to justify the financial investment. This aspect raises questions about the true added value for creators. Is it an authentic promotion tool or simply a commercial strategy?
The predominant influence of the algorithm on Dribbble can sometimes eclipse authentic creativity. The pressure to align with algorithmic preferences can leave a digital fingerprint on our creations. How can one maintain artistic integrity while meeting the demands of algorithmic visibility?
The evolutions of Dribbble, while necessary, can marginalize emerging talents. Changes in content promotion sometimes hinder the discovery of new creators. How can we ensure an inclusive platform that celebrates creative diversity?
The limited referral traffic from Dribbble to external links reduces the impact of shares. The quest for visibility for outside content becomes a challenge, prompting the need to rethink sharing strategies. How can one maximize the reach of one's creations beyond platform boundaries?
The aspiration to reclaim the initial essence of Dribbble, conducive to discovery and authenticity, guides the desire to find a platform similar to its early days. How can we reconcile necessary evolution with the preservation of fundamental values?
The desire to channel new energy toward unexplored horizons takes shape through the creation of a newsletter. This new format promises a refreshed creative sharing experience, away from the beaten paths of Dribbble. How can this new communication channel redefine my relationship with my creative community?
Dribbble instilled a discipline of rigor in presenting "Shorts". This rigor now echoes in my work on Figma and equivalent projects on Behance, transcending platform boundaries. How can this discipline enrich other facets of my online presence?
Creativity is not limited to one platform. Exploring new media, whether video, podcasts, or other formats, becomes a strategy to diversify creative expression. How can exploration of these new horizons bring a richer dimension to my creative language?
In closing this chapter of my creative journey on Dribbble, I look toward the future with an enriched perspective. The lessons learned will guide my steps toward new horizons, promising unencumbered creativity.
Navigating beyond Dribbble is embracing change with renewed energy, preserved authenticity, and the certainty that each platform offers a unique canvas for expressing our creativity. It is not an end, but the beginning of a new creative adventure, tinged with continuous learning and unexpected discoveries.
--- # Bento Design: The Must-Know UI Trend in 2025 (Guide & Examples) URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/bento-grid-design Date: 2025-12-05 Bento Design: the 2025 UI trend inspired by the Japanese lunchbox. Principles, origins and best practices to adopt it, with examples.In 2025, the world of user interface design has entered an era of maturity. In this context, one trend has established itself as the industry standard: "Bento Design".
This approach, inspired by the Japanese lunchbox, is no longer a passing fad but a clever answer to the demands of information density. This article explores its principles, its origins, and above all the best practices for adopting it in 2025.
Bento Design has its roots in the organized philosophy of the Japanese lunchbox. This modular layout inspires a new way of designing user interfaces. By dividing the screen into distinct sections, each compartment dedicated to a specific function, Bento Design offers a unique visual and functional approach.
To understand the power of Bento Design today, let's look at the market leaders:
Apple uses Bento everywhere: in its keynote slides, on its product pages and in macOS. Each "tile" tells a self-contained story while contributing to a coherent whole.
The SaaS Linear popularized the "dark Bento Grid" with subtle micro-interactions. It's the perfect example for dashboards and productivity tools: dense but never overwhelming.
In 2025, designers are adopting Bento for their portfolios. One box for the bio, one box for the map, one box for the latest project. It's playful, personal and perfectly suited to mobile.
In environments where space is limited, such as mobile apps, Bento Design offers an ideal solution for concisely organizing the main features without sacrificing aesthetics.
Websites rich in varied content — articles, videos and interactive features — as well as information portals covering many topics, benefit from Bento Design to structure and make every element accessible.
Bento Design also proves useful in productivity apps, where it efficiently segments tasks, projects and tools, making users' daily management easier.
Each compartment must have a specific, clearly defined function. Thinking through how elements are distributed beforehand is crucial.
The lines delimiting each section must be crisp and precise. This sharpness helps create a clear visual separation between compartments, reinforcing the modular structure.
Visual consistency is essential to ensure a harmonious user experience. Make sure the visual hierarchy stays consistent from one compartment to the next.
Bento Design stands out for its commitment to accessibility. By organizing the interface into distinct compartments, it simplifies access to information.
The division into compartments isn't only aesthetic — it also has a significant impact on navigation. By streamlining the layout of elements, Bento Design reduces the time needed to reach the desired features.
One of Bento Design's major strengths lies in its adaptive nature. Its modular design naturally lends itself to adaptability across devices, from mobile to desktop.
Implementing Bento Design can be complex, especially in more elaborate interfaces. To overcome this challenge, it's recommended to start by creating prototypes.
In conclusion, Bento Design has established itself as an essential UI Design trend for 2025. This approach, inherited from the Japanese lunchbox, brings visual organization that is both aesthetic and functional.
Through concrete examples, we explored how Bento Design can be implemented, highlighting its benefits for an optimized user experience. While it presents some challenges, this trend is redefining the way we interact with digital interfaces.
Designing on design platforms such as Figma requires efficient file management and structured organization to maintain a smooth workflow. In this quest for efficiency, the Figma "Organiser" plugin stands out as an essential tool, offering a quick and intuitive solution to distribute and arrange your elements on the canvas.
Whether you have test areas named "Iterations" or simply want to simplify the distribution of your layers, the "Organiser" plugin stands out as a valuable ally. Let's discover in detail how this plugin can transform your design experience by bringing order and efficiency to your process.
When working on iterations in your Figma files, you've probably encountered the need to organize things quickly, especially in sections like what you're used to calling "Lab". These areas often serve as testing grounds for various layouts, renderings, or storing elements not retained by stakeholders.
The Figma "Organiser" plugin comes to the rescue by allowing quick vertical and horizontal distribution of selected elements. The simplicity of the interface makes it an effective daily tool for saving time when distributing frames in any Figma file, eliminating the need to do it manually.
You have the ability to choose the spacing between elements by specifying a default value in pixels. This feature adds valuable flexibility to adapt the layout to your specific needs.
However, don't underestimate the additional options offered by the plugin. The "Reverse Sort Order" function allows, in our experience, to change the order of organized elements, offering increased flexibility. Once elements are organized, you can adjust the structure using the "View Frame Mini Map" option, allowing you to manage and modify the map of organized elements.
If, like me, you're used to grouping many frames in sections and having different renderings coexist on the same page, the "Organiser" plugin is your ally. In one click, you can distribute a selection along the horizontal and vertical axes, with the ability to save these values for future use.
Using the plugin is simple and intuitive. After selecting the elements, click the "Organise Frame" button to perform the distribution according to the defined parameters.
Display the "View Frame Mini Map" to adjust the structure after the initial organization. This feature allows you, in our experience, to manage and modify the map of organized elements by adding columns, moving cells, and updating the organization generated by the plugin.
If you find yourself with unused areas after making changes, use the "Clear Empty Rows" function to remove them from the map.
Beyond the speed and precision of distribution, the "Organiser" plugin integrates seamlessly into the Figma ecosystem. By grouping and organizing your elements, it contributes to maintaining a smooth and efficient workflow. Saved values offer significant time savings for future uses of the plugin.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
In conclusion, the Figma "Organiser" plugin positions itself as an essential tool for designers seeking to optimize their workflow. By integrating this tool into your Figma toolkit, you will not only gain efficiency in distributing elements, but also ensure consistent and visually balanced organization.
Don't underestimate the impact of a plugin that can make a difference in the quality and speed of your work. Add the "Figma Organiser" to your resources for smoother and more efficient design. Combined with the plugin "Simple Sort", it's the perfect combo for arranging elements properly in a component library from Figma.
In the world of interface design, the importance of proportions keeps growing, bringing harmony and fluidity to how content is read. Managing color styles in Figma can sometimes be complex, especially when it comes to maintaining consistency across different files and libraries. This is where the Figma plugin "Styles to Variables" comes into play, offering a solution to simplify and optimize this management.
When working on complex designs, managing color styles can become tedious. Changing colors while maintaining consistency may require manual adjustments, sometimes leading to errors. The "Styles to Variables" plugin offers an innovative approach to overcome these challenges.
Support for design tokens has been strongly requested by the Figma community, and variables are an excellent way to make Figma more compatible with the Design Tokens Format Module (DTFM).
This plugin aims to help users harness the power of variables, since they let them experiment and be much more precise with aliases and modes. This brings them closer to the reality of a multi-platform/product/brand/language/and-many-more world, as well as closer to their engineering colleagues.
Color styles can only have one value per mode, and the plugin automatically detects color styles with a single property. Style names containing dots will be replaced with dashes.
The plugin only detects color styles with the Normal blend mode, excluding other modes such as Multiply, Lighten, Darken, etc. Note that the plugin API uses the sRGB color mode with values defined in RGBA, even if the styles are defined in HSL or HSB, which results in a slight variation in the rendered colors.
Choose the name of the collection to create in order to organize your variables. By default, it is set to "Colors".
Only top-level groups are taken into account when creating variable modes. If you want to spread your color styles across modes, make sure to move your file to a paid team or upload it to a team in another organization.
One of the most powerful aspects of the "Styles to Variables" plugin lies in its ability to automate updates. Once you have created your variables, the plugin automatically updates all color styles so that they use these variables rather than static hexadecimal values.
This automation ensures overall consistency across your entire project, eliminating the tedious need to update each style manually.
After publishing your updated library, the process of accepting updates for downstream teams is greatly simplified. The newly integrated color styles are directly available, allowing smooth adoption of the changes. It is worth noting that this article also highlights the usefulness of the companion plugin "Destroyer".
The latter makes it possible to quickly detach all color styles, further simplifying the downstream workflow and enabling a smooth transition to new practices.
Once the updates are accepted, users can choose to detach the styles to expose the associated variables. This feature offers complete freedom to adjust colors while using variables. You can thus customize the shades while maintaining consistency thanks to the use of variables, offering optimal flexibility in your design process.
This section highlights how the "Styles to Variables" plugin automates updates and offers exceptional flexibility in managing color styles. Adopting these features means choosing a more efficient and adaptable workflow in the demanding field of interface design.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
"Styles to Variables" considerably simplifies the management of color styles in Figma. By automating variable creation, organizing collections, and enabling precise style detection, the plugin makes it easier to consistently update colors across your projects.
For those who used Sketch before migrating to Figma, the plugin's features will bring back memories while offering a familiar experience. By adopting "Styles to Variables", you can return to your working habits, making the transition even smoother
Sometimes, during the creative process, we need to start over or deliberately degrade a Figma file. Whether it's to preserve specific styles, dismantle components, or simply eliminate automatic layouts that have become too cumbersome, the Figma Destroyer plugin proves to be a powerful tool. In this article, we'll explore the various features of this plugin and how it can streamline your creative process in Figma.
The need to degrade a Figma file can stem from various reasons, including preserving the work done on styles and components. Whether you want to return to a simpler base or the excessive use of Auto Layout becomes an obstacle, the Destroyer plugin is here for you.
The Destroyer plugin can be applied to any element within a specific page, offering flexibility of use. However, it's important to note that it cannot be applied to an entire document. This limitation ensures targeted use, preserving the parts of the project you want to keep while eliminating those you want to degrade.
Select the elements to degrade and use the plugin to detach instances, auto-layouts, or both at once. Ideal for reworking the structure of your project by eliminating specific components or simplifying the overall arrangement.
Choose the elements that need changes at the style level. Use the Destroyer plugin to selectively destroy color, effect, and text styles, or all styles in your selection. It offers total flexibility to adjust the visual aesthetic of your project.
Explore the advanced options for deeper customization. Select the variables, prototype connections, layout grids, and hyperlinks to degrade. This enables precise adjustments, giving you full control over specific aspects of your design.
If you're looking for a complete reset, the "Destroy Everything" option lets you, in our experience, destroy all the options mentioned above. This gives you the ability to start from scratch, working from a blank canvas without any of the previous configurations.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
Whether you're looking to simplify your project, rework your styles, or eliminate specific layout elements, the Figma Destroyer plugin offers an effective solution to meet your needs. By integrating this powerful extension into your Figma workflow, you can iterate faster and unleash your creativity with ease. Stay tuned for our next article, where we'll explore how the Destroyer plugin can make the switch from styles to variables easier.
The world of digital product development and design is constantly evolving, and teams are always looking for innovative ways to measure how appealing new features are to users. Fake-Door Testing is emerging as a discreet yet powerful technique for accurately assessing user interest.
In this article, we'll dive into the ins and outs of this method, its concrete applications through real-world examples, and how it can help guide product development strategically.
Fake-Door Testing is a clever strategy that consists of creating a fake entry point to a nonexistent feature within a product. The goal isn't to trick users, but rather to measure their reaction and engagement by observing the number of interactions with this fictitious entry point.
This method delivers concrete results, allowing teams to gather valuable data on users' real interest without having to fully invest in developing the feature in question.
Take the example of Airbnb when it launched its "Experiences" feature. By creating a user interface that let users search for activities, Airbnb was able to measure real engagement before even developing the entire feature. This approach enabled early adjustments and avoided unnecessary investments.
Meetic took a similar approach by integrating buttons suggesting new features within its interface. By tracking user clicks, the app assessed the real interest in these features without having fully developed them. This allowed Meetic to make informed decisions about the direction of their product.
Fake-Door Testing is most effective in a real production environment, ideally on a page with strong traction. It's crucial to make sure users have a genuine interest in the feature being tested, thereby maximizing the impact of the test.
Creating a convincing interface with an entry point to the fictitious feature is crucial. Adding analytics trackers makes it possible, in our experience, to measure user engagement accurately. Defining success criteria upfront is recommended in order to evaluate the test objectively.
It's recommended not to explicitly label the test as such, avoiding terms like "beta" that could influence the results. However, carefully managing user disappointment is crucial. By providing clear explanations and alternative solutions, the experience can be softened, thereby preserving overall user satisfaction.
For qualitative testing with a small group of people that requires in-depth support, other methods may be more appropriate. Fake-Door Testing can encourage excessive exploration among participants, thereby biasing the results.
In fields such as healthcare or safety, where every step of the process must be carefully planned, Fake-Door Testing can be too risky. It's better to avoid wasting time in critical flows on a feature that doesn't exist.
In conclusion, Fake-Door Testing proves to be an innovative method for assessing user interest in a concrete way. By applying it wisely, teams can make informed decisions, save time and resources, and deliver products that truly meet their audience's needs.
This approach, although still underused, can be a powerful asset in the arsenal of designers and product managers looking to innovate effectively. By adopting Fake-Door Testing, companies can stay agile, test ideas quickly, and deliver more relevant user experiences, thereby contributing to their long-term success.
--- # Breathe New Life Into Your Website: The Keys to a Graphic Redesign URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/website-graphic-redesign-keys Date: 2025-11-28 A website redesign is a strategic transformation that helps you build an online presence which captivates visitors and converts them into customers.Welcome to the ever-changing digital world, where browsing can sometimes feel like a captivating adventure. At the heart of this constantly evolving era, your website remains the virtual face of your business, a valuable showcase in the online world. It is from this perspective that we explore the idea of a graphic redesign, an approach much like a rejuvenation session for your digital platform.
Throughout this article, we will dive into the reasons driving this process, discussing without complex jargon the key elements that could propel your site to new heights. Are you ready to undertake this transformation and give your site a new digital life?
Dress your site with current trends. Imagine it's like giving your site a stylish wardrobe that turns every head. Incorporate modern fonts, on-trend color palettes, and fashionable visual elements so your site radiates freshness. Think of subtle gradients and dynamic icons to keep up with the latest design trends.
If your business evolves, let your site evolve too. It's like adjusting the colors of your logo so they reflect your company's current personality. Reflect logo or tagline changes on your site, thereby creating a unified and consistent visual identity. For example, make sure the new dominant color of your logo is subtly present throughout your site's overall design.
Add captivating visual elements. It's like giving your site a creative brushstroke to make it more interesting. Incorporate subtle animations or unique illustrations to pleasantly surprise your visitors and create a memorable visual experience. Consider a creative intro animation on the homepage to immediately capture attention.
Simplify navigation on your site by imagining it's like creating a pleasant path so your visitors can wander without obstacles. Adopt an intuitive layout, with clear menus and a logical page structure, offering a stress-free user experience. Organize your menus so that visitors can easily access important information without having to search.
Make sure your site works well on phones. It's like making sure your favorite music sounds good on every speaker. Implement a responsive design to guarantee your site looks great no matter which device your visitors use. Make sure images and text automatically adjust to different screen sizes.
Customize the look to match your visitors' tastes. It's like adjusting the settings on your favorite app so it's perfectly to your liking. Offer personalization options, such as a choice of themes or dark modes, to give everyone a tailor-made experience. Give users the ability to select their own preferred color theme for browsing.
Optimize your site's loading speed. It's like clearing a highway so your visitors reach their destination without a single traffic jam. Compress your images, trim your code, and invest in solid hosting to deliver near-instant load times. Aim for a score above 90 on PageSpeed Insights so you never lose an impatient visitor.
Protect your site and your visitors' trust. It's like fitting a reliable lock on the front door of your digital storefront. Enable an SSL certificate, keep your plugins up to date, and set up regular backups to avoid any nasty surprises. A simple padlock icon in the address bar instantly reassures visitors that your site is trustworthy.
If your business has new goals, let them shine on your site. It's like lighting up a neon sign that grabs attention. Highlight clear calls to action to guide visitors toward your new objectives, whether that's buying a product, subscribing to a newsletter, or something else. Create attractive banners showcasing your latest products or services.
If visitors seem bored, bring in some change. It's like throwing a themed party to spice up the atmosphere. Introduce new content, host online events, or launch special offers to rekindle your audience's interest. Create a blog with captivating articles and host interactive webinars to maintain engagement.
A redesign is much more than a simple makeover. It's a strategic transformation that propels your site to new heights. By integrating the latest trends, delivering an outstanding user experience, guaranteeing optimal performance, and aligning your site with your goals, you create an online presence that captivates and converts.
It's like giving your website a new life, positioning it as an innovative force in the digital ocean. Ready to see your site shine? A redesign is the magic wand it needs to stand out and dazzle.
--- # Atomic Design: A Modular Approach for Responsive and Scalable Interfaces URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/atomic-design-modular-approach Date: 2025-11-28 Atomic Design is a UI methodology for building modular, scalable systems. Learn its principles, benefits, and how to implement it step by step.Atomic Design is revolutionizing interface design by offering a modular approach aimed at creating flexible and scalable systems. At a time when the complexity of modern user interfaces keeps growing, Atomic Design stands out as an essential methodology for structuring the design process in an organized way. In this introduction, we will briefly explore the fundamental principles of Atomic Design and highlight its crucial role in the evolution of the interface design landscape.
Atoms are the fundamental building blocks of Atomic Design. These are the basic units, such as buttons, text fields, and icons, that form the foundation of any user interface. Each of these atomic elements is defined with particular care, thereby creating a solid base for further construction.
Molecules emerge from the combination of atoms. By bringing several atoms together, you create more complex and functional components. These molecules represent self-contained units with specific interactions, thus contributing to a richer and more engaging user experience.
Organisms result from the combination of molecules, forming self-contained sections and modules to be integrated into the interface. This step introduces a hierarchy into the design, enabling the creation of modular and scalable interfaces. Each organism can operate autonomously while integrating seamlessly into the overall system.
Assembling templates and pages from the previously defined elements results in a complete user interface. This phase highlights the power of Atomic Design by enabling the fast and consistent creation of complete interfaces.
The efficiency of this assembly process lies in the careful pre-definition of atoms, molecules, and organisms. These foundations, from atoms to templates, form a clear and methodical hierarchy that guides the design process, offering a modular and scalable approach.
Atomic Design encourages the reuse of components, which translates into substantial time savings. The previously defined atoms, molecules, and organisms can be reused across various contexts, thereby ensuring consistency and uniformity throughout the interface. This results in greater efficiency in the design process.
The methodology guarantees consistency at both the visual and functional levels. By clearly defining each component, Atomic Design creates a harmonious user experience. Visual consistency reinforces brand recognition, while functional consistency ensures intuitive and predictable use.
Interfaces designed according to the Atomic Design model are easily maintained and scalable. Updates and improvements can be carried out quickly and efficiently thanks to the modular nature of the components. This enables teams to design interfaces that withstand the passage of time better and can evolve to meet the changing needs of users.
The process begins with a thorough needs analysis. Understanding functional requirements and user expectations is essential to designing a suitable interface. This phase lays the groundwork for user-centered design, where every component created responds specifically to the identified needs.
Let's follow the path of creating the different components. From atoms to the complexity of organisms, each level is defined with care. Designers must pay attention to the simplicity of atoms, the functionality of molecules, and the organization of organisms. Practical guidance on defining and building each level ensures a successful implementation of Atomic Design.
The assembly phase is crucial, where individual components are brought together to form functional templates and pages. The emphasis is on consistency during this step, ensuring that the entire interface reflects the principles defined through atoms, molecules, and organisms. Effective assembly methods guarantee a seamless user experience.
Let's emphasize the importance of continuous testing and iteration to constantly refine and improve the interface. User feedback is incorporated iteratively, enabling continuous improvement. Teams must be ready to adjust and refine their work based on the test results, thereby ensuring quality throughout the project's life cycle.
While Atomic Design offers many advantages, it is important to take a few potential limitations into account. The rigidity inherent in the modular structure can sometimes pose challenges, particularly when specific needs do not perfectly match the atomic, molecular, or organic paradigms. It is crucial to identify these points and adopt a pragmatic approach to resolve them.
Every project has its own specificities, and Atomic Design must be adapted accordingly. Some projects may require adjustments to align with particular requirements. Exploring how Atomic Design can adapt to various projects while recognizing its contextual limits is essential. Examples of successful customization can illustrate the flexibility of this methodology.
To recap, Atomic Design offers a revolutionary approach to interface design, bringing significant benefits at every stage of the process. The clear hierarchy from atoms to templates guarantees a solid and modular structure. Component reusability, visual and functional consistency, as well as ease of maintenance and evolution, position Atomic Design as a powerful methodology for designers.
In conclusion, this methodology is not just a design framework but a philosophy that transforms the way we design user interfaces. Let's encourage designers to explore and adopt Atomic Design to create innovative, consistent, and scalable interfaces. Resources are available to deepen understanding and facilitate implementation, including active communities and specialized tools.
By adopting Atomic Design, designers can not only meet the growing challenges of interface design but also create user experiences that stand the test of time and evolve harmoniously with the changing needs of users. Explore Atomic Design and discover how this methodology can transform your approach to interface design.
--- # Convert Text Case with Figma Case Convert Plugin URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/figma-case-convert-text-plugin Date: 2025-11-28 The Figma Case Convert plugin transforms text to uppercase, lowercase, or sentence case in a few clicks, simplifying your design workflow.Design on platforms like Figma requires constant workflow optimization. The Figma Case Convert plugin stands out as an essential tool, enabling rapid and efficient text formatting. In this article, we'll explore why it's useful, how to integrate it into your design process, and the benefits it offers.
When I was a Sketch user, a similar plugin proved invaluable for simplifying text style management. My desire to maintain a clean and visually cohesive interface led me to seek a comparable tool on Figma. Case Convert answers this need, eliminating the necessity to rely on external conversion websites.
This plugin offers a practical alternative to avoid creating separate text styles simply for uppercase, lowercase, or sentence case variations. By simplifying this task, it ensures a smoother design process and efficient text management, while preserving the visual consistency of your project.
Using the plugin is intuitive. After installation, its minimalist interface offers three main options:
Once you select an option, you can apply it to your chosen text or cancel to preserve your changes. It's important to note that the plugin only acts on text elements, providing maximum precision and adaptability.
Beyond ease of use, Case Convert integrates seamlessly into the Figma ecosystem. Its effectiveness lies in its ability to eliminate back-and-forth trips to external text conversion websites, thus increasing the designer's overall productivity.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
In conclusion, the Figma Case Convert plugin is much more than a simple text conversion tool. It's an invaluable ally for designers seeking to optimize their workflow by simplifying text management. By incorporating it into your Figma toolkit, you not only improve the efficiency of your design process, but also ensure a more coherent and visually balanced user experience. Don't underestimate the impact of a plugin that, though subtle, can make a difference in the quality and speed of your work.
When designing a project, efficient management of text styles is crucial, especially when ensuring optimal site or application performance. With this in mind, I recently discovered the Figma plugin "Font Fascia", a powerful tool that allowed me to precisely identify the text styles used in a project's Design System. This article will explore how I used this plugin to optimize my development processes and facilitate collaboration with developers.
In my projects, I found that having a precise understanding of the text styles used was essential for developers seeking to optimize performance. Rather than loading all available text styles from the Design System, I developed a default library based on my research and vision of best practices in this field.
However, to be more flexible, I planned several variations of these styles, particularly regarding font weight depending on potential fonts used in future projects.
After testing several plugins, "Font Fascia" proved to be the most suitable tool for my needs, particularly for identifying unused text styles. Rather than simply providing me with a list of used styles, the plugin offers the ability to obtain the complete list of styles present in the Design System and easily remove those not used in the current project.
Using "Font Fascia" is relatively straightforward. By default, the plugin analyzes the entire current Figma page, but it also offers the ability to extend this search to the entire document. Once the analysis is complete, the plugin presents a list of fonts used, along with their weight level. This information allows, based on our experience, to correlate with the values of the defined text styles.
The plugin provides a clear view of fonts and their weight level, with the number of uses associated with each style. By clicking on a specific value, for example "Exo Regular", a list of occurrences of this style is revealed. Although this list is limited to the first 30 results, each element is clickable, allowing you to navigate directly to the precise location of the element in the project.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Detailed tested points:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
"Font Fascia" proves to be a simple yet powerful tool for addressing a crucial business need: optimizing the use of text styles in a Figma project. Through its intuitive features, it provides quick visibility into the fonts used, allowing designers and developers to collaborate effectively to ensure optimal performance without unnecessary complications. In summary, this plugin proves to be a valuable asset in the arsenal of Figma design tools.
Dark Mode is a display option in user interfaces that alters the classic color palette, generally replacing light backgrounds with dark tones. This shift is more than a simple color inversion; it aims to create a different visual experience and to meet users' specific needs by offering an alternative to the traditional light mode.
The origins of dark mode date back to the early days of computer graphical interfaces. In its beginnings, dark mode mainly served to reduce eye strain for users working long hours in front of screens. Over time, it evolved in response to technological changes and users' aesthetic preferences.
Dark mode finds its predominant usefulness in low-light environments. When lighting conditions are reduced, whether at night or in dark spaces, dark mode offers less contrast with the surroundings, thereby reducing glare and improving visual comfort. This characteristic makes it an optimal choice for extended use, particularly in nighttime reading applications.
A compelling argument in favor of dark mode lies in its potential for energy savings, especially on OLED screens. In this display technology, each pixel lights up individually. By enabling dark mode, where pixels display darker colors, less energy is required, thereby helping to extend battery life on mobile devices.
The reasons for using dark mode go beyond practical considerations. Individual user preferences play a crucial role. Some prefer the aesthetics of dark mode, perceiving dark tones as more soothing for the eyes. On a psychological level, dark mode can create an immersive atmosphere, ideal for applications such as reading or nighttime browsing.
For users facing light-sensitivity issues, such as those suffering from migraines or vision-related disorders, dark mode can provide significant relief. By minimizing exposure to bright light, it reduces the risk of triggering uncomfortable symptoms, thereby contributing to a healthier user experience.
The use of dark mode must be integrated consistently with the overall design of the interface. It can be appropriate to apply it in applications focused on creativity, such as photo-editing software, to minimize visual distractions. The thoughtful application of dark mode enhances the user experience by creating a harmonious aesthetic and by highlighting the content.
When implementing dark mode, it is essential to carefully manage contrast to ensure optimal text readability. The colors of textual and graphic elements must be chosen wisely to guarantee sufficient contrast without causing eye strain. Subtle and well-balanced shades can contribute to a pleasant visual experience.
Selecting a suitable color palette is crucial. Opt for dark tones that do not compromise the clarity of the displayed information. Shades of dark gray, midnight blue or deep black can be used strategically to create a harmonious balance while preserving visual sharpness.
Personalization is an important dimension of dark mode. Give users the ability to choose between different variations of dark themes. Some may prefer warmer tones, while others will opt for cooler shades. Flexibility in color preferences ensures a more inclusive user experience.
Accessibility must be at the heart of dark mode design. Make sure the text remains clear and readable, even in low-light conditions. Use appropriate fonts and adjust the text size as needed. Features such as high-contrast options can improve accessibility for users with specific visual needs.
Before deploying a dark mode, carry out thorough user testing. Gather feedback on the users' experience across various usage contexts. This helps identify any issues with contrast, readability or accessibility, thereby offering the opportunity to make adjustments before the official release.
In conclusion, dark mode has evolved over time to become an essential feature in interface design. Its benefits in terms of visual comfort and energy savings, combined with its aesthetic appeal, make it a popular option. The choice to use it is not limited to practical considerations but also embraces the individual preferences of users, influenced by psychological factors and health concerns.
The successful integration of dark mode requires particular attention to best practices, ranging from managing contrast and readability to personalizing user preferences. The color palette must be chosen carefully, ensuring visual harmony while preserving the clarity of the displayed information. By adopting these principles, designers can create attractive and functional interfaces, offering an immersive user experience that adapts to a variety of needs and preferences.
--- # Use the Insert Big Image Plugin to Import Large Images from Figma URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/insert-big-image-plugin-figma Date: 2025-11-28 Import large images into Figma without quality loss using the Insert Big Image plugin. Overcome Figma's 4096-pixel limit and maintain visual quality in your mockups.In the dynamic world of Figma design, the Insert Big Image plugin stands out as an essential tool for overcoming the challenges posed by the platform's image import limitations. Figma restricts image dimensions to a maximum of 4096 pixels for performance reasons, which can cause issues when importing desktop or mobile mockups, particularly regarding height. This article explores in detail how this ingenious plugin overcomes these obstacles and significantly improves the process of importing large images.
Figma sets a strict 4096-pixel limit for performance reasons, a challenge that can complicate the integration of particularly tall images, often encountered in mockups exceeding these dimensions, especially in terms of height.
When a dimension is manually adjusted, limiting the height and then restoring the correct width value, this can result in degradation of the final rendering quality due to a lower resolution than the original dimension.
The Insert Big Image plugin intervenes cleverly by slicing the imported image within the plugin window to create a group containing as many images as necessary, each respecting the 4096-pixel limit. This approach ensures that each image remains compliant with Figma's defined limits, thereby preserving visual quality.
After import, it is easy to convert the group into a frame with Auto Layout to prevent any misalignment in the arrangement of images generated by the plugin, ensuring seamless integration into your Figma mockup.
The Insert Big Image plugin goes beyond simply resolving import issues. It proves particularly useful during benchmarks or inspiration research, offering a quality solution with the same rendering as when taking a screenshot before importing.
To maximize your productivity, consider using the Flatten Selection to Bitmap plugin as a complement. Respecting the same limits, it converts your Figma mockup into a sliced set of images, offering complete flexibility according to your needs.
After testing this tool on multiple client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Tested points in detail:
The Figma Insert Big Image plugin emerges as a clever solution to the platform's dimensional challenges. By overcoming limitations while preserving visual quality, it becomes an essential tool for designers looking to integrate large images efficiently into their Figma projects. Master the art of importing with this ingenious design companion.
Simplifying the creation of mockups remains a constant challenge for designers around the world. Establishing clear connections between elements is a crucial step in this process. This article explores the features of the "Autoflow" plugin for Figma, an innovative solution that aims to streamline the process of connecting frames, delivering a smoother design experience.
As a dedicated Figma extension, the Autoflow plugin is specifically designed to simplify the creation and management of connections between frames within your projects. It positions itself as an essential tool for designers looking to optimize their workflow by automating the process of building complex workflows.
Autoflow offers a complete set of features to simplify the process of creating connections between frames in Figma. Here are the key points for getting the most out of this innovative tool:
Autoflow excels at generating aesthetically pleasing connections that always favor the shortest path. It simplifies this process by letting users easily select the frames to connect, activate Autoflow, and watch the magic happen.
The lines created by Autoflow demonstrate remarkable intelligence by cleverly avoiding other objects on the canvas. This feature ensures a seamless fit within your existing designs, with no manual intervention required, thanks to Autoflow's automatic adjustments to route around obstacles.
Autoflow is not limited to basic connections. It offers a variety of line styles to illustrate different relationships. Users can customize connections using the plugin's advanced options, including editing curves, adjusting connection points, and choosing from different endpoint styles.
Autoflow offers a free version that allows the creation of up to 50 flows per file at no upfront cost. In addition, users enjoy unlimited use of the plugin across an unlimited number of files, offering maximum flexibility for all their design projects.
Autoflow encourages experimentation by inviting users to adjust its settings on small-scale projects. In our experience, this makes it possible to fully master its features before integrating it into more complex projects.
Autoflow is distributed through two official channels only: the Figma Community page and its own site, flowchart.design. Both link to the same plugin — there's no separate "official" edition to look for.
A few details matter once you use it daily. Connections auto-update when you move a frame, so reorganizing a flow doesn't mean redrawing it. You can also add text annotations directly on a path to label a condition or a state, pick among several terminal styles, and toggle a "pause drawing" mode while you rearrange a busy canvas.
Beyond simple frame-to-frame links, Autoflow is well suited to:
Compared to drawing arrows by hand with Figma's native line tool, the real gain shows up on flows that change often: instead of re-routing each line after every screen reshuffle, Autoflow keeps the connections intact and simply reroutes them.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which, in our experience, allows us to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
In summary, the "Autoflow" plugin for Figma simplifies the creation of connections between frames, delivering smart, aesthetically pleasing lines that intelligently avoid obstacles. Whether you are designing mobile apps, web interfaces, or any other design project, Autoflow is a must-have tool for maximizing the efficiency of your workflow.
Feel free to explore its features during your next design session in Figma, and transform the way you create connections in your projects.
Designers worldwide know the challenge of creating visually appealing and functional mockups. A key part of this process is integrating icons that match your desired style. The "Material Design Icon" plugin for Figma proves to be the ideal tool for Google design enthusiasts.
In this article, we'll explore in detail the features of this innovative plugin, highlighting how it can optimize your workflow by easily integrating Material Design icons into your Figma creations.
The "Material Design Icon" plugin features a simple and intuitive interface, divided into two main sections. The first section is dedicated to search, the plugin's key functionality. The toolbar also offers a menu for connecting to an Icon8 account, browsing by categories, and technical support if needed.
Below the toolbar, a second toolbar focuses on icon settings. These settings include the icon style (Filled, Outlined, Rounded, Sharp, and Two Tones), available in Google's native Material Design styles, as well as the ability to display icons provided by Icon8. Both sources offer similar graphic styles for visual consistency.
A dropdown menu allows you to predefined the icon size to import into Figma, with options ranging from 24x24 to 384x384 pixels, with 96x96 pixels being the default size on first plugin launch. A practical feature lets you choose the usage format (PNG, pixelated, or SVG, vector).
Additionally, color customization before import is possible, with pre-defined options or manual selection via a color picker or hexadecimal value. A reset button is available to return to the default color, black.
Icon8 offers paid options for icon sizes larger than 96x96 pixels and the use of certain SVG formats. However, connecting to an existing Icon8 account allows you to use previous purchases directly from the plugin.
To test an icon before purchasing, one option is to use another plugin that can vectorize PNGs, while staying within Icon8's free limits (96px size and SVG format).
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail :
In the spirit of transparency, here are the limitations we identified during our tests :
In summary, the "Material Design Icon" plugin for Figma offers a powerful solution for integrating icons efficiently into your design projects. Whether you opt for Google's Material design or Icon8's more advanced options, this plugin simplifies the process, allowing you to quickly and easily customize your creations.
No more time wasted searching for icons across different websites. With the "Material Design Icon" plugin for Figma, you can quickly find, customize, and integrate icons, improving your workflow. Don't hesitate to explore the features of this plugin during your next Figma design session, and give a new visual dimension to your creations.
When working on application or website development, the user interface (UI) is a crucial element for delivering an exceptional user experience. Two concepts that play an essential role in interface design are "UI kits" and "design systems." But what are the differences between these two tools and when should you use them? In this article, we'll explore these two concepts in depth to help you make informed decisions on your next design project.
A UI kit is essentially a toolbox of pre-designed user interface components. These components can include elements such as buttons, forms, icons, navigation bars, and much more. The primary role of a UI kit is to provide designers with a library of ready-to-use visual resources, thereby simplifying the design process. UI kits are particularly useful for saving time and ensuring visual consistency in a project.
A design system is a more holistic approach to design. It encompasses not only visual elements but also design standards, guidelines, detailed documentation, and a coherent philosophy. Design systems are designed to ensure design consistency across all applications, products, and even departments within an organization. They play a crucial role in creating a uniform and memorable user experience.
UI kits offer a variety of ready-to-use visual styles. They are often designed to adapt to various brands, themes, or projects. This allows designers to select and customize components that match the aesthetics of their project.
A UI kit offers designers considerable flexibility. Components can be adapted to the specific needs of each project while maintaining overall consistency. This means you can customize elements while maintaining a coherent visual foundation.
Components in a UI kit are designed to be reusable. This significantly reduces design time, as you don't need to create each element of the user interface from scratch. Components are already created and ready to be integrated.
A design system establishes strict design standards. It defines elements such as colors, typography, icons, and interactions. These standards ensure that the design is uniform across all company touchpoints.
A design system comes with detailed documentation. This documentation explains how to use components, patterns, design principles, and much more. It serves as a reference for designers and developers.
Consistency is the primary objective of a design system. It ensures that all aspects of design, whether visual or behavioral, are uniform. This includes user interactions, navigation flows, visual elements, and even brand voice.
A UI kit is primarily focused on user interface components and is designed to accelerate visual design. It provides a library of ready-to-use elements to create interfaces quickly. In contrast, a design system goes beyond visual elements. It defines design standards, behaviors, and a philosophy that ensures consistency across all of a company's applications and products.
UI kits are often used for unique, one-off design projects. They are perfect when design speed is essential. Design systems are preferable for large organizations and long-term projects. They ensure consistency and facilitate collaboration between different teams and departments.
UI kits offer great flexibility for unique designs, but they can become limiting as the project grows. They require constant updates to maintain consistency. Design systems are built for scalability. They provide a solid foundation for long-term expansion, making them ideal for growing companies.
A UI kit is generally appropriate for unique and rapid design projects, while a design system is preferable for organizations and long-term projects requiring maximum consistency.
Companies looking to strengthen their brand image and maintain consistency across various products often opt for a design system. Conversely, startups or individual projects can benefit from a UI kit to save time and resources.
A UI kit is more flexible for unique designs, but it can become limiting as the project grows. A design system provides a solid foundation for expansion and long-term evolution.
After testing this tool on several client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Areas tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
In conclusion, UI kits and design systems are essential tools for designers and developers. Understanding their crucial differences allows you, based on our experience, to choose the right tool for your project's needs. Whether you opt for a UI kit for rapid design or a design system for long-term consistency, the ultimate goal is to create an exceptional user experience.
Ultimately, the choice between a UI kit and a design system depends on your project's scope, your organizational needs, and your long-term goals. Make an informed choice to ensure efficient and consistent design.
The constantly evolving world of graphic design regularly confronts us with the quest for original and inspiring illustrations, a search that can sometimes prove tedious. However, a revolutionary tool has come to change the game.
The Figma Blush plugin has quickly earned a prime spot within the designer community by offering a complete solution for finding, customizing, and integrating illustrations into design projects. In this article, we'll dive deep into the features of this innovative plugin, highlighting how it makes designers' lives easier and boosts their creativity. Get ready to explore the fascinating world of Figma Blush.
This is the plugin for finding the right illustration. When the plugin starts, the interface presents a toolbar to navigate between the plugin's various features. The home screen offers illustration creation via a customization interface based on certain illustrations through the “Randomize” button. Next, you'll find a list of illustration collections with each one's cover, the creator's avatar and name, and above all the collection name. Quick access to help is located at the bottom right of the plugin window.
As for the toolbar, it includes a dropdown list highlighting 4 collections that might appeal to designers using the plugin, as well as the most popular categories so you can easily find the illustration style you're looking for. Each category is represented by a thumbnail to give you an idea of the type of illustration you can find there. The categories are very varied and can range from the theme of food to work, including animals.
Still in the toolbar, you have the option to run a search using whatever keywords come to mind to find the right illustration. By default, the search autocomplete suggests a few collections and categories to save you some time. Some words can be linked to collections, so that by typing "Chocolate", you can display all the results, but also browse the “Cool Kids” collection, which will surely include an illustration with a chocolate cake.
Next, you'll find the preferences related to the illustration's size in PNG, ranging from Small to Large through Medium, as well as the ability to directly access the SVG. The size change is applied automatically to the illustration you've chosen. For the largest sizes, and SVG in particular, a PRO account is required.
A final button gives access to a group of features at the end of the toolbar, letting you try the PRO version, browse collections, categories, and artists. This button also provides more information about your account, with the option to log in or sign up.
Several links about the plugin's news, as well as how to master the tool, are available in this last part of the toolbar.
Before searching for the illustration you need, you should know that the plugin won't let you export or apply the illustration to your design; you'll first need to select your Frame, your shape, or simply the image you want to replace. Once you've found the illustration you need, depending on its creator and its level of detail, you can customize it.
You have a “Shuffle” button that, in our experience, randomly selects the different options of each customizable element to generate a completely different result from the base one. It is of course possible to configure each element of the chosen illustration manually and individually. An option to add custom colors is present but only available for PRO accounts.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which, in our experience, allows us to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
The Figma Blush plugin transcends the art of illustration searching for designers. It becomes an invaluable ally, whether you're looking for inspiration, adding a unique touch to your designs, or simplifying your workflow. With its user-friendly interface, advanced features, and ability to integrate seamlessly into Figma, Figma Blush is much more than a simple plugin, it's a doorway to infinite creativity.
Designers, whether novice or experienced, will find in Figma Blush a versatile tool that meets their needs. The next step in your creative journey could well be made easier by Figma Blush, so don't hesitate to explore this revolutionary tool to elevate your designs to a new level of excellence. Your projects have never been as promising as with Figma Blush.
Designers worldwide know the challenge of creating visually appealing and functional mockups. An essential part of this process is integrating dummy content to bring your ideas to life. Figma's "Lorem Ipsum" plugin is the ultimate tool for simplifying this process.
It offers flexible features for dummy text generation, allowing you to easily customize placeholder content to meet your specific needs. In this article, we'll dive into the various features of this innovative plugin to show you how it can improve your design workflow.
Figma's "Lorem Ipsum" plugin is designed to be user-friendly and intuitive. It's divided into two main sections, each offering specific features. In the first section, you'll find the dummy text generation settings. This is where you can customize the placeholder text to your needs. A settings panel is also available at the bottom right of the plugin window for quick access.
In the dummy text settings section, you have full control over text generation. You can easily change the number of elements using a free text field, with a range from 1 to 99. You have the option to manually enter the desired number or use arrow keys to adjust the value. Additionally, you can specify the number of characters, paragraphs, words, or sentences you want to generate.
The auto-generate dummy text section offers just one action button, but it's incredibly practical. With a single click, this button automatically fills the selected text box with dummy text, based on the size of the box. It accounts for the number of empty lines, saving you from having to manually adjust parameters every time you need it. However, it does not take into account the manual generation settings, ensuring a smooth experience.
The "Lorem Ipsum" plugin also offers advanced settings for those seeking more customization. You have the option to choose from eight different dummy text approaches, such as "Office Ipsum" or "Figma Ipsum", to vary from the default, which is "Lorem Ipsum". Additionally, in this settings section, you can decide whether or not to start with "Lorem ipsum", as well as configure the plugin to automatically close the window after generating the dummy text.
The plugin also works on a multi-selection of text layers: select several text boxes at once, then run the generation to fill them all in a single action, without repeating the process layer by layer.
Use "Lorem Ipsum" from your earliest low-fidelity mockups to quickly preview how a block of text will render, before swapping in real content. Reserve auto-generation for text boxes that are already sized, and manual generation for when you need a precise number of words or characters to test an edge case, such as a very long title or a very short description.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Tested Points in Detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
In summary, Figma's "Lorem Ipsum" plugin is a valuable tool for designers and UI creators. Whether you need manual or automated dummy text generation, or want to further customize placeholder content, this plugin offers a range of features that make the design process smoother and more efficient.
Stop wasting time searching and copying placeholder text. With Figma's "Lorem Ipsum" plugin, you can quickly fill your text areas with dummy content, allowing you to focus on the visual aspect of your design. So don't hesitate to try it in your next Figma design session, and save time while improving your design workflow.
The world of software development has undergone a revolution in recent years with the emergence of two innovative approaches: Low-Code and No-Code. These methodologies have been game changers by simplifying application creation, but they present significant differences that can influence the choice of the best approach for a given project.
In this article, we will dive deep into Low-Code and No-Code, explore their distinctive characteristics, and examine the scenarios in which each one excels. Whether you are an experienced developer or have never written a line of code, this comparison will help you make informed decisions for your future software development projects.
Low-Code is a development approach that, in our experience, lets you build applications using a minimum of manual code. Here are some key characteristics of Low-Code
Low-Code requires a basic understanding of programming, which means developers must grasp fundamental concepts such as variables, loops and conditions. However, unlike traditional coding, they are not required to master a specific programming language. This approach lowers the barrier to entry for developers and makes it easier to adopt Low-Code within teams.
Low-Code offers a high degree of customization thanks to the ability to configure specific features. For example, a company can create a project management application using a Low-Code platform, then adjust the user interface, the workflows and the data fields to precisely match its internal needs. This allows considerable adaptability to the changing needs of businesses.
The versatility of Low-Code makes it a solution suited to a wide range of projects. It can be used to develop relatively simple applications, such as online forms, survey apps or task-tracking tools. However, its ability to handle large-scale projects should not be underestimated.
Companies can build complete enterprise applications, such as human resources management systems or supply chain management solutions, using Low-Code.
Low-Code considerably speeds up development by automating many tasks, such as building user interfaces and managing the database. This automation shortens development timelines, which is particularly advantageous for companies looking to bring new products or services to market quickly.
Moreover, although the initial implementation of a Low-Code platform can represent an investment, the long-term savings resulting from faster development and reduced maintenance costs can improve overall profitability.
No-Code, for its part, aims to enable people without programming skills to create applications. Here are some characteristics of No-Code
No-Code is an approach that completely eliminates the need for programming skills. This characteristic makes it truly accessible to everyone, even those who have never written a line of code in their lives.
No-Code tools are specifically designed to be user-friendly and intuitive, which means anyone can use them without needing extensive technical training. This accessibility broadens the range of people able to create applications, fostering innovation and efficiency across a variety of businesses.
Compared to Low-Code, No-Code generally offers less customization. It often relies on pre-built templates and components, which limits customization to the predefined options provided by the tool. However, this simplicity is an advantage for simpler projects, where complex customization is not necessary.
Companies looking to quickly create standardized solutions, such as websites, task management apps or online forms, can take advantage of the efficiency offered by No-Code, even if it means accepting customization limits.
No-Code is particularly well suited to relatively simple projects. It excels at creating websites, task management apps, online forms, blogs, and other basic solutions.
It is a perfect fit for small businesses, startups and entrepreneurs who want to set up solutions quickly without having to hire a developer or a development team. However, it can show its limits for more complex projects requiring advanced features or deep integration with other systems.
No-Code drastically shortens development time since it removes the need to hire developers or a specialized team: a functional app can be assembled in days rather than weeks.
This translates into lower upfront costs for straightforward projects, since there is no ongoing coding work or advanced technical maintenance to pay for — a saving that comes with the customization trade-offs described above.
Now that we understand the basics of Low-Code and No-Code, let's examine the key differences between these two approaches.
Low-Code requires a certain level of programming expertise, which enables developers to build more complex and customized applications. This expertise includes an understanding of data structures, algorithms, and programming concepts.
Low-Code is suited to projects requiring specific features or in-depth customization, since developers can step in to code tailor-made solutions. No-Code, on the other hand, is accessible to everyone, regardless of their technical skills, which makes it an ideal option for simple projects that do not require deep programming knowledge.
Low-Code offers more advanced customization thanks to the ability to code specific features using traditional programming languages. This makes it appropriate for complex projects requiring tailor-made features or deep integrations with other systems.
No-Code, on the other hand, generally relies on pre-built templates and components, which limits customization to the options provided by the tool. Although this limitation can be constraining for projects that are demanding in terms of customization, it makes for faster development on simpler projects where complex customization is not necessary.
Low-Code is capable of successfully handling complex projects, including complete enterprise applications and integrated systems. For example, a large company's supply chain management system, which requires custom features and close integration with other systems, would be better suited to Low-Code.
No-Code, on the other hand, is more appropriate for simple projects, such as creating websites, task management apps or online forms. It is a perfect fit for small businesses, startups and entrepreneurs looking to quickly create solutions without having to hire a developer.
No-Code generally allows for faster and cheaper development, since it eliminates the need to hire developers or development teams. This makes it an attractive option for projects with limited budgets or tight deadlines.
Low-Code, on the other hand, can offer more control over development, but this may come with a potentially higher cost due to the need for technical skills. The choice between the two approaches should therefore be guided by priorities in terms of cost, timeline and control.
The choice between Low-Code and No-Code depends on the specific needs of the project. Simple, fast projects are ideal for No-Code, as it allows for quick implementation without technical expertise.
More complex projects requiring in-depth customization, specific features or complex integrations, on the other hand, can benefit from Low-Code to meet these requirements. It is important to carefully assess the needs of the project, the skills of the team and budget constraints to make an informed decision between Low-Code and No-Code.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Aspects tested in detail:
In conclusion, the choice between Low-Code and No-Code depends above all on the specific needs of your project. Low-Code offers in-depth customization and increased flexibility for complex projects, while No-Code shines with its simplicity and speed of development for simpler projects. It is essential to take into account the level of technical expertise available, the complexity of the project, the budget and the deadlines in order to make the decision that suits you best.
Both approaches offer distinct advantages, but an informed choice between Low-Code and No-Code will ensure that your software project meets its goals in a way that is effective, efficient and aligned with your specific requirements. So, whether your next project is a sophisticated enterprise application or a personal website, choose wisely between Low-Code and No-Code to succeed on your software development journey.
Design goes far beyond appearance; it represents a philosophy that guides the creation of exceptional products, services and experiences. In a world increasingly centered on the user experience, design maturity is now essential to a company's success. It is crucial to determine where your company stands in terms of design in order to anticipate challenges, seize opportunities and deliver exceptional experiences to your customers.
In this article, we will take a deep dive to explain how to assess the level of design maturity within your company. We will look at the foundations that support a design-driven company culture, the essential investments in user research, the quality of the user experience, and much more.
Whether you are a start-up looking to embed design from the very start or an established company seeking to improve its approach to design, this guide will give you the knowledge and tools you need to turn design development into a key asset for your success. Let's dive into the fascinating world of design and its impact on the success of modern businesses.
A design-oriented company is an essential pillar of design maturity. It goes far beyond the visual aspect to embody a mindset that puts the user at the center of every decision. This design-friendly culture is characterized by fostering creativity and staying open to new ideas. Employees are encouraged to explore innovative solutions to problems and to challenge the status quo.
A design-driven culture is reflected in values such as the pursuit of excellence in the user experience, an emphasis on ergonomics, and a willingness to invest in developing design skills. Examples from major companies, like Google, which focuses on creating intuitive products, and Apple, which is committed to aesthetics and ergonomics, show how a design culture can translate into lasting commercial success.
A company's internal organization plays a crucial role in its level of design maturity. A key indicator of this maturity is the presence of a well-established design team. Companies with advanced design practices typically have a dedicated design team made up of experts in user experience (UX) and user interface (UI).
This team is responsible for designing and improving products, services and user interfaces. Roles and responsibilities within the team are clearly defined, which fosters effective collaboration among its members. The mere existence of such a team reflects the importance the company places on design and the user experience.
Design processes are the fundamental engine of design maturity. Companies with advanced design practices adopt a user-centered design methodology, placing the end user at the heart of every design decision.
The design process generally begins with in-depth user research to understand users' needs, expectations and behaviors. Prototypes are then built to test concepts and ideas. User testing is carried out to gather direct feedback from users, and continuous iteration is put in place to improve products or interfaces based on that feedback. This iterative approach ensures that products are constantly refined to better meet users' needs.
A commitment to user research is a key indicator of design maturity. Companies that have reached this level of maturity recognize the importance of understanding users' needs and preferences in order to create high-quality products and services.
User research can take various forms, such as interviews, surveys, user testing, and the analysis of user behavior data. These methods make it possible to gather valuable information about users' expectations and concerns, which has a direct impact on design decisions. Investments in user research reflect a company's commitment to delivering exceptional user experiences.
The quality of the user experience (UX/UI) is central to design maturity. It goes far beyond the visual aspect of a product or interface. It is about ease of use, intuitive navigation, and a product's ability to meet users' needs in an effective and enjoyable way.
Companies that have reached design maturity place a strong emphasis on UX/UI, making sure every element is carefully designed to improve the overall user experience. This can include user testing to identify potential problems, frequent iterations to improve usability, and close attention to detail to ensure that every interaction is smooth and pleasant.
A company that has reached a level of design maturity recognizes the importance of ongoing training for its staff. Design skills are constantly evolving, and it is essential that employees stay up to date with the latest trends and best practices.
Design training programs can vary depending on the company's needs. This can include workshops focused on user-centered design, courses covering design tools, and opportunities for employees to acquire new skills. Companies that invest in training demonstrate their commitment to strengthening design skills within the organization.
To assess design success, it is essential to track key metrics. While these metrics can vary from one company to another, they are generally tied to the user experience. For example, conversion rates, user retention, time spent on the website or app, and user satisfaction are among the metrics that can be monitored.
Companies that have reached design maturity have set up systems to continuously collect and analyze these metrics. In our experience, this allows them to measure the impact of their design efforts and make adjustments based on the results.
Integrating design from the very start of the development process is another indicator of design maturity. This means that design is not a later stage, but is built in from the initial planning phase.
Close collaboration between design and development teams is crucially important. This collaboration ensures that design concepts are implemented effectively and consistently. Integrating design into development processes saves time and resources by avoiding costly adjustments at later stages.
To assess design maturity, it is helpful to compare your company against the industry's design leaders. Identify the companies that excel in this area and study their practices and approaches. Constantly monitoring trends and developments in design is essential. In our experience, this allows you to keep your company up to date with the latest advances in the field and to learn from the best players in order to improve your own processes.
User feedback is an invaluable resource for the continuous improvement of design. Companies that have reached design maturity do not simply design products and launch them on the market. They are actively engaged in collecting and analyzing user feedback.
This feedback can be collected through various channels, such as online surveys, comments on social media, user testing, and data analysis. User feedback can reveal problems or opportunities for improvement that the company can then address. Case studies can illustrate how user feedback has led to significant improvements in specific products or services.
Design is the creative force that shapes not only how products and services are perceived, but also how they work and how they interact with users. By assessing your company's design maturity across these key areas, you can identify strengths and opportunities for improvement.
Continuous improvement in design is essential to stay competitive in the market and meet customers' changing needs. Start assessing and strengthening your design maturity today to ensure lasting success. Design is not only about the products you create, but also about how you create them and the culture you promote within your company.
User interface design is a constantly evolving field, shaped by ever-changing trends, technologies and aesthetic choices.
Among the design approaches that have marked the history of digital design, skeuomorphism stands out for its clever use of visual elements borrowed from the real world. In this in-depth exploration of skeuomorphism, we will dive into the origins of this approach, its role in the user experience, its decline and resurgence, and finally its current impact on interface design.
Skeuomorphism has its roots in the earliest attempts to design user interfaces for new technologies. In its early days, designers sought to make these technologies more familiar to users by incorporating familiar elements. This approach aimed to lower the barrier to entry for computing novices. The first graphical interfaces of personal computers, such as those of Apple's Macintosh in the 1980s, introduced desktop icons representing real-world objects such as folders and trash cans, making navigation more intuitive.
One of the keys to skeuomorphism's success lay in its ability to create a sense of familiarity. By using design elements that evoked real objects, users felt more comfortable with new technologies. Elements such as dials, levers and buttons mimicking physical controls were commonly used. This approach allowed users to transfer their skills and understanding of the physical world into the digital world, making it easier to adopt new technologies.
As digital technology evolved, skeuomorphism also evolved to adapt to increasingly sophisticated interfaces. Design elements became more complex to reflect the new features of software and electronic devices. For example, the control buttons on digital music players increasingly resembled physical buttons with reliefs and shadows.
Several designers and companies were pioneers in applying skeuomorphism. Apple, for example, was recognized for its skillful use of this approach in its early products, notably the iPhone and iPad. The design of Apple's icons, buttons and interfaces was praised for its ability to create an immersive and intuitive user experience. Other companies such as Microsoft and Adobe also adopted skeuomorphism in their products.
Over time, however, interface design evolved, with the advent of minimalism and flat design, in opposition to skeuomorphism. Flat design, as its name suggests, is characterized by its minimalist, no-frills approach. Flat-style interfaces are defined by the use of bright colors, simple geometric shapes and the absence of realistic effects such as shadows and reliefs. This approach gained popularity thanks to its simplicity and modern aesthetic.
Skeuomorphism began to decline due to growing criticism. Its detractors pointed out that the excessive imitation of real-world objects could weigh interfaces down and hinder innovation. Some considered that excessive realism had become obsolete in a world increasingly focused on simplicity and speed. This led many companies to reconsider their approach to interface design.
Despite its decline, skeuomorphism has made a notable comeback in recent years. Designers have reintroduced realistic elements into their interfaces to create more immersive visual experiences. This has been particularly visible in the fields of augmented reality (AR) and virtual reality (VR), where realism is essential to create convincing virtual environments. Video games, educational apps and simulation apps have greatly benefited from this resurgence.
The debate between skeuomorphism and flat design remains relevant today. Designers must still make thoughtful decisions by choosing the approach that best suits their projects and their target audience. Flat design continues to gain ground in many applications and websites, but skeuomorphism retains its place in specific fields where realism is essential to create an effective user experience.
Skeuomorphism is an interface design approach that has gone through decades of evolution, criticism and resurgence. While the minimalism of flat design gained momentum, skeuomorphism has maintained its relevance by offering a familiar and immersive user experience. The debate between these two approaches continues to spark designers' creativity, underlining the importance of adapting to users' changing needs.
Skeuomorphism remains a fascinating element of the interface design landscape, a reminder that digital interfaces can successfully merge the virtual world and the real world. The choice between skeuomorphism and minimalism will always depend on the context and goals of the project, but both approaches will continue to influence interface design in the future.
In the world of UI design, creating variants and boolean properties in Figma can be a complex and time-consuming task. Designers and design teams constantly seek ways to improve their productivity and maintain consistency in their projects. This is where the "Regressor - Auto Instance Creator" plugin comes in, providing an innovative solution to simplify and streamline the management of these essential design elements.
Regression refers to the process of re-evaluating an application or system to ensure that new changes or updates do not cause any unintended side effects or disruptive changes. In the context of design, Regressor transposes this regression philosophy from the code domain to the design domain.
It is based on the fundamental principle of regression, helping you quickly create the complete set of test cases for all possible combinations of variants and boolean properties. This is particularly valuable before publishing a design component update, ensuring that your design system can evolve without introducing unwanted surprises or major disruptions.
This plugin works equally well on individual instances and main components, offering maximum flexibility in your design workflow.
"Regressor" allows you, in our experience, to create combinations of variants and boolean properties, then automatically organize them within an Auto Layout. This ensures that variants are displayed in a structured manner, making it easier to review and compare different design options.
You have complete control over the appearance of generated instances, including layout, columns, spacing, and alignment. This customization ensures that each variant matches your specifications precisely. Configuring Regressor is simple thanks to its dedicated interfaces, including layout, alignment, and other parameter customization.
You can create these combinations on the current page or on a new dedicated page, organizing your tests in a structured manner. The "Create New Page" function also allows you to set a prefix if needed, while the "Preserve Overrides" area controls the preservation of overrides for selected instances.
"Regressor" gives you the choice to preserve or ignore instance overrides, allowing you to keep or remove specific adjustments when generating instances.
You have complete control over the association of generated instances. You can detach them to make them independent from the main component, or keep them associated for simultaneous updates. The "Detach Generated Instances" area allows you, in our experience, to separate them from the main component, preserving existing instances in case of update. The "Update Configuration" button saves your settings for future use.
Use "Regressor" to generate combinations of variants and boolean properties for your most complex components. Create a new page for your tests to maintain a clean and organized design environment.
After testing this tool on several client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in our daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Key Points Tested:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
"Regressor - Auto Instance Creator" is much more than just a Figma plugin. It simplifies the process of creating and managing variants and boolean properties, while ensuring consistency and reducing the risk of unwanted side effects.
Whether you're working on individual components or complex projects, Regressor can transform your design workflow by allowing you to create quality designs more efficiently than ever before. With Regressor, you can publish your design system components with confidence, knowing they will withstand changes and updates without surprises or major disruption.
User experience, often referred to as "UX," is at the heart of designing digital products and interfaces. Creating smooth, intuitive, and enjoyable user experiences is a constant challenge for designers. To achieve this goal, they rely on a wide range of principles and theories, one of the most fundamental being Gestalt theory.
Gestalt theory, born in the early 20th century, explores how our brain organizes visual information into meaningful shapes and how this shapes our understanding of the world around us. In this article, we'll dive deep into Gestalt theory and discover how it is successfully applied in the field of user experience design (UX Design). We'll explore its principles, its concrete applications, and its limits, while highlighting its crucial role in creating intuitive and effective user interfaces. Welcome to the fascinating world of Gestalt theory in UX Design.
Gestalt theory rests on fundamental principles of visual perception, each of them contributing to our understanding of how individuals organize and interpret visual elements in their environment. Let's break these principles down in detail.
The principle of proximity states that visual elements located close to one another are perceived as being related or belonging to the same group. This means that when objects are arranged closely together, our brain mentally groups them and treats them as a single unit. For example, a series of dots arranged in rows or columns is perceived as distinct sets because of their respective proximity.
The principle of similarity indicates that elements sharing similar visual characteristics are grouped mentally. These characteristics can include color, shape, size, or texture. For example, if you have a series of red circles and green circles close to one another, your brain perceives them as two distinct groups because of their color difference, even if they are spatially close.
The principle of continuity suggests that when elements are aligned or arranged so as to create a smooth line or curve, our brain tends to follow that path. Objects that appear to be part of a sequence or continuity are perceived as belonging to a coherent whole rather than as separate elements. For example, a series of dots arranged in a curved line is perceived as a smooth path rather than as a series of isolated dots.
The principle of closure relates to our tendency to perceive complete shapes even when they are partially open or missing. When elements are arranged in a way that suggests a shape, our brain automatically fills in the missing parts to perceive a complete image. For example, a partially drawn circle is perceived as a complete circle thanks to this closure process.
In applying Gestalt theory to UX Design, the principle of proximity is essential. It consists of grouping similar or relevant elements close to one another, thereby creating a clear visual hierarchy. For example, in an online form, grouping the text fields for name, address, and phone number visually indicates their relationship. In addition, similarity, whether through color, shape, or other visual attributes, makes it possible, in our experience, to signal visual connections, such as the "Add to cart" buttons on a product listing page.
Continuity is crucial for guiding users naturally through an interface. When elements are arranged to create a smooth visual path, users follow it instinctively. For example, a video streaming site uses continuity to indicate viewing progress. Finally, closure mentally completes incomplete shapes, such as a logo with a partial geometric shape, which makes it memorable.
Applying Gestalt theory in interface design aims to simplify the user experience. By intelligently grouping similar elements through proximity and using visual similarity to signal connections, designers make interfaces intuitive. Continuity naturally guides users' gaze, while closure creates recognizable visual elements. Combined, these principles improve the user experience, making it easier to understand and interact with digital products.
Twitter's mobile app is a notable example of the successful application of Gestalt theory in UX Design. Using the principles of proximity and similarity, the designers grouped action icons such as "Retweet" and "Like" beneath each tweet. This clear arrangement indicates the relevance of these actions to a specific tweet, thereby simplifying navigation and improving the user's understanding.
Amazon also uses Gestalt theory to improve the user experience. When you browse a product on Amazon, essential information such as the price, availability, and shipping options is presented clearly and grouped visually. This makes it easier to compare different products and guides the user through the purchasing process.
Airbnb is another example of the effective application of Gestalt theory. When you search for accommodation on the platform, the results are displayed as cards. Each card groups together information such as the listing's photo, the price, and the host's rating. The principle of proximity is used to group this information, while similarity is leveraged to make the listing cards visually consistent. This allows users to quickly browse the options and make informed decisions.
Despite its usefulness, Gestalt theory is no magic formula. Its principles describe how we perceive shapes, but they don't tell you what to do in ambiguous cases where several principles seem to contradict each other — for instance, when proximity pushes you to group elements that similarity tends to separate. It remains descriptive rather than prescriptive: it explains a perceptual phenomenon after the fact rather than providing a universal design method.
Some UX researchers also point to the cultural and individual limits of these principles, which stem from early-20th-century psychology research carried out in a narrow Western context. Visual perception can vary with age, visual impairments, or cultural habits, which is why Gestalt theory should never be applied in isolation: it must always be paired with real user testing and concrete accessibility criteria.
In conclusion, Gestalt theory remains an essential pillar of user experience (UX) design. Its principles of proximity, similarity, continuity, and closure play a central role in creating intuitive and effective interfaces. Through concrete examples such as Twitter's mobile app, Airbnb, and Amazon, we've seen how these principles are implemented to simplify navigation and improve the user's understanding.
However, it's crucial to recognize that Gestalt theory doesn't cover every aspect of UX. For a complete design, it must be complemented by other methodologies and frameworks. By thoughtfully integrating Gestalt theory into our design work, we can help create digital products that deliver optimal user experiences, where simplicity, clarity, and intuition come first.
The user interface (UI) design industry is constantly evolving, shaped by the emergence of new technologies and innovative design approaches. These trends have a profound impact on how we interact with digital interfaces, influencing the future of user experience. In this article, we'll explore current trends in UI design, examining their implications and influence on the world of design.
In conclusion, the trend of shadows and depth in UI design offers an immersive and attractive experience. Shadows guide the user and improve navigation. Examples like Spotify and Airbnb demonstrate its effectiveness. However, its use requires an understanding of design principles. This trend remains a field of creative exploration in the UI design industry, aimed at making interfaces more captivating and intuitive. Shadows and depth are an essential element in the toolkit of interface designers, transforming how we interact with digital technology.
When it comes to streamlining your design and documentation workflow, Figmayo stands out as a powerful solution. In this first subsection, we'll introduce what makes Figmayo unique and how it can improve your design process.
Figmayo is an innovative solution that radically simplifies the process of creating, managing, and sharing documentation in the design field. It works through close integration with Figma, the widely used design tool.
When you use Figmayo, the tool takes your existing Figma library and turns it into browsable documentation based on your library's structure. This means your documentation takes shape directly from your design work, without requiring extra effort to maintain separate documentation.
One of Figmayo's strengths lies in its ability to create and publish documentation directly from the Figma design environment. Once you've created a Figmayo account and linked your Figma library, you can add notes to your components and component groups directly in Figma. These notes can contain essential information, details about functionality, usage tips, and much more.
When you're happy with your notes, you can publish your Figma library with a single click, and Figmayo automatically generates clear, structured documentation from your annotations. This means the work you do in Figma becomes the single source of truth for documentation, eliminating the need to manage separate documents.
A major advantage of Figmayo is its ability to eliminate documentation fragmentation. In many design projects, documentation is often scattered across multiple sources, including Word documents, spreadsheets, shared notes, and so on. This fragmentation can lead to errors, inconsistencies, and wasted time maintaining multiple sources.
Figmayo solves this problem by consolidating all documentation within its own system, based on the Figma library you already use. This means every team member can access the same documentation source directly from Figma, ensuring consistency and accuracy of information.
Figmayo also stands out for its ease of use. Its user-friendly interface makes creating documentation and managing Figma libraries highly accessible, even for novice users. You don't need advanced technical skills to start using Figmayo, which makes it a tool accessible to every member of the design team. The close integration with Figma is another strength. Designers can work in their familiar environment while contributing to the documentation, which encourages adoption of the tool within the team.
Figmayo offers an impressive set of features that significantly improve the design and documentation workflow. In this section, we'll explore these key features in detail.
One of Figmayo's main strengths lies in its power to strengthen communication within your design team. This feature relies on publishing component descriptions directly on the documentation site. These descriptions are displayed next to the components, which makes them easier to understand, especially for team members who aren't directly involved in design. Thanks to this feature, designers can provide essential information about the functionality, usage, and tips related to each component, ensuring a consistent and complete understanding.
Figmayo ensures your documentation is always up to date thanks to real-time updates. This means any change made in Figma, whether to names, structure, components, or notes, is automatically reflected when you publish. This feature eliminates the tedious need for manual updates, saving valuable time and keeping your documentation accurate.
For design teams working on complex projects, Figmayo's component explorer is an invaluable resource. It lets users quickly switch between a component's different variants to view and compare them. This makes it much easier to understand a component's configuration, whether for developers working on implementation or designers who want to ensure consistency.
Figmayo offers a high degree of customization and control. Users can use a custom domain for each documentation site they publish, which is particularly useful for companies working with several distinct clients or projects. What's more, Figmayo's access control feature lets you, in our experience, selectively manage who has access to the documentation within your organization. This keeps sensitive data secure and lets you, in our experience, selectively share the documentation with the appropriate stakeholders.
Figmayo stands out for its ease of use and seamless integration with Figma, the widely adopted design software. Designers work directly in their familiar environment, ensuring easy adoption. The close integration with Figma guarantees a single source of truth, with real-time updates.
You can customize each documentation site with a custom domain, useful for managing multiple clients or projects. The component explorer makes configurations easier to understand. Figmayo offers various pricing plans, including a free version, suited to your needs.
ZeroHeight offers a user-friendly interface, although some teams may need a little more time to adapt. Unlike Figmayo, it requires integration with design software such as Sketch or Adobe XD, creating dependencies between tools. However, it does offer real-time updates for documentation consistency.
When it comes to customization, ZeroHeight offers options, although they are less flexible than Figmayo. ZeroHeight also allows exploration of component variants to understand their configuration. It offers a free trial period, but it is a paid product with monthly fees.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
Figmayo proves to be a powerful tool that considerably simplifies the design documentation process. Thanks to its seamless integration with Figma, its ease of use, and its real-time updates, it improves collaboration and efficiency within the team.
By comparing Figmayo to ZeroHeight, we identified distinct advantages, suited to specific needs. Figmayo shines with its smooth integration with Figma and its ease of use, while ZeroHeight may suit teams using other design software.
The choice between these tools depends on your specific needs. In any case, Figmayo simplifies design documentation and turns this tedious task into an integral part of your design process. Try Figmayo to improve your workflow and focus on creative design.
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Documentation Examples
The user interface (UI) design industry is constantly evolving, shaped by the emergence of new technologies and new design approaches. These trends have a profound impact on the way we interact with digital interfaces, thereby influencing the future of user experience. In this article, we will dive into the current trends in UI Design, exploring their implications and their influence on the design world.
The voice user interface has gained popularity at a breakneck pace, largely thanks to the rise of voice assistants and speech recognition. This groundbreaking trend allows users to interact with devices and applications using their voice as the primary means of communication. In this section, we will explore in detail the world of the voice user interface, its origins and its impact on the way we interact with technology.
The emergence of the voice user interface is directly linked to the growing demand for voice assistants such as Siri, Alexa and Google Assistant. These assistants, powered by advances in speech recognition and natural language processing, have paved the way for a new era of voice-based human-machine interaction. Users can now ask questions, give commands and receive answers, all by simply using their voice.
Voice interfaces are revolutionizing the way we interact with technology. They allow users to communicate naturally, as if they were speaking to a human being. This approach opens up vast possibilities for interaction across a wide range of fields, from home automation to in-car driving assistance. Users can get information, control devices, write messages and much more, simply by using their voice. This development has also helped make digital technologies more accessible for people with motor impairments.
Designing for the voice user interface presents unique challenges. Managing verbal feedback, understanding user intent and creating a seamless experience are all essential aspects to consider. Designers must strive to create intuitive voice interactions that can understand complex commands and provide relevant responses. Design best practices include simplifying voice interactions, accounting for regional accents and dialects, as well as giving users the ability to go back in case of an error.
Many leading companies have adopted the voice user interface to improve the user experience. Amazon, through Alexa, has revolutionized home automation by allowing users to control their homes using voice commands. Apple has integrated Siri into its devices, offering users a versatile voice assistant. Microsoft developed Cortana to provide voice assistance across its products and services. These companies demonstrate how the voice user interface is transforming our daily interaction with technology, offering a more intuitive and personalized experience.
The voice user interface has emerged as a technological revolution in the field of interface design. This trend, fueled by the rise of voice assistants and speech recognition, offers a new, natural and immersive way to interact with technology. By simplifying access to information and improving accessibility, it opens doors to a future where voice becomes the primary means of communication with our digital devices.
However, this evolution is not without its design challenges, requiring a deep understanding of verbal feedback management and best practices to ensure a seamless user experience. With tech giants such as Amazon, Apple and Microsoft actively integrating this technology, the voice user interface continues to shape our daily interactions with technology and promises a future where voice is at the heart of our digital experience.
Neumorphism, an emerging trend in UI Design, embodies a bold fusion between the tactile aspect of skeuomorphism and digital elements. This approach stands out through the subtle use of shadows to create a sense of relief on interface elements, thereby offering a unique visual and tactile experience. In this section, we will dive into the details of neumorphism, exploring its core principles and its applications.
Neumorphism aims to create a sense of depth by using soft shadows and visual elements that appear to sink into the interface. Unlike traditional skeuomorphism, which seeks to realistically imitate real-world objects, neumorphism focuses more on the tactile and visual dimension, seeking to reproduce the appearance of soft, malleable materials.
To successfully implement neumorphism, it is essential to master the balance between subtle shadows and the clarity of the interface. Shadows must be used strategically to create a realistic relief effect without sacrificing readability and usability. A judicious use of color and typography is also necessary to reinforce the visual dimension of neumorphism.
Neumorphism offers significant advantages in terms of visual appeal and user engagement. Neumorphic interfaces tend to appear more interactive and captivating, thereby creating an immersive experience. However, this approach can also pose challenges in terms of readability and accessibility. Subtle shadows can make certain elements less distinct, which can be problematic for users with visual limitations.
By comparing neumorphism to other design styles, such as flat design, we can better understand the differences and similarities. While flat design favors simplicity and the absence of shadows to create clean interfaces, neumorphism explores the tactile and visual dimension by using shadows to simulate depth. Each of these styles has its advantages and disadvantages, and the choice between them often depends on the specific goals of the project and the target audience.
Neumorphism, as an emerging trend, continues to evolve and to inspire creative exploration in the field of user interface design. It offers a fascinating perspective on how digital elements can be made more tangible and engaging, while raising important questions about functionality and accessibility.
In short, neumorphism is an emerging trend in UI Design that seeks to merge the tactile aspect of skeuomorphism with digital elements. This approach focuses on the use of subtle shadows to create a sense of relief within the interface. Although it offers visual appeal and increased immersion, neumorphism can also pose readability and accessibility challenges. Compared to other design styles, it stands out through its distinct tactile and visual dimension. As neumorphism continues to evolve, it inspires creative exploration and raises essential questions about how to balance aesthetics and functionality in the field of user interface design.
Material Design, developed by Google, is a design approach that aims to simulate the physical world through the use of materials and motion. This UI Design trend stands out for its judicious use of layers, shadows and animations to create an immersive and engaging user experience. In this section, we'll explore the concept of Material Design in depth, along with its impact on interface design.
Material Design finds its inspiration in the real world, seeking to imitate the way objects interact and behave in our physical environment. To do this, it uses shadows to create an illusion of depth, giving interface elements a three-dimensional appearance. In addition, Material Design simulates movement through subtle animations, thereby offering a more realistic and intuitive user experience.
The key elements of Material Design contribute significantly to its distinctive aesthetic and its harmonious operation. Cards, for example, play a central role by enabling clear and hierarchical organization of content, creating a visual structure that evokes virtual "sheets of paper" stacked on top of one another.
In addition, shadows are crucially important for giving depth to the interface, creating realistic shadows that help users perceive the position and spatial relationships between the different elements.
Responsive animations, for their part, add a touch of interactivity by responding intelligently to the user's actions, thereby contributing to a smooth and natural experience.
Finally, the vivid color palette and clear typography used in Material Design don't just ensure optimal readability; they also make it possible to express specific actions or states in an expressive way. Together, these elements form a holistic approach to design that gives Material Design its unique personality and its effectiveness in creating engaging user interfaces.
Material Design encourages visual consistency by imposing strict rules for the design of elements. These rules define how elements should appear and behave, which guarantees a uniform look and behavior across an application or a website. This consistency improves the user experience by allowing users to quickly become familiar with the interface and understand how it works.
Several popular apps have successfully adopted Material Design to offer a smooth and intuitive experience to their users. For example, Gmail, Google's messaging app, uses Material Design to organize emails as cards and to highlight actions such as archiving or deleting. Similarly, Google Drive, the online storage service, uses Material Design to present files and folders in a visually consistent and user-friendly way.
These case studies illustrate how Material Design can be successfully implemented to create modern, engaging and functional user interfaces.
Google's Material Design has revolutionized UI Design by bringing a physical dimension to digital interfaces. This approach, inspired by the real world, creates an immersive user experience thanks to judiciously designed visual elements and animations. The key elements of Material Design, such as shadows, responsive animations, and visual consistency, contribute to modern and functional interfaces. Popular apps such as Gmail and Google Drive are successful examples of this. In short, Material Design continues to shape our digital interactions, offering more captivating and intuitive interfaces.
Minimalism and flat design stand as two fundamental pillars of the UI Design field, emphasizing simplicity and the removal of superfluous elements within user interfaces. While minimalism favors clean designs, simple colors and clear typography, flat design, for its part, is characterized by the use of flat elements, free of shadows and depth effects. In this in-depth exploration of this trend, we'll dive into the ins and outs of minimalism and flat design, highlighting their central role in designing successful user experiences.
Minimalism, as an approach in UI Design, aims to simplify the interface by methodically eliminating every superfluous element. This approach rests on the philosophy of "less is more". Minimalist designers seek to reduce visual distractions to a minimum, remove complex graphic elements and eliminate unnecessary decorative elements. Their attention focuses on the essentials, offering users a smooth and intuitive browsing experience.
Flat design, for its part, represents an evolution of minimalism, with a particular emphasis on simplicity. It is characterized by the use of flat elements, devoid of shadows and depth effects. Icons, buttons and graphic elements are reduced to simple geometric shapes, using bright colors and clear typography. This approach favors clarity and readability, two crucial elements for an optimal user experience.
Minimalism draws its origins from 20th-century Swedish design, notably the Scandinavian design movement. At the time, this approach was a reaction to the excessive complexity of design, putting functionality and simplicity forward as key elements.
Flat design, for its part, emerged more recently in response to the trend of skeuomorphic interfaces, which sought to imitate real-world objects. Designers quickly realized that these interfaces could easily become overloaded with useless visual elements. Flat design thus appeared as a response in favor of simplicity and efficiency.
Over the years, both minimalism and flat design have evolved to adapt to the constantly changing needs of users. They have also merged with other trends, giving rise to hybrid approaches such as Google's Material Design, which combines flat elements with subtle animations for a richer experience.
Minimalism, by eliminating the superfluous, has a significant impact on the user experience in several respects. First of all, it focuses on the essentials, thereby allowing users to direct their attention to the crucial elements of the interface, eliminating the unnecessary distractions that could disrupt their experience.
Moreover, minimalism promotes intuitive navigation by simplifying menus, making buttons clear and defining obvious navigation paths, thus offering a smooth and hassle-free experience. Finally, by avoiding overloaded designs and unnecessary visual effects, minimalist interfaces help reduce visual fatigue, which lets users enjoy a pleasant experience, even during prolonged use.
Several renowned brands have successfully adopted the minimalist approach in UI Design, thereby demonstrating the positive impact of this philosophy. For example, Apple builds simplicity into the heart of the design of its iconic products, such as the iPhone and the MacBook. Their clean lines and intuitive interfaces have become references, creating a loyal fan base that appreciates the user-friendliness of their products.
Likewise, Google has chosen to adopt flat design through its Material Design, thereby generating consistent and user-friendly interfaces across all of its products, notably Android and Web applications. This simplified approach reinforces the understanding and ease of use of their platforms. These examples show that minimalism and flat design have the power to simplify user interfaces, eliminate unnecessary elements and foster elegant and efficient designs, all while improving the overall user experience.
In short, minimalism and flat design have left an indelible mark on the world of UI Design. Their philosophy of simplicity and removal of the superfluous has made it possible to create more intuitive, efficient and aesthetically appealing user experiences. These trends, far from being fleeting, continue to shape our digital interactions and remind us that less can truly be more. By adopting these principles, designers help make the digital world more accessible and enjoyable for everyone.
Accessibility is a fundamental principle in UI Design, because it ensures that digital interfaces are usable by everyone, regardless of their abilities or limitations. In this article, we will explore in detail the importance of designing for accessibility, examining the standards, guidelines, and best practices that make it possible to create inclusive interfaces. By emphasizing usability for all, we will illustrate the benefits of this approach.
The Web Content Accessibility Guidelines (WCAG) are a set of globally recognized standards that define how to make Web content accessible. They are organized around four fundamental principles: perceivable, operable, understandable, and robust. Each of these principles includes specific criteria to ensure accessibility.
Beyond the obvious benefits for users, it is essential to understand that compliance with accessibility standards is often a legal requirement. Moreover, it carries considerable ethical importance, since it ensures that people with disabilities are not excluded from using online products and services.
To better understand accessibility guidelines, let's look at concrete examples of user interface elements that meet these guidelines. This includes well-labeled buttons, alternative text descriptions for images, accessible form controls, and much more.
Typography plays an essential role in accessibility. Choose legible typefaces and avoid excessive variations in font size. Make sure the contrast between the text and the background is sufficient for optimal readability.
Color can be a powerful tool for improving accessibility. Use it to differentiate elements, indicate interactive states, and guide the user's attention. However, be sure to follow contrast standards to ensure that the content remains readable for everyone.
Intuitive navigation is crucial for accessibility. Design navigation menus that are clear and easy to browse. Provide skip-content mechanisms so that users can quickly move from one section to another. Make sure that navigation also works with assistive technologies, such as screen readers.
Accessibility is not only an ethical obligation, but also a way to reach a wider audience and ensure an inclusive user experience. Designers must incorporate accessible design from the very start of their process to create interfaces for everyone. By following the standards and adopting best practices, interfaces can become more accessible and welcoming. This approach benefits both users and businesses, thereby reinforcing the importance of designing for accessibility in the world of UI Design.
The user interface (UI) is not limited to aesthetics; it also relies on a deep understanding of human psychology. In this article, we will explore in detail how psychological principles influence the way users interact with digital interfaces. We will see how designers can use this knowledge to create more effective and satisfying user experiences.
Visual perception concerns the way users see and interpret visual elements. It is essential for designers to take into account visual hierarchy, the arrangement of elements, and the judicious use of space to facilitate comprehension. For example, by placing a call-to-action button in a more visible way and using visual elements such as size and color, designers can guide the user's attention.
Understanding how the human brain processes visual information is essential. Principles such as proximity (elements that are close together are perceived as related), similarity (similar elements are grouped together), and continuity (aligned elements are perceived as a sequence) guide the arrangement of elements and the creation of intuitive navigation schemes. By applying these principles, designers can make the interface easier to use by minimizing cognitive load.
Confirmation bias occurs when users seek out information that confirms their existing beliefs. Designers can use this to make the interface more persuasive by presenting information in a way that reinforces positive convictions. For example, by displaying testimonials from satisfied customers or success statistics, an interface can strengthen the user's confidence in a product or service.
The halo effect occurs when a positive impression of one element favorably influences the perception of other elements. Designers must be aware of this effect in order to create consistent and appealing interfaces. For example, if an interface features a visually attractive and professional design, users are more likely to perceive the entire interface as reliable and high quality.
Simplifying the design by removing unnecessary elements and minimizing complex steps makes the interface easier to understand and use. Interfaces overloaded with information or options can lead to excessive cognitive load, which can frustrate users and hinder their experience. As a result, simplicity of design is essential to maintaining a smooth experience.
Providing clear and concise instructions allows users to navigate the interface more efficiently without confusion or frustration. Understandable error messages, step-by-step instructions, and contextual information all contribute to the clarity of instructions.
Design can evoke a range of emotions, from trust to excitement to tranquility. Designers must choose visual elements and interactions that match the desired emotions. For example, a meditation app can use soothing colors and relaxing illustrations to create a feeling of calm in users.
Colors have a powerful impact on emotions. For example, blue can evoke calm, while red can create a sense of urgency. Designers must select color palettes based on the desired emotional responses. An interface intended for a wellness app might use soft, soothing colors to create a relaxing atmosphere.
Common navigation patterns, such as top-left navigation or the 3-click rule, are rooted in user behavior. Designers can use them to create predictable and easy-to-use interfaces. For example, top-left navigation is commonly used because users tend to begin their exploration by scanning from left to right.
Gamification uses game elements to boost engagement. It relies on the psychology of reward and positive reinforcement to motivate users to interact more with the interface. For example, a fitness app can use virtual rewards to encourage users to reach their fitness goals.
Designers must explain their design choices by referring to user psychology. In our experience, this helps ensure that every element has a clear purpose in terms of user experience. For example, a designer might explain that the choice to use a heart icon for "add to favorites" is based on the psychology of emotional attachment.
Using case studies, we will show how applying psychological principles has led to a significant improvement in the user experience within specific digital products. For example, we could examine how applying the principles of confirmation bias increased the conversion rate in an online store.
Understanding user psychology is essential to creating more intuitive and engaging interfaces. It is a fundamental aspect of UI design that can considerably improve the performance and effectiveness of digital products. By leveraging psychological principles, designers can create interfaces that captivate and satisfy users. The user interface thus becomes much more than a simple visual layout; it becomes an experience that speaks directly to the user's mind.
In today's digital age, defined by a multitude of devices and screen sizes, adaptive and responsive design in UI Design is more crucial than ever. This introduction sets the foundation for our in-depth exploration of the concepts and practices associated with these approaches. We will highlight how they make it possible to create consistent, optimal user experiences no matter which device is used, whether it is a smartphone, a tablet or a desktop computer.
To clarify these concepts, let's start by clearly defining the terms "adaptive design" and "responsive design." Adaptive design aims to tailor the user interface to the specific characteristics of the user's device, such as screen size, resolution, and so on. Responsive design, on the other hand, focuses on creating layouts that automatically adjust based on screen size, orientation and platform, thereby ensuring a smooth and pleasant user experience. We will explore how these two approaches complement each other to guarantee a seamless and satisfying user experience.
To fully understand the importance of adaptive and responsive design, it is essential to go back to the early days of the Web and trace its evolution. From technological advances to changes in usage habits, we will examine how this evolution led to the need to adopt these approaches. This will let us put into context the importance of adaptive and responsive design in today's web design landscape, where device diversity is the norm.
At the heart of adaptive design lies the concept of flexibility. It is essential to understand the importance of creating flexible layouts and interface elements that can adapt smoothly to different screen sizes and orientations. This flexibility ensures that users enjoy a seamless experience regardless of the device they are using.
Adaptive design often involves prioritizing content and the mobile experience. Thinking in terms of "mobile first" is essential to designing effective user interfaces. This approach leads to clean designs where the core content is brought to the forefront for mobile users, while still delivering a high-quality experience on other devices.
Using the fluid grid is one of the pillars of responsive design. In our experience, it makes it possible to create layouts that automatically adjust based on screen size, thereby ensuring a consistent user experience. Designers can thus guarantee that their website adapts perfectly to every resolution and orientation, offering smooth and intuitive navigation.
Responsive media and flexible images are essential elements of responsive design. They ensure that images and media adapt optimally to each device, delivering a high-quality visual experience. By using these techniques, designers can make sure their content is just as appealing on a smartphone screen as on a large computer display.
Some of the most popular tools and frameworks are used by designers to implement adaptive and responsive design. Among them are frameworks such as Bootstrap, which considerably simplify the process of creating adaptive designs, as well as cross-platform testing tools to guarantee compatibility across a wide range of devices and browsers.
Testing and validation play a central role in adaptive and responsive design. Designers must ensure that their creations work correctly across a variety of devices and browsers. By explaining why these steps are essential, we emphasize the need to guarantee a flawless user experience across all devices.
By examining examples of companies and websites that have successfully implemented adaptive and responsive design, we will be able to concretely illustrate how these practices have improved the user experience. These real-world cases will help us understand how adaptability and responsiveness are essential to increasing user engagement and the success of a digital project.
In conclusion, we will draw concrete lessons from the case studies presented. These lessons will serve as a guide for designers looking to improve their skills in this constantly evolving field. We will explore the best practices and strategies that have led to positive results in adaptive and responsive design, thereby providing avenues for improvement in future projects.
Adaptive and responsive design remains an essential element in a constantly evolving digital environment. By adopting these practices, designers can guarantee that their interfaces are accessible and pleasant on every device, thereby delivering an exceptional user experience. This approach not only meets the needs of today's users but also prepares for the future of digital design, where the diversity of screens and devices continues to grow. Adaptive and responsive design is a key to staying competitive and delivering high-quality experiences in this ever-changing digital world.
UI Design (User Interface Design) is an essential field in the creation of digital products. To design user interfaces that are both effective and enjoyable, it is crucial to understand the fundamental principles that underpin this discipline. In this article, we will explore these principles in detail, explaining their importance and providing concrete examples to illustrate their application.
Clarity is one of the fundamental principles of UI Design. It consists in making interfaces understandable for users. This means organizing information logically, providing intuitive navigation, and using well-defined visual elements. For example, a well-structured navigation menu helps users quickly find what they are looking for, thereby improving the user experience.
Simplicity is another essential principle in UI Design. The goal is to create clean, easy-to-use interfaces by eliminating any superfluous element. A sober, uncluttered interface allows users to focus on the task at hand without distraction. Simplicity does not mean sacrificing power, but rather offering a frictionless user experience. For example, Google's homepage is a classic example of simplicity, with a central search field and few additional elements.
Visual consistency is crucial to creating a harmonious user experience. It involves the consistent use of visual elements such as colors, fonts, and icons. When visual elements remain identical from one page to another, users feel more comfortable and understand the interface better. For example, action buttons in a mobile app should have the same appearance and behavior to avoid any confusion.
Coherence in navigation is just as important. Users must find navigation patterns familiar and predictable. Back buttons, drop-down menus, and links must be placed consistently so that users can navigate effortlessly. Coherence makes the interface easier to understand and strengthens the user's confidence.
Usability is a key factor in UI Design. Designers must put themselves in the users' shoes and ensure that the interface is easy to use. This involves simplifying processes, optimizing workflows, and reducing obstacles. Usability testing and user feedback are essential to identify usability problems and make improvements.
Accessibility is a fundamental principle that ensures interfaces are usable by everyone, including people with specific needs. This means designing interfaces compatible with assistive technologies, such as screen readers for visually impaired people, and complying with accessibility standards such as the WCAG. An accessible interface offers an inclusive experience, which is not only an ethical obligation but also an opportunity to reach a wider audience.
Creating a visual hierarchy is essential to guide users' attention. Important elements must clearly stand out. For example, a larger, bold main title instantly attracts attention, telling users where to start their reading or exploration.
Managing attention is another important aspect of design. Designers use techniques such as the use of negative space, color contrasts, and interactive elements to direct the user's eye toward key information. For example, a colorful, strategically placed call-to-action button encourages users to click and pursue a desired action.
Interactions must be intuitive for users. Buttons, forms, and menus must respond predictably to the user's actions. An interface where elements react as expected strengthens the user's confidence. For example, an "Add to cart" button that clearly displays the number of items added provides immediate feedback.
Responsiveness is essential, especially in the era of multiple devices. Interfaces must adapt to different screen sizes and orientations, ensuring an optimal user experience on smartphones, tablets, and desktop computers. Content and layout must be flexible to accommodate the variability of screens.
Scalability is the interface's ability to adapt to future needs. Designers must anticipate possible developments and create scalable interfaces. This means designing modular, flexible systems that can integrate new features without disrupting the existing experience. For example, a video streaming application can evolve by adding new content categories without compromising usability.
Innovation is essential to stand out in a competitive market. Designers must be ready to explore new ideas and push the boundaries of creativity. Innovation can take many forms, from integrating new technologies to creating unprecedented experiences. For example, augmented reality applications have revolutionized the way users interact with the digital world by adding virtual elements to physical reality.
The fundamental principles of UI Design are the foundation on which the creation of effective and enjoyable user interfaces rests. By understanding and applying these principles, designers can create digital products that are both functional and aesthetically pleasing, thereby meeting users' needs and expectations. UI Design is constantly evolving, but these principles remain timeless in the creation of exceptional user experiences. Designers must consider them essential guidelines throughout the creation process, from initial design to continuous iteration, in order to create interfaces that captivate, simplify, and improve users' lives.
In 2025, Figma's monopoly is over. With the release of Penpot 2.0 and its revolutionary "Code-to-Design" approach, the question is being asked seriously: should you migrate?
Penpot is no longer just an "open source alternative". It has become a mature tool that offers features Figma still doesn't have (like true CSS Grid). Here is the definitive comparison to help you choose.
If you're in a hurry, here are the fundamental differences:
| Criterion | Penpot 2.0 🟢 | Figma 🔵 |
|---|---|---|
| Price | Free (SaaS & Self-hosted) | Paid (€15+/month/user) |
| Layout | CSS Grid + Flex (Web Standards) | Auto Layout (Proprietary) |
| Offline | Yes (via Docker/Self-hosted) | No (Internet connection required) |
| Code | Native SVG & CSS | Proprietary code translated |
This is THE feature that hurts Figma. Penpot uses true web standards (CSS Grid). Concretely, you can create complex grids in 2 clicks that will be directly translatable into code by developers.
Say goodbye to the nightmare of "nested Auto Layouts" in Figma to try to simulate a grid. With Penpot, you design the way you code.
In 2025, data sovereignty is crucial. Unlike Figma where everything is in the cloud (and belongs to Adobe/Figma), Penpot can be installed on your own servers.
For a team of 10 designers, Figma costs about €1,800/year. Penpot costs €0. For agencies and freelancers, this is an irrefutable economic argument.
Like Figma, Penpot allows multiple people to work on the same file in real time. The experience is smooth and has nothing to envy from its paid competitor.
This is Figma's strong point. Its community is huge and there is a plugin for everything. Penpot is progressing quickly, but its catalog of extensions is still far behind.
Most job offers ask for "Figma". If you're looking for a job in an agency, you need to know Figma. But for your personal projects or your own studio, Penpot is an increasingly relevant choice.
Stay on Figma if: You work in a large team already set up, or if you depend on specific plugins unavailable elsewhere.
Switch to Penpot if: You are a developer, freelancer, or an agency concerned with your margins and data independence. The CSS Grid alone is worth trying out the tool.
When diving into the exciting world of user interface design and component creation in Figma, you quickly discover the importance of organization. Designs evolve, features multiply, and with them, the number of component variants to manage. It's a fascinating yet demanding challenge where every detail counts to create flawless user experiences.
This is where Figma's Simple Sort plugin comes in, like a helpful assistant in the designer's workshop. Imagine a tool that simplifies the chaotic management of your variants, streamlines your workspace, and frees your creativity. In this article, we'll dive deep into this powerful Figma extension, exploring its features and how they radically transform the way you work.
One of the key features of the Simple Sort plugin is its ability to organize your component variants based on rows or columns. This flexibility allows you, based on our experience, to customize the layout of your variants to match your specific needs. Whether you prefer horizontal or vertical organization, the plugin gives you full control.
With Simple Sort, you can reorder the values for a given property within the chosen row or column. This feature is particularly useful when you want to prioritize your options or adjust the order of values to meet your preferences.
Unfortunately, adjusting the property order must still be done in Figma's right sidebar. When you have selected a set of components, you can make these changes. However, it's important to note that to see the changes, you'll need to restart the plugin or deselect and reselect the component set.
Automatic mode is a convenient feature that allows, based on our experience, quickly reapplying the last used settings without opening the plugin interface each time. If you haven't yet run the plugin on a particular set of components, it will automatically apply the most basic settings, further simplifying your workflow.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in our daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Detailed tested points:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
In conclusion, the Figma Simple Sort plugin is a valuable tool for everyone working on complex designs. Its features, such as customizing rows and columns, reordering values, and automatic mode, allow you to optimize your workflow. While property order still requires adjustments in Figma's sidebar, the plugin greatly simplifies managing component variants. Try it now to save time and improve your productivity in Figma.
In the ever-evolving world of digital art creation, Procreate has established itself as the go-to tool for artists, illustrators, and creatives of all backgrounds. Whether you're an enthusiastic beginner or a seasoned professional, Procreate offers a palette of tools and features that will allow you to bring your ideas to life in an exceptional way. In this article, we'll explore Procreate's key aspects and how it has revolutionized digital creation.
Procreate has opened new doors for digital creativity by providing an intuitive and seamless user experience. With an impressive array of drawing, painting, and retouching tools, this application offers an almost limitless environment to express your artistic vision. Whether you want to create illustrations, paintings, comics, animations, or even quick sketches, Procreate has everything you need. You can import brushes created by the community, fonts, and export your creations in .PSD format. Links are provided below.
One of Procreate's major strengths is its extensive library of customizable brushes. From textured oil brushes to realistic markers, sketch pencils, and even special brushes for creating unique effects, each brush is designed to provide an authentic experience. Moreover, the ability to create and share custom brushes means your options are virtually unlimited.
Procreate is designed to maximize your artistic efficiency by providing a simple and intuitive interface. Smooth navigation, clear menus, and customizable shortcuts allow you to focus on your creation rather than technical manipulations. This makes it an ideal choice for artists who want to immerse themselves in their work without being hindered by unnecessary complications.
One of Procreate's most powerful features is its ability to make digital transformation as natural as possible. Functions like symmetry, assisted perspective, and distortion tools allow you to manipulate your creations with amazing precision. This opens the door to bold experiments and innovative artistic results.
Procreate also facilitates collaboration between artists. Whether you're working as a team on a project or want to share your creations with the world, Procreate offers simple sharing and export features. You can save your works in high resolution, animate them, and even share them on social media in a snap.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In the spirit of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
Procreate is much more than just a digital drawing application. It's a powerful tool that catalyzes imagination and pushes the boundaries of creativity. Whether you're an emerging artist or an established professional, Procreate's seamless creation experience and innovative features will inspire you to create works that push the boundaries of digital artistic expression. So get ready to dive into a world of creative possibilities with Procreate. Express yourself, innovate, and create digital masterpieces that will leave a lasting mark in the ever-evolving artistic universe.
French Discord Server based on mutual aid (new)
Download the Procreate application
Import downloaded Brushes
Import downloaded Fonts
Import .PSD (Photoshop)
In the world of design, animations play a crucial role in bringing interfaces to life, captivating users and improving the overall experience. It's with this in mind that the "LottieFiles" plugin for Figma was created, offering an innovative solution for easily integrating Lottie animations into design projects. The "LottieFiles" plugin offers a wide range of features that simplify the process of creating and integrating animations, allowing designers to unleash their creativity and improve the quality of their designs.
Thanks to this extension, designers can export their Figma designs as production-ready Lottie animations, or access a library of more than 80,000 ready-to-use animations. This article will explore in detail the many facets of the "LottieFiles" plugin for Figma. We'll dive into key features such as exporting designs to Lottie animations, customizing colors, exploring vast animation libraries and much more.
In addition, we'll guide you step by step through how to use the plugin effectively to create striking animations and integrate them seamlessly into your design projects. Discover how this revolutionary plugin transforms the world of design by allowing designers to express their creative vision dynamically, while offering users unforgettable and engaging experiences. Ready to bring your designs to life? Let's dive into the enchanting world of the "LottieFiles" plugin for Figma.
Before you start using the "LottieFiles" plugin in Figma, you need to sign in by creating an account on the LottieFiles website. Once signed in, the plugin interface changes and gives you access to several tabs, as well as a shortcut for quickly accessing your Lottie account. In the section tied to your account, you can view your profile, which opens in a new browser tab. You can also sign out if needed, directly from the plugin.
In the "Discover" tab of the "LottieFiles" plugin for Figma, you have access to a list of diverse and varied animations. Each page displays 12 animations, and you can easily navigate between pages by clicking the "Next" buttons to move forward or "Prev" to go back to the previous page. When you click on any animation in the list, you can preview the animation using an interface similar to the one in the "Export to Lottie" tab.
In addition, you can access the creator's profile or simply open the animation in a new web page. To make it easier to search for specific animations, a search bar is available. You can enter the keywords associated with the type of animation you're looking for directly into it, such as "confetti" or "loading bounce".
If needed, you can quickly clear the current search by clicking an X. Please note that there is no dedicated action button to apply the search. Simply press the "Enter" key on your keyboard to launch the search and display the matching results.
The "Workspaces" tab of the "LottieFiles" plugin for Figma lets you, in our experience, view your workspace, also called a "Workspace". In your "Workspace", you can access the different folders corresponding to your projects. Each project contains the animations you've created, whether with or without the Figma plugin. In addition to your own creations, you'll also find three example animations provided by Lottie, which can be useful for exploring the plugin's possibilities.
The "Workspaces" tab also offers a search feature, which lets you search across your entire workspace. You can refine your search by selecting different content types such as "Animations", "Folders" or "Projects". This lets you, in our experience, quickly find the specific items you're looking for within your organized workspace.
The "Import" section of the "LottieFiles" plugin allows for easy importing of dotLottie files from your .lottie files or Lottie .json files. This feature lets you import animations directly from Figma, without needing to go through the browser, which centralizes actions within Figma's working environment.
Using this import function offers a significant advantage, as it simplifies the process by avoiding back-and-forth trips between Figma and the browser, thus enabling more efficient management of dotLottie animations directly from Figma. This makes integrating animations into your design projects even more convenient and seamless.
The "Export to Lottie" tab of the "LottieFiles" plugin in Figma lets you export your Figma animations as Lottie animation prototypes. You have two options for exporting your animations:
Please note that if you've made adjustments to the animation you want to export and the plugin is already running, you'll need to relaunch the plugin for your changes to be taken into account. Once you've selected the basis for the animation, a new interface appears, letting you preview the final rendering of the Lottie animation. This interface gives you a preview of how the animation looks and behaves, allowing you to make sure everything meets your expectations before proceeding with the final export.
The "Animation Preview" tab of the "LottieFiles" plugin in Figma lets you, in our experience, preview your animations before exporting them, ensuring a rendering faithful to the one in Figma.
Depending on the type of animation and its duration, a number of frames will be automatically set to reproduce the same rendering as in Figma, thus ensuring an accurate view of your animation. To better appreciate the animation, a loop playback option is available, letting you replay it as often as you like.
You can also pause playback at any time and manually move the timeline marker to target a specific area of the animation.
To get the most realistic rendering possible after export, you have the option to change the preview's background color. As for time management, you can slow down or speed up the rendering to control certain specific parts of your animation, which is useful for fine-tuning the details and adjusting the playback speed to your needs.
The "Frame Animation" option lets you animate a single frame of your Figma design in a targeted way. The interface for this feature is similar to the one used to animate a Prototype Flow, with a few specific differences. To make the animation process easier, the plugin offers a list of several predefined animation styles. These styles let you animate the elements present in your frame based on animations preset by the plugin.
Each animation style is illustrated by a micro-animation, giving you a visual preview of the possible rendering if the animation is selected.
You have the choice between three types of animation:
Each type of animation includes a list of animation styles related to its type. For example, for the "Move-in" type, you can choose from options such as "Pop In", "Slide Up", "Slide Down", "Fade In" or "Zoom & Fade". These predefined styles make it easy to apply smooth, professional animations to your design in a single click.
The "Customize Colors" feature is an advanced part of previewing any animation, letting you redefine all the colors used in an animation, whether by using a suggested palette or by creating a new custom palette. When creating a new palette, you can select up to five different colors.
To get interesting results, it's advisable to choose a few random colors at first, to see their impact, and then later adjust only those that have a significant impact on the animation's appearance.
Currently, there is no notable difference between the "New Palette" and "Generate Palette" options, except for the first suggested color, which will be Lottie's green in one case and black in the other. So you have the flexibility to choose the option that suits you best, depending on your color preferences or your project's needs.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which, in our experience, lets us validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
The "LottieFiles" plugin for Figma represents a true revolution in the field of design by allowing designers to easily integrate Lottie animations into their projects. Thanks to its advanced features, this plugin offers an unmatched user experience, freeing designers' creativity while delivering interactive and captivating animations.
With the ability to export Figma designs as production-ready Lottie animations, the "LottieFiles" plugin makes it easy to create dynamic prototypes for websites and applications. Furthermore, access to a vast library of more than 80,000 ready-to-use animations considerably expands creative possibilities, allowing designers to quickly find the perfect animation to enrich their projects. Color customization offers additional flexibility to adapt animations to each project's brand image.
In addition, real-time preview allows designers to fine-tune their creations, adjust the details and control the animation's speed for optimal rendering. By avoiding the browser and centralizing actions within Figma, the "LottieFiles" plugin simplifies the creation process, thus accelerating the workflow and strengthening collaboration between team members. In conclusion, the "LottieFiles" plugin for Figma is a real boon for designers seeking dynamism and interactivity in their design projects.
It opens up new perspectives for creating exceptional user experiences, and makes animation a powerful asset for captivating and amazing users. By adopting the "LottieFiles" plugin, designers embrace a new era of creativity and innovation in the world of design. So, what are you waiting for to bring your designs to life and transform your projects with dazzling animations? Immerse yourself in the exciting world of the "LottieFiles" plugin for Figma and explore the full potential of interactive animation.
Dive into a world of overflowing creativity with the Figma "Blobs" plugin! This powerful and innovative tool gives designers the freedom to create unique and expressive organic shapes.
By enabling features such as "Uniqueness" to create distinct shapes, "Complexity" to add sophisticated details, "Insert" for seamless integration into your projects, and "Random" for unpredictable results, the "Blobs" plugin opens the doors to a visual universe where the only limits to explore are those of your imagination. Discover how this revolutionary tool can transform your creations in Figma and bring captivating, memorable designs to life!
This feature gives designers the ability to create completely unique and original organic shapes. By enabling this function, you can generate blobs that stand apart from one another, bringing a distinctive and memorable visual identity to your designs.
When you use the "Uniqueness" function in the "Blobs" plugin, it automatically adjusts the shape-generation parameters to avoid duplicates. By ensuring that your creations don't look like mass-produced elements, this feature helps you craft original designs that reflect your creativity and enrich your compositions.
This feature gives designers the freedom to create elaborate and sophisticated shapes by modifying the internal structure of the blobs. It opens up new possibilities for producing detailed and artistic shapes. When you enable the "Complexity" function in the "Blobs" plugin, you can add extra levels of detail to your organic shapes by incorporating additional anchor points or using more complex curves.
These adjustments make it possible to create blobs with finer details and a refined appearance. By taking advantage of the "Complexity" feature, you can design more elaborate and artistic illustrations and patterns, adding sophistication to your design projects.
This feature simplifies the integration of generated blob shapes into your existing Figma projects. Once you've created a blob with the "Blobs" plugin, simply use the "Insert" function to add it directly to your Figma project. The generated blob is inserted as an additional layer, giving you the flexibility to manipulate, move, and adjust it to suit your needs.
This feature saves you time by avoiding tedious copy-paste operations between different windows. By using the "Insert" function, you can work seamlessly and stay within the same design environment, which improves your overall productivity.
This feature adds a touch of unpredictability to the shape-creation process, delivering surprising results and stimulating your creativity. When enabled, this function randomly adjusts the shape-generation parameters to create blobs with unexpected variations.
This lets you explore a multitude of different shapes, inspiring you with unexpected results and helping you discover creative possibilities you might not otherwise have considered. The "Random" function fosters innovation by providing random results that can spark new ideas. You can also explore a wide range of shapes by playing with the generation parameters, which enriches your design process.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
In conclusion, the Figma "Blobs" plugin proves to be a real gem for designers seeking originality and creativity. Thanks to its "Uniqueness" feature for distinct shapes, "Complexity" for sophisticated details, "Insert" for seamless integration, and "Random" for unpredictable results, it offers a wealth of options to enrich your design projects. By tapping into the full potential of this tool, you can bring unique illustrations, evocative backgrounds, and modern, innovative user interfaces to life.
The "Blobs" plugin also simplifies the design process by saving time while preserving the consistency of your workflow. Thanks to its intuitive features, designers can quickly create expressive shapes without compromising the quality and aesthetics of their creations. In short, "Blobs" opens up an infinite world of creative possibilities, stimulating your imagination and allowing you to push the boundaries of design. Whether you want to bring artistic projects, innovative interfaces, or striking graphic compositions to life, the Figma "Blobs" plugin stands out as an invaluable companion for your creative journey in Figma.
Discover the Figma plugin "Content Reel", a powerful extension that revolutionizes your design workflow. Enrich your mockups and prototypes by accessing a vast library of varied content, including text, images and icons. With innovative features such as Icon Visual Search, home screen customization and the ability to create your own content, Content Reel makes collaboration easier and boosts your creativity. Let's dive into the details of this must-have plugin that will help you design faster and more efficiently than ever.
The Figma plugin "Content Reel" offers a toolbar with the following tabs: Home, Text, Images, Icons and Add. Users can sign in to unlock publishing of custom content. A quick search feature makes it easy, in our experience, to find content based on the desired type. Icon Visual Search is always accessible to identify icon matches from images or shapes. Each tab lets you display either all available results or only the content marked as favorites, offering a more personalized search experience.
Icon Visual Search is a powerful feature that lets users easily find icon matches from an image or a flattened shape. For example, if you have a bag icon that you use to represent your e-commerce site's cart, this feature of the "Content Reel" plugin will be able to suggest equivalent icons available in Microsoft's design system, Fluent.
Using the image or shape as a reference, Icon Visual Search runs a search across the list of content available through the plugin and presents the icons that best match the given image or shape. This feature is particularly useful for quickly finding icons similar to the ones you already use, which makes it easier to keep visual consistency and harmony across your design projects. Thanks to the integration with Microsoft Fluent, users benefit from a wide range of high-quality icon options to enrich their creations.
In the "Text" tab, users have access to written content only. They can browse all the collections created by other users, but also run a direct search to find a specific type of content. This feature makes it possible, in our experience, to quickly determine whether it is worth creating your own content from the "Add" tab.
By gathering all written content in one place, the "Text" tab offers a smooth and efficient search experience for users looking for specific text to use in their design projects. The ability to search directly for a type of content also avoids duplicates and makes it easier to decide whether to create custom content if needed.
In the "Icon" tab, users have access only to the icon collections offered by Microsoft's plugin. These collections include the icons from Microsoft's design system, Fluent, presented in filled and outlined form, as well as the "Fabric" icon, which is Microsoft's icon font, available in glyph or SVG format.
This tab offers users a complete selection of high-quality icons from Microsoft's design system, allowing them to quickly and easily find the icons that best suit their design projects.
In the "Add" tab, users have the option to add up to 20 images in PNG or JPG format. It is essential to compress the largest images as much as possible to make sure they can be added, since there is no limit on their dimensions. When it comes to creating text content collections, no limit on the number is imposed, allowing users to create as many collections as they want.
When adding content, the user must assign a collection name, whether for text or images. In addition, a privacy option is provided, letting the user decide whether to make the collection public or keep it private. This feature gives users complete flexibility to organize and manage their custom content according to their preferences.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Aspects tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
The Figma plugin "Content Reel" is a must-have tool for designers, offering a complete library of content, such as text, images and icons, to enrich their mockups and prototypes. Thanks to Icon Visual Search, users can easily find icon matches from images or shapes, ensuring visual consistency.
By customizing the home screen and creating their own content, designers can optimize their workflow and meet the specific needs of their projects. With the "Content Reel" plugin, designers' productivity and creativity reach new heights, streamlining their design process and fostering effective collaboration with other Figma users.
In the field of design, finding high-quality, royalty-free images can often prove to be a challenge. However, thanks to the Figma plugin "Unsplash", designers now have access to a vast library of varied images directly from the design interface. This plugin meets designers' needs for visual inspiration research and the creation of attractive interfaces. This article will explore the features offered by the "Unsplash" plugin for Figma, detailing its advantages and disadvantages, and explaining why it has become an indispensable tool in a designer's design methodology.
The "Unsplash" plugin for Figma offers a range of practical features for designers, allowing them to search, insert, and easily manage images in their projects. Among these features, image search, direct image insertion, the "Presets" tab, the "View History" tab, and the "Login" section stand out. In this article, we will explore these different features in detail and explain how they can improve the efficiency and creativity of designers in their design process.
The search feature lets you type a keyword into the plugin's dedicated search bar to instantly display a selection of matching visuals as thumbnails right inside the Figma panel. Simply scroll through the results and click the one you want to see it appear immediately on the canvas, without ever leaving the design interface.
The direct image insertion feature of the "Unsplash" plugin for Figma facilitates the integration of selected images into users' Figma projects without leaving the interface. This feature accelerates the design process by preventing users from having to manually download and import images from external sources. Additionally, each image is accompanied by the author's name and a link to their profile, allowing designers to properly credit the author and discover more of their work.
The plugin also distinguishes images available with a paid Unsplash+ account, making it easier to make decisions about the appropriate use of images based on rights and the specific needs of the project. In summary, the direct image insertion function of the "Unsplash" plugin simplifies the image integration process, provides information about authors and licensing options, and allows designers to create visually attractive projects using quality images from the Unsplash library.
The "Presets" tab of the "Unsplash" plugin for Figma offers users the ability to choose from a variety of predefined themes to find corresponding images quickly and conveniently. By using the "Presets" tab, users can select a theme from options such as Abstract, Minimal, Animal, Nature, Architecture, Plant, Art, Portrait, Business, Space, Colorful, Technology, Food, Texture, Interior, or Wallpaper. Each theme groups together a collection of images corresponding to that specific category.
When a theme is selected, the plugin allows inserting an image randomly from those available in this specific theme. This offers a fun and practical approach to discovering and integrating images into the project, providing a random selection of images matching the chosen theme. By using the "Presets" tab and its predefined themes, users can quickly explore different image categories and find relevant visuals to enrich their design projects.
The "View History" tab of the "Unsplash" plugin for Figma allows users to easily view recently used images and insert them individually into their project. This offers a convenient way to quickly find and reuse previously used visuals, simplifying the image insertion process and providing valuable time savings in designers' workflow.
The "Login" section of the "Unsplash" plugin for Figma offers users the ability to log in to their Unsplash+ account. When they log in with their Unsplash+ account, this activates the plugin's paid features, allowing them to access additional features and images reserved for subscribers. The "Login" section thus facilitates account and subscription option management for users who wish to benefit from the advantages of the Unsplash+ offering.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
The Figma plugin "Unsplash" has revolutionized the way designers work with images in their projects. With its vast library of high-quality images and ease of use, it has become an essential element in designers' toolbox. Through instant access to a multitude of inspiring images, the "Unsplash" plugin provides designers with a source of inspiration and improves the visual quality of their projects. Despite some limitations related to licensing and internet connectivity, the benefits offered by the "Unsplash" plugin are undeniable.
By integrating this plugin into their design methodology, designers can optimize their workflow, stay up to date with visual trends, and create visually attractive interfaces. The richness of the image library allows designers to find visuals suited to all styles and design needs. In conclusion, the Figma plugin "Unsplash" offers a simplified and efficient experience for using images in design projects, allowing designers to improve their productivity, stimulate their creativity, and create visually impactful projects. It has become an essential tool for designers who wish to create exceptional visual experiences.
The Figma plugin "Style Organizer" offers a comprehensive and practical approach to managing styles in your project. By analyzing all elements on a page rather than limiting itself to specific elements, this plugin makes organizing and visualizing styles in Figma easier. With features such as automatic merging of similar styles, display of colors and text values, as well as information on overall style usage, "Style Organizer" allows you, based on our experience, to streamline your design workflow and ensure visual consistency. Discover in this article how to effectively use this plugin to optimize your styles and improve your productivity in Figma.
The "Style Organizer" plugin provides a comprehensive approach to managing styles in your Figma project. It analyzes all elements on a page rather than limiting itself to a specific element or the entire document. In the plugin toolbar, you will find different tabs. The "Color" tab displays all color values used in your project, regardless of their status (linked to a library, local, or unlinked to an existing style).
Similarly, the "Text" tab allows you, based on our experience, to visualize all text values present in your project. The "Reload" action allows you, based on our experience, to update the plugin without closing it, notably the percentage displayed in the "Overall Usage" section. This comprehensive approach facilitates the management and visualization of styles in your Figma project.
The "Overall Usage" section of the "Style Organizer" plugin provides comprehensive information on style usage in your project. It gives you an overview of the percentage of "Local" styles that are specific to the current Figma file, "Remote" styles coming from external libraries, and "Unlinked" styles that are not attached to an existing style, whether local or remote. This functionality allows you to assess the distribution of styles in your project, better understand their origin, and facilitate their management and organization.
The "Style Organizer" plugin offers a practical feature called "Auto Fix" that simplifies style management in Figma. This functionality allows you, based on our experience, to automatically merge elements (called "Usage") that have a similar style, in order to reduce style redundancy and improve consistency in your project.
By default, the plugin selects the most frequently used style to perform the merge, ensuring a logical result. The major advantage of this functionality is that it allows you, based on our experience, to quickly reduce the number of unlinked styles and optimize the structure of your styles, thus simplifying the management of your designs in Figma.
The "Style Organizer" plugin offers a dedicated section for displaying styles in its interface. This section presents different columns such as "Appearance", "Style Name", "Usage", and "Action":
By hovering over a "Style Name", it is possible to quickly select all layers using this style, thus facilitating the consistent application or modification of styles in the project. This functionality offers clear visualization and effective control of styles.
After testing this tool on several client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Key points tested in detail:
In the spirit of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
In conclusion, the Figma plugin "Style Organizer" offers a comprehensive and practical approach to simplifying style management in your design projects. Thanks to its features such as automatic merging of similar styles, clear display of colors and text values, as well as information on overall style usage, "Style Organizer" improves the visual consistency of your designs and optimizes your workflow.
By using this plugin, you can easily group redundant styles, thus reducing complexity and the number of unlinked styles. The plugin's intuitive interface allows you, based on our experience, to quickly visualize the different characteristics of styles, thus facilitating informed decision-making when organizing and modifying your styles. By integrating "Style Organizer" into your Figma workflow, you will save time, improve the efficiency of your design process, and create consistent and professional designs.
When it comes to working with text in Figma, being able to split it into multiple elements, sort it, group it and organize it according to the needs of the project is essential. This is where the Nisa Text plugin comes in. By offering a variety of powerful features, this plugin meets designers' needs by letting them easily divide, manipulate and rearrange text in Figma.
In this article, we'll explore how to use the Nisa Text plugin and review its main features to optimize your workflow and help you accomplish complex typography tasks more efficiently.
Smart text splitting lets you, in our experience, cut content horizontally and vertically using specific delimiters. You can define these delimiters to split the text according to your needs. This feature is useful for separating text into several distinct parts, such as sentences, paragraphs or sections.
The split to columns feature lets you, in our experience, divide text into distinct columns. By using two line breaks, you can easily create multi-column layouts. This is handy when you want to organize your text in a structured way and make it easier to read or compare different parts of the content.
Splitting by word lets you, in our experience, break text into individual words. This feature is useful when you want to manipulate or edit specific words without affecting the rest of the text. You can select the target words and separate them to make precise adjustments.
The "Group by Alphabet" feature lets you, in our experience, group text according to alphabetical order. This makes it easier to organize content and find specific items. You can group words, sentences or other text units by their alphabetical order, which simplifies viewing and managing large amounts of content.
When you split text using the plugin, you can keep the original text styles. This means that style attributes such as font, size, color, and so on, will be preserved in each split part of the text. This way, you can maintain visual consistency while making changes or adjustments.
The Nisa Text plugin offers several options for processing your text once it has been split. You can remove duplicates to eliminate unwanted repetitions. In addition, you can sort the text in ascending or descending order, which makes navigation and searching easier. If you want to reverse the order of the text, that is also possible. Finally, the shuffle function lets you, in our experience, mix the text in a random order, useful for generating variations or creative arrangements.
After performing split operations on your text, this feature lets you, in our experience, easily merge the split parts back into a single block of text. You can restore the integrity of the text by rejoining it, while keeping the original text styles. This lets you, in our experience, return to a combined version of the text if you want to make other changes or manipulations.
Using this feature, you can wrap the split text into an automatic arrangement, also known as "Auto Layout" in Figma. Auto Layout lets you, in our experience, create a flexible and responsive layout for your text. You can easily adjust the size, spacing and alignment of the text elements, which makes it easier to create complex layouts while maintaining a consistent structure.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
The Nisa Text Figma plugin is a must-have tool for designers who want to simplify their typography work. With its powerful features for cutting, manipulating and reorganizing text, this plugin offers an effective solution for meeting specific needs. In particular, if you have a bullet list that you've copied and pasted and want to split it into distinct items, the Nisa Text plugin becomes your best ally.
By using the smart split, split to columns, split by word and other features, you'll be able to quickly break your list into individual items and rearrange them according to your needs. The Nisa Text plugin also lets you keep the original text styles, remove duplicates, sort, reverse or shuffle the text for optimal customization. Thanks to this tool, you'll save precious time and be able to focus more on creativity and the fine-tuning of your typography.
In the world of design, the clarity and organization of your compositions are essential to ensuring a smooth workflow and a visually appealing presentation. If you are a user of Figma, the design tool widely praised by professionals, you will be delighted to discover the "Masonry Grid Layout Organizer" plugin. This game-changing plugin offers a powerful and practical solution to simplify and optimize the layout of your designs within Figma.
In this in-depth article, we will explore in detail the advanced features of "Masonry Grid Layout Organizer" and dive into the many benefits it offers to radically transform your organization process in Figma. Get ready to save time, boost your productivity, and create perfectly structured compositions thanks to this versatile and innovative tool. With the "Masonry Grid Layout Organizer" plugin, you will be able to unleash your full creative potential by organizing your designs in an efficient and visually striking way.
This feature of the Figma "Masonry Grid Layout Organizer" plugin gives you the ability to choose the elements you want to organize. You can select all the elements present on the active Figma page or choose a specific selection of elements by designating them. This gives you precise control over the elements you want to include in your grid layout.
With this feature, you can define how the elements will be organized in the grid. You have two options: sort the elements by name, which arranges them in an orderly fashion based on their name, or sort them randomly, which creates a random arrangement of your elements. This flexibility lets you experiment with different configurations to find the one that best suits your design.
As its name suggests, this feature allows you, in our experience, to define the orientation of the grid. You can choose between a vertical or horizontal orientation, depending on the desired distribution of the elements. If you opt for a vertical orientation, the elements will be distributed by rows, while the horizontal orientation will arrange them by columns. This option allows you, in our experience, to customize the appearance and structure of your grid to fit your needs.
This settings area allows you, in our experience, to define the number of columns or rows across which you want to distribute your elements. Depending on the orientation chosen earlier, this value will influence how the elements are distributed. For example, if you specify a number of columns, the plugin will automatically adjust the number of rows accordingly to maintain a balanced grid.
The "Margin" feature allows you, in our experience, to specify the spacing value between the rows and columns of your grid. By default, a spacing of 10 pixels is applied. However, you are free to change this value according to your preferences. This allows you, in our experience, to create more spacious or more compact compositions depending on the style and visual look you want to give your grid.
Once you have configured all the options to your needs, you can click the "Organize" button to apply the distribution of the elements and obtain a "Masonry Grid" type grid. The advantage of this plugin is that it does not close automatically after generating the grid. You can continue adjusting settings such as orientation, the number of columns/rows, or the margins to achieve the desired result without having to start the process over from the beginning.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
The Figma "Masonry Grid Layout Organizer" plugin is a must-have tool for designers using Figma, offering a practical and efficient solution to organize their compositions with an optimized grid layout. By leveraging advanced features such as element selection, custom sorting, flexible orientation, adjustable number of columns/rows, and customizable margins, this plugin simplifies and speeds up the process of organizing your designs. You benefit from increased productivity, better visualization of your compositions, and the flexibility to fine-tune your grid.
Stop wasting time organizing your designs manually. Try the Figma "Masonry Grid Layout Organizer" plugin now and discover how it can revolutionize your workflow and improve the presentation of your creations. Get perfectly arranged designs and unleash your creativity with this powerful tool.
Designing user interfaces often requires drawing inspiration from existing websites or converting web pages into interactive mockups. However, this process can be tedious and time-consuming. This is where the Builder.io plugin for Figma comes in, offering a convenient solution for directly importing web pages into Figma and transforming them into interactive mockups. Within the field of digital design, tools and plugins offer a wide range of possibilities to facilitate our work.
Among these innovative solutions, the Builder.io plugin for Figma stands out by offering a combination of powerful features: design export to code, content generation through artificial intelligence (AI), and direct web page import into Figma. In this article, we will focus on this last feature, which complements the Html.to.Design plugin known for its limitation of 12 imports per month. Discover how the Builder.io plugin allows you to import web pages without restrictions and take full advantage of Figma's features for your design projects.
This feature allows users to import specific web pages into Figma using the corresponding URL. When you activate this feature, you can simply copy and paste the URL of the web page you wish to import, and the Builder.io plugin will automatically extract the page content and transform it into a Figma mockup. This allows you, according to our experience, to work directly with actual elements from web pages in your design project, making it easier to create mockups based on existing websites.
The "Viewport Width" feature of the Builder.io plugin allows you, according to our experience, to specify the viewport width when importing a web page into Figma. This feature gives you precise control over how the web page is displayed in your mockup.
With the desktop, tablet and mobile icons available, you can choose from predefined widths for the viewport. For example, you can select a width of 1200px to represent desktop screen display, 900px to simulate a tablet, or 400px to represent mobile display.
Adjusting the viewport width allows you, according to our experience, to simulate different devices or screen resolutions, which is particularly useful when designing adaptive or responsive interfaces. You can thus visualize and adjust your mockup based on different screen sizes, ensuring that your design adapts perfectly to each device.
The "Frames" feature of the Builder.io plugin makes it easier to import web pages into Figma. By default, all elements are grouped in a single frame, preserving the structure of the web page. However, by checking a box during import, it is possible to create individual frames for each element, except for SVG elements which are grouped separately.
The generated frames offer several advantages. They allow you to easily modify each imported element by isolating them in individual frames. This makes it easier to select, modify and precisely customize each element.
Additionally, using frames can speed up the application of auto layout, a powerful Figma feature for creating dynamic and responsive layouts. By applying auto layout to individual frames, it becomes easier to achieve a fluid and responsive layout for your mockup.
The Chrome extension of the Builder.io plugin offers a page capture feature. By clicking the "Capture the page" button, you can download the visual rendering of a web page in JSON format. To use this rendering in Figma, simply upload the JSON file via the Builder.io plugin in Figma. Once the file is imported, the plugin automatically generates the page rendering as a frame in Figma.
It is important to note that the web page rendering obtained by using the Chrome extension and downloading the JSON file will be identical to that obtained by going directly through the Builder.io plugin in Figma. This ensures visual consistency and rendering fidelity, regardless of which import method is used.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in our daily workflow, which allows us, according to our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In conclusion, the Builder.io plugin for Figma offers a practical solution for importing web pages into Figma and transforming them into editable mockups. Unlike Html.to.Design which imposes monthly conversion limits with its paid plan, Builder.io allows you, according to our experience, to convert web pages to Figma files without restrictions. While the plugin's features are not as advanced as those of Html.to.Design, such as using frames in auto layout, Builder.io remains an effective and free alternative for converting web pages to Figma mockups.
With Builder.io, you can easily capture and import the visual rendering of web pages while preserving their original structure and styles. Whether you need to create mockups, draw inspiration from existing designs or use actual components, Builder.io supports you in your design process in Figma, without the monthly limitations imposed by other tools. Enjoy the freedom to convert as many web pages as you wish and fully leverage the possibilities offered by Figma for your design projects.
User interface design is a complex process that requires careful attention to detail. Among these details, style management is crucial for maintaining visual consistency throughout a project. However, creating styles in bulk can be time-consuming, and it would be simpler and faster to simply name each styled layer and generate everything at once, rather than going through Figma's interface which can be tedious.
This is where the "Styler" plugin comes in, which allows, based on our experience, you to generate styles based on layer names in Figma. The major advantage of this plugin is the ability to change styles easily in the same way. Combined with the features of the Rename It plugin, which notably allows you to set the style name as the layer name, updating styles or their names becomes even simpler and faster.
This feature allows you to quickly extract styles from existing design elements in your Figma project. The extracted styles are displayed in size order, which is very convenient for quick and efficient use. Additionally, if you use the auto-layout feature, extracting styles can be even faster and easier for use in other projects or to create a style guide.
This allows, based on our experience, you to create styles based on layer names in your Figma design. This feature is useful for colors, fonts, font sizes, and shadow effects, and can be used to quickly create consistent styles for your design elements. When using this feature, it is important to name layers in a consistent and descriptive manner. For example, if you want to create a style for the background color of a button, you can name the corresponding layer "Button/Background".
In this way, when you use the "Generate Styles" feature, the plugin will create a new style based on the "Button/Background" name. Once you have created a style using this feature, it is easy to apply it to other design elements by using the "Apply Styles" feature. You can also organize your styles using style hierarchies by using a slash ("/") in your layer name, as seen previously.
This feature allows you to apply existing styles to selected elements in your Figma design based on layer names. This feature works for colors, text, and effects. Thus, if you have named your layers consistently with your styles, you can easily apply these styles to your corresponding layers using this feature.
In other words, the "Apply Styles" feature is the inverse behavior of the style generation feature. While style generation creates styles based on layer names, the "Apply Styles" feature applies existing styles to layers also based on their names.
This allows users to detach styles from one or more selected elements at once. This feature is particularly useful if you have multiple elements with different styles and want to handle them in bulk. It is important to note that if you use this feature to detach a single style or single layer, the plugin may not provide significantly more advantages compared to the basic functions available in Figma. However, if you need to handle multiple elements, the "Detach Styles" feature can save you a lot of time by avoiding the need to detach styles one by one.
This feature allows, based on our experience, you to quickly remove a text style, color style, effect, or grid from a selected element in your Figma project. One of the advantages of this feature is that removal is visual, which makes it easier to identify which styles need to be removed. Additionally, it is possible to target all styles at once or individually using the options "By Fill Type", "By Stroke Type", "By Text Type", "By Effect Type", and "By Grid Type". This feature is very useful for maintaining style consistency throughout your project and for quickly removing unused or redundant styles.
This allows, based on our experience, you to customize the plugin according to your specific needs. You can choose the duration of notifications so you don't miss important information, and set the order of style generation to suit your preferences. Additionally, you can display the name of the last style in the description for better identification.
The plugin also offers some experimental features for advanced users. You can adjust the number of columns and rows generated when using the "Extract Styles" feature, which can be very handy for large projects. Finally, you can choose to save your current settings or restore default values.
After testing this tool on several client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Detailed tested points:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
In summary, the "Styler" plugin is a practical tool for all designers working on Figma who want to save time and improve their productivity. Thanks to the style generation feature based on layer names, it is easy to create consistent styles for all your design elements. By also using the "Customize Plugin" feature, you can customize the tool to your specific needs, for example by choosing the duration of notifications or the order of style generation.
One of the major advantages of "Styler" is its combination with the Rename It plugin, which notably allows you to quickly update layer names based on applied styles. Ultimately, "Styler" is an excellent tool for all designers looking to simplify their workflow and save time. Using this tool, you can easily create consistent styles for all your design elements while customizing the tool to meet your specific needs.
Component properties in Figma are a very useful feature for reducing the number of variants and simplifying the design process. However, they can present a major drawback: certain properties don't allow displaying elements hidden by default.
As a result, it can be difficult to know how many combinations are possible at a glance. This is where the Propstar plugin comes in, displaying all possible variations as a table, making the design process much easier. In this article, we'll examine the features of this plugin and explain how it can help you in your design work in Figma.
The "Create Embedded Table" feature allows, according to our experience, creating a table inside an existing text frame in a Figma design. This option is ideal for designers who want to organize data and information in a table format within a design. To use this feature, simply select an existing text frame and access "Create Embedded Table" in the plugins menu.
Then it's possible to specify the number of columns and rows you want in your table, as well as other table properties. The advantage of this feature is that it allows, according to our experience, quickly and easily creating an organized table inside an existing Figma design. This can help improve the organization and presentation of data in the design.
The "Create Standalone Table" feature allows, according to our experience, creating a table as a standalone element in a Figma design. Unlike the "Create Embedded Table" feature, this function creates a distinct table frame that can be placed anywhere in the design. To use this feature, simply access "Create Standalone Table" in Figma's plugins menu. Then it's possible to specify the number of columns and rows you want in your table, as well as other table properties.
The advantage of this feature is that it allows, according to our experience, easily creating a standalone table in a Figma design, which can be moved, modified, or deleted without affecting the rest of the design. This feature is useful if you want to create a table that needs to be placed at a specific location in the design and must be independent of the rest of the layout.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, according to our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Detailed Test Points:
In conclusion, the Propstar plugin for Figma is a powerful tool that can help designers display all possible variations of their components and thus facilitate their design process. Thanks to its features, such as creating embedded or standalone tables, it allows, according to our experience, quickly visualizing all combinations of variant and component properties.
Propstar is also easy to use, with a simple click to generate the instance table. Although there are limitations regarding reordering properties and values in variants, Propstar allows designers to save time and better understand the possibilities of their components. If you're a designer using Figma, we strongly recommend trying the Propstar plugin to improve your workflow and simplify your design process.
When working in design, it is common to create Figma mockups to design user interfaces and graphic designs. However, a designer may sometimes need to convert these mockups into images for various reasons, such as creating presentations, publishing on websites or social media, or making resources available to the design community.
Unfortunately, when you export an image at a resolution higher than 2x in Figma, the size of the resulting image is limited to a maximum of 4096px in width or height when it is imported back into Figma. This limitation can be a real obstacle for designers looking to create higher-quality images from their Figma mockups. This is where the Flatten Selection to Bitmap plugin can prove very useful. In just a few clicks, this plugin lets you, in our experience, convert any Figma mockup into a group of high-quality images, with no size limit whatsoever.
The main function of this plugin is to convert the selected element or elements into an image. If the image exceeds the value set by Figma, the plugin will slice the image into as many images as needed to reproduce everything that was just converted. The conversion starts automatically using the resolution defined by default or manually in the settings.
The plugin also lets you change the resolution of the generated images. The options range from 2x up to 10x the displayed size, ensuring a pixel density close to vector rendering. There are 5 possible values (2x, 3x, 4x, 8x, and 10x). This option lets you, in our experience, guarantee quality rendering without pixelation. You can also save your settings. The default resolution is 2x.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In conclusion, the Flatten Selection to Bitmap plugin is an extremely useful tool for all designers using Figma. It lets you, in our experience, work around the size limitations when exporting images from Figma mockups, thereby guaranteeing high-quality rendering with no loss of detail or resolution. The resolution customization features offered by the plugin also make it possible to adapt to the specific needs of every project.
In addition, this plugin can also be very useful for designers who want to publish paid resources on Figma Community, by converting their mockups into images while preserving the confidentiality of their paid templates. In short, we strongly recommend using this plugin for all designers looking to obtain high-quality images from their Figma mockups and who want to offer a preview of their work while preserving the confidentiality of their paid templates.
Using mockups is a crucial element in the design process to visualize and test designs before launching them on the market. However, creating mockups can be tedious and time-consuming. That's why the Figma "Mockup" plugin is an ideal solution for designers looking to save time and improve efficiency in mockup creation.
The Figma "Mockup" plugin offers an easy and fast solution for using mockups in Figma. Simply select a device, choose a frame, and your design appears on screen. With a large library of high-quality, popular mockups that are always up-to-date and constantly growing, this plugin is a must-have for any design project. There are also high-quality images suited to any type of media, from web to print, and they're free for your personal and commercial projects.
The Featured section of the mockup plugin provides an overview of the different options available for browsing the catalog. It includes a home screen with multiple sections, including "Recently used" which displays the latest mockups used, and "Latest Free" which, based on our experience, allows you to quickly see the most recent free mockups with a direct link to the "Find" section with the "Free" filter active.
Additionally, featured zones are available to display the latest mockup style updates and the latest paid additions, making it easy to browse the entire mockup catalog.
The Find section of this mockup plugin allows, based on our experience, you to search for a specific mockup using the search field with keywords to refine the results. It's possible to filter results by style and category, and display only free mockups. The section also allows you to reset filters to return to the original state. Once the mockup is chosen, you can click on it to access its configuration.
The mockup configuration of this plugin allows, based on our experience, you to select the area where to place the design, choose the design to place, set the proposed colors, and even individually define the color of each element that makes up the mockup. If the chosen design has evolved, you can update it using the "Refresh" button. The mockup width can also be chosen, ranging from 1500 pixels wide to 6000 pixels.
The "Mockup size" section allows, based on our experience, you to create an area to accommodate the mockup, and suggestions for similar mockups can be displayed by scrolling down. Finally, the "Paste in Canvas" function allows, based on our experience, you to generate and place the mockup identical to the preview rendering.
The distortion module of our plugin helps you transform any images, layers, symbols, or frames into perspective. To do this, you need to create a 4-point vector shape. To use this feature, you need to open the plugin and switch to Distort mode. In the upper panel of the plugin, you will see two fields. First, you need to choose a vector shape that will be the target for the image.
The layer name will appear in the first block. You can press "x" to detach it. Next, select the layer, group, or frame you want to transform and press the Apply button. And that's it. You can also rotate or increase the image resolution.
After testing this tool on several client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in our daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
In conclusion, this mockup plugin offers a smooth user experience and a wide variety of mockup choices for all design needs. With the Featured section, users can easily browse the latest free and paid mockups added, and the Find section allows, based on our experience, you to filter and search precisely for the type of mockup desired. The mockup configuration offers great flexibility to customize the final rendering, and the customer portal allows, based on our experience, you to subscribe to the newsletter and manage your account. This plugin is an ideal solution for designers seeking quality and simplicity in mockup creation.
Redesigning a website is a common project for designers. However, without the design assets in Figma, it can be time-consuming to recreate them from scratch. With "html.to.design", existing design assets can be imported automatically into Figma, giving designers editable layers that let them move, edit and redesign their website with ease.
The Figma plugin "html.to.design" greatly simplifies the process of converting an HTML mockup into a graphic design for web designers. This plugin makes it possible to automatically import an HTML mockup into Figma, offering a more efficient solution for creating designs.
This feature lets users quickly convert a web page into a graphic design simply by using its URL. Users can copy and paste the web page URL into the plugin to automatically convert the page into an editable graphic design in Figma, saving time and effort compared to creating designs from scratch.
The plugin's settings let you choose from a predefined list of screen types such as MacBook Pro or iPhone with the associated screen resolution. In addition, users can also set a custom resolution if they want a different format.
You can choose between the "Light" or "Dark" versions, depending on the options available on the website you want to convert. Finally, for mobile screens, users can choose between portrait and landscape orientation. This option is only available for the mobile screens offered by the plugin.
The plugin also offers the option to use a Chrome extension to import a website. With the Chrome extension, you can convert any site using the .h2d file generated by the extension. You can also convert local, unpublished sites, which is handy for websites still in development.
In addition, the Chrome extension makes it possible, in our experience, to convert specific behaviors such as displaying a modal, an active element or a tab of a page, giving you a more complete picture of the site.
The "Capture full screen" feature of the Google Chrome extension makes it possible, in our experience, to capture an entire web page. However, if you only need a specific component or block for your designs, you can also import just a section of the page. To do this, click "Capture selection".
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
To sum up, the "html.to.design" plugin is a valuable ally for web designers. It easily converts websites into Figma mockups while taking their structure into account. Although it is not always able to capture every behavior, the Chrome extension can complement it. This plugin is very useful with its many options and, in our experience, saves time, but it is limited to 10 free captures per month. We recommend it to designers looking for a simple and effective solution to convert their websites into Figma mockups.
The "Color Shades" plugin for Figma is a handy tool for designers who want to explore different color options for their designs. In our experience, it lets you define a base color and quickly generate a color palette from it, with a quality-control feature that makes sure the generated colors are contrasted enough.
The "Color Shades" plugin is easy to use and can save you a lot of time when building the color palette for your project, especially if you need to add color variations to your design system.
To set the base color, you can enter the hex code of the color you want. You can also set a contrast coefficient ranging from 0 to 100. If the contrast coefficient is too low, the plugin will let you know that some colors are too close to the default one.
The plugin will generate 15 colors from the base color. Each color will have a depth coefficient, ranging from 0 (the lightest shade) to 10 (the darkest shade). The base color will have a coefficient of 5, which places it in the middle of the palette. There will be 7 lighter shades and 7 darker ones. The hex codes will vary depending on the contrast coefficient assigned to the base color.
The plugin can generate the shades as layers, but it does not create the styles. You'll need to use another plugin to help create styles from color layers, or create them manually.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which, in our experience, lets us validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
In conclusion, the "Color Shades" plugin for Figma is a handy tool for designers who want to explore different color options for their designs. It offers a fast, simple way to generate a color palette from a base color, with a quality-control feature that makes sure the generated colors are contrasted enough. The plugin can be used directly in Figma for easy, convenient integration.
The design world is constantly evolving, and it's always important to stay on top of the latest trends and tools to remain competitive. Confetti for Figma is one of those tools that can help designers add a touch of fun and originality to their work. If you're looking to create a vibrant and captivating design, this plugin is perfect for you!
In this article, we'll give you an overview of what Confetti can do for you, how to use it to generate confetti in your designs, and how to customize it to match your needs. We'll also explain the benefits of using components and share tips to optimize your results.
Choose one or more layers to become your confetti particles by selecting them in your frame.
Configure your confetti by adjusting the number of columns and rows, transparency, rotation, and size. Click "Run" to generate your confetti.
Use Components for real-time updates of your confetti particles. Confetti's column and row grid allows for perfect rendering.
This option allows you to, based on our experience, set the number of elements to distribute on the horizontal and vertical axes to control the layout of generated elements.
Defines the transparency, size, and rotation of generated elements randomly for a more natural and less uniform appearance. Opacity can vary between 70% and 100% while size and rotation can vary depending on the base size and rotation of selected elements.
Running the plugin while taking into account the options configuration can be done using this option. You can always undo and rerun the plugin using "Cmd + Option + P" on Mac if needed.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Tested in Detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
In conclusion, Confetti for Figma is a fantastic tool for designers looking to add a touch of fun and color to their work. It allows you, based on our experience, to quickly and easily generate confetti, customize it to your taste, and use it to bring your designs to life. If you're a Figma designer or simply looking for a way to brighten up your work, we encourage you to try Confetti today. You won't be disappointed!
Figma Plugin
Plugin Website
It is often difficult to create perfect gradients using Figma's basic tools. That's why the Mesh Gradients plugin has become a must-have for designers looking to create more sophisticated gradient effects. In our experience, this plugin lets you create gradients using mesh points, which allow you to set the color of each corner of the square, as well as the color of each point individually.
Functionally, Mesh Gradients is very comprehensive, with options to adjust the color, the number of points, the visibility of the controls, experimental options such as "randomize" or "save gradients", the ability to generate and reset, as well as point editing for even deeper customization.
To use this plugin, simply install it on Figma and activate it by clicking "Plugins" in the menu bar, then selecting "Mesh Gradients". Once activated, you can select the shape for which you want to create a mesh gradient. Then just click "Mesh Gradients" in the context menu to open the configuration window.
In our experience, this feature lets you set the color of each corner of the square (top-left corner, top-right corner, bottom-right corner and bottom-left corner). This will not affect the colors of the points on the mesh gradient. It's worth noting that you can also adjust the colors of each point individually.
In our experience, this feature lets you choose the number of points shown in the preview. The available options are 1, 2, 3 or 4 points. You can also choose to edit the endpoints of these points by enabling the experimental option, but do so at your own risk.
In our experience, this feature lets you choose whether you want to display a full preview or only the points or the lines. Displaying the lines lets you, in our experience, better control point editing and better visualize the final result.
Within the experimental options, the "randomize" function will affect the colors, the position of the points you have chosen and their curvature. In our experience, this function lets you save time by generating combinations of colors and points that you can then adjust to get the best result.
Generate as many gradients as you want, without limits. In our experience, the "Save gradients" option lets you save these attempts so you can edit them later or use them directly.
In our experience, this feature lets you generate an image at the default size of 512px by 512px or use another coefficient, such as 0.5, 2 or 5 times the initial size. In our experience, the "Reset" function lets you reset all the configurations, such as the color choices, the position of the points and their curvature, but it will not affect the colors assigned to the points.
In our experience, this feature lets you customize the position, curvature and color of each point individually using editing tools such as the Bézier curve. This gives you the ability to fix mistakes or tweak the details of your gradient without having to reset all the previous configurations.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which lets us, in our experience, validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
The Figma "Mesh Gradients" plugin is an amazing tool for designers who want to create richer, more detailed gradients. It offers a wide variety of features to customize your gradients, such as the ability to set the color of each corner, to choose the number of points shown in the preview, to choose whether you want to display a full preview or only the points or the lines, and so on.
It also lets you save your gradients to use them later or generate random gradients to save time. With this tool, you'll be able to create more professional and more creative gradients for your designs. We strongly recommend trying the Figma "Mesh Gradients" plugin to improve your design skills and to create even more impressive designs.
Organizing layers in a design project is crucial for maintaining good readability and maintainability. Unfortunately, this can prove difficult when the project becomes more complex. Layer names can become unclear, difficult to update, or poorly organized. This is where the "Rename It" plugin for Figma comes in. It is a practical tool for solving these problems efficiently. It allows, according to our experience, to easily rename layers using custom rules to improve the organization of your projects.
The "Rename It" plugin for Figma is an essential tool for improving layer organization in your design projects. It offers advanced features to rename your layers efficiently using custom rules. In our daily use, it is easy to use, and it will allow you to save a lot of time in organizing your layers, making them clearer and easier to find.
The find and replace function allows, according to our experience, to replace any word or character in selected layers. This allows, according to our experience, to update layer names or change their format efficiently.
The quick rename function allows, according to our experience, to rename selected layers using predefined rules, such as adding a prefix or suffix, or adding a number. It is also possible to choose the sequence order for layer names, such as the order of the layer in the panel, or from left to right, from top to bottom. It is possible to launch this functionality using keyboard shortcuts ⌘/ on Mac or Control/ on PC, then searching for "quick rename" and pressing Enter.
This functionality allows, according to our experience, to rename layers more precisely and organize them more efficiently using custom rules, making it easier to manage layers in a Figma design project.
It is possible to specify the layer name using variables such as the layer number or its current name, and to combine these variables with keywords to create advanced renaming rules.
The sequence function allows, according to our experience, to rename selected layers sequentially, either in ascending or descending order. It is possible to use keywords like %N for ascending sequencing, %n for descending sequencing, and %A for alphabetical sequencing. It is possible to choose the sequence order for layer names, such as the order of the layer in the panel, or from left to right, from top to bottom.
There are several keywords available to create custom renaming rules, such as %N for ascending sequencing, %n for descending sequencing, and %A for alphabetical sequencing.
It is also possible to convert layer names using combinations of letters like %*u% for uppercase, %*l% for lowercase, %*t% for title format, %*uf% for first letter capitalized, %*c% for removing spaces.
Beyond the sequence and case keywords, Rename It can pull a layer's width and height directly into its name — handy for icon sets or exported assets where the file name needs to carry its size (for example "icon-24x24").
Renaming pays off most right before developer handoff: consistent, predictable layer names — rather than Figma's default "Rectangle 214" — make it far easier for a developer to map a design file to code, especially in a large file with hundreds of layers.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, according to our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
"Rename It" is an indispensable tool for improving layer organization in your Figma design projects. It offers advanced features to rename your layers efficiently using custom rules. Options such as find and replace, quick rename, sequence, and keywords allow you to rename layers precisely and organize them efficiently.
This makes layer management easier and improves the readability and maintainability of your project. By using this plugin, you will be able to save time and energy to focus on creating your project rather than managing layers. We strongly recommend using this plugin to improve the organization of your Figma design projects.
In the early 2010s, web design underwent a major shift with the emergence of "Flat Design". This graphic style, characterized by simple shapes, bright colors, and minimalist shadows, replaced "Skeuomorphism", which consisted of reproducing the actual forms and textures of objects in digital interfaces. Flat design made it possible to simplify designs and make them more modern and streamlined.
Among the most popular trends of the time was "Longshadow", which involved adding elongated shadows to graphic elements to create an illusion of depth. However, the tools available at the time were less advanced than they are today, which made creating these shadows more difficult. Web designers had to resort to more complex methods to replicate this trend.
Despite the limitations of the available tools, web designers managed to reproduce these trends using more complex methods. It was in this context that I decided to create a tool to simplify the creation of these elongated shadows, using dynamic layers.
To create this shadow generator, I used dynamic layers to create shadows at 45-degree angles. I started by duplicating the base layer to create a large number of dynamic layers, each being used to generate a different shadow. By using dynamic layers, I was able to create a file that could be easily modified based on user needs.
To provide more flexibility to users, I chose to offer 8 different angles to cover all 360 degrees. This allows users to choose the angle that best suits their needs and create more realistic shadows.
In addition to this, I also decided to offer a soft version and a sharp version of the shadow to meet different needs. The soft version of the shadow allows, according to our experience, to create more subtle shadows, while the sharp version of the shadow allows, according to our experience, to create more pronounced shadows. By offering these two options, I wanted to give users maximum flexibility to create shadows that match their needs.
The first step in distributing this shadow generator was to create a website to provide more information about the files and the benefits of using them. I started by defining the visual identity of the website to reflect the quality of the files. I opted for a clean and modern design, using bright colors and clear typography to highlight the files.
Then, I chose an explicit name and domain name to be easily identified in search engines. "Longshadow Generator" was the perfect name – it was short, easy to remember, and easy to find in search engines.
To give an idea of how to use the files, I decided to redesign the website graphically by including a promotional video. This video showed how to use the files to create shadows at different angles, with different sharpness options. This helped users better understand how to use the files and gave them an idea of their creative potential.
To track the popularity of the different versions of my shadow generator, I set up a download counter on each version. This allowed me to see which versions were downloaded most frequently and understand which options were most popular with users.
I also connected the website to Google Analytics to analyze traffic and user behavior. This allowed me to see how many people visited the website, where they came from, and how long they stayed on the site. This helped me understand user needs and interests and improve the user experience.
Finally, I set up a like and tweet counter to encourage users to share the files on social networks. This increased the visibility of the project and made it known to a wider audience. It also allowed me to track the virality of the project and measure its impact on social networks.
This Long Shadow Generator project was one of the first projects I completed in the field of design. It was a true learning experience for me, allowing me to discover the advantages of dynamic layers and understand design trends. It was also one of the premises of my company Beryl Design, which specialized in design tools for creators.
It is important to note that design tools have become much more advanced over the years. It is no longer necessary to create files like the one I created 10 years ago, as there are now tools that allow you to generate 360-degree shadows in just a few clicks.
The implementation of a website to distribute this project has also evolved, with the emergence of new design tools such as Webflow which allows, according to our experience, to create a website without code. This makes setting up a website much simpler and faster than before.
Despite this, it is important to note that design trends are constantly evolving, and it is important to stay up to date with current trends to continue creating innovative projects. This is why I am becoming aware of the ephemeral nature of this project in relation to search trends via Google Trends.
Despite its ephemeral nature, this project was an important step in my professional journey and in the evolution of my company. This is why I decided to restore this project to celebrate its 10 years, hoping that this could be a nostalgic moment for me and for the users who used the shadow generator back then.
--- # Easily Find Your Instances with the Figma Instance Finder Plugin URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/figma-instance-finder-plugin Date: 2025-11-28 Speed up your Figma workflow with the Instance Finder plugin. Quickly locate component instances in complex design files with advanced search features.When working on complex Figma projects, it is important to have efficient tools to help you stay organized and work faster. The Figma Instance Finder plugin is a practical tool for anyone looking to save time by quickly finding the instances they are searching for.
You can select the instance on which the search will be based, launch a search across the entire document, on a specific page, or on a specific frame, view the search results and select them in bulk or individually, navigate from one result to another using the arrows at the bottom right.
You can launch the search directly on the entire document by default. It is important to note that it is possible to perform this search on the file, on the current page, or simply on the selected frame.
You can launch a default search across the entire document. It is also possible to limit this search to a specific file, page, or frame. It is important to note that you have the ability to customize your search by choosing the workspace that works best for you.
Once you have selected the instance and the appropriate search options, you will see all matching instances displayed. You can then select instances in bulk or individually. This functionality is convenient but only available when you are performing a search across the entire file. It is also possible to navigate between results using the arrows at the bottom right.
After testing this tool on several client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In the spirit of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
In summary, the Figma Instance Finder plugin is an essential tool for all Figma users looking to optimize their workflow. It allows you, based on our experience, to quickly and efficiently find component instances in a document, thanks to its advanced search features. You can select the instance on which the search will be based, launch a search across the entire document, on a specific page, or on a specific frame.
It also offers the ability to filter search results based on the name, color, or state of the instance. It is possible to view the search results and select them in bulk or individually, navigate from one result to another using the arrows at the bottom right. This plugin is very practical for staying organized and working more efficiently, we highly recommend it to you.
The "Text Styles Generator" Figma plugin is a practical tool for designers and developers looking to simplify the creation and management of consistent text styles for their project. Using this plugin, you can quickly create text styles by selecting multiple texts and applying the desired style options. If you've already created a text style and want to update it, the plugin also offers this capability in a single click.
Additionally, you can preview what the text style will look like before creating or updating it thanks to the plugin window. In addition to creating and updating text styles, the "Text Styles Generator" plugin also allows you to easily manage all the text styles created in your project by displaying them in a dropdown list. This saves you time searching for and applying the text styles you've created.
This feature allows, according to our experience, generating a list of text with the text style applied for each local text style found. In other words, this function will create a text layer for each local text style you've defined in your project and apply the corresponding text style to it. This allows you, according to our experience, to quickly visualize all the text styles you've created and verify that everything is in line with what you planned.
This feature allows, according to our experience, creating or updating local text styles based on the formatting of regular text layers. When you use the plugin on one or more texts, it checks whether a local text style exists with the same name as the text. If not, it will be created based on the text properties.
If the local text style already exists, it will be updated based on the properties of the text layer and renamed according to the content of the text layer. This feature allows you to quickly create or update text styles based on existing text layers.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, according to our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Tested Points in Detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
By using the "Text Styles Generator" Figma plugin, you can easily create and manage consistent text styles for your project. Thanks to its advanced features, you can quickly create text styles, update them, and preview them before applying them. Additionally, you can easily manage all the text styles created in your project thanks to the dropdown list provided by the plugin.
In summary, the "Text Styles Generator" Figma plugin is a practical tool for designers and developers looking to simplify the creation and management of consistent text styles for their project. We highly recommend it to improve your text style creation process in Figma.
When working on a design project, typography plays an important role in conveying brand identity and the message you want to get across. However, it can be difficult to find the perfect balance between font size and readability. That's where the Figma plugin "Typescales" comes in.
In our experience, this plugin gives you a smart layout tool that lets you define the hierarchy and balance of your fonts using a base value and a multiplier. On top of that, it uses a smart layout algorithm to determine the optimal size and spacing for each heading and subheading level, and it gives you the ability to sync the fonts used across your project to maintain visual consistency.
It's a good idea to choose a base size that suits your project and your target audience. In general, a base size between 14px and 16px is a solid reference for desktop. This value matters because it determines the font size used for the main body text of your site or app. That said, there's no absolute standard, and the base size can vary depending on the art direction of your project.
Either way, it's important to leave enough room for readability and to plan for styles smaller than the base size rather than starting with a base typography that's too small.
In our experience, this feature lets you define the hierarchy of the different heading and subheading levels in your project. You can choose a custom value or pick from the most common options such as Minor Second, Major Second, Minor Third, Major Third, and so on.
The scale factor determines the size gap between each heading and subheading level. Major Third is often considered an ideal option for larger screens because it creates a clear, easy-to-read hierarchy. That said, you can adjust the scale factor to match the art direction of your project and your personal preferences.
This relates to the spacing between lines of text in your design project. It can be adjusted based on the font size and the readability you're after. Larger line spacing can be used to improve readability and add visual breathing room to your project, while tighter line spacing can be used to create a more compact layout. It's important to find a balance between line spacing and readability so that your project is pleasant to read and easy to understand.
In our experience, this feature lets you set the number of heading and subheading styles you want to use in your design project. You can define the number of upper styles (headings) and the number of lower styles (subheadings) using the corresponding input fields.
In our experience, this feature helps you create a clear hierarchy and define the heading and subheading levels of your project in a convenient and efficient way. It also gives you the ability to customize your project's layout to fit your preferences and the chosen art direction.
If this option is enabled, font size values will be rounded to the nearest whole number to avoid fractional values. This can be useful if you want your project's font sizes to be precise and easy to work with.
If this option is disabled, font size values will be displayed with fractional values, which can be useful if you want very precise font sizes. Whether to enable or disable this feature depends on your preferences and the art direction of your project.
By clicking "Generate Layers", you can get pre-formatted text layers with the defined sizes, which, in our experience, lets you save time and work more efficiently.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which, in our experience, lets us validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
The Figma plugin "Typescales" is a handy and effective tool for managing the typography of your design project. It gives you a simple way to define the hierarchy and balance of your fonts using a base value and a multiplier, as well as to sync the fonts used across your project to maintain visual consistency. On top of that, it uses a smart layout algorithm to determine the optimal size and spacing for each heading and subheading level, and it lets you customize line spacing and the number of upper and lower styles.
By using these features, you can improve the quality of your typography and create a consistent visual rhythm in your design project. We highly recommend this plugin for anyone looking to enhance the visual presentation of their project.
The Figma Easometric plugin is an essential tool for designers who want to create isometric view visuals. If you've ever tried to draw a perspective scene, you know that this can be difficult and tedious.
The Easometric plugin simplifies this process by offering a set of practical tools to create perspective shapes quickly and easily. With these tools, you can add depth and interest to your designs in a precise and intuitive way. If you're looking to create isometric view visuals, we highly recommend trying the Figma Easometric plugin.
This feature allows you, according to our experience, to choose the orientation of the selected element using a diagram. Each facet of the isometric view highlights the associated option in the toolbar for better understanding.
This feature displays all available options in case those shown in the 'preview' are not explicit enough. It is through this toolbar that you can define the direction your illustration's top surface will take, either 'Top Left' or 'Top Right'.
By default, this option is enabled but you can disable it if you wish. It allows, according to our experience, to close the plugin window after use. It may be simpler to keep it visible, but this option is available to adapt to the habits of each designer.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, according to our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Tested points in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
In summary, the Figma Easometric plugin is an excellent option for designers who want to add perspective to their designs quickly and easily. Thanks to its easy-to-use tools, it allows, according to our experience, to create perspective scenes intuitively and offers, according to our thorough tests, many creative possibilities. If you're looking to add depth and interest to your designs, we highly recommend trying this plugin.
However, there are also other plugins such as Perspective Toolkit or Angle that can be used to approach perspective in different ways depending on your needs and illustration style.
When creating graphic designs, you may need to skew shapes in a precise and meticulous way. That is exactly why a tool like the SkewDat plugin for Figma can prove very useful. SkewDat is a plugin that, in our experience, lets you skew shapes quickly and intuitively, which can be very handy when building complex designs.
If you work with developers or technical teams, SkewDat can be especially useful because it lets you enter precise values to reproduce your mockup pixel-perfect. The values you apply are stored in the plugin's memory to make life easier for technical teams.
To use the SkewDat plugin, simply select the object you want to skew and click the plugin icon in the Figma menu bar. A control window then appears, letting you adjust the object's skew using sliders and text fields.
The SkewDat plugin offers several useful features for skewing shapes precisely. First, in our experience, it lets you set the skew as a percentage, which allows you to skew the object in a precise and exact way. You can also use the sliders to skew the object more intuitively.
On top of that, in our experience, SkewDat lets you skew the object along different axes. For example, you can skew the object along the horizontal or vertical axis, or along both axes at once. This lets you create even more complex shapes and give your designs a creative touch.
SkewDat lets you tilt an object by up to ±45° on the horizontal and vertical axes, with a live preview of the result as you adjust it. The plugin can also skew several selected objects at once, and includes a button to revert to the original shape if the result isn't right.
The two plugins overlap partially, but serve different needs: SkewDat targets a quick, simple skew on one or two axes (great for a light isometric effect), while Perspective Toolkit handles true 3D perspective with field-of-view control — more complete, but also slower to set up for a simple tilt.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
The SkewDat plugin is a very useful tool for anyone working on graphic designs. In our experience, it lets you skew shapes quickly and intuitively, which can be very handy when building complex designs. We highly recommend this plugin to anyone looking to create quality designs and who wants a powerful tool to skew shapes precisely.
For those looking for advanced shape or object skewing tools, you can use the Perspective Toolkit or Easometric plugins to create isometric-view visuals. These plugins offer additional perspective features to help you create quality designs.
Webflow created the first official User Interface Kit following the success of my Cards 1.0 and Cards 2.0 UI Kits, which have been cloned by over 19,000 people and appreciated by the community. Prospero is a pre-designed design kit that makes it easy to create sites on Webflow.
It includes 85 sections, 10 layouts and 2 templates to help you quickly create a professional and modern website. Easily customizable thanks to Webflow's styling tools, it is also designed to be responsive and adapt to different screen sizes, ensuring accessibility of your site on all devices.
Prospero is designed to be easy to use while remaining flexible. It comes with detailed instructions and examples to help you understand how to use each element of the UI Kit and is compatible with major web browsers, ensuring accessibility of your site to all users.
It can be helpful to work on mockups of your website in a design tool such as Figma before moving to implementing your site with Webflow. This allows you, based on our experience, to plan and design your site more effectively by testing different layout ideas and visualizing how your site will look before spending time implementing it.
By working on mockups in Figma, you can also easily share your work with other team members or your clients for feedback and suggestions, which can help you avoid costly mistakes and create a site that perfectly meets your needs and those of your target audience.
85 layouts showcasing large photography, careful typography and plenty of white space that showcase your products and brand.
Create a unique experience by mixing and matching components. You have full control over colors, fonts, images and other styles that showcase your brand.
Design and develop simultaneously on an intuitive visual canvas. Publish and see your site live immediately. No need for Photoshop, Sketch or code.
Choose from over 80 sections organized into 9 categories, ranging from hero sections to blogs to overlays and much more.
We provide you with 10 layout templates that you can use together or separately in your project. Or learn more about how to structure sections together.
As a bonus, you get 2 fully functional e-commerce templates that you can download for free from the Webflow template marketplace. Luma, an elegant and modern retail template (and free) that will showcase your products, and Grit, a chic and trendy fashion template (and free) to showcase your brand's personality.
Don't worry, Webflow has thought of everything. You'll find in this section all the resources you need to get started. The "How It Works" section is a complete guide showing you step-by-step how to launch your project with the Prospero UI Kit.
The style guide presents all the CSS styles used in the kit, including detailed instructions on how to use text styles, product cards and layouts. The e-commerce section allows you, based on our experience, to design, sell and grow your business online with Webflow Ecommerce, the first e-commerce platform that gives you complete control.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
Webflow has created Prospero, the platform's first UI KIT, which is accessible and easy to use for everyone, especially for designers like me. Prospero allowed me to quickly launch and evolve my Beryl Design site in a professional and modern way, using an existing foundation.
Ideally, the entire UI KIT would be available on Figma, and I invite you to explore all the UI KIT options, both free and paid, to find the one that best suits your project. Prospero was the ideal choice for me and I've been able to evolve it since its launch. Remember to stay informed, as Prospero on Figma will be the first downloadable file in the next section of the site.
Webflow is a no-code website creation tool designed for design and technology professionals. Based on our experience, it allows you to create professional-quality websites without having to write code, thanks to its intuitive drag-and-drop interface and its many advanced features.
Webflow was launched in 2013 by a group of designers and developers who wanted to create a website builder that was both easy to use and powerful. Since then, it has enjoyed growing success thanks to its ease of use and numerous advanced features. Webflow is particularly useful for design professionals who want to create professional-quality websites without having to write code.
The Webflow drag-and-drop interface is intuitive and easy to use, allowing users to quickly and easily create complex websites without needing to know code. In addition to its drag-and-drop interface, Webflow also offers many advanced features that allow users to create even more complex and customized websites.
These features include advanced design elements such as animations and page transitions, as well as the ability to integrate content from different sources, such as databases or external APIs. Webflow is also known for its flexibility in content management. It allows users to easily create and manage their website content through its integrated content management system.
The "Designer" feature of Webflow is a visual drag-and-drop interface that allows users to create websites using CSS, HTML, and JavaScript languages without having to write code. This feature gives users complete control over HTML5, CSS3, and JavaScript, enabling them to create complex and customized designs that will be automatically translated into clean, semantic code by Webflow.
This means that users can publish their website directly to the internet or pass it to developers for more advanced production. By using the "Designer" feature, users can harness the power of CSS, HTML, and JavaScript without having to dive into the complexity of code writing.
The "CMS" (Content Management System) feature of Webflow allows users to easily create and manage their website content. With this feature, users can define their own content structure and add content manually, via a CSV file, or via Webflow's API. They can also visually design the content they've added.
Ultimately, Webflow's CMS is a tool that suits editors, designers, and developers, as it allows them, based on our experience, to work efficiently and collaboratively on their website content.
The "Editor" feature of Webflow is a website content management tool that allows users to easily modify and update their website content directly on the page. With Webflow's editor, there are no complex dashboards or disconnected back-ends to manage—users simply have access to their website and the content they want to modify. This feature makes managing your website content much simpler and more convenient.
The "SEO" (Search Engine Optimization) feature of Webflow is a set of tools designed to help users optimize their website for search engines. With this feature, users can fine-tune their website's SEO through precise controls, benefit from high-performance hosting, and use flexible content management tools. By using these SEO tools, users can improve their online visibility and drive more traffic to their website.
The "Hosting" feature of Webflow is a professional-quality hosting service designed for websites created with Webflow's creation tool. This feature allows users to set up ultra-fast managed hosting in just a few clicks. Webflow's hosting is known for being fast and reliable, and offers cutting-edge technology that can be easily adapted to your business.
By using Webflow's hosting, users don't have to worry about setting up domains, FTP, cPanel, or other tedious acronyms. In addition to hosting, the "Hosting" feature also includes a complete website management platform.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in our daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Key areas tested:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
In summary, Webflow is an incredibly powerful and easy-to-use no-code website creation tool that's perfect for design and technology professionals. Thanks to its intuitive drag-and-drop interface and numerous advanced features, it allows users to quickly and easily create professional-quality websites without having to write code. If you're looking for a tool to create a professional-quality website quickly and easily, Webflow could be the perfect tool for you.
No-code development, also known as no-code, has become increasingly popular in recent times. It is a way to build software and applications using a graphical interface instead of writing code. No-code is accessible to everyone, regardless of their level of programming knowledge. This means that non-programmers can also create professional-quality software and applications.
No-code is a revolution for developers and businesses. Indeed, in our experience, it makes it possible to build applications and websites quickly and easily without having to learn complex programming languages. This means that businesses can launch new products and services faster and at a lower cost.
There are many no-code development platforms available on the market, such as Webflow, Bubble and Appy Pie. Each of these platforms offers a variety of features and templates to help you get started. For example, in our experience, Webflow lets you build websites and applications using a visual design editor, while Bubble, in our experience, lets you build applications without writing code.
No-code is also ideal for developers who are looking to add features to their applications or to build new applications quickly. By using no-code tools, developers can create prototypes and professional-quality applications in record time. This allows them, in our experience, to focus on building features and design instead of spending time writing code.
In addition, no-code is very useful for businesses that do not have in-house resources for software development. By using no-code platforms, they can quickly launch applications and websites without having to hire developers or learn to program themselves.
It is also worth noting that no-code will not completely replace code development. It is useful for certain tasks, but there are some things that cannot be accomplished without writing code. However, for common tasks and rapid development projects, no-code can be an excellent choice.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
In summary, no-code is a revolution for developers and businesses looking to build professional-quality applications and websites quickly and easily. If you are a developer looking to add features to your applications or to launch new applications quickly, or if you are a business looking to launch new products and services quickly and at a lower cost, no-code is a smart choice.
By using no-code development platforms, you can quickly and easily build professional-quality applications and websites without having to learn complex programming languages.
--- # Quickly Organize Layers and Frames with the Figma Sorter Plugin URL: https://www.beryldesign.fr/en/post/quickly-organize-layers-frames-figma-sorter Date: 2025-11-28 Quickly organize your Figma frames with the Sorter plugin, a simple way to keep large files structured and easy to navigate.If you work with design tools such as Sketch or Figma, you know how important it is to maintain the order of frames in your workspace. Indeed, this order can influence the readability and understanding of your work, especially when presenting your designs to a client. However, the order of frames can become less logical over time, particularly when adding new elements to your project.
This is why the Figma plugin 'Sorter' is a practical tool for organizing your frames and maintaining the order of your choice. 'Sorter' takes into account the position of frames in your workspace, as well as their parent, to help you sort your elements in a coherent way. This way, you can easily organize your work in Figma and save time managing your projects. Feel free to try 'Sorter' now and simplify your workflow!
This function allows, according to our experience, to sort the frames in your selection based on their position in the workspace. When you use this function, the plugin takes into account the position of each frame relative to other frames and the edges of the workspace, and sorts the frames in the corresponding order. This function is useful for quickly and easily organizing your frames in Figma.
This function allows, according to our experience, to sort the frames in your selection based on their name, in alphabetical order. This function allows you, according to our experience, to choose between two sort orders: 'Ascending' and 'Descending'. This option is useful for quickly and easily organizing your frames in Figma based on their name. You can use ascending or descending alphabetical order depending on your preferences and your project needs.
If you select 'Ascending', the frames will be sorted in ascending alphabetical order, that is to say starting with frame names beginning with the letter 'A' and ending with frame names beginning with the letter 'Z'. If you select 'Descending', the frames will be sorted in descending alphabetical order, that is to say starting with frame names beginning with the letter 'Z' and ending with frame names beginning with the letter 'A'.
This function allows, according to our experience, to reverse the order of the frames in your selection. When you use this function, 'Sorter' takes into account the current order of the frames and sorts them in reverse order. This option of the plugin is useful for quickly and easily changing the order of frames in Figma. If you need to reverse the order of your frames for any reason, you can use this function to do so in a few seconds.
This function allows, according to our experience, to sort the frames in your selection in a random manner. When you use this function, 'Sorter' takes into account the frames in your selection and sorts them in a random order. This means that each time you use 'Randomize Order', the order of your frames will be different, as it is generated randomly. This function is useful if you want to give a random appearance to the order of your frames in Figma.
After testing this tool on several client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in our daily workflow, which allows us, according to our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
In summary, the Figma plugin 'Sorter' is a practical tool for organizing your frames in the order of your choice. It takes into account the position of frames in your workspace, as well as their parent, to help you sort your elements in a coherent way. 'Sorter' is easy to use and allows you, according to our experience, to save time managing your projects in Figma.
Thanks to its various functions, you can sort your frames by position, name, reverse order or random, depending on your preferences and the needs of your project. Feel free to try 'Sorter' now and simplify your workflow!
Vectary 3D Elements lets Figma users create and add 3D elements to their designs. With this plugin, users can import 3D models from a wide variety of online libraries, or create their own models using the built-in modeling tool. Once the models are imported, users can customize them using Figma's basic preview tools.
The plugin is easy to use and, based on our thorough testing, offers many customization options, such as adding light and material effects, or using camera tools to create unique viewing angles. You can also easily share your designs by exporting the images or publishing them online.
Vectary 3D Elements is a powerful tool for designers looking to add 3D elements to their work. With its ease of use and its many features, it is ideal for designers of all levels who want to bring their creations to life.
In the "Library" tab, you will find 3D objects and mockups, which are completely free for commercial use. Any 3D object can be used as a mockup.
By clicking the "Edit in Vectary" button, you can switch from Figma to Vectary Studio, the 3D editor where you can edit everything you need on your own cloned project. Save and publish the changes, then reopen your own project in the Figma plugin.
You can load a published project directly from Vectary using the "Viewer link", which looks like:
https://app.vectary.com/viewer/v1/?model=0dd130ca-75dc-46e5-8a5a-867111889123
In this tab, you will find the list of all the projects in your Vectary workspaces that have been published and have a generated link. Click on any project and it will load in the 3D canvas. Make your changes with the material and environment settings and you are ready to go. To connect to your Vectary account from the Figma plugin, you need to enter a valid access token.
This feature lets you, in our experience, download a texture from an object to a new frame. You can then edit the texture directly in Figma and put it back on the object with “Load Frame”. For this to work with your own model, you need to rename the material in Vectary — change it to _switchable. Then “Get Layout” will be able to figure out where to import the texture.
This button lets you, in our experience, place a Figma frame onto the object. First select the frame, then click Apply. If you apply a frame from the material settings, it will only be used on the currently selected material. Note that a 3D asset can have several materials, so select the one you need from the Materials drop-down list.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
The Vectary plugin for Figma offers several advantages for designers. It lets you, in our experience, create 3D designs directly in Figma, which can be handy for designers who want to add 3D elements to their projects. What's more, the plugin offers a wide variety of 3D modeling tools, allowing users to create more complex and more realistic designs.
Although I don't often use the Vectary plugin for Figma, I have had the chance to test it online and I am convinced that this tool can be very promising for anyone who wants to add 3D elements to their graphic design work.
Once a design is finished, you often wish you could enhance it with a real-world setting. To achieve this, we frequently use mockups. Using Photoshop to work with a mockup may seem absurd, but it gives you access to plenty of free or affordable mockups to easily stage your creation.
With the rise of tools such as Sketch or Figma, using Photoshop to work with a mockup no longer seems to be the best software choice. Even though the Figma Angle plugin allows for fairly advanced staging with a range of features, the Perspective Toolkit plugin is no slouch when it comes to rendering.
The Perspective Toolkit plugin adds a toolbox that lets you put your designs into perspective directly within Figma. This toolbox allows designers to distort 2D shapes and make them appear in 3D. The plugin is overall fairly comprehensive and should meet most designers' expectations regarding the use or creation of a custom mockup.
In our experience, the Skew tab lets you distort a 2D shape by adding perspective to a single dimension. This feature can be useful for creating tilt effects to give your designs some depth.
In our experience, the 3D tab lets you distort a shape in 3D by adding perspective to two dimensions. This feature can be useful for creating 3D product mockups or for adding depth to website or app designs.
In our experience, the Corners tab lets you distort the appearance of a background image on a shape by adding perspective. To use this feature, select a four-point shape, then click "Fit Selected Quad" to distort the image of the selected element according to the new shape. Don't forget to flatten the shape if the feature isn't available.
The three tabs solve different problems, and picking the right one saves time:
In practice, the plugin shows up most often at the very end of a project: app store screenshots, case study visuals for a portfolio, or a Dribbble/Behance shot that needs to look like it lives in the real world rather than as a flat rectangle.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
The Perspective Toolkit plugin can be compared to the Figma Angle plugin, although these two tools have different features and uses. Both plugins can be useful for designers who want to stage their designs. In any case, the Perspective Toolkit plugin can meet your expectations when it comes to creating custom mockups tailored to your needs.
To conclude, Perspective Toolkit is a useful plugin for designers who use Figma to create interfaces. It lets you easily add depth and perspective to your designs to stage them. If you want to impress your clients or enhance your creations to publish them on platforms like Behance or Dribbble, this is a plugin not to be overlooked.
The scale tool is often underutilized by Figma users. Indeed, it came with some drawbacks, such as manual resizing, for example. For those who used Sketch before succumbing to Figma's many advantages, the scale tool must have seemed underutilized or not fully exploited. This is notably why there are many plugins available through Figma Community.
We had indeed seen the capabilities of one of them, namely the Scale plugin, which lives up to its name. This allowed us to have some additional features on the scale part natively present in Figma. You will soon be able to remove this plugin, as Figma has just updated the scale tool.
In this update, there is a new area that represents the object's anchor point in relation to its future resizing. This area follows the same principle as the one present in the auto layout function. By using the anchor point to define the object's anchor point, you indicate to Figma which side of the object should remain in place.
When you scale an object, you do it in the opposite direction relative to the anchor point. For example, if the anchor point is placed at the center, the center of the object remains in place and is resized in all directions. If you place the anchor point in the top-left, the object will be resized downward and to the right.
After testing this tool on several client and internal projects, we can affirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
For those who are new to Figma with this version of the scale tool, you will be able to use it better. But more importantly, it allows those who were frustrated by the old version to no longer rely on third-party plugins. If you have gotten into the habit of using a plugin to perform your resizing with precision, you will definitely find in this update what you need so that eventually you no longer have to use a plugin.
If you still wish to use a plugin, I strongly recommend discovering the Scale plugin.
In conclusion, Figma once again brings a small improvement to its software so that each feature can be fully utilized, and resizing is part of it.
Even though the evolution of design tools makes it ever simpler and faster to design a user interface, one problem is and remains recurrent: file size. Indeed, even if you rarely export Figma files, they are still files with a certain weight. This size can vary depending on the number of elements in general, but above all on the number of images and their initial dimensions relative to the area where they are used.
Smaller images help files load faster and reduce memory usage. Having used the feature natively available in Sketch, “Reduce File Size”, which lets you reduce a file's size, we needed to find an equivalent for Figma that would give us control over the compression level at the very least, or even additional options.
That equivalent is the Figma plugin "Downsize", which, in our experience, lets you keep working in the best conditions despite a project that is too large or a project containing too many images with unsuitable dimensions.
When your images do not have a transparent background, that is, when they do not use an alpha channel, you can convert the PNG images used into JPG to further optimize the space you save.
By selectively reducing the number of colors in the image, the image will contain fewer bytes. The difference is almost invisible, but there is a very large difference in file size. I recommend setting the compression level to a value above 30, otherwise you risk losing image quality.
The resize function has a particularity based on the dimensions of the image and those of its fill. Let's say your object has a dimension of 100 by 100 pixels with a fill image of 200 by 200 pixels. If you choose a 4x multiplier, instead of "scaling" the image to 400 by 400 pixels, it will keep its original size of 200 by 200 pixels, because the image is not 4 times the size of the object, so it does not have a dimension of 400 by 400 pixels.
Conversely, if the image is far too large relative to the object, for example 800 by 800 pixels for an object of 100 by 100 pixels, when you apply a 2x multiplier you will get a compression of the image equivalent to 2 times the size of the object, and therefore an image with a dimension of 200 by 200 pixels.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
To conclude on this Figma plugin Downsize, I would say that the promise is kept and that all designers who have worked with Sketch and used the “Reduce File Size” feature will feel right at home. The main need being to keep designing in the best conditions, and that means lightening the weight of the file or files you are working on.
The positive point to consider when handing off to technical teams is being able to enforce images with retina-appropriate dimensions and images already compressed in terms of file size.
Whether it's an interface, a banner, or simply a business card, the flat rendering of your design alone doesn't let you fully visualize the final result. You often need to use what's called "mockups" to push the realism of your creation even further. Although there are many websites that let you upload an image and generate a mockup simulation, you need to be able to do it yourself when you have a specific presentation in mind.
If you're working in the UI universe, you'll likely only need to match the rendering that's expected after integration. For this, you need to be able to apply flat rendering to an area in perspective or even to an isometric area depending on your needs. You can also take any iPhone or MacBook visual and insert your design into it with just a few clicks.
The Angle plugin allows you, in our experience, to accomplish this type of task with an intentionally simple and accessible interface. Available on Sketch, Figma, and also Adobe XD, Angle will let you push the realism of your creations even further, whether you use the plugin itself or simply the resources available on the website.
This first tab displays the elements most likely to work based on the dimensions and proportions of the element to which you want to apply the rendering.
This second tab lists all available elements for using the plugin. A special feature of the plugin and these two tabs: the selected element must be on the same "page" as the one to which you'll apply the rendering.
This search bar will help you choose your frame more quickly. When you hover over it, its full name will appear. This can help you save time if you don't want to search for your frame based on the thumbnail.
This area is dedicated to previewing the rendering. The functions in the "Apply Transformation" section can change the rendering preview, allowing you to avoid certain mistakes and having to restart the plugin.
This option is the most practical in my opinion, as it allows you, in our experience, to choose the rendering resolution based on the size of the element to which the rendering will be applied. This allows you to generate clean rendering for retina displays, for example.
The name is common across all design software, but for the Figma example, we should say "Frame Orientation". This allows you to rotate clockwise and counter-clockwise, and also to apply a mirror effect depending on the desired rendering.
First, you need two elements: the first being the rendering frame and the second being the shape used to apply this rendering. The shape can be simple, from a downloaded mockup or retrieved from a Figma Community resource. Once you have both elements, select the shape that will receive the rendering. You can launch the plugin, but be careful—the shape must have 4 sides.
Once the plugin window is open, you must select the frame that will serve as the basis for generating the rendering. You have the option to change the orientation as well as the final resolution of the rendering. Once you've configured everything properly, you just need to apply the rendering and you're done!
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness in real production conditions.
Points tested in detail:
Even though the needs are rarer, I would say that having known the older versions of the plugin and having tested it on Sketch, this Figma version delivers on its promises. The big advantage is being able to choose the density applied to the shape, which allows you, in our experience, to change its size without necessarily losing quality.
The only notable drawback is that the plugin applies the generated rendering as a property, which doesn't allow you to animate the rendering through Figma's Prototype section. However, don't worry—this can easily be worked around by using other plugins.
Today, we know that Figma lets you, from our experience, review all the colors of a selection and select every element sharing the same color. You can even tell a color apart from a layer style. Unfortunately, this feature only exists for managing colors. Indeed, it is currently impossible to have a similar behavior for managing text and typographic styles.
The "Select by Font" plugin lets us, from our experience, easily visualize all the typefaces used across a selection. Based on the information displayed, we can think through the changes we want to apply. This information can help the Designer make sure that every typeface is properly linked to the typographic styles of the Library that makes up their Design System.
This plugin removes the difficulty of finding and selecting text that can cause problems when maintaining a Design System or a simple interface.
The first column of the plugin's results lets you, from our experience, quickly see whether a text element is attached to a text style or not. The advantage is that if it is, you can switch styles or, failing that, attach it to an existing style.
The font name lets you, from our experience, see whether your entire selection uses a single typeface or whether there are discrepancies with the styles that should be applied.
Whether it's the size or the weight of a typeface, this will give you clues about the styles to apply to typefaces that aren't attached to a style. For example, if your "Body" typeface is set at 16px and some text has the same size, the same typeface and the same weight, you know you need to apply the "Body" style.
Even though no button is displayed, when you click on one of the rows in the plugin's results, a selection of all the text sharing the same properties will be made. It's this selection that will save you time when making your edits.
Even though this last feature is optional, it's no less useful and will let you see the difference between before and after editing. Some styles will be merged, and the results should reflect the actions you initiated.
Select a frame or a group of frames, then run the plugin to see the precise list of typefaces used in that selection.
Click on the font or style name to select all the text elements matching that style.
If you make changes to the font or the style, you can close the plugin window or refresh the selection to update the list of fonts.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which lets us, from our experience, validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our tests:
To conclude, I would say that "Select by Font" will give you one final check when designing your interfaces. It means, from our experience, no longer panicking the moment a text element loses its style. The only small drawback is that it works on a selection within a page and not across the whole document, so you'll have to do it page by page, but that shouldn't take you more time than it saves you.
Personally, I use it to make sure all text is properly attached to one of the library's styles, but also to massively switch from one text style to another. It's up to you to make it your own so it can save you time too!
Today, proportions are becoming increasingly important in interface design, as they bring a certain harmony throughout a page and make content reading more fluid. When you want to modify the size of an element while maintaining its proportions, the simplest approach is to use the "scale" function, which allows, in our experience, to modify the scale value of any element.
Unfortunately, it is often tedious to achieve the exact desired size. For example, to get a width three times larger than an element at 50px, we must do a little mental calculation to know where to stop with the "scale" function. Often the exact value doesn't come right away and you have to adjust by slightly moving the mouse to avoid getting 149px or 151px, but rather 150px.
The Scale plugin allows you, in our experience, to simplify and add certain options not present by default in Figma, to modify the scale value of your elements. For this, you just need to set it up to get the desired result.
Select one or more elements (frame or layers) as you wish to apply the same scaling change.
For the desired result, handle it in the best way. You can choose a fixed value based on width or height, or simply apply a percentage relative to the current size of your element.
In case your element is not in an auto-layout frame, you won't be able to choose the element's position after modification. That's why the plugin will allow you to choose an anchor point before applying the change.
After testing this tool on multiple client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in its daily workflow, which allows us, in our experience, to validate its effectiveness in real-world production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
For those who used Sketch before switching to Figma, the plugin's features will remind you of memories, but above all, it will allow you to regain your old habits. That's especially what motivated me to look for a plugin like this one.
In conclusion, "Scale" allows us, in our experience, to simply modify the scale of any element while offering us various options so that any designer can make it their own. "Scale" is the plugin to add and use whenever you want to quickly change the size of an element while keeping the basic proportions, no more calculations and approximate modifications
Today, we increasingly use Design Systems for designing our interfaces. A Design System comes with more and more text and color styles. Once in place, these styles are practical to use and typically save us valuable time. However, when it comes to updating them, it becomes either very complicated or very time-consuming and therefore tedious.
As with every problem, there's a solution! Batch Styler makes your job easier by modifying multiple text and color styles at once. No matter what value you want to change—bold or italic, line height or letter spacing—everything is possible. The "Find and Replace" function applies to all selected styles. Now it's easier than ever to rename styles.
Say goodbye to manually editing each style just to switch from "Roboto" typography to "Open Sans"!
Update multiple text styles and their properties in one go, for example their font family.
Update color styles by changing, for example, only their base hue, brightness, saturation, or hex values.
The "Find and Replace" function applies to all selected styles. Now it's easier than ever to rename styles.
Use the search bar to display only the styles you want to modify. If you use multiple font weights, you can simply target all "Light" styles and change the font weight to "Thin" or "Extra Light". Depending on your style structure, you can modify them even more quickly.
In my daily work, I don't often use the description part of styles. However, thanks to Batch Styler, you can update them. Simply select the relevant styles and add or edit their description. For example, select all variations of your "Small" headings and note their usage in your design.
Everything's in the title! Need to delete multiple styles? Select the styles, click Delete Selection. Done! That's a huge time saver, isn't it?
Select all the styles you want to modify, then edit their values. Font names and weights are assigned. Let's say a weight isn't found—the plugin will tell you which weights are available so you can reassign the new weights.
Select all the styles you want to modify. You can use CMD + A on Mac or Ctrl + A on Windows to select all styles. Enter the part of the style name you want to replace in the "Find" field, and enter the new value in the "Replace" field.
For example, if you want to change all styles "Heading 1 / Light", "Heading 1 / Regular", and so on to "H1 / Light", "H1 / Regular", you need to enter "Heading 1" in the "Find" field and "H1" in the "Replace" field.
You can also modify (in bulk) the descriptions of styles. To do this, simply select as many styles as you wish and enter the desired description in the Description field. Leave empty to delete.
Select all the styles, then click the "Delete Selection" button. Done!
Batch Styler is built by Jan Six and distributed through the Figma Community and his own site, jansix.at — both link to the same plugin, so there's no separate "official" edition to track down. Its code is also public on GitHub, which is unusual for a Figma plugin and worth knowing if you want to check exactly what it changes before running it on a shared library file.
The gain is proportional to the size of your style library. On a handful of text styles, editing them one by one is fine. Past a few dozen — the point where most design systems land — a single font-family swap across every heading style stops being a five-minute job and becomes exactly the kind of task Batch Styler is built for.
After testing this tool on several client and internal projects, we can confirm that it meets the needs of professional designers. Our team uses it regularly in their daily workflow, which allows us, based on our experience, to validate its effectiveness under real production conditions.
Points tested in detail:
In the interest of transparency, here are the limitations we identified during our testing:
In conclusion, Batch Styler offers us, based on our thorough testing, many features that meet a real need: to work faster and more efficiently. By enabling bulk processing with basic style properties, each person can implement a logic based on their needs. A considerable advantage if you work as a team!
Batch Styler is part of a group of plugins that I use when creating all the text styles of my Design System. This tool has truly helped me improve my efficiency and productivity. Don't hesitate to subscribe—more plugins will be presented and explained in detail soon!